インサイド

Architecture：館の構造を活かした2部構成　展覧会の会場となったのは100年以上の歴史を持つ表慶館。明治末期、建築家・片山東熊により建てられたネオバロック様式の歴史的建造物は、国の重要文化財にも指定されています。展覧会は館の特徴でもある左右対称の構造を活かし、建物右側に位置する第一部では、「カルティエと日本」、左側の第二部では「カルティエ現代美術財団と日本のアーティスト」を紐解く二部構成で、メゾンと日本を結ぶさまざまなストーリーを多面的に伝えます。内装は世界中の美術館や展覧会のデザインを手掛けてきた「スタジオ アドリアン ガルデール（Studio Adrien Gardère）」が担当。日本文化と美学に対する敬意と、表慶館の伝統的な意匠への称賛を反映させ、セクションテーマに沿う素材選びやデザインで、一つ一つの展示作品を際立たせています。Right Wing：日本がカルティエにもたらした影響Room 1 　正面右のセクションでは「カルティエと日本」をテーマに、アーカイヴピースや文献を通して、伝統的な形状や紋様といった物質的なモチーフから、日本人に根付く精神性まで、日本がいかにカルティエのクリエイションに影響を与えてきたかを浮かび上がらせます。　最初の部屋では1898年からメゾンの事業経営に参画し、美術品のコレクターとしての一面も持ち合わせていたルイ・カルティエが収集した200点以上に及ぶ日本美術のコレクションから着想を得て制作されたピースを展示。そのなかには神社の建築を想起させるミステリークロックをはじめ、印籠の形をしたヴァニティケース、結び目や染めに用いる際の型紙の波模様や鱗模様のブローチといった貴重なコレクションから、小紋柄をフェイス部分にあしらった今年発表されたばかりの新作ウォッチまで、100年以上前から日本の伝統的なモチーフがカルティエのクリエイションに影響をもたらし続けていることがわかります。Room 2　カルティエの重要なインスピレーション源の一つでもある動植物。メゾンが独自に生み出してきたフォルムの探究は、自然を賛美する日本の美学からの影響が大いにあるといいます。亀や鳥、トンボや蝶、そして日本古来の藤の花においてはメゾンのレパートリーとして繰り返し登場するモチーフです。ここでは杉本博司の「春日大社藤棚図屏風」（2022年）を囲うように、自然界から着想を得たジュエリーが展示されています。Room 3 　階段を上がった2階の部屋では、これまでカルティエが5度にわたり日本で開催してきた展覧会を遡りながら、メゾンと日本の関係性を掘り下げています。1988年、表参道のスパイラルホールで行われた展覧会を皮切りに、1995年の東京都庭園美術館、2004年の京都・醍醐寺に続き、2009年は同じく表慶館で「Story
of... カルティエ クリエイション～めぐり逢う美の記憶」展が開催。さらには2019年、国立新美術館での「カルティエ、時の結晶」展も記憶に新しく、その時代に沿うコンセプトや展示方法で多くの人にメゾンの魅力を伝えてきました。ここでは、それぞれの展覧会を象徴する「カルティエ コレクション」所蔵の貴重なピースが日本に再集結しています。Room 4　右セクション最後の部屋では、原宿のパレ・フランスに日本初のブティックをオープンした1974年から、カルティエの日本での歩みを当時の出版物やキーパーソンへのインタビュー動画、メゾンのアイコンジュエリーやウォッチを題材にした日本人アーティストたちとの協業作品、日本独自のプロジェクトを振り返ります。なかには、2017年にタンク ウォッチ100周年記念で香取慎吾が描き下ろしたアート作品や、2022年に「サカイ（sacai）」の阿部千登勢によって新たに解釈された「トリニティ」コレクションなども見ることができます。Left Wing：カルティエ財団により広がるアーティストコミュニティの輪Rotunda 2F　2階の右側と左側を繋ぐブリッヂ部分には、画家の横尾忠則が日本人アーティストを中心に描いた20点のポートレートシリーズが展示。カルティエ現代美術財団（以下、カルティエ財団）が長年にわたりコラボレーションしてきたアーティストたちを横尾独自の視点で描き上げています。2014年から続くプロジェクトに今回新たに3点の作品が加わり、カルティエ財団が日本人アーティストと築いてきた"コミュニティ"の広がりそのものを表しています。　1984年に非営利団体として設立されたカルティエ財団は、アーティストの発掘・再発見を目的にこれまで数々の日本人アーティストの発表の場と機会を提供してきました。駆け出し時や国外で活動したことのないアーティストの作品、すでに名の知れたアーティストの新たな一面を紹介し、展覧会の支援、コミッションワークの制作依頼、作品の購入といった、アートとアーティストの価値を高め、社会と繋げるプラットフォームとしての役割を担ってきました。Room 5　カルティエ財団が考える芸術分野は多岐にわたり、写真、絵画、建築、彫刻、映像といった作品のほか、ファッションの領域にも広がりを見せます。1998年にカルティエ財団によりパリで開催されたデザイナー三宅一生の「Making Things」展では、衣服のフォルムがいかに刷新・再発明されるかという視点を提示し、脚光を浴びました。ここでは「一枚の布」という「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」の服づくりのコンセプトを表現したインスタレーションや、「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ（PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE）」のデビューシーズンとなった1994年春夏コレクションのピースが並びます。Room 6　写真にフィーチャーした部屋では、カルティエ財団と継続的な関係を築いてきた日本写真界の巨匠である荒木経惟、森山大道、杉本博司の3名の作品をはじめ、川内倫子の232枚の写真を組み合わせたスライドショーや巨匠 ウィリアム・エグルストンが切り取った京都の風景などの写真作品が展示。1階と2階を繋ぐ左右の階段にはそれぞれ、現代美術家 束芋によるビデオインスタレーションが映し出されています。 Room 7　北野武もカルティエ財団と縁の深い現代アーティストの一人。自由な概念により生み出されるカラフルで独創的な作品からは、芸人や映画監督など多彩な分野で活躍してきた北野武のアーティストとしての一面を垣間見ることができます。ここでは新作を含む2018年から2023年に制作された絵画が展示。　また、左右の小部屋では、1から9の数字が回転しながら暗闇の中に浮かび上がり時間と無限空間を表現した宮島達男のインスタレーションや、森山大道のモノクロ作品を2冊の本に見立てたスライドショーが没入感のある展示方法で公開されています。Room 8　幅広い芸術表現を持つ北野武の創作対象は絵画だけに留まらず、彫刻オブジェや、分野を越え、数学ゲームを考案するといったユニークなアイデアまで広がります。その多くがカルティエ財団とのプロジェクトの中で生み出された作品であり、創作の自由を提供するカルティエ財団とその機会を忌憚なく活用する芸術家が育んできた絆の深さを物語っているかのよう。　カルティエ財団では北野武のほか、現代アーティストの村上隆や松井えり菜、建築家 石上純也の個展開催や、書籍の出版といった芸術家に必要な活動を支援してきました。展示棚に並べられた作品や書籍は、カルティエ財団とアーティストとの尽きることないクリエイティブな対話がこれからも継続的に続いていくことを示唆しています。Rotunda 1F　展覧会の入り口でもあり、出口でもある左右を繋ぐ円形広間の一面に展示されているのは、本展のために制作された現代アーティスト澁谷翔の作品「日本五十空景」。彼もまたカルティエ財団のコミュニティに今回新たに加わったアーティストの一人。カルティエ財団との出会いのきっかけはインスタグラムだったという澁谷は、今回の制作にあたり、歌川広重の「東海道五十三次之内」を着想源に、変わりゆく時代のなかで今も昔も共通する「空の景色」に着目します。広間を飾る50点からなる一連の作品は、約1か月にわたって訪れた47都道府県の空の景色を描き出したもの。それを1点ずつ各地方新聞の一面に掲出するという壮大なプロジェクトは、朝昼晩と過ぎゆく時間の移ろいを儚い色彩で描き出し、過去、現在、未来といった展覧会のテーマにも通づる連続性を表現。本展を構成する2つの並行するストーリーを「結ぶ」役割を果たしています。ここでしか手に入らない限定グッズも　ミュージアムショップでは、展覧会を記念した特別グッズが登場。澁谷翔による淡いピンクとブルーのグラデーションをバックに、グラフィックデザイナー野間真吾が手掛けた「結」のタイポグラフフィーがモダンにデザインされた展覧会のメインヴィジュアルがプリントされたトートバッグ（3960円）をはじめ、ノートブック（1650円）やポストカード（220円）、図録（5000円／いずれも税込）などが販売され、展覧会の余韻に浸ることができます。　そして会期中、入り口付近では祝休日限定で「カルティエ ワゴン」が登場。「YOUR STORY with Cartier」の取り組みのひとつとして、ご自身とカルティエにまつわるエピソードを投稿すると、絆の証をして花が贈呈される特別なイベントを開催しています。カルティエの輝きに身を包んだ豪華ゲストたち　約1ヶ月にわたる展覧会の開幕に先立ち、6月10日にオープニングイベントが開催されました。会場には北野武、松嶋菜々子、香取慎吾、鈴木保奈美、江口洋介、戸田恵梨香、賀来賢人といったカルティエと縁のあるセレブリティや参加アーティストなどが、華やかなメゾンのウォッチやジュエリーをまとって来場。展覧会の開催を祝いました。

カルティエと日本が歩んできた50年の軌跡、『結 MUSUBI』展 完全ガイド

インテリ一家に生まれ、絵でしか勝てなかった　台風のような女——と周囲からは評されているらしい。29歳のチョーヒカルは、そのチャーミングな外見からは想像できないほどバイタリティに溢れ、同時に冷静で繊細な面も持ち合わせている。それは彼女のユニークな作品性とも重なり合う部分だ。　東京生まれのチョーは、幼い頃から絵を描くことが好きな子どもだったという。「少しでも放っておくと木に登っちゃうような子どもで、絵を描かせる時だけ大人しく座ったので、母が絵画教室に放り込んだそうです」と語る。「私以外の家族が全員、頭いいんですよ。みんな東大の院とかまで行っているインテリ一家で。自分が唯一、抜きん出ていたのが絵。いつの間にかそれしか選択肢は残っていなかった」。カサカサの作品なんて面白くない　チョーの家族はアートにまったく興味がなかった。「まだ実家に住んでいた大学生の頃、家族共有のパソコンにボディペイントの作品を保存していたんです。私がデスクトップにぐちゃぐちゃに配置していたのを、ある日父がまとめてくれていて。そのフォルダ名が『グロテスクな絵』——そういう感じです、うちの家族の反応って」と笑う。　とはいえ、グロテスクな要素はチョーの作品にとって大切な要素でもある。「ちょっとグロい感じの生々しさがあるヴィジュアルが好きですね。ツブツブしているとか、内臓っぽいとか。カサカサの作品を見ても別に面白くないから（笑）やっぱりシズル感が大切」。物覚えが悪いから、いつも手にメモしていた　ボディペイントを始めたのは、日常の延長線上だった。「私、ものすごく物覚えが悪いんです。メモしてもその紙をなくしちゃうから、ずっと手にメモしていて。だから身体に絵を描き始めるのも自然な流れでした。絵の具を使って描いたのは19歳の時。一番最初に描いたのは目でした」。　あまりにもリアルなクオリティに、CGや特殊メイクと見間違う人も多い。「私は絵を描く行為が好きなので、シンプルな技術で作った方が意味がある気がしています。CGはかっこいい技術だと思うんですけど、何でもできちゃうじゃないですか。私は、絵の技術だけで質感や立体感などを表現するのもいいかなと思っています」。思いがけずSNS上でバズってしまう　武蔵野美術大学では視覚伝達デザインを専攻した。「グラフィックや広告といったデザイン分野の、視覚を使ったコミュニケーション全てを学ぶんですけど、絵を描く生徒はいませんでした」。ボディペイントが注目されたのは、本人がSNSに投稿した写真がバズったのがきっかけだった。「現役美大生のボディアートがすごい」「メイクが創造的すぎる女子大生」とあらゆるメディアで取り上げられ、一躍時の人となる。「知らないうちに人気が出ちゃって、どうしたらいいか分からない。いっそのこと全部やめてしまおうかな、と悩んだ時期はありましたね」。　それでも続けたのは、身近な人からのアドバイスだった。「教授に『やめるのはいつでもできるから、世間が求めるものを学ぶためにも続けた方がいいよ』って言われて『じゃあ、できる限り続けようか』と思ったんです」。「君の作ったものはゴミ」と言われて奮起　その後、展覧会が開催され、作品集も出版。多くの仕事が舞い込んだ。しかし、求められることに応えるのに必死で、チョーはだんだん閉塞感を覚えるようになっていく。「同じようなクオリティで作品を作り続けることはできる状態だったけれど、それ以上に“仕事”になってしまっていて。自分が『これはいいじゃん』と思える作品なんて二度と生まれないかもって悩んでいました」。　そんなある時、作品制作のために滞在したニューヨークで、ある美術評論家に酷評されてしまう。「君の作ったものはゴミだから、辞めたほうがいい」——その言葉に一度は憤慨したチョーだったが、それを転機にニューヨーク留学を決意した。もう一度、芸術を学び直そうと思ったのだ。「自分を批判してくれない所では成長できないじゃないですか。当時、どこかでレベルアップのきっかけを掴まなきゃいけなきゃいけなかったんです。周りからは『今じゃない』と言われましたけど」。　翌年渡米し、ニューヨークのプラット・インスティテュート（Pratt Institute）で専攻したのはコミュニケーションデザインだ。「伝えたいことをちゃんと伝えられて、人を動かせるような作品を作りたいという気持ちがあって。メッセージ性の強いものを作れるようになりたいって思ったんです」とその理由を説明する。宇宙人のアバターで会話する空間　「今は『すごいな』とか『面白いな』よりも、一歩踏み込んだところを伝えられる作品が作れたらな、と思っています。それに関しては正直、ボディペイントじゃなくてもいいと思うので、最近関わった『プロジェクトエイリアン』はそういう作品の一つですね」。　「プロジェクトエイリアン」は、顔出ししづらい事情を抱えた若者がエイリアンのアバターに身を包んでVR空間に飛び込むという、NHKのドキュメンタリー番組（2022年9月放映、12月再放送）。トランスジェンダーや在日韓国人、無職、ホストといった一般の参加者が“現代社会の分断”を乗り越えるために交流を重ねていく。チョーは番組チームと共に企画・デザインを担当した。「元々は個人でひっそりとやっていたプロジェクトだったんですが、テレビ局の知り合いに企画書を持ち込んだんです」。顔の見えない相手だからこそ話せることも　それまで肉体そのものをベースに作品を作り上げることが多かったが、新しいプロジェクトでは逆の発想で同じコンセプトを踏襲している。「ボディペイントは皮膚の上に何かを描くことで『今まで見ていたもの』の意識を変えるじゃないですか。アバターも同じで、それを人に被せることで『今まで見ていたもの』への偏見が取り払われる装置なんです」。　その背景にあるのは、チョーのオンラインゲーム体験だ。「私、ゲーム内のボイスチャットも好きなので、アバター上でするコミュニケーションに可能性を感じます。深夜の2時に、一緒にゲームをしている見知らぬ相手とすごく深い話をしたりする時があって。匿名で、相手の正体が分からない状態でするコミュニケーションには不思議な自由さがあるというか」。オンラインゲーム上でアンチと直接対決　実際、日本生まれだが中国籍であることで、チョー自身が長年「エイリアン」のように感じながら生きてきた。「一人ひとりが違う人間であること」はチョーにとって重要な価値観。だが、そのことに理解が及ばない人間も多く存在する。　新型コロナウイルスの新規感染者数が急増していた2020年、留学中だったチョーは「日本の永住権を持っていても、海外国籍保持者は入国を禁止される」と聞いて一時的に帰国した。その時の心情を綴ったツイートに大量のヘイトコメントが書き込まれたのだ。　「『帰化しないなら黙ってろ』『中国人はどうせスパイだろ』みたいな言葉が投げつけられて、地獄のようでした。人間の未知のものへの恐怖と自己防衛心から来ているのもあると思うんですけど。『本当にお前の言ってることが正しいんだったら、説明してみろよ』みたいなDMまで届いたので、『説明します』と返信したんです」。　その後の彼女の行動には驚かされる。相手をオンラインゲーム上に誘い、プレイしながら帰化問題について語ったのだ。日本国籍を取得するには様々な条件や調査があること、日本に暮らす中で国籍を意識する場面があらゆるところに存在すること、そしてそれはアイデンティティに強く関わる問題であること——。すると相手は態度を改め、彼女に謝罪したという。相互理解へのアプローチも、非常にユニークだ。見た目をキュレーションする楽しさ　また、個人のアイデンティティを語る上で、外見の問題も重要だ。著作の中では赤裸々にルッキズムに対する思いを明かしている。「以前は、自分が持っていた『女はこうであるべき像』に必死に当てはまろうとしていたんです。自分はブスだから目立っちゃいけないし、社会の規範に合わせないと受容してもらえないんだと思っていました」。　だがニューヨークに引っ越してからは、肉体に対する意識の変化を感じたという。「多様なレプレゼンテーション（概念・イメージ）を目にして、自分の身体や顔の造形に対しても許せるようになりました。日本だと『脚が細くないのにミニスカートなんて穿いたら、みっともないって思われる』といった気持ちに左右されることが多いけど、アメリカだと明らかに誰も気にしていない。挑戦してみて『あ、意外と自分のミニスカート姿を醜いと思わないな』と思ったり」。　アートとファッションは近しい関係にあるようにも思えるが、チョーにとって後者を楽しめるようになったのはごく最近のことだという。「ファッションの方が、より自分と外の世界を繋げる部分なのかもしれないですね。今は『自分がやりたいこと』と、『外から見て良いと思われるだろうもの』をうまくキュレーションして服を選んでいるので、パズルみたいで本当に楽しいです」。身体は、自由なキャンバス　取材当日、チョーは4時間かけて作品を完成させた。ボディペイントを制作する際、まずネットでモチーフをリサーチし、それらをiPadで確認しながら筆を進める。「描いたことのない物を描くときは、できるだけたくさん画像を集めます。本物を見ながら描くのが一番ですけど、なかなか叶わないので」。最初は軽く輪郭を取り、様々な距離や角度から確認しながら描き進めていく。　「今回のテーマは、二面性を表す作品シリーズの中で思いついたものです。花って美しいものだけど、美しいものほど毒があったりする。それで毒のある花を調べて、体内で繁殖しているイメージを作りました」。骸骨の内側から覗くイヌサフランという花は、アルカロイド系の有毒植物。誤って摂取すると下痢、嘔吐、皮膚の知覚麻痺、呼吸困難などを発症し、重症の場合は死亡することもあるという。　チョーにとって身体は「自分の好きなように表現できる場所」だという。「陳腐に聞こえるかもしれないけど、自分にとって身体はキャンバス。ボディペイントをする上でもそうだし、『身体にはもっともっと可能性がある』とも信じているので。この世には、みんなが『こういうふうに着飾るのが正解』と思うような美しさもあれば、それ以外の美しさもあると思うんですよね」。　今後の目標を尋ねると「2023年に発表したい本が3冊あるんです。あと、日本とニューヨークで作品を展示できる機会を作れたら。それに合わせて新作もいっぱい作りたいな。“楽しく絵を描いて死んでいく人生”の基盤を作りたいと思っています」と笑顔で語った。彼女のクリエイションは、これからも世界の様々な偏見や分断をポジティブなものに変えていくに違いない。

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アーティスト・チョーヒカル　エイリアンな私たちを繋げる世界【連載：BODY MAGIC】

そもそもアーティスト・イン・レジデンスとは？　アーティスト・イン・レジデンスは「作家滞在型制作」とも呼ばれており、その名の通り、一定期間ある土地に作家が留まり、リサーチ、制作、発表までを行うことを示すが、必ずしも作品制作と紐づかず「滞在そのものを目的とする場合も含まれる」と谷氏は説明する。言い方を変えれば、滞在さえすれば「アーティスト・イン・レジデンスである」と言い切ることもできる。その種類も多種多様で、一般的なイメージの通り、ある種のコンペティションを通過した作家をサポートするプログラムから、ゲストハウスなどを運営する個人や小規模な民間団体が宿に作家を優待し、宿泊条件としてその場所での文化活動や成果報告を義務付ける「マイクロレジデンス」など様々だ。バリエーションは今も広がっており、アーティスト側もより魅力のある地域を求めている。中には実費を払ってでも滞在したいという作家もいることから、奨学金型でフルサポートされるアーティストのほか、自費で参加するアーティストもいる。　アーティスト・イン・レジデンスの定義で言えば、「アーティストが国境や文化の違いを超えた非日常空間に身を置き、異なる歴史的背景の中で現地の人々と交流することで生まれるアイデアやインスピレーションを制作の糧としていく活動だ」と谷氏は話す※。※独立行政法人国際交流基金情報センタープログラム・コーディネーター菅野幸子氏の提言を引用。　起源は17世紀のフランス。王立アカデミーが若いアーティストを青田買いし、欧州各国への研修を促していたことに起因する。留学とも言える制度が原点となり、若手アーティストを育成するシステムが各国に広がっていったという。「アーティストの移動」という活動そのものが広まる形で形成された同活動は、当時のアートシーンの勃興に大きく貢献。歴史を振り返ればアーティスト・イン・レジデンスにコンペティションやアーティスト支援の要素が入っていることも頷ける。一節によると、ローマのシスティーナ礼拝堂の天井画を描いたことで知られているミケランジェロも現在でいうアーティスト・イン・レジデンスの体裁をとっていたとされており、14世紀からその源流はあったのかもしれない。ワーケーションとの違い　アーティストを他国に派遣することで生まれる新たな価値創成への期待感がバックボーンになり、現代まで継続しているアーティスト・イン・レジデンス。現在、似たような意味で「ワーケーション」という言葉が用いられることもあるが、ワークとバケーションの合成語である同語は、アーティスト・イン・レジデンスの持つ「滞在そのものが目的」という意義からは逸れる。「環境を変えることで新しい活力を得ていくという部分はワーケーションやサバティカルとも似てはいるが、アーティスト・イン・レジデンスは作家が滞在すること自体が制作の一過程である」と谷氏は付け加える。アーティストは基本的にはゼロベースで作品を生み出します。その環境に行くことが技術取得のスタートであり、環境の中で自分自身の経験値を上げ、新しい成果を上げていく。つまり、情報を知り得ていく中で技術を習熟し、アウトプットをしていくので、リサーチと制作を切り離すことは困難なのではないでしょうか。「都市圏で仕事をする」と「他の地域で仕事をする」は切り離し可能で、自分のいる場所が仕事に影響を及ぼさないのがワーケションの良さだと思っています。何を「ここではない場所」に期待するかによって呼び分けがなされていると感じています。　日本国内で歴史あるアーティスト・イン・レジデンスのうち代表的なものは、1994年にプレ事業を始め、1995年から本格始動した茨城県主催の「アーカスプロジェクト」、続いて1998年に立ち上がった山口県に位置する「秋吉台国際芸術村」を谷氏は挙げる。運営する側のメリット　アーティストに場所を提供する側にも様々なメリットがある。特に日本国内においては、地域活性化の起爆剤として注目されてきたという。地方行政が運営する場合、外部から新しい文化を持ち込む人がいることで、思っても見なかった化学反応が期待されているそうだ。つまり、その地に住む人々にとって当たり前だったことも別の視点から見れば稀有な物事もあり、外部から来た人々がそれらを再構築することで自分たちが持っていた文化的資源、あるいは資源とも思っていなかったものに対して新たな価値付けがなされる場合もあるということだ。また、多くの地方で高齢化が進んでいることもあり、そこに"若い人"が飛び込んでいくことはそれだけでも新たな交流の担い手として機能するだろう。　事業者が運営する場合のメリットとしては「アーティストを支援している、というある種のブランディングとして発信することができる」と谷氏。あるいは、アーティストが滞在し作品を残したというストーリーそのものが場に継承され、その"遺物"をきっかけに新しい顧客にリーチする可能性もあるだろう。また、利用者同士のネットワークの活性化は行政と同一で「新しいものについてのプレゼンテーションを行うことで、異なる業種の人が興味を持ち、更なるコミュニケーションの伝播に繫がる」とし、続けて「全てのメリットは"アーティスト・イン・レジデンスを行うと楽しい、というシンプルな結論に帰着するのでは」という経験に基づいた独自の見解を示した。知らない人、ジャンルの違うアーティストや人物と話すこと、そして彼らが訪れることは単純にコミュニケーションが活性化したり、マンネリズムに対して新しい発見ができるので楽しいです。あまり語られてはいませんが、重要なことだな、と。この楽しさが何に紐付いているかと言うと、アーティストが別のところから突然やってきて、異文化を伝えてくれるということが自分の街で起こりうる、という喜びに繋がっていくから。地元の文化や地域資源が停滞していると思っている人こそ、そういった点に面白みを感じるのではないでしょうか。アーティスト側のメリット　アーティスト側のメリットは「ダイレクトに繋がっている」ということが挙げられるだろう。一方で「アーティスト・イン・レジデンスを運営している事業者や行政が作品制作を目的にしていないこともある」と谷氏は指摘する。滞在することに意味があるという特性上、作品制作ではなく、その前段階であるリサーチ目的での滞在を促しているところもあるそうだ。コロナ禍で注目を集めたアーティスト・イン・レジデンス　具体的な例をあげると、三重県伊勢市のワーケーション「クリエイターズワーケーション促進事業」がある。6泊から最大13泊まで出来る場を提供し、その成果としてメディアプラットフォーム「ノート（note）」に掲載するだけでいいという取り組みだ。谷氏は「成果を求めず、首都圏からも程近い短期滞在型のアーティスト・イン・レジデンスの好例」と形容する。結果的には132人92組のクリエイターが参加し、業界内で大きな注目を集めた。伊勢市の事業は2020年に実施。コロナ禍での募集であったが「アーティスト・イン・レジデンス」というワードを見かけるようになった時期とも重なるだろう。谷氏がシンポジウムで伊勢市の同事業担当者に話を聞いたところ「まずはとにかく一度伊勢市に訪れて欲しい、と。コロナ禍だったため、大人数の観光は憚られるかもしれないが、一人で訪れ、宿に泊まっているだけであればリスクも少ない。ただ泊まってもらうだけでも伊勢市の良さは伝わるという考えの基『成果物は何でもいい』という結論に至った」。コロナ禍で移動することや、都市に過密集中することの不信感、先行きのなさは世間の人が共通して感じていた不安だと思います。しかし、違う環境にいても仕事ができるという見直しが進んだのも事実です。場所を変えることの期待感もあいまってアーティスト・イン・レジデンスが知られるきっかけにもなった。また、国際的なフィジカル交流が封じられていたこともあり、地域間交流が活発化しました。海外ではなくても、面白い場所はあるし、交流もできるんですよね。ファッションデザイナーはアーティスト・イン・レジデンスに参加できるのか？　谷氏は「アーティスト・イン・レジデンスの対象者はファッションデザイナーも当てはまる」と話す。しかし応募件数に関してはまだ少なく「ファッション業界での認知度はマイナーなのでは」と続ける。所謂「ヴィジュアルアート」と呼ばれているもの中には服やファッションも含まれているという認識です。しかし、応募件数を考えてみてもまだまだ少なく、もったいないなと思うのが正直なところです。　デザイナーからの募集が希薄な理由については「『みんなが欲しいと思う服の対価としてお金を支払う』というユニバーサルな価値観に基づいたマーケットに紐付いているからではないか」としながらも、その既存の価値観に疑問を持つデザイナーこそ参加する意義があると谷氏は続ける。先ほどからの流れから分かる通り、むしろユニバーサルではないものがアーティスト・イン・レジデンスには重要で、今まで「これが普通だ」と思っていたことを再解釈し、別の価値を当てることが必要です。そういった点から、コロナ禍での停滞ムードで「環境の変化を求める着方」「振る舞い方」を提案しようとしているファッション従事者はレジデンス事業に向いていると思います。これからのアーティスト・イン・レジデンス「歴史や文化を上塗りしないために」　異文化が行き交うアーティスト・イン・レジデンスには双方にメリットがあるが、過渡期であるが故に懸念しなければならない点もあるという。それは、目を背けたい歴史に蓋をしてしまうことだ。例えば、青線地帯や情勢が不安定だった歴史を持つ土地のイメージチェンジを目的とした取り組みはいくつもあるが、それはある種の排除性に繋がると谷氏は指摘する。社会的な批評性をスポイルしてしまうという要素があることに自覚的でなくてはなりません。ヨーロッパを中心に広がったアーティスト・イン・レジデンスですが、資本的に恵まれない地域で事業が行われ、アーティストの成果がその土地により良いものを残すためにはその土地に暮らす人々との対等な交渉が大前提です。当たり前のことと感じるかもしれませんが、昔からあった文化を消費したり奪ってしまうのは本末転倒です。一方で、地域性は資本とのバランスの中で必ず不均衡が生じてしまうものでもあると思っています。だからこそ、ジェントルにやっていくしかないのです。　継承されてきた文化をどれだけリスペクトできるか、捉えられてきた歴史との差異を読み取った誠実なコミュニケーションがアーティスト側にも行政側にも求められる。貰ったものに対しての会話を絶やさないこと、成果物は作った人だけに依拠するものではないと考えます。難しいこととは思いますが、これからレジデンス事業を考えている人には是非気に留めといていただければ、より良いブランディングにも繋がると思いますし、本当の意味でのソーシャルグッドになるのではないでしょうか。　アーティスト・イン・レジデンスの新たな展開に期待が高まる。（企画・編集：古堅明日香）

最近よく聞く「アーティスト・イン・レジデンス」とは何なのか

Designer Profile佐藤百華文化服装学院卒業後、ベイクルーズにデザイナーとして入社し、ファッションコンテストでの受賞を機にイギリスへ留学。帰国後アシードンクラウドでウィメンズのデザインを担当する。宮崎文化服装学院卒業後、イトキンにニットデザイナーとして入社。その後イギリスでファッションデザインを学び、帰国後にデザイナーズブランドでニットアイテムのデザインを担当する。Instagramまず、私たちのこと　宮崎と私は、現在「HUNDRED FLOWERS PROJECT」と題したデザインプロジェクトを行っています。プロジェクトでは魅力的なお仕事や生活をなさってる方から、過去の大切なお話を伺い、記憶の花のレースの編み手と織り手として、大切な記憶を守って新しい未来に導く修道服（守導服）を作り、お贈りしています。　プロジェクト第1弾では、イラストレーターのMomoko Nakamuraさんにお話を伺いました。幼い頃からお母さんとおばあさんと彼女の3人で姉妹のように一緒のお家で暮らしたり旅行に行ったりして過ごしたことから、2人にとても影響を受けたという彼女。イラストレーターのお仕事をしているのも、お母さんが同じお仕事をしていることが影響しているそうです。　昨年おばあさまを亡くされ、彼女と彼女のお母さんで棺桶に絵を描いてお見送りしたというお話などを伺い、そんな素敵な3人の関係性をこれからも三位一体となって身に纏えるよう、3つのアイテムで1着のドレスのように着られる服を作りました。話してくださった記憶にその後の未来に繋がりそうな曲を添えてカセットテープもお贈りしてます。先輩デザイナーoyuiさん、ブランドを立ち上げるためには何が必要ですか？　新ブランド立ち上げの第1歩として、初回に若手デザイナーでブランドだけでなく古着屋なども営み、様々な活動をしている「シーロン（SIIILON）」のデザイナーoyuiさんに相談しました。展示会準備にあたりどういったことをするべきかや、今後ブランドを続けるためにどういった工夫をするべきかなど、これからの私たちの活動の参考となるお話を聞いてきました。ーブランドを始めるまでの経緯を伺いたいです。　そもそもシーロンは牛山（牛山正英）と一緒に始めたので、デザイン、生地、付属、パタンナーさんとのやりとりなどは私。その他の仕事を彼が担当するといった感じです。いきなり2人でブランドを始めるのは金銭的にも難しかったので、立ち上げ当初は彼は違う職種で働きながら、休日にブランドの準備をしてもらっていました。半年かけて準備したのですがあっという間でした。ーデビュー時は何型発表したんですか？　私は当初、厳選したアイテムしか作りたくなくて、8〜9型位で考えていたんですが、牛山はコレクションブランド出身なので30型ほど作るべき、と。最終的には20型程度だったはずです。その時は忙しすぎて、覚えてない事が多くて（笑）。ー資金はどうまかなったのですか？　ブランドを始める前までのお仕事で貯金をしていたのでそれを使いました。サンプルも全て工場などに依頼して作りましたが、工夫して予算内におさめることができました。ーはじめての展示会を色んな方に見てもらうために何か工夫したことはありますか？　特別なことは何もしませんでした。ただ、2年半ほど古着屋さんで販売員として働いてた時期があったので、その時に自分やブランドに興味を持って頂いて、はじめての展示会には多くのお客様がいらして下さいました。Instagramがちょうど流行り出していた時期だったので、SNSでの拡散などもしてもらえて。今思うととても幸運だったかもしれません。ーブランドのデザイナーでありながら古着屋＆セレクトショップのAPRILも並行してやっているという事にとても興味を持っているのですが、二足の草鞋になった理由は何なんですか？　自分が持っているシーロンのイメージと、買ってくださる方のシーロンのイメージに少しギャップがあるなと感じていたのがきっかけです。ブランドコンセプトにもあるように100年後にヴィンテージのアイテムとして残っていて欲しいという思いが根本にあるので、APRILはブランドのバックボーンを説明しなくても感じてもらえる場になればと思い運営しています。これからも興味があることが出てくれば、服だけに限らず色んなことに挑戦するつもりです。ーファーストコレクションでのデザインで意識したことはありますか？　ファーストコレクションってすごく特別なコレクションですよね。全てのアイテムが120％可愛いと思うものが作れるのがファーストコレクションだなって。定番とか売れそうなものというものに、私はつまらなさを感じてしまうので、どんな人に着てもらいたいかを一番に考えた上で作ることが大切だと考えています。デビューの時は、その後ブランドをどう続けていくか考える方が大切かも。ー何かアドバイスがあったら伺いたいです！　始めたばかりの段階で、何か気をかけてくれたりお取引をしてくれる方々を、本当に大切にした方がいいと思います。私たちは始めた時から、ほとんどの生地を同じ会社にお願いしています。始めたての時期って相手からしたらメリットがない事ばかりなのに、それでも助けてくれたからこそ、感謝しながら少しでも恩返しを出来たらなと思っています。まとめメモ　初めての展示会を行うまでの事を色々と詳しく教えてくださったのはもちろん、何事に対してもパワフルに挑戦し続けていて、関わる全ての方に思いやりを持って関係が続くように行動してるoyuiさんの人柄があってこそ、ブランドも愛されているんだなとインタビューを通して知ることができ、学びもたくさんありました。　私たちがこれから作るブランドも、様々な方から愛されるようになって欲しいなと思います！　次回は桐生で生地屋探しの旅です！連載：デザイナー奮闘記・まず何から始める？先輩デザイナーへの相談篇・どこでオリジナル生地を作る？機屋探し篇・ブランド名はどうやって決める？事業計画編・展示会で何を発表する？サンプル作りのフロー・ブランドロゴはどう作る？グラフィックデザイン編・ルック撮影はどうやる？展示会準備編

SIIILON

Fashion

【連載：デザイナー奮闘記！新ブランドが出来るまで】まず何から始める？先輩デザイナーへの相談篇

懐かしくて新しい「日本の家」　「NIHON NOIE PROJECT」は、誰もが心の中に持つ原風景や原体験、和の豊かさや魅力を再解釈し、"新しい和"を提案するプロジェクト。Doliveが以前から表現したかったという和を、クリエイターとコラボレーションしながら現代のカルチャーと掛け合わせ、自由な形で表現する。　プロジェクト第1弾となる「NIHON NOIE PROJECT by SOU・SOU」は、日本の四季や風情をポップに表現したテキスタイルデザインで知られるSOU・SOUとコラボ。壁紙や備え付けの家具などに、オリジナルパターンのテキスタイルを採用した。　また、様々なカルチャーに精通した株式会社社外取締役の3人、建築家・起業家の谷尻誠、ビームスで活躍するコミュニケーションディレクター土井地博、そしてBETSUDAI Inc. TOKYOの代表でマーケティングプロデューサーの林哲平が参画することによって各分野のアイデアを注入。これまでにない"日本の家"が完成した。モデルルームが大分の由布院に　最初のモデルルームが建てられたのは、全国でも有数の温泉地として知られる由布院。山々に囲まれ、野花が咲く土手に面し、近くに流れる小川のせせらぎが風情ある立地は、日本の原風景を見ることができる場所だ。　里山の景観に溶け込む木材を基調としながらも、特徴的なのは外観。片側が一階の高さまで下がった大屋根が印象を残す。　のれんをくぐった先の"通り庭"が土間へと続いていて、玄関から入った右手には"離れ"をイメージした和室。床の間や縁側など、昔ながらの和室を思い起こさせながらも、ポップな壁紙がアクセントとなっている。　キッチンは土間に設けられ、土間と居間の間にダイニングテーブルを設置。床の高低差を利用して腰掛けることができる。造作のソファが階段へとつながり、二階から土間を見下ろすことができるなど、意匠性と機能性を両立させた。　また、軒をくぐる時にかがんだり縁側や床に腰掛けるといった、日本的な所作に和の精神性が宿っていると考え、デザインに反映したという。「季節感」も大事な要素で、豊かな自然環境の中で季節の移ろいを感じられる由布院にモデルハウスを建てることで、土地そのものの魅力も同時に味わってもらえたらという考えだ。サウナ、緑茶、香りとともに愉しむ和の暮らし　4月上旬に開催された「NIHON NOIE PROJECT by SOU・SOU」のプレビューイベントでは、クリエイターらとのコラボレーションをさらに広げ、様々なコンテンツが用意された。　土手に面した庭に"離れ"のように設置された小屋は、谷尻誠が参画している「DAICHI」のサウナ。まるで茶室のような空間で、水風呂や外気浴ができるベンチも用意されている。　室内で振る舞われたのは、丸若裕俊が主宰する「EN TEA」が手掛けた緑茶。NIHON NOIE PROJECTとともに開発した大分カボス入りのオリジナルブレンドで、アイスとホット、そして茶葉を茶香炉で炊く香りの提案も。さらに、大分県の酒造メーカー三和酒類の「いいちこ」と、大分県産大麦を使用した「西の星」を合わせた緑茶ハイが提供された。　サウナで"ととのい"、緑茶ハイと香りでくつろぐ—— どこか懐かしく、暮らしまで想像できるような空間。「古き良き日本」や「和モダン」とは一味違う"現代の和"の愉しみ方や心地よさが、家を通じて表現されていた。　由布院の「NIHON NOIE PROJECT by SOU・SOU」モデルルームは、予約制で見学が可能。プロジェクトは今後も継続し、異分野とのコラボレーションにも取り組みながら、様々な形で「和を愉しむ暮らし」を提案していくという。

Lifestyle

「にほんのいえ」プロジェクト第1弾　大分由布院にクリエイターが集結しモデルルーム公開

Why Kyoto？　グッチの発祥の地、イタリア・フィレンツェ。イベントの舞台となる京都とは姉妹都市でもあり、長い歴史の中で豊かな文化が育まれた世界都市としての共通点も。グッチが今年の4月に発表したイタリア語で「空気」や「息吹」を意味する最新コレクション「Aria」に込められたストーリーを描くため、新しいものと古いものが共存し再生を繰り返している京都をこの一大プロジェクト開催の地に選んだといいます。会場となったのは、京都の街の中心にある町家と、東西にそれぞれ位置する2つの歴史ある寺院です。Ⅰ.Gucci Bamboo House @旧川崎家住宅　まず1つ目のスポットは、京都の中心部・新町通沿いの旧川崎家住宅で行われる体験型エキシビション「グッチ バンブーハウス」です。グッチ創設と同時期の1920年代に豪商の邸宅として建てられた川崎家住宅は、京都市の有形文化財でもあります。しばらくの間、時が止まったかのような空間が再び魅力を輝かせ、伝統的な京町家の様式と西洋の建築様式など古今東西の意匠が融合した空間は、折衷主義が色濃く反映されているグッチの世界観に調和。プロジェクトの軸となるコレクション「Aria」には「生命の再生」という意味も込められていることから、昔ながらの建物構造や素材を活かしつつ、グッチの歴史の節目をつなぐ「竹」にフォーカスした「バンブーハウス」として生まれ変わりました。今回のイベントで唯一、7月22日から予約制で一般公開されているパブリックイベントです。 　バンブーハウスの主役でもある、1947年に誕生したグッチを代表するバンブーハンドルのバッグ。このアイコニックなハンドルの形状は、職人が竹の地下茎をバーナーで熱し、カーブさせて作られています。戦後の物資不足の中で、ものづくりへの情熱とクラフトマンシップにより生まれたというバンブーハンドルは、グッチの精神と普遍的な美しさを内包したブランドの象徴の一つ。エキシビションではフィレンツェから取り寄せた1950年代〜90年代のアーカイヴ14点を展示しています。　過去から現在へと受け継がれるバンブーハンドルバッグ。その系譜を継承しているのが、1991年に登場しミケーレが現代に向けて再解釈した最新モデル「グッチ ダイアナ」です。ネオンカラーのカラフルなバンドは、ハンドルの形状を維持するために元々バッグに付属されていた保管用バンドからインスピレーションを得たもの。あえてデザインに取り入れることで、クラシックな中にも意外性というひねりを効かせているのはミケーレならでは。　大正浪漫のムードが漂うバンブーハウスには、一足早く特別なゲストが来場。俳優 永山瑛太さんの姿を捉えた撮り下ろしもCHECK！永山瑛太が巡る「GUCCI BAMBOO HOUSE」■ GUCCI BAMBOO HOUSE会期：2021年7月22日（木）〜 8月15日（日）会場：旧川崎家住宅住所：京都府京都市中京区新町通六角上ル三条町340時間：11:00 – 20:00 （最終入場は19:00まで）休館日：水曜特設サイト（事前予約制）Ⅱ. Gucci High Jewelry&Fine Watch @仁和寺宸殿　2つ目のスポットは888年建立、1994年に世界遺産に登録された仁和寺です。二王門をくぐり左手にある宸殿（しんでん）内で、ラテン語で「歓喜の庭」を意味するハイジュエリーコレクション「ホルトゥス デリキアルム」とファインウォッチの新作がお披露目されました。ミケーレにより2019年に始まったハイジュエリーコレクションは、「Aria」で3シーズン目。エレガントながらデコラティブで遊び心のあるグッチらしいデザインは唯一無二で、「Aria」では滝やアニマル、ロマンチックポエティズム、ナイトフォールという4つのテーマでコレクションが制作されました。　ハイジュエリーはパリのヴァンドームにある専門ブティックなど限られた機会でしか見ることのできない貴重なコレクション。この日のために京都に運び込まれた約90点のハイジュエリーは格式高い日本間にディスプレイされ、神秘性を秘めた輝きを放ちます。 Ⅲ. Gucci Aria in Kyoto @清水寺　そして3つ目のスポットは、京都一の観光名所・清水寺です。仁王門や西門、三重塔など境内の建物は「Aria」のコレクションで登場した架空のナイトクラブ「SAVOY CLUB」を彷彿とさせるピンクとパープルの照明でドラマチックにライトアップ。特別な一夜を盛り上げます。 　階段を登り進めると経堂・回廊・本堂・奥の院の異なる建物で最新コレクションの展示が続きます。キーインスピレーションとなった乗馬スタイルのアイテムや、話題を集めた「バレンシアガ（BALENCIAGA）」との"ハッキング"ピースなどが国内初披露。プロジェクションマッピングで投影されフォレストグリーンに染まった荘厳な堂内には、命が吹き込まれる様子を表したというミラーのマネキンが設置され、まるで幻影のようにコレクションピースが展示されました。 　3ヶ所で行われたパフォーマンスでは、新たな命を得て再生する様子や、心臓の鼓動を表現した舞を披露。昨年改修工事が終了し、"再生"したばかりの清水の舞台で「Aria」の印象的なフィナーレとも重なる「ユートピア」が、能や日本舞踊、雅楽といった日本の伝統芸能で表現されました。自然世界と深く結びつき、芸能を奉納する場所として作られた清水の舞台で、創造と再生のストーリーが描かれ、新たな始まりを告げます。　京都の街を"テイクオーバー"して行われた「Gucci in Kyoto」。限られた招待客を招いたスペシャルイベントには、特別な一夜に華を添えるセレブリティの姿も。フィレンツェと京都が生命の息吹によって結びつき、グッチの新たな100年への歩みが刻まれました。

GUCCI

グッチの新たな幕開け、3つのエキシビションから探る「GUCCI in Kyoto」の全貌

　デジタル上での発表は前回の2020-21年秋冬コレクションに続き2回目。今回のコレクションはある人物との対話から構想が始まった。彼女の名はローレン・ワッサー（Lauren Wasser）。モデルとして活躍していた2012年、ローレンは生理用品が原因でトキシックショック症候群を起こし、右足の膝下、そしてその約5年後には左足を切断する。デザイナーの中里は困難な状況下にあっても、強いメンタルでモデルとして復活する姿を今の時代背景に重ね、「これからの時代を象徴するミューズ」としてプロジェクトへの参加を依頼。数回に渡るオンラインでの対話の中から得たインスピレーションを服作りのプロセスに投影させた。　中里はまず、ローレンの採寸データをコンピューターに取り込み、数値的な情報を"布に記憶させる"という作業を行った。ローレンが愛するという自然から取り入れられた色彩を、江戸時代から伝わる着物など異なる布をつぎはぎにする手法「ボロ」のイメージで配色し、スパイバー開発の微生物発酵によって作られるタンパク質素材「ブリュード・プロテイン（Brewed Protein™）」の生地に印刷。液体に浸すと生地が縮んで形が変化し、体のラインに沿ったテキスタイルパーツが出来上がる。この最先端技術「バイオスモーキング（BioSmocking）」で制作された28枚のユニットを組み合わせ、ローレンの体型にぴったりと沿う一着のクチュールピースを完成させた。組み合わせ次第で8通りのピースに変化する構造で、完成形は、重力を感じさせない立体的なシルエットに仕上がった。これは中里が「記憶を可視化し、記憶など目に見えないものをまとう」姿を具現化したものだという。　ドレスの他に、クチュールピースとローレンのゴールドの義足に調和するシューズを制作。レースアップのシューズは、靴紐が義足と一体化している。ローレンは通常用とハイヒール用の義足をオケージョンによって履き替えるそうで、「自分の体を交換し、体自身をデザインしている」という行為に、中里は"ファッションの未来"を感じたという。　公式スケジュールに先駆けて国内メディアに向けて配信されたプレビューに参加した中里は「個と向き合うクチュールは、着る人のために仕立てられている。しかし昨今、服との関係性において距離が近いはずの"作る人"と"着る人"がかけ離れている」と話す。昨年7月、中里は前回のコレクションのテーマとなったオンラインオーダーメイドプロジェクト「Face to Face」を始動。来る2月には循環型の新オーダーサービスもスタートさせるという。既存の概念をアップデートし、1点物をもっと身近なものに一人一人に届けたいという"万人のためのオートクチュール"を目指す中里の挑戦は続く。

YUIMA NAKAZATO

MUZE

義足モデル ローレン・ワッサーとの対話から見えたファッションの未来「ユイマ ナカザト」21年春夏オートクチュール

　今回、普段からサステナブルファッションに関心があるというブルゾンちえみ改め藤原しおりさんとともに滋賀県大津市にある東レの瀬田工場に潜入。ユニクロのリサイクルダウンがどのように再生され新たな商品として生まれ変わるのか、その工程の一部をレポートします。藤原しおり1990年、岡山県生まれ。2013年に上京後は、ワタナベエンターテインメントカレッジに所属し、ブルゾンちえみとしてデビュー。2016年、後輩の2人組お笑いコンビ「ブリリアン」とユニットを結成し、ブレイクを果たす。テレビのほか、舞台やドラマに進出し女優としても活躍。2020年3月末をもって、芸人を引退表明し、芸名を藤原しおり（本名・藤原史織）に改名。最近では環境をテーマにサステナブルなライフスタイルや取り組みを積極的に発信している。インスタグラムでは230万以上のフォロワーを抱える。来春からイタリア留学を予定。　京都駅から電車で約20分ほどの場所に位置する瀬田工場。1938年創業の歴史ある工場にはテキスタイル・機能資材開発センターが併設されており、最先端の技術を駆使した繊維加工と商品開発が行われています。東レは2006年からユニクロの戦略的パートナーとして、これまでにヒートテックやエアリズム、そしてウルトラライトダウンといった看板商品の開発に携わってきました。そしてこの瀬田工場が今回の主役、リサイクルダウン製造の重要拠点となります。　自身でも最近、アパレルコラボに携わることがあったという藤原さんはデニムの製造で知られる岡山県出身ということもあり、ものづくりの段階からサステナブルな素材や方法で取り組んでみたい、と思っていたのだそう。　「サステナブルな服作りは自分でも興味のある分野だったので今日はすごく嬉しくてとても楽しみにしていました。工場の内部を見せてもらうことなんてそうそうないので目に焼き付けたいと思います！」と藤原さん。事前の説明を受け、安全のために帽子を被り、靴も履き替えていざ工場内へと向かいます。　工場の一角には全国のユニクロ店舗から回収されたダウン商品が段ボールに詰められ集積されています。広大な敷地には現在約50万着分の保管スペースがあり、昨年9月から今年3月の約半年の間に回収されたダウン製品の総数はなんと約62万着にのぼります。担当者によると当初は数が集まるか不安だったとのことですが、そんな心配をよそに全国から大量のダウンが集まりました。ウルトラライトダウンをはじめとするユニクロのダウンジャケットがいかに世の中に流通し、多くの人々の生活に浸透しているかということを物語っています。　「すでに大量のダウンがありますが、今後も回収は続けていくんですか？」と藤原さん。店舗でのダウン回収はクーポンなどを配布することでより認知を強化し、今後も継続して回収が進められるそう。日本だけでなく海外から届いたダウンジャケットも全て瀬田工場に集められ、将来的には保管方法を工夫し、物流や保管にかかるコストを削減していくといいます。　ここ瀬田工場では回収されたダウンジャケットの保管からダウンの抽出までの作業が行われています。検品、裁断、生地とダウンを分別する撹拌（かくはん）の工程を経て、洗浄・縫製のために海外へ輸送されるまでのステップを順にみていきましょう。STEP1：検品　段ボールに詰められたダウンジャケットはまず検品セクションへ運ばれます。ここでリサイクル不可の判別やポケットの中身の確認作業がスタッフの手によって行われます。1日に仕分けられる量は約3000～4000着。きちんと畳んで再び段ボールに戻されます。STEP2：裁断　異物などが混入していないことを金属探知機でも再度確認し、ダウン製品は一着ずつ丁寧に裁断機のベルトコンベアに並べられます。袖を広げてなるべく平らに置くことで、裁断の精度と効率が高まるそう。　工場内に響き渡るガシャンガシャンという大きな音。一瞬にしてダウン製品が均等な切れ端サイズに切断されます。ファスナーの装飾や縫製・接着部分は平面ではないにも関わらず、断面を見ると見事にスパッと切断されているのが分かります。いかに羽毛を傷つけずに裁断するのかが重要だそう。端切れとなったダウンは空気中に羽毛が舞わないようにケースで囲われたベルトコンベアで撹拌機へと移動します。STEP3：撹拌　大きな攪拌槽の中ではダウン・フェザーが風に煽られて舞っている様子が見えます。特殊な風力と動力によってナイロン地から羽毛を剥がし、生地とダウン・フェザーが分別されるのですが、まさにこの技術こそが肝。この "剥がす"という工程が一番の難所かつ一番の機密事項でもあり、残念ながら写真および詳細は企業秘密ですが、風量や風の向きに秘密があるのだとか。　ここまで高い分別の精度は従来手作業でしかできないとされてきました。ダウンジャケットは羽毛布団と比べダウン・フェザーの量が1着あたり約50gと少ないので労力がかかり、あまり効率的とは言えません。ですが東レはユニクロからのリクエストに応えるべく試行錯誤を繰り返しながら分別作業のオートメーション化に成功。まさに世界に一台だけの機械が開発されました。人が手で衣類の羽毛を取り出す場合の作業時間と比較すると50倍ほどの速さで大量の分別処理を行うことが可能になり、これによりリサイクルダウンの生産が実現したのです。担当者によると、現在月6万着のダウン商品を処理して羽毛を回収できる体制までになり、将来的には10万着を目指していくとのこと。　直近で分別される様子を見た藤原さんは「この過程を経て実際に自分が今着ているダウンジャケットが完成したと思うと感慨深いですね。最先端の技術の裏には、生地からきれいにダウン・フェザーを取り除くためにどうすればいいか、地道に試行錯誤する開発者の方の細部に至るこだわりをひしひしと感じます」と実際の切れ端を手に取りながら話します。STEP4：圧縮・輸送　袋に詰められたダウン・フェザーはすでに素人目には新品と遜色のないほど綺麗な状態に見えますが、このあと海外の提携工場へ送られ、洗浄の工程へと進みます。ふわふわで軽いダウン・フェザーですが、袋に詰められた状態では約10kgほどの重さに。掃除機で空気を抜き、成形された状態でそのまま輸送されます。そうすることで圧縮によりダウン・フェザーが痛むことなく、再び開封すれば自然と元のふわふわの状態に戻るそう。STEP5：洗浄ー縫製ー出荷　　成形されたダウンは検疫検査を通過して海外へと輸送。無事現地の工場に到着したダウンはこの後さらに細かな埃やわずかに残った生地片などが取り除かれ、洗浄・脱水・乾燥の工程へと進み、縫製工場へ送られ、商品に詰められるダウンとして生まれ変わります。そして縫製されたのち各地域の物流拠点へ出荷されます。STEP6：リサイクルダウンジャケットとして店頭へ　こうして長い工程を経て完成したダウンジャケットは商品として再び店頭に並びます。工場見学当日、実際にジャケットに身を包んで1日を過ごした藤原さんは「誰かの寒さを凌いできたであろうダウンジャケットが同じ商品として生まれ変わり、また誰かの元へ渡っていく。そう考えると新たな価値を持った一着に見えてきますよね」と話します。　今回リサイクルダウンジャケットは「ユニクロ ユー（Uniqlo U ）」から発売されます。ファッション業界からも支持率の高いユニクロ ユーですが、リサイクルダウンも他のアイテムと同じくパリのデザインセンターで手掛けられたもの。実はユニクロ ユーでも過去にダウンの展開がありましたが、ダウン商品のラインナップをやめて、合繊の中綿に切り替えていました。今回、デザインチームを率いるクリストフ・ルメール（Christophe Lemaire）がプロジェクトに賛同し、再びダウンジャケットが商品ラインナップとして戻ってきたのはファンにとって嬉しいニュースです。　　ルメールならではの視点でデザインされたジャケットはユニセックスでアウターとしてもコートなど中に着るインナーダウンとしても使える便利な一着。玉ねぎ型のキルトステッチが施され、ナイロンは製造工程で発生したプレコンシューマー素材を46%使用、ジャケットの内側にはユニクロでは珍しく文字がプリントされています。100％リサイクルダウン・フェザーを使用していること、更に、着終わったらまたリサイクルできることが記されています。これはリサイクル商品であることの視認性を高めるとともに、プロジェクトに懸けるユニクロのステートメントでもあるそう。カラーはユニクロ ユーらしい秋冬コーデにもぴったりの落ち着いた4トーン。様々なストーリーが詰まった一着です。　工場見学を終え、藤原さんは「今日1日を通して、ユニクロと東レのような誰もが知っている企業が率先して本気でサステナブルに取り組んでいるところを実際に見たり話を聞けて勉強になりました。今回のユニクロの取り組みは、私のようなサステナブルな服を本当は選びたい、と思っている人から、興味は無いけど気づいたらリサイクルダウンを手にしてた、というような人にまで幅広い選択肢を提示するという意味でとても大事なアクションだと思うし、ユニクロだからこそできるアプローチですよね。企業が環境を破壊しているんだとばかり子どもの頃は思っていたので、逆に企業側が率先して環境問題に取り組もうとしている時代がやってきたんだと嬉しく思うと同時に感動しました」と率直な気持ちを語ってくれました。　後編では工場見学を振り返り、藤原さんがリサイクルダウンジャケットを通じて考える自身のサステナブルファッションとの向き合い方について聞きます。後編に続く＞＞

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