インサイド

“楽しい”と“飽きる”のあいだで── 河村さんは、コラージュアーティストとグラフィックデザイナーという二つの肩書きで活動されています。職人的な肩書きとデザイナー的な肩書き、またはそれ以外と、さまざまな切り替えが制作中にあるのではないかと思います。コラージュ制作の手法にもシュレッダーコラージュと通常のコラージュがありますね。　シュレッダーコラージュはコンセプト重視で、普段のコラージュは直感重視。僕の中では全く違いますね。シュレッダーコラージュは、写真1枚でコンセプトが決まります。普段のコラージュは、パズルのように「この手に何を持たせたら面白いだろう」と考えながら、合うものを直感的に選んでいきます。── シュレッダーコラージュは河村さんの代表的なシリーズとなっていますが、両者の感覚的な違いは？　コラージュを作ることは楽しくはあるのですが、一つのことをやり続けていると飽きてしまって。慣れてくると完成形が頭に浮かんで、そこに向かって予定調和的に進んでいく感じになるんです。やはり「やったことないことをやる」方がワクワクしますから、それでシュレッダーコラージュをはじめました。シュレッダーコラージュは、多くても2枚しか写真を使わないので、「ここからどうなっていくんだろう？」というワクワク感があります。その感覚を持ち続けるために、今はシュレッダーコラージュがメインになっていますね。── シュレッダーを使いはじめた経緯は？　当時、「大友克洋GENGA展」（2012年）のメインヴィジュアルを制作していて、どれだけパーツを増やせるかに挑戦していました。つまりは足し算。ものすごい量のパーツを組み合わせていくというアプローチに対してある種の「やり切った感」がありました。同時に、足し算に限界を感じた瞬間でもあった。貼れば貼るほど、下のものは見えなくなっていくし、増やす必要性もなくなってくる。それは1枚目を作り終えて、2枚目をはじめることと変わりません。　シュレッダーコラージュは、そうした大量のモチーフの端材を使用して、“一服の休憩”じゃないですが、そうした制作の中の息抜きとしてはじめたんです。── 本当にシュレッダーをかけられた廃棄する予定のものから作っていた、と。　そうです。コラージュ用のモチーフを切り抜いた周りのいらなくなった部分をシュレッダーにかけて、テレビのノイズのように直線的に貼っていきました。　今のように特定のモチーフやイメージもなく、すごくアブストラクトなもので。落ちていた紙の切れ端をランダムに拾って、それをランダムに貼っていくという。── 予想がつかないものになりそうですね。　ただ、ノイズっぽいものを10枚作ったところで、柄は違ってもある意味では同じ“作業”。新しい表現を見つけた、と思って楽しく続けていたんですが、10枚20枚と作っていくと、これにも限界を感じるようになりました。コラージュは絵に勝てないのか？── そうして、現在の写真を丸ごとシュレッダーにかける手法に辿り着いたんですね。要素としてはものすごくミニマムです。　そうなんです。そもそもコラージュは人のものに手を加えて作るもの。0から1は生み出せず、必ず1からのスタートになる。だから、1枚だけでは人の写真をただ貼っているだけになってしまい、どんなに引き算しても、最低2枚はないとコラージュは成立しないのだろうと思っていたんですね。ただ、それがどうしても嫌で。── 嫌、というのは？　「コラージュでは絵に勝てないのだろうか」、と思ってしまうんです。比べるものじゃないかもしれないですが、「アート」といえば絵画で、やっぱりずっと残っている。どうやったらそうなれるんだろうと考えたときに、現代アートのコンセプチュアルな絵画が思い浮かびました。真っ白なキャンバスに一つ点を描くだけでも、そこに意味合いがあれば作品として成立する。── それから、イメージを少しだけズラす、という方法にたどり着いたんですね。　はい。ただ、アブストラクトなイメージでは意味合いを持たせることは難しかった。最初はそこで苦労したのですが、「1枚のイメージを元に戻す」という考え方で試してみたら、モザイクのようになって視覚的にも面白かった。“コラージュでいかに引き算をするか”、それがシュレッダーコラージュのスタート地点でした。いまだにそれを意識して制作しています。── 貼り付ける素材も、シュレッダーという機械が均一に裁断したものですよね。　だから、自分の感情がまったく入らないんですよね。入るとしても、写真を選ぶときだけ。そのあとは、刷毛を持って、キャンバスにメディウムを塗って、裁断された紙をただひたすら貼っていく。作業しているときは、無の状態になっています。── とはいえ、一つ一つ貼るたびに繊細な選択が求められますよね。　例えば、1000円札を折ると顔が笑って見える、みたいな錯視があるじゃないですか。コラージュをしているとそういう風に変に見えてくることがあって、そうならないようにしようと思うと予定調和になっていくし、元のほうがよかったように思えてきてしまう。だから、シンプルに何も考えないようにしています。ただ、それはそれで、ものすごく疲れてしまうんですよ。無限にできてしまうから、うまく切り替えができないというか。極度の集中に不可欠な、最もミニマルな休息── JTとのコラボレーションでデザインされた「プルーム X（Ploom X）」が発売になります。「気分の切り替え」のためにも嗜む人がいるたばこですが、河村さんにとってたばこはどんな存在ですか？　リカバリー方法として、旅行や買い物があるのですが、いずれもかなり時間を割かないといけない。買い物でも10分で終わるなんてことはあまりないですしね。なので、たばこは、一番短く簡単に休める方法なんです。そして、1本吸うために10分と決めて休むとなぜか罪悪感がない（笑）。全然仕事が進まないときに、YouTubeや漫画に触れているだけだと、そちらに思考が持っていかれる感じがあります。ああ、ヤバいな、この時間で何か考えればよかったなって（笑）。── わかります！　たばこを吸っている間は、終わりが決まっているから時間を区切れて、良い休憩になる。視覚的に情報が入ってくるわけではないので、ぼーっとできて、雑念なく次にやることを考えられる時間です。僕はお酒を飲まないので、たばこが唯一の嗜好品。これがなくなったら、休むためにはどうすればいいんだろう？と思います（笑）。裏原とベランダの思い出── 河村さんは、ご自身のルーツとして裏原カルチャーにたびたび言及されていて、大きなリスペクトを感じます。そこで生まれた、たばこを介したコミュニケーションはありましたか？　大きなことでいえば、「バウンティーハンター（BOUNTY HUNTER）」の岩永ヒカルさんとの出会いを思い出します。子どもの頃、最初に僕が興味を持ったのは、パンクロックでした。同時期に裏原カルチャーと出会うことになるのですが、それは自分の中では難しいバランス感で成り立っていて。── どんなところが難しかったのでしょう？　当時12、3歳の子どもながら“ジャンル”に縛られていて、「パンクロックが好きなのに、ファッションも好きになってもいいのか」と。音楽好きな友達には隠していたくらいでした。でも15歳のときに、雑誌「warp」のヒカルさんの連載を読んで、パンク好きがファッションについて話してもいいんだとわかったんです。── 岩永ヒカルさんは「裏原」の仕掛け人の一人と言われていますよね。トイ・ショップをオープンし、パンクロックスタイルのアパレル展開もしていました。　それが、すごくかっこよかった。そして、スケシン（SKATE THING）さんと対談している回では、しょうもない話ですごく楽しそうに盛り上がっている大人たちがいました（笑）。彼の肩書きにはグラフィックデザイナーと書いてあって、「ア ベイシング エイプ®︎（A BATHING APE®︎）」のTシャツデザインをしていたことを知り、それで自分でもやってみようと上京しました。その後、スケシンさんと出会い、ヒカルさんとはすれ違う程度だったのですが、あるときスケシンさんの事務所にいると「今からヒカルくん来るって」と言われて、実際に来たんですよ。── ついに……。　来るやいなや、ヒカルさんは「タバコ吸うね」とベランダに出て、吸いはじめた。そのときチャンスだと思って僕もベランダに出て、何をやっているか、何が好きかを沢山話すことができたんです。それ以来、先輩の中で一番会うくらいには仲良くしてもらっています。とても楽しくて、当時のことは今でもよく覚えています。── 今後、何かこういうものを作ってみたいというヴィジョンはありますか？　それがないんですよね。というのも、今やっていることが一番楽しくて、先のことをあんまり考えないんです。同じことをやっているように思えても、１日、1秒ずつ、時間は進んでいくわけだから、1年後は違うことをやっているんだろう、とざっくり考えています。作品制作と同じで、いまやりたい楽しいことをやる。逆にヴィジョンを持たないからこそ、いまを楽しめているのかなと思います。◾️SPECIAL EDITION STRIPE BLUE BY KOSUKE KAWAMURA加熱式たばこ用デバイス「プルーム・エックス・アドバンスド」が河村康輔との数量限定コラボレーションモデルを発売。コラボ限定アクセサリーが手に入るキャンペーンも同時開催する。発売日：2025年3月4日（火）取り扱い店：CLUB JTオンラインショップ、全国のPloom Shop、全国のコンビニエンスストアなど

河村康輔の制作を裏付ける「選択と集中」　予定調和を脱した先で見えたもの

メディア露出を避けてきた理由⎯⎯ ZOO AS ZOO（以下、ZOO）はこれまで、“謎に包まれた存在”という印象でした。今回が国内初のインタビューとなりましたが、クローズドにしていたことには何か狙いがあったのでしょうか。　実はいままでもインタビューの打診を受けたことはあったのですが、当時は自分が理想とするZOOと現実が乖離していて。それが発信されてしまう気恥ずかしさから、何度か取材を途中でストップさせていただいたんです。私自身SNSの個人アカウントを持たない性分で、考えを明確に表現することにも抵抗があります。また、メディアに出ること自体が“業界”に入ることの証になるような気がして、自分があまり好きではない“業界の色”に染まっていくことへの不安もありました。⎯⎯ 現在は状況が変わってきたということでしょうか？　そうですね。ありたい姿と実際の姿が重なってきたように感じていますし、現在取り組んでいるプロジェクトを成功させるためには、もっと広く知ってもらわなければという思いもあります。⎯⎯ ありたい姿というのは？　創設当初から10年後のゴールとして「場所をつくりたい」というものがあったんです。今はそのゴールがようやく形になりつつあります。社会からズレた異種が集う「動物園」のように⎯⎯ 具体的な「場所」のお話を伺う前に、過去に遡って、ZOOがどんな経緯で生まれたのか聞かせてください。　ZOOのロゴは、最後のOが少し下にズレたデザインになっています。こんな風に、社会の中で自分の居場所がわからないような、ちょっとズレていて様々なバックグラウンドを持った人たちが集まる場所をイメージしていました。デザイナーだけではなく、シェフがいたりして、まさにライオンとペンギンとインコが同じ場所にいる動物園のような感じですね。自然界では一緒にいられないような動物たちが「ここだったらいいよね」と思える場所を作りたかった。私の役割はズーキーパー（飼育員）で、それぞれのメンバーの特性やニーズに合わせてケアやマネジメントをして、その人が最高のパフォーマンスを発揮できる環境を作ることだと思っています。⎯⎯ 創設当初はどのようなメンバーがいたんですか？ 　7人くらいからスタートして、グラフィックデザイナーやフォトグラファー、プロデューサー、ミュージシャン、
シェフ、何もしていない人たちもいましたね（笑）。⎯⎯ Amiさん自身もユニークなバックグラウンドをお持ちなんですよね。
　私はアメリカ・テネシー州生まれ、ノースカロライナ州育ちの田舎出身で、親の実家は岡山県。友達の家に馬がいたり、学校までの道が全部畑だったりする環境で暮らしていました。ファッションも好きでしたが、もともとは理数系を学んでいて、いろいろなことに興味がありました。「Who are you？」「What do you do？」という質問にシンプルに答えられないことが苦しかったですね。
　ZOOという名前は、私の部屋を見た友人に「動物園みたいだね」と言われたことから名付けました。部屋には本当にいろいろなものがあってごちゃごちゃしていました。人もそんなふうに複雑で、1人の中でも矛盾したり、合致したりしないものがある。そういった「わからなさ」が人の良さだとも思うので、私自身のストーリーとスタジオのあり方を重ねました。固定観念を覆す　マルチジャンルなプロジェクト⎯⎯ ZOOのプロジェクトには、近年のファッションと現代美術が近接し始めたジャンル横断的でコンセプチュアルなトーンを感じます。改めて、ZOOのアイデンティティが見えるプロジェクトをいくつか教えていただけますか？ファッション？音楽？アート？　ジャンルを定義しないことが可能性を広げた09.07.24 | experimental jam 001 | spaRal sonic session　これはニューヨークで実施したプロジェクト。ここではZOOを「Band」と説明しているのですが、何が起こるからわからない即興セッションのマルチメディアバージョンを作ろうと思いました。デジタルアーティストでミュージシャンのデューン・カンダ（ジェシー・カンダ）とコラボレーションして、彼がパフォーマンスをしたくなるような空間を作り、空間に合わせてフィードバックループができるようなセッションをする。この空間のインスピレーション源は、「樹液」なんです。木から出る赤い樹液を見て想像できる“痛み”であったり、樹液を血液に見立てた循環性をイメージしています。結果的に9時間にわたってセッションしたのですが、「これは何？」とたくさん聞かれました。　例えば、「ファッションショー」と言うと、ファッションの背景に音楽とステージデザインがあって、「ライブ」と言うと、音楽の背景に衣装があってステージがある。「イマーシブアート」と言うと、インスタレーションがあります。でもそれは、フォーカスしている部分が違うだけで、実際は似たようなものなんじゃないかと思うんです。「フォーカスしているのはこれです」と言うことで関心を持ってくれる層が決められてしまうなら、あえて言わなければどんな人たちが来てくれるのか、という実験でもありました。結果的に、10代から60代まで幅広い人たちが来てくれて、普段は交わることのない人たちが同じ場所に集まって長くその空間で共存しました。音楽に感動する人、空間と繋がる人、集まって会話する人、それぞれが思い思いの過ごし方をしていて、何も言わないことで可能性が広がることもあるのかなと感じました。ワークスは並べない　言葉のない公式サイトZOO AS ZOO WEB　ウェブサイト自体もZOOのプロジェクトのひとつです。ZOOは、デザインエージェンシー的な存在でもあるのですが、既存のデザインスタジオのポートフォリオはどれもほぼ一緒だと感じるんですよ。同じものを学んで、同じクライアントを追いかけて、同じようなものが生まれる。そういうのが嫌で...。私たちは何も言葉を使わずに、一見「これで繋がれる人がいるのかな」と思うようなものを作ってみました。2016年から作り始めて、当時は「Unreal Engine」や「Unity」といった3DCGの技術がまだウェブサイトには使われていない状況だったのですが、メタバース空間でのコミュニケーションが実現するよう意識しましたね。サイトデザインにはかなりこだわっていて、ロンドンのデザインスタジオ「ペンタグラム」との共同制作です。お金も時間もかかりましたが、クライアントの名前を並べて見せるよりも自分たちがやりたいことが伝わったのか、結果的に様々なクライアントからオファーが来るようになりました。エンジニア目線であったり、オーディオ目線であったり、それぞれ注目されるポイントも違っていて、様々な領域の人たちに楽しんでもらえているみたいです。アーティストがオーナーシップを持つ「光るラーメン屋」NAKAMURA-KE　これは「光るラーメン」を提供するラーメン店です。“「中村家」という妖怪の家族が営んでいるラーメン屋”というストーリーを持たせてポップアップ形式で開催していて、開催される各会場で展開する物語が連動しています。「中村」は私の親の姓に由来していて、子どもの頃に祖父母の家で過ごした思い出から着想を得ています。現在はZOOをオーナーとしながら別のパートナーがプロジェクトを展開していて、去年はミラノサローネにも出展しました。このプロジェクトの重要なポイントは、アーティストがオーナーの立場になっているところです。アーティストは一般的に、一度作品を“納品”してしまうと、以降自分の作品であってもコントロールができなくなることがほとんど。だから、まずは自分たちがお金を出して立ち上げ、オーナーシップを守ることに注力しました。これを機に、トータルでクリエイティブを任せてもらえる仕事が一気に増えましたね。アーティストが自分らしくいられる仕組みを作る⎯⎯ Amiさんにとって日本初の個展となった『四十日放浪 | 40 Day Walks of Hollow』では、コロナ禍で撮影したヨーグルトの写真をもとに制作したアートワークを公開しています。　妊娠と出産が続いた直後にコロナ禍になって、保育園に子どもを預けられず、仕事も減ってかなりしんどくて、“なりたくない自分”になっていました。周囲のケアに追われて自分の好きなものづくりができず、どうしても日常から抜け出せていなかったんです。でもある日ヨーグルトを食べていたら、スプーンですくったあとのくぼみがふと魅力的に見えて、自然と作品を作りはじめていました。1枚15分くらいで制作したものなのですが、それだけでもずいぶん気が楽になって、自分を取り返すような気持ちでした。⎯⎯ パーソナルな経験から出発して、「なんだこれは？」というアウトプットまで変化させている点が、ZOOのプロジェクトに共通していると感じました。　例えば「中村家」では、実はパーソナルな話はあとから加えた部分で、きっかけは「自分たちでプロジェクトを立ち上げたほうが良いだろう」というビジネス的な戦略からでした。　ビジネスについて考えるとアートの側面が損なわれると思われがちですが、個人的には「誰がそんなことを決めたのか」と考えていて。アーティストもこの社会を生きていくために、どうしてもお金が必要なことは事実。それを毛嫌いせず、大きな世界の一部として捉えつつ、どう仕組みを変えたら自分の生活に寄り添う形にできるのかを考えるのも、面白いと思います。ZOOのようなインディペンデントなスタジオは、クライアントワークを取ることが難しいですし、10年続けていくのも難しい。資金繰りは真剣に考えなければならないことで、お金を目的ではなく“手段”として使って“その先に何が欲しいのか”を考えています。
⎯⎯ 実際のところ何を「欲しい」と考えているのでしょうか？　アーティストが友達同士で売買できるようなコミュニティを作りたいと思っています。「現在スタンダードになっている“富裕層と取引をして成り上がっていく存在”をアーティストと呼ぶのだろうか」という疑問は常々持ち続けていて。友達同士で売り買いできる方がずっと健全だと考えているんです。ただ一方で買うための財力がないといった壁はあるし、かといって売値を下げるのは難しいですよね。だから私たちは、「アーティストたちがコミュニティ内で水平的な取引ができる環境を作りたい」という想いでこれまでやってきました。⎯⎯ 冒頭で「場所をつくりたい」と話していたことが、まさに今話していることにあたるのでしょうか？　そうです。今作ろうとしているのは、ワークプレイスやお店、スタジオが複合的に集まっている場所。どうしても、「セレブリティたちと繋がらないと成功できない」という考え方には納得できなくて。というのも、実際にデザイナーやアーティストに話を聞くと、衣装提供やスタイリングでお金が発生しなかったり、衣装が返ってこなかったりという話がよくあります。だから、ファッションデザイナーの服をうちで保管して、スタイリングで使用する場合はしっかりとフィーを取っていく。アーティストたち自身がグラフィックデザインやブランディングといった他のアーティストの能力を必要とした場合は、お互いに自分たちの提供価値を”物々交換”できるようなサービスを展開したいと考えています。⎯⎯ あらためて、Amiさんが理想とする場所や人のあり方とは？　私は「自分」を持って生きている人が好きです。でも今は、そうした人たちが生きやすい社会ではない。そんな中で、自分の芯を大切にして生きているのは素晴らしいこと。だからまずは自分が自分らしくいられる場所を作ろうと思っています。ZOOは、「何をしてもいい」という考え方のもと運営しているので、集まった人は何にでもなれるし、何を作ってもいい。どういう場所になるかは、集まる人が決めていく。メンバーたちと一緒に変化していけたらいいなと思います。

謎多きクリエイティブスタジオ「ZOO AS ZOO」とは

“富裕層と取引して成り上がる存在”をアーティストと呼べるか？　クリエイターが自分らしく生きるために今必要な場所

【連載】若き写真家の肖像 -Tomoharu Kotsuji-

　バーや飲食店、ホストクラブなどがひしめき合う東京最大の歓楽街である歌舞伎町は、戦後の復興期から多様性に溢れ、前衛芸術家たちが活動する大衆文化のるつぼとして魅力を持ち続けてきた街。街中のバーや路上では、ゲリラ的に行われた伝説的なアートも数多くあったといいます。今回のイベントでは、そんな歌舞伎町の奥深い歴史を感じる場所から近年登場したアートスペースまで、町内の計13ヶ所が会場に。まずはメイン会場となる「王城ビル」からスタート。王城ビル　王城ビルは、1964年の竣工以来名曲喫茶やキャバレーなどへと変遷してきた、歌舞伎町の中でも古い歴史のあるビル。歌舞伎町弁財天の隣に位置し、城を模したデザインで親しまれてきました。夜の歌舞伎町の鮮やかなネオンに仄暗く照らされた様子は、さながら“ホーンテッドマンション”のよう。 1F：アー横　ビルの中に足を踏み入れると、そこには昭和の懐かしさを感じるような赤提灯が並ぶ、アンダーグラウンドな光景が広がります。1階では「アー横」と題し、再開発ブームで増え続ける東京の横丁に対するオルタナティブとして、アーティストやアートコミュニティが集まり、22時から朝5時まで飲食やパフォーマンス、物販を“ゆるく”展開する横丁イベントを実施。11月2日には会田誠が重慶の友人からもらった火鍋を日本人向けにマイルドにアレンジした「特製火鍋」を提供するほか、3日には山下陽光が手掛ける「途中でやめる」が、服を通じた金儲けをお題に客のマッチングを図る「即実験ランド」を開店します。ちなみに、緑のネオンに照らされた「アー横」の文字は、会田誠の手によるものだそうです。　1階の奥には、期間中さまざまなアーティストがパフォーマンスやライブを開催するスペースが設けられているほか、Chim↑Pom from Smappa!Groupの「金三昧」が、歌舞伎町最奥地のセレクトショップ「THE FOUR-EYED」とコラボレーションして作った“FAKE商品”の物販コーナーも登場。SNS上で高い人気を集めるアーティスト「ぼく脳」の特製ドリンクや、墨田区の社会実装型アートスペース「京島駅」によるタンドール窯で焼いた「宇宙のパワーナン」、松戸のオフラインサロン・ノーウェアによる「ノイズカレー」と「コンドームおにぎり」などのフードやドリンクも楽しめます。2〜3F：ソロ・エキシビション by チェン・ティエンジュオ　王城ビルの2階と3階では、“Asian Dope Boys”として知られる中国・北京出身のアーティスト チェン・ティエンジュオが、2フロアを使った大規模なインスタレーションを展開。フロア内に設置された複数の大きなスクリーン上では、インドネシア・ラマレラ村の伝統捕鯨から着想を得て、チェンとダンサーのシコ・スティヤントが公演として儀式を行った映像を展示という形で再構成して披露しています。薄暗いフロアに存在感たっぷりに佇む、空間に収まりきらないほど巨大な鯨のオブジェにも注目です。4F：地獄の使者 by 増山士郎、八谷和彦、会田誠、岸本清子　4階では、BENTENがキュレーションした新宿にまつわる4人のアーティストたちによるグループ展「地獄の使者」を開催。展示タイトルは、1983年に参議院選へ立候補した日本の前衛芸術グループ ネオダダ・オルガナイザーズの岸本清子が、人々の苦しみを背負う覚悟を表現すべく「地獄の使者」を自称したことに由来しているそうです。　会場では、当時の岸本による印象的な政見放送演説の音声や、1994年に約84組の若手作家が歌舞伎町をジャックして開催した「新宿少年アート」の記録映像の上映、会田誠による1994年当時のパフォーマンス「St. DNA Church」の再現、2004年に増山士郎が王城ビル横で行き交う人々に自らの姿を覗かせる実験的な作品を設置した「新宿歌舞伎町プロジェクト」の作品などを展示。これまで歌舞伎町の路上でゲリラ的に行われてきたアートや活動の歴史と意味を改めて考えさせられます。5F：オメガとアルファのリチュアル by 遠藤麻衣　王城ビル最上階の5階では、アーティストの遠藤麻衣が、2024年に国立西洋美術館で開催された展覧会「ここは未来のアーティストたちが眠る部屋となりえてきたか？」のために、エドヴァルド・ムンクの「アルファとオメガ」に触発されて制作した映像作品を上映。国立西洋美術館でのヌードパフォーマンスと日本のストリップ劇場の歴史を重ね合わせた内容で、作品では現役ストリッパーの宇佐美なつと遠藤自身が共演しています。　同作品は、西洋美術史と日本の戦後ストリップ文化をフェミニズムの視点から批評し、女性の身体性に焦点を当てたもの。けれども、新宿・帝都座の額縁ショウを起源とする戦後のストリップ文化や、遊郭から広まった歌舞伎など、新宿という場所特有の歴史的文脈を踏まえることで、改めて「芸術」と「芸能」の境界を考えさせられるような内容になっています。　この作品は撮影が一切NGのため、残念ながら写真はなし。ぜひ会場に足を運んで直接作品を楽しんでみてください。■王城ビル所在地：東京都新宿区歌舞伎町1丁目13-2新宿歌舞伎町能舞台「入間」「おほやけ」by 渡辺志桜里　ネオンと喧騒ひしめく歌舞伎町のとあるビルの中にひっそりと佇む「新宿歌舞伎町能舞台」は、一歩足を踏み入れると全くの別世界が広がっている場所。伝統的で本格的な能舞台では、渡辺志桜里と安田登、加藤眞悟、ドミニク・チェンによる新作能「射留魔川」が、映像インスタレーションとして上映されています。■新宿歌舞伎町能舞台所在地：東京都新宿区歌舞伎町2丁目9-18 ライオンズプラザ新宿 2階デカメロンプライベート・スーパー・スターリー・ナイト by ゆっきゅん、君島大空、須藤絢乃　グリーンのカラーがトレードマークのアートギャラリー併設ガールズバー「デカメロン」では、誇り高く自分らしく生きること＝心の中に眠るDIVAの目覚めを呼びかけるポップアイコン・ゆっきゅんと、性別を超えた変身願望や理想像を写真に収めてきた写真家の須藤絢乃がタッグを組んで制作したヴィジュアルを展示。これまでも度々協働し美意識を共有してきた2人が、ゆっきゅんのシングル「プライベート・スーパースター」で共演した君島大空を招き、矛盾だらけでも互いを尊重し祝福する関係を歌った世界観を表現したヴィジュアルを、印象的な歌詞の言葉とともに披露しています。　展示作品の中で、2人は繊細なディテールが美しい「タナカ ダイスケ（tanakadaisuke）」の淡いピンクと黒の衣装を着用。11月4日の夜18時と20時に王城ビルで実施予定のスペシャルライブでは、実際に同衣装を着てのパフォーマンスを予定しています。予約者優先エリアでの観覧予約は既に満席となっているものの、エリア外からの鑑賞も可能。一夜限りのスペシャルなパフォーマンスは必見です。■デカメロン所在地：東京都新宿区歌舞伎町1丁目12-4 2F東京砂漠・とまり木・さくら通り沿い空き地「おちる」「いのる」by 岡田裕子　美術家の岡田裕子は、歌舞伎町内にあるアートバー 東京砂漠や、居酒屋 とまり木の店内、さくら通り沿いにある空き地で「おちる」と「いのる」をテーマにしたインスタレーションを展開。作品の一部であるチラシにプリントされたQRコードを読み取ると、岡田がテーマに沿って制作した2種類の音の作品をダウンロードして聴くことができる、声で体験する作品になっています。視覚的には少し不穏なムードを感じる作品ながら、歌舞伎町という街とそこに生きる人たちに向けた岡田の願いや祈りのような思いがこもった声には、その場所を歩きながら聴くことでまた違う風景が見えるような仕掛けが施されているそうです。■東京砂漠所在地：東京都新宿区歌舞伎町1丁目3-10■とまり木所在地：東京都新宿区歌舞伎町1丁目12-14■さくら通り沿い空き地所在地：東京都新宿区歌舞伎町1丁目11-14付近WHITEHOUSE情（なさけ）の広場 by 篠田千明　メイン会場の最後として紹介するのは、Chim↑Pom from Smappa!Groupの卯城竜太とアーティストの涌井智仁、ナオ ナカムラの中村奈央が2021年にスタートしたアートスペース ホワイトハウス（WHITEHOUSE）。同建物は、1957年に建築家の礒崎新が初めて手掛け、1960年代にはネオ・ダダイズム・オルガナイザーズの活動拠点でもあったそうです。　今回の「BENTEN 2024」では、アーティストの篠田千明が「情の広場」という名の休憩所として運営。劇作家 唐十郎の戯曲「百人町」の中に出てくる“情けの汁”という言葉や主人公がラーメン屋の店主であることから着想を得て、カップラーメンを炊き出しとして提供したり、篠田が「黄昏」というパフォーマンスを定期的に行ったりする、ユニークな休憩所として開放しています。■WHITEHOUSE所在地：東京都新宿区百人町1丁目1-8　この記事で紹介した常設プログラム以外にも、「BENTEN 2024」では、各会場で多様なプログラムを盛りだくさんに開催予定。詳細は公式のタイムテーブルを確認しながら、ぜひディープでユニークな街・歌舞伎町でのオールナイトアートイベントを楽しんでみてください！

芸術監督はChim↑Pom、新宿・歌舞伎町のオールナイトアートイベントのディープな魅力を紹介

Architecture：館の構造を活かした2部構成　展覧会の会場となったのは100年以上の歴史を持つ表慶館。明治末期、建築家・片山東熊により建てられたネオバロック様式の歴史的建造物は、国の重要文化財にも指定されています。展覧会は館の特徴でもある左右対称の構造を活かし、建物右側に位置する第一部では、「カルティエと日本」、左側の第二部では「カルティエ現代美術財団と日本のアーティスト」を紐解く二部構成で、メゾンと日本を結ぶさまざまなストーリーを多面的に伝えます。内装は世界中の美術館や展覧会のデザインを手掛けてきた「スタジオ アドリアン ガルデール（Studio Adrien Gardère）」が担当。日本文化と美学に対する敬意と、表慶館の伝統的な意匠への称賛を反映させ、セクションテーマに沿う素材選びやデザインで、一つ一つの展示作品を際立たせています。Right Wing：日本がカルティエにもたらした影響Room 1 　正面右のセクションでは「カルティエと日本」をテーマに、アーカイヴピースや文献を通して、伝統的な形状や紋様といった物質的なモチーフから、日本人に根付く精神性まで、日本がいかにカルティエのクリエイションに影響を与えてきたかを浮かび上がらせます。　最初の部屋では1898年からメゾンの事業経営に参画し、美術品のコレクターとしての一面も持ち合わせていたルイ・カルティエが収集した200点以上に及ぶ日本美術のコレクションから着想を得て制作されたピースを展示。そのなかには神社の建築を想起させるミステリークロックをはじめ、印籠の形をしたヴァニティケース、結び目や染めに用いる際の型紙の波模様や鱗模様のブローチといった貴重なコレクションから、小紋柄をフェイス部分にあしらった今年発表されたばかりの新作ウォッチまで、100年以上前から日本の伝統的なモチーフがカルティエのクリエイションに影響をもたらし続けていることがわかります。Room 2　カルティエの重要なインスピレーション源の一つでもある動植物。メゾンが独自に生み出してきたフォルムの探究は、自然を賛美する日本の美学からの影響が大いにあるといいます。亀や鳥、トンボや蝶、そして日本古来の藤の花においてはメゾンのレパートリーとして繰り返し登場するモチーフです。ここでは杉本博司の「春日大社藤棚図屏風」（2022年）を囲うように、自然界から着想を得たジュエリーが展示されています。Room 3 　階段を上がった2階の部屋では、これまでカルティエが5度にわたり日本で開催してきた展覧会を遡りながら、メゾンと日本の関係性を掘り下げています。1988年、表参道のスパイラルホールで行われた展覧会を皮切りに、1995年の東京都庭園美術館、2004年の京都・醍醐寺に続き、2009年は同じく表慶館で「Story
of... カルティエ クリエイション～めぐり逢う美の記憶」展が開催。さらには2019年、国立新美術館での「カルティエ、時の結晶」展も記憶に新しく、その時代に沿うコンセプトや展示方法で多くの人にメゾンの魅力を伝えてきました。ここでは、それぞれの展覧会を象徴する「カルティエ コレクション」所蔵の貴重なピースが日本に再集結しています。Room 4　右セクション最後の部屋では、原宿のパレ・フランスに日本初のブティックをオープンした1974年から、カルティエの日本での歩みを当時の出版物やキーパーソンへのインタビュー動画、メゾンのアイコンジュエリーやウォッチを題材にした日本人アーティストたちとの協業作品、日本独自のプロジェクトを振り返ります。なかには、2017年にタンク ウォッチ100周年記念で香取慎吾が描き下ろしたアート作品や、2022年に「サカイ（sacai）」の阿部千登勢によって新たに解釈された「トリニティ」コレクションなども見ることができます。Left Wing：カルティエ財団により広がるアーティストコミュニティの輪Rotunda 2F　2階の右側と左側を繋ぐブリッヂ部分には、画家の横尾忠則が日本人アーティストを中心に描いた20点のポートレートシリーズが展示。カルティエ現代美術財団（以下、カルティエ財団）が長年にわたりコラボレーションしてきたアーティストたちを横尾独自の視点で描き上げています。2014年から続くプロジェクトに今回新たに3点の作品が加わり、カルティエ財団が日本人アーティストと築いてきた"コミュニティ"の広がりそのものを表しています。　1984年に非営利団体として設立されたカルティエ財団は、アーティストの発掘・再発見を目的にこれまで数々の日本人アーティストの発表の場と機会を提供してきました。駆け出し時や国外で活動したことのないアーティストの作品、すでに名の知れたアーティストの新たな一面を紹介し、展覧会の支援、コミッションワークの制作依頼、作品の購入といった、アートとアーティストの価値を高め、社会と繋げるプラットフォームとしての役割を担ってきました。Room 5　カルティエ財団が考える芸術分野は多岐にわたり、写真、絵画、建築、彫刻、映像といった作品のほか、ファッションの領域にも広がりを見せます。1998年にカルティエ財団によりパリで開催されたデザイナー三宅一生の「Making Things」展では、衣服のフォルムがいかに刷新・再発明されるかという視点を提示し、脚光を浴びました。ここでは「一枚の布」という「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」の服づくりのコンセプトを表現したインスタレーションや、「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ（PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE）」のデビューシーズンとなった1994年春夏コレクションのピースが並びます。Room 6　写真にフィーチャーした部屋では、カルティエ財団と継続的な関係を築いてきた日本写真界の巨匠である荒木経惟、森山大道、杉本博司の3名の作品をはじめ、川内倫子の232枚の写真を組み合わせたスライドショーや巨匠 ウィリアム・エグルストンが切り取った京都の風景などの写真作品が展示。1階と2階を繋ぐ左右の階段にはそれぞれ、現代美術家 束芋によるビデオインスタレーションが映し出されています。 Room 7　北野武もカルティエ財団と縁の深い現代アーティストの一人。自由な概念により生み出されるカラフルで独創的な作品からは、芸人や映画監督など多彩な分野で活躍してきた北野武のアーティストとしての一面を垣間見ることができます。ここでは新作を含む2018年から2023年に制作された絵画が展示。　また、左右の小部屋では、1から9の数字が回転しながら暗闇の中に浮かび上がり時間と無限空間を表現した宮島達男のインスタレーションや、森山大道のモノクロ作品を2冊の本に見立てたスライドショーが没入感のある展示方法で公開されています。Room 8　幅広い芸術表現を持つ北野武の創作対象は絵画だけに留まらず、彫刻オブジェや、分野を越え、数学ゲームを考案するといったユニークなアイデアまで広がります。その多くがカルティエ財団とのプロジェクトの中で生み出された作品であり、創作の自由を提供するカルティエ財団とその機会を忌憚なく活用する芸術家が育んできた絆の深さを物語っているかのよう。　カルティエ財団では北野武のほか、現代アーティストの村上隆や松井えり菜、建築家 石上純也の個展開催や、書籍の出版といった芸術家に必要な活動を支援してきました。展示棚に並べられた作品や書籍は、カルティエ財団とアーティストとの尽きることないクリエイティブな対話がこれからも継続的に続いていくことを示唆しています。Rotunda 1F　展覧会の入り口でもあり、出口でもある左右を繋ぐ円形広間の一面に展示されているのは、本展のために制作された現代アーティスト澁谷翔の作品「日本五十空景」。彼もまたカルティエ財団のコミュニティに今回新たに加わったアーティストの一人。カルティエ財団との出会いのきっかけはインスタグラムだったという澁谷は、今回の制作にあたり、歌川広重の「東海道五十三次之内」を着想源に、変わりゆく時代のなかで今も昔も共通する「空の景色」に着目します。広間を飾る50点からなる一連の作品は、約1か月にわたって訪れた47都道府県の空の景色を描き出したもの。それを1点ずつ各地方新聞の一面に掲出するという壮大なプロジェクトは、朝昼晩と過ぎゆく時間の移ろいを儚い色彩で描き出し、過去、現在、未来といった展覧会のテーマにも通づる連続性を表現。本展を構成する2つの並行するストーリーを「結ぶ」役割を果たしています。ここでしか手に入らない限定グッズも　ミュージアムショップでは、展覧会を記念した特別グッズが登場。澁谷翔による淡いピンクとブルーのグラデーションをバックに、グラフィックデザイナー野間真吾が手掛けた「結」のタイポグラフフィーがモダンにデザインされた展覧会のメインヴィジュアルがプリントされたトートバッグ（3960円）をはじめ、ノートブック（1650円）やポストカード（220円）、図録（5000円／いずれも税込）などが販売され、展覧会の余韻に浸ることができます。　そして会期中、入り口付近では祝休日限定で「カルティエ ワゴン」が登場。「YOUR STORY with Cartier」の取り組みのひとつとして、ご自身とカルティエにまつわるエピソードを投稿すると、絆の証をして花が贈呈される特別なイベントを開催しています。カルティエの輝きに身を包んだ豪華ゲストたち　約1ヶ月にわたる展覧会の開幕に先立ち、6月10日にオープニングイベントが開催されました。会場には北野武、松嶋菜々子、香取慎吾、鈴木保奈美、江口洋介、戸田恵梨香、賀来賢人といったカルティエと縁のあるセレブリティや参加アーティストなどが、華やかなメゾンのウォッチやジュエリーをまとって来場。展覧会の開催を祝いました。

カルティエと日本が歩んできた50年の軌跡、『結 MUSUBI』展 完全ガイド

#1 アレック・ソスを知るWHO IS ALEC SOTH？1969年生まれ、アメリカ出身のフォトグラファー。「旅の途中」を大型のフィルムカメラで切り取る作風で、2004年の「Sleeping by the Mississippi」でホイットニービエンナーレに選出され注目を浴びる。以降、個展や写真集など精力的に活動し、2022年には大規模巡回展「Gathered Leaves」を神奈川県立近代美術館 葉山で開催。国際的な写真家集団「マグナム・フォト」のメンバーの一人でもある。「（ボッテガ・ヴェネタ クリエイティブ・ディレクター）マチュー・ブレイジーのクリエイションにふれるとき、私は2つの世界を同時に体感しています。ひとつはあらゆる感覚と深く結びついたフィジカルな世界。もうひとつは幻想の世界です。このキャンペーンでは遊び心を意識しました。公園は、マチューの独創性にあふれたイマジネーションのメタファーのように感じました。私の写真にも多様なセレンディピティ（予期せぬ発見）を取り入れたかったのです」ーアレック・ソス　キャンペーン撮影のロケーションに選ばれたのは、タコやキノコ、ピジョンといったモチーフの遊具が設置された東京近郊の公園です。日本に住む人にとっては馴染み深い公園の風景×ハイファッションの掛け合わせがなんとも新鮮。1階とB1階の会場では、キャンペーンヴィジュアルだけでなく、アレック・ソスが日本で撮影した作品などがユニークな構成で展示されています。エキシビションは表参道ヒルズ裏のギャラリースペース「seeen」で4月14日まで開催しているので、この機会に是非足を運んでみて。◾️TOKYO PLAYTIME / An exhibition by Alec Soth and Bottega Veneta会期：3/29 (金)〜4/14(日)会場：seeen住所：東京都渋谷区神宮前4-13-12 1F/B1F営業時間11:00 –20:00入場無料（公式LINEアカウントより事前登録が必要）#2 「写真が好き」俳優・鈴木仁の楽しみ方　オープン前日の内覧会に訪れた多くのゲストの中に、メンズノンノ専属モデルで俳優の鈴木仁さんの姿がありました。自身で個展を開催するほど、写真が好きな鈴木さん。仕事の現場など日頃からカメラを持ち歩き、「今日もここに来る前にフィルムを現像に出してきたんです（笑）」と話すなど、鈴木さんにとって「写真」は日常的なものだそう。　「躍動感を表現する写真家が多い中で、動きの中に静かに空間が止まっているかのような、瞬間を切り取るのがうまいな、と思います。そのどれもが、みんなが共感できるような美しい瞬間なんですよね」と鈴木さん。好きな写真家の一人で、これまでにも写真集などを見てきたというアレック・ソスの作品を前に、次々と言葉が溢れてきます。　「今回のヴィジュアルの公園の使い方も面白いですよね。自分たちにとっては何気なく楽しく遊んでいた場所が、ファッションフォトという芸術に落とし込まれているのが新しい感覚ですし、自分たちの住んでいる街の見方が変わってくるという点で、新たな発見がありました。写真っていいな、と改めて思わせてくれる展覧会でした」と、写真好きならではの視点で感想を語ってくれました。会場では憧れのアレック・ソス本人にも対面し、サインと記念撮影も。#3 家でも楽しめる、ノベルティとFANZINE　エキシビションを見終わったら、会場から歩くこと5分ほどの大通りに面したボッテガ・ヴェネタ表参道フラッグシップへ。ここではキャンペーンにも登場する最新の2024年サマーコレクションを実際に手に取ることができます。ランウェイからインスパイアされた世界地図が球体のイントレチャート（革ひもを編み上げる技法）で表現された、地球儀のようなバッグ「マヴァ（MAVA）」（57万2000円）は表参道フラッグシップ限定の特別なアイテム。　そしてフォトエキシビションの来場者でストアにも来店した方には特別なギフトも。縦型のショッパーに入っているのは、帯状の一枚の紙。指示通りに組み立てると、多角形のオブジェが完成する、お家でも楽しめるノベルティがもらえます。　また、アレック・ソスが手掛けたキャンペーンヴィジュアルや、撮影の舞台裏、スケッチ、ステッカー、旅のノートなどを全4冊にまとめた見どころたっぷりのFANZINE（ファン雑誌）が発行。世界各国のボッテガ・ヴェネタのストアと一部の書店（国内では小宮山書店／ワタリウム美術館 オン・サンデーズ／代官山 蔦屋書店）で数量限定で配布されてます。ブランドならびにアレック・ソスのファンは是非持っていたい作品です。#4 マップ片手にロケ地を巡る　ボッテガ・ヴェネタのグローバルなキャンペーンヴィジュアルの舞台となった日本の公園。実際にどこで撮影が行われたのか、都内23区内を中心に、13ヶ所にも点在するロケ地のマップを大公開します。いずれの公園も、動物や魚などをモチーフにした遊具が目印。自分の住んでいるエリアの近くの公園をのぞいてみるもよし、マップを頼りにロケ地巡りをするもよし。童心に返ったかのような懐かしさとともに、春夏シーズンのボッテガ・ヴェネタのテーマ「オデッセイ（冒険、長旅）」の世界観に浸ってみては。（↓撮影＆イベントロケーション一覧は右上のアイコンをクリック。スマートフォンではGoogleマップに移動後に一覧が表示）

Fashion

鈴木仁と巡る写真展からロケ地マップまで

「ボッテガ・ヴェネタ」のクリエイティブな旅へ　フォトエキシビションを楽しむ4つのこと

King Gnuやきゃりーぱみゅぱみゅが支持する特殊メイクアーティスト、KAIHOとは何者か？

落合翔平が影響を受けたモノー今日は落合さんを形成したアイテムをいくつかピックアップして持ってきてもらいました。「めちゃ×2イケてるッ！」「はねるのトびら」「Mr.ビーン」など。映像作品はザ・バラエティのラインナップですね。　僕、ずっとふざけていたいんですよね。幼少期にお受験をさせられたりと、真面目に育てられてきたこともあって。その反動なのか幼稚園の時は「クレヨンしんちゃん」と「志村けんのバカ殿様」ばっかりを観ていました。幼心に「これって許されるんだ！」と思いましたね。忘れもしない、幼稚園の年長の時。僕が友だちの給食をこぼしちゃったことがあって。僕は「クレヨンしんちゃんはこういう時、チューして許してもらってる！」と思って友だちにチューしたら先生にめちゃくちゃ怒られた（笑）。　今日持ってきた中でも、めちゃイケが特に大好き。なぜなら、めちゃイケって意外とドキュメンタリー要素が強いんですよ。例えば「ヨモギダ少年愚連隊」という企画は、1人の視聴者の中学3年生から32歳までの成長を追うんです。お笑いも好きだけど、同じくらい「青春」が好きで、もっと言えば「歴史」が好きなんですよね。ー歴史が好きな理由は？　歴史って、一揆とか乱とか「緊急事態」な局面が多いじゃないですか（笑）。緊急事態と向き合った時、人はなんとかそれをクリアしようと、もがき苦しんで成長するでしょう。その姿が好きなのかもしれません。それを僕は「青春」だと思う。ー次は、個性的なTシャツ。　ほとんど、野方にある「吊り橋ピュン」で買いました。マリナーズと見せかけてバックプリントに「住友林業」と書いてあったり、前園真聖と中田英寿と日清ラ王の組み合わせだったり、ダブルネームやトリプルネームに目がないんです。会話の掴みに使えるんですよ。僕、ふざけたがり屋なんですけど、恥ずかしがり屋でもあるので会話の掴みがあると楽なんですよね（笑）。ーサッカーTシャツなどのスポーツ系のTシャツが多い中で、尾崎豊さんのTシャツが一際目を引きますね。　漫画「宮本から君へ」もそうなんですけど、“アツい”のも好き。例えば、めちゃイケも、ナイナイの岡村（ナインティナイン 岡村隆史）が短期間でダンスを覚える企画があるんですけど、アツさと誠実さがお笑いの中にあるんですよね。呼び捨てにしちゃって申し訳ないんですけど、尾崎豊も、宮本も、岡村も全力で、サボっていなくて、嘘なく伝えてくれる感じがする。僕もそれがやりたいんですよ。多分、スカす感じが好きじゃないんですよね。何事も全力投球で、ダサくてなんぼ。元芸人で美大出身、落合翔平の不思議な経歴ー大学卒業後、お笑い芸人として活動していたと聞きました。　元フジテレビのバラエティ番組のプロデューサーで現在ワタナベエンターテイメント会長・吉田正樹さんに弟子入りしたんですよ。今思えば、お笑い芸人を目指しているならNSC（吉本興業が運営する養成所）に入ればよかったのに。完全に逃げですよね。ー当時の芸風は？　最初は「バッタモンクラブ」というコンビを組んでいました。東京NSCが無い時に、極楽とんぼさんやココリコさんが組んでいた「吉本バッタモンクラブ」というチーム名から取りました。当時はアンタッチャブルさんに憧れていたので、超しゃべくりアドリブどつき漫才。憧れだけが先行して、アドリブ、練習無しでお笑いライブに出場したんですが、持ち時間3分の尺があるのに相方と2人でネタを飛ばして1分で舞台袖に捌けたり。その後は落合MAX平というピン芸人でフリップ芸をしてました。が、1回もウケた事がないです（笑）。お笑い芸人の方は本当凄いな、とマジで尊敬しています。ー落合さんは、多摩美術大学生産デザイン学科プロダクトデザイン専攻を卒業されています。どちらかといえば、平面ではなく立体作品を製作する学科なのではないでしょうか？　そうですね。周りの子たちは家具やプロダクトを作っていたけど、僕は授業で立体物を作らなかったかも。　僕の世代は、深澤直人さんや、吉岡徳仁さんなど、プロダクトデザイナーが全盛期で花形だったんですよ。今はこういう絵を描いているけど、学生の時は深澤さんがデザインしたブランド「±0（プラスマイナスゼロ）」や、ディーター・ラムスがデザインした「ブラウン（BRAUN）」のプロダクト、無印良品のようなミニマルなデザインに憧れていたし、美大に行きたいな、と思ったのはミニマルなプロダクトデザインが好きだったからなんですよね。ーふざけたいという気持ちと、ミニマルで綺麗な物を作りたいという気持ちは相反するもののように感じますが。　本当は「綺麗で整ったものが好き」が根本にある。こう見えて根が結構真面目なので（笑）。でも、その対局にある「ふざけきること」に心底憧れて、芸人になろうと思った節はありますよね。ー恥ずかしがり屋だけど、ふざけることが好きで、綺麗なプロダクトデザインを愛でる冷静さがある。　そうなんですよ。混在する性格や要素が真反対すぎて、自分でもよくわからないんですよ。ーその複雑な性格や要素は、作風にどれくらい影響を与えていますか？　プロダクトの全部を描いてやろうという気合いはアツさと冷静さ。絵にはふざける要素はあまり入っていないんですけど、もっと崩したり、遊び心をもたらすことはできるかな、と常々思っています。そうすれば自分がやりたい事により近づくかなと。　絵には嘘があってもいいんだけど、僕の美学は「汗臭く、泥臭く物事を伝えること」。そのためには、アツさと誠実さを持って全力で取り組まないと、その良さが100％で伝わないのでは、と。それは、作風の根底にあるかもしれない。立体作品を平面にしているつもりはない？ー今の作風を確立したのは？　大学4年生の時かな。最初は電車を描いていたんですよ。ー描かれるモチーフはどこか懐かしいものも多く、鑑賞者それぞれの個人的な記憶を思い起こさせる力があるように感じました。　やっぱり愛着があるもの。僕、物が捨てられないんですよ。鉛筆や消しゴムも短くなるくらい使い切った物は捨てずにとっておいているし、もう15年くらい「ゴミ日記」というのを付けてて。食べたものとか、レシートとかをスクラップしているんですけど、物に対して異常な愛着を持つんです。その愛着が、筆圧にのって絵に反映されているのかな。　僕、下書きとかは描かなくて。最初から4Bの鉛筆でマックスの筆圧で描くんですけど、消しゴムで消しても跡が残るんです。全力の痕跡が残る、画面に歴史を残せるという意味では、このままでいいかなと思っています。ー何故、人は描かないんでしょうか？　情報量が多すぎるからかな。その人のバックグラウンドを含めると全力で描き切れる自信がないんです。ー立体作品を平面的に収めようと思ったのは何故ですか？　よく「立体物を平面にしている」と言われるんですけど、自分ではそんな意識はないんですよ。たまにSNSで「落合みたいな絵を描いてみたぞ」とDMをいただくんですけど、すごいグニョグニョに描かれていて「俺の絵ってこんな風に見えているんだ！こんなグニョグニョなんだ！」と衝撃的でした。自分的にはグニョグニョに描いているつもりはないので新鮮で。　もちろん、写実的ではないとは思うんですけど「このプロダクトを作った人の一番見せたかったであろうところはそのまま描こう」とは思っています。プロダクトにおける「顔」に当たる部分は、“物の上の部分”だと思うんですよ。そうすると、自然と傾けるしかなくて、ぐにゃぐにゃになっているように見えるのかな。ファレルに見出された才能ー落合さんは、「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」のクリエイティブ・ディレクター ファレル・ウィリアムス（Pharrell Williams）が主催するデジタルオークションハウス「ジュピター（JOOPITER）」に作品を提供されました。　ファレルのマネージャーらしき人から連絡が来ました。「ファレルがお前の絵のこと好きらしいぞ」と。最初は嘘だと思ったんだけど、その連絡が来る直前にその周りの人たちからインスタをすごいフォローされたから、どうやら本当のようだ、と。ーファレル自身とはやりとりしましたか？　していないですね。でも、インスタのストーリーズでもメンションをつけて作品を投稿してくれたし、僕が投稿したストーリーズにも閲覧した足跡がついていたから、認知はされているのかな（笑）。ージュピターでは、落合さんが描いたファレルの私物7点が、ラグになって出品されています。　ファレルの私物ってやっぱりすごく豪華で、ダイヤがたくさん付いていたり、装飾華美なんです。いままで衣類やダイヤを描いたことがあまりなかったから、いいタイミングでしたね。　作品は一枚ずつ描いて、ラグとして織られました。僕の絵はニットとかラグとかの編み物と相性がいいんじゃないかな、と個人的には思っていたのでそれが叶ったのも嬉しかった。ーファレルを筆頭に、自身の作品が国内外の著名人から注目を集めている現状をどう捉えていますか？　まだまだだなと思っています。ファレルのも去年のことですし。過去の事をずっと言っているのはクールじゃないじゃないですか。　芸人になることを諦めたり、大学時代にプロダクトデザイン先攻からグラフィックデザイン先攻に転向しようと思ったのにグラフィックの教授に「入れたくない」と断られたり、ずっと逆境みたいな感じで、いまも「逆境じゃんか！」と思っています。作品が評価され始めた時点で「逆境」ではないという考え方もあると思うんだけど、僕の最終目標は「全人類からの認知」なので。そう思うと、道のりは長いです。（聞き手：古堅明日香）◾️落合翔平1988年埼玉県大宮生まれ。多摩美術大学生産デザイン学科 プロダクト専攻を卒業後、お笑い芸人として活動。2018年から画家として活動を始める。日用品や玩具など、身の回りにあるアイテムを描いたペインティングやドローイングを発表してきた。ダイナミックで予想不能な形状や立体感、力強い筆圧で描かれた線画が特徴。ファレル・ウィリアムス（Pharrell Williams）が主催するデジタルオークションハウス「JOOPITER」に作品を提供するなど、国内外で活動の幅を広げている。2024年春には高知で個展を開催する予定。公式インスタグラム

元芸人でファレル・ウィリアムスが認めた逸材、気鋭画家 落合翔平の頭の中

デザインに存在感が宿らない巨匠の凄み——イヴ・サンローランの時を超えた「スタイル」の在処

今回のイヴ・サンローラン展について　「イヴ・サンローラン展 時を超えるスタイル」は、2017年パリにオープンした「イヴ・サンローラン美術館パリ」の全面協力のもとで開催される回顧展。同展の企画は2017年に立ち上がり、日本での回顧展は、イヴ・サンローラン没後以来初めての開催となります。会場では、ディオールや自身のブランドのファーストコレクション、日本初公開のドレスなど110体のルックを展示するほか、テキスタイル作品や、同氏が描いたグラフィック作品、写真、ジュエリー、舞台芸術などのアート作品262点を全12章構成で紹介することで、サンローランが自身のスタイルを確立するまでの過程を詳らかにしています。第0章：ある才能の誕生　同展の序章にあたる第0章では、イヴ・サンローランの幼少期から若き日の創作活動を写真や肖像画、ドローイングなどで辿ります。同氏が16歳の時に制作したペーパードールは紙でありながらも、服に用いられたのが刺繍なのか、プリントなのかまでを判別できるほど正確に作られていることがわかり、同氏が「紙のクチュールメゾン」を構成することで将来を夢見ていたことを伺わせます。また展示室には、クリスチャン・ディオールの死後、21歳の若さで「ディオール（DIOR）」のアーティスティックディレクターに就任した同氏が、初めて発表した1968年春夏コレクション「トラペーズ・ライン」が展示されています。第1章：1962年 初となるオートクチュールコレクション　パートナーであるピエール・ベルジュと共に立ち上げた自身の名前を冠した「イヴ・サンローラン」のデビューコレクションである1962年春夏コレクションから7体をランウェイに見立てた展示台で展示。同氏は、数週間で約100のデザインを作り上げ、一躍注目を集めました。その他、展示室には、貴重なコレクションボードなどが陳列されています。第2章：イヴ・サンローランのスタイル アイコニックな作品　高低差のある展示台に置かれているのは、同ブランドを象徴するアイコニックなアイテム。タキシード、ジャンプスーツ、トレンチコート、サファリ・ジャケット、ネイビー・ルック、タキシードスーツ、テイラード・スーツ、シースルー、クリエイティビティ、イヴニングドレスの9つのジャンルに分け、それぞれのアイテムを紹介します。同氏が生み出した作品の多くが、男性服から着想を得ており、女性服をモダンにアレンジしたものであること、実用的な面を残しつつも単純さと優雅さを融合していることが明快になるはずです。第3章 ：芸術性 刺繍とフェザー　第3章ではクチュリエとしてのイヴ・サンローランにフォーカス。ブランドにとって高度な技術、贅沢、卓越性、伝統を象徴し、1945年以来フランス国内で法的に保護されている「オートクチュール」に焦点を当てた、刺繍やテキスタイル、羽細工、ジュエリーなど、質の高い素材と複雑な工程を経て制作されたアイテム7点を展示します。黒い壁紙と照明が落とされた空間で照らし出されるオートクチュールが耀うラグジュアリーな空間になっています。第4章：想像上の旅　第4章では美術作品の収集や読書によって想像上で旅行に行っていたイヴ・サンローランが独自の視点で解釈した各国の民族衣装を展示します。編み込みがあるキルティングジャケットや、トーク帽、ファーブーツ、飾り紐のベルト、身体に巻きつけるケープ、ヘッドスカーフ、ターバンなど、時代や国を超越した同ブランドのクリエイションを一堂に見ることができます。第5章：服飾の歴史　第5章では、西洋における服飾の歴史を探究したイヴ・サンローランがどのようにその服飾史を衣服としてアウトプットしたかに着目。例えば、古典古代をテーマにした衣装はドレープ使いが特徴的で、プリーツが入った筒状のシルエットや肩の左右非対称なドレープはギリシアのローマ彫刻にみられるアンティークチュニックに着想を得ています。第6章：好奇心のキャビネット ジュエリー　イヴ・サンローランにとって付属品に留まるものではなかったジュエリーに焦点を当てる第6章では、ジュエリーを博物館のように展示しています。当時、同ブランドのジュエリーは貴金属や真珠、宝石は使われておらず、代わりに木、メタル、ラインストーン、ビーズ、羽、セラミックを組み合わせて制作されています。これらは素材の組み合わせと想像力において際限がないことを意味しているのだそう。第7章：舞台芸術ーグラフィックアート　第7章では、一般的にはあまり知られていない「舞台衣装作家」としてのイヴ・サンローランにフォーカス。同章はスケッチに焦点を当て、10代、20代と2度にわたって制作に携わったジャン・コクトーの演劇「双頭の鷲」の初期スケッチや、「ジジ・ジュテーム」「フェスティバル・ポピュレール・ド・バレエ」とのコラボレーションなどを紹介します。第8章：舞台芸術ーテキスタイル　第7章に引き続き、第8章でもイヴ・サンローランの舞台芸術に着目。同章では実際の衣装とドローイングを一挙に披露。同氏は演劇やバレエだけではなく、映画にも衣装デザイナーとして参加。特に、映画「昼顔」に提供したブラックワンピースは、映画公開後に若者を中心に大ブームとなりました。第9章：アーティストへのオマージュ　ピート・モンドリアン、パブロ・ピカソ、アンリ・マティス、ジョルジュ・ブラック、フィンセント・ファン・ゴッホらの画家や、詩人であるジャン・コクトーへの敬意を表したコレクションを度々発表していたイヴ・サンローラン。第9章では、デザインの中で彼らの作品を引用（オマージュ）した作品を展示します。第10章：花嫁たち　イヴ・サンローランは、1962年から2001年までの間に80点のウェディング・ガウンをデザインしています。第10章では、その中から個性豊かな5点を展示します。一際目を引くのは1965年秋冬コレクションで発表されたウールの繭のようなドレス。彫刻のようなこのドレスは、ロシア人形であるマトリョーシカを参照しています。第11章：イヴ・サンローランと日本　ディオール時代から、日本製の絹織物に金糸刺繍をほどこしたアイテムを製作していたイヴ・サンローランと日本の関係性にフォーカスする第11章では、金屏風の前に4点のアイテムを展示します。同氏は、自分自身のデザインと日本の間にある繋がりについて「早くから私は日本を探し求めていた。そして、歴史がありながらもモダンなこの国にすぐに魅了され、それから幾度となく影響を受けてきたのである」とその関係性について言及しています。オリジナルアイテムの販売も　会場では、イヴ・サンローランのドローイングをデザインしたペーパーマグネット（1300円）や、キーチェーン（2400円）のほか、トートバッグ（ラージサイズ8800円、スモールサイズ5800円、すべて税込）などを販売します。

SAINT LAURENT

【全網羅】イヴ・サンローラン展が開幕、全12章を写真付きでまとめて紹介

 回り道が、本当に回り道 「海に行ったの？」と、聞かれてしまうくらい、今年も肌が焼けてしまった。焼けた原因は主に仕事だ。時計やTシャツで隠れた部分は白いので、少し恥ずかしい。公園で肌を晒すおじさんたちのように、私も夏の日差しを楽しんでしまえたら、と思う。しかしそうなると気になるのがボディライン。仕方ない、今日からトレーニングをしてみるか、とユーチューブで参考動画を検索する。私は形から入る、めんどいヤツなのだ。そんな私を置いて、夏は終わろうとしている。 打ち上げ花火、どこから見るか？ 花火大会のシーズン到来だ。毎週どこかしらで開催されているが、どこも同じく混雑しているようだ。カップルがレジャーシートを広げているこの場所は、花火の打ち上げ会場より少し離れていた。ここはどうやら穴場らしい。他にも何組か待機していた。見える花火は本会場より小さいだろうけど、きっと綺麗だろう。夏の日没は遅い。彼らの手には缶酒。花火が上がる前に、まずは杯をあげていた。 きっと、来る 去年訪れたひまわり畑に、今年も足を運んだ。ひまわりは見頃で、眩しいくらい鮮やかだった。この景色をずっと見ていたかったけど、あまりに暑くて長居できない。何枚か写真を撮ってその場を後にした。写真の中のひまわり畑は綺麗だけど、フレームの中の景色は狭く感じた。枠に収めきれなかったひまわり畑と青空の広さを思い出す。来年も暑いに違いない。でもきっと、私はまた、ひまわり畑を見に行きたくなるだろう。 知らない間に包まれていた 知らない間に愛に包まれていたなぁ、と感じる瞬間がある。ふと見た情景がきっかけで、頭の中で散らばっていた記憶が一つに繋がる。「あのとき言われた言葉はこういうことだったんだ」とか「あのときあの人はこういう気持ちだったのではないだろうか」と、いろいろなことが腑に落ちてパッと目の前が明るくなる。何故そのときに気づかなかったのか、と悔やむ気持ちもある。もう伝えられない感謝を、何度も何度も心の中で呟く。

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」〜2023年8月〜

伊藤博敏1958年長野県松本市生まれ。東京藝術大学工芸科金属工芸専攻を卒業。アトリエヌーボーコンペ審査員賞、第2回トリックアートコンペ優秀賞など数多くの賞を受賞。 ニューヨーク、ボストン、シカゴ、オーストラリアなど世界各地で個展を開催し、高く評価されている。公式サイト／公式インスタグラムー伊藤さんは彫刻家として作品を発表する傍ら、家業である伊藤石材店を営んでいます。　普段は墓石や、室内装飾を手掛けています。松本市は工芸が盛んで、石屋も多いです。組合に所属している石屋が25軒、組合に入っていない石屋も含めると30軒以上あります。ーなぜ、松本市には石屋が多いんでしょうか？　今から約500年前に築城された松本城が大きなきっかけです。当時は、現在の長野県伊那市高遠町から城を建てるために石屋が派遣されたそうです。でも、城を建て終わったから終わりというわけではなく、結局そこで暮らすようになったり、その土地の人と結婚したり、子どもができたり、まちづくりや河川工事に携わったりした。そうやって人々は定着し、今の松本が出来上がった。私の先祖も明治12年に伊那から松本に来て、私で5代目です。石屋だけではなく、大工や医者など、様々な業種の人がいろいろな土地で同じような過程を踏んできています。そういう時代だったんです。ー石屋の後を継ぐ以外の選択肢はありませんでしたか？　なかったですね。小さい頃から「石屋になるんだろうな」と。ただ、僕はどちらかと言えば平面作品を制作する方が好きだったから、「デザインの仕事もいいな」と学生の時にぼんやり考えたんですけど、自分の能力の中では限度があることを知ったんです。ー限度、というのは？　うまくは言えないけど、オリジナルのことがあまり浮かばなかったんですよね。ーやっぱり作品である以上はオリジナリティが大事だ、と。　そうですね、僕はそう思う。ー立体の方が、限度がない？　少し話は脱線しますが、魅力ある輸出品目育成を目的として政府主導で開催された「内国勧業博覧会」で、箪笥や清水焼が“絵画”として選出されました。絵画と聞くと、筆と絵の具を使った平面作品を思い浮かべますが、当時の人たちは「絵が焼き付けられているなら、工芸品でも『美術』『絵画』として取り扱っていいじゃん」と考えたそうです。日本人にはそういう感覚があり、僕もその考えが自然な感覚としてありました。ー工芸や彫刻、美術に明確なジャンル分けはない、と。　ジャンル分けというか、日本は土着的に「見立ての文化」が脈々と語り継がれているんですよね。枯山水などは最たる例です。石に線を描いて「水です」と言われると水に見える。そういうDNAが日本人には流れているんですよね。　僕の作品も、石ころだと誰が見てもわかるけどファスナーがついているだけでそれが袋に見える。そういうことをやっている彫刻家がまだ世の中にはいなさそうだったので、取り組んでみることにしました。ー何故石にファスナーを付けようと思ったんですか？　「ファスナーって現代人にしかわからないパーツだな」と思ったからです（笑）。石は古代からあるものだけど、古代人がファスナーを見ても金属が並んでいる線にしか見えず、柔らかいものを想起しないかもしれない、と。「現代美術ってこういうことかな」と勝手に思っただけです（笑）。ー大学では何を学んでいたんですか？　東京藝術大学の美術学部工藝科で、金属加工について学びました。ー石屋になることがわかっていながら、なぜ金属加工を学ぼうと思ったんですか？　石と金属ならどこかで組み合わせることができるかな、と。当時、自分の頭で考えられたのはその程度でした。最初の頃は石と金属をミックスした作品も作っていたんですけど、無理矢理感がどうしても拭えなくて止めたんです。そういうことよりも、石という素材が異素材に見える遊びの方が楽しくなっちゃった。ー「無理矢理感」というと？　石は曲がりませんが、金属は曲がります。溶けるといった面白さもあります。でも石は曲がらないですよね。もっと言えば、石は自然物だけど金属は人工物なのでもうそこで根本的に違うんですよね。ー石屋の家業を継ぐということは石に細工をする職人になることを意味すると思います。伊藤さんは、「職人」とはどういうものだと考えていますか？　職人という言葉は、江戸時代から使われている言葉ですね。逆に、「彫刻」「技術」「文化」「芸術」といった言葉は全て明治以降に生まれたものだそうです。　個人的な考えで言えば、職人には2種類あると思っています。一つは親方が言う通り働いて給料をもらう人。もう一つははクリエイションができるクリエイターとしての職人。これは蛇足だけど、江戸時代では陰陽師ですら「職人」と呼ばれていたらしい。陰陽師が職人と呼ばれていたなら、例え技術職じゃなくても職人じゃない人なんていないんじゃないか、とすら思いますよね。編集者も、デザイナーも、お父さんも、お母さんも、幼い子ども、もみんな職人なんじゃないかな。ー彫石は、日本よりもヨーロッパの方がその歴史は深く長いですよね。　そうですね。アーチを作る＝アーキテクト（建築）という言葉が生まれるくらい、一番大変だったのは石でアーチを作る技術。数千年前の石工の親方は、その技術を一番弟子にしか教えなかったと聞いたことがあります。つまり、親方の言われた通りに石を彫っていけば、立派な建物や教会ができていく。でも、一番弟子で職人たるものただ言われたことをやるのではなく「俺ならこれをどうやって建てるのか」という発想が重要視されるはずです。だから、僕にとって職人は「親方の言う通り働く人」と「自分で頭を働かせて何かを生み出せる人」の2種類だと思っている。　僕が、職人になってわかったことがひとつあります。それは「答えを早く出せ」ということです。どんな職人にも締め切りがある。締め切りは、言い換えれば「それまでに答えを出す」という意味だと思うんです。締め切りとお客さんからのオーダーの中で、それをどう裏切って、楽しく良い方にプラスしていけるのかを考えるべきなんだな、と。僕の師匠でもある親父からは「仕事というのは、早く、かつ相手が想像するよりも良いものを作ること」の癖を付けさせられましたね。ー相手も考えていることがあるだろうけど「それよりもこっちの方が面白いですよ」と提示できるのが、伊藤さんの考える理想の職人？　そうですね。職人の世界はそれの繰り返し。だから、僕は作品作りもものすごい早いんですよ。たまに「すごい技術ですね！」と言われることもあるんですけど、何年もやっていれば技術は自然と身に付きます。60歳を過ぎたおっさんに「技術がすごいですね！」って馬鹿にしてるのか！と思っちゃうよ（笑）。ー（笑）。制作期間はどれくらいなんですか？　掛かっても一週間かな。職人の仕事は、基本的に日当計算です。例えば、日当2万5000円もらえるのに、作品制作で二日間働けなかったらそれだけで、その作品は5万円の価値がないと元が取れないんです。二日間休んでまで、作品を作るのかという問いかけが常にある。ーそこまでして作品制作をするのはなぜなんでしょうか？　純粋に石の魅力を知ってほしいというのが一番かな。ー近年、石をコレクションしている人も多いですが、伊藤さんの思う石の魅力とは？　僕は、宝石には興味がありません。なぜなら、自分で加工ができないから。インスタグラムのフォロワーさんにも石が好きな人もいて、たまに彼らの投稿を見たりもするんですが、光や角度によっての変化が好きだと書いている人は多い。でも僕は、石ころに物語を見出せるところが最大の魅力だと思っています。ー「石ころに物語を見出す」とは？　簡単に言ってしまえば、この石は僕の手元に何故この形で辿り着いたかに興味があるんです。僕が作品に使う石は、梓川という上高地から松本市街地まで流れている川の河原から拾ってきたものが多いんですが、河原に並んでいる石は水圧で削れ、将棋倒しになっています。どのように石が倒れているかで、川そのもののストーリーも感じることができるんですよね。河川工事が行われれば、石の表情も全く異なります。　人と同じで、それぞれが違う人生を送っていることが石の形をみて知れることが楽しんです。「ほうほう、そうかい、そうかい」と勝手に石の話を聞いているんです。「ここをいじられるとあんたは嫌だよね」とかね（笑）。石の物語の話と、作品にファスナーをつけたことも少し関連があって、「石のファスナーを上げる」と言う動作で、中か違う物語を紡ごうかなと思ったんです。「作品になったらそれでおしまい」ではなく、石の物語をさらに蓄積させるイメージですね。ー作品を制作するときに一番意識していることは？　基本的には見てくれる人が少しでも笑顔になってくれればいいな、と。でも、ただ面白いのではなく、毒っ気を入れたい。「毒とユーモア」というのはずっとテーマとしてあります。ー「毒」というと？　石に歯や目を付けたものはその最たる例ですよね。一目見て「気持ち悪いな」と言われるようなことも所々で狙って入れるようにしています。あるいは、ジョークや皮肉と言い換えても良いです。　普通じゃないものを作るためには、普通でいなきゃならないんです。町内会や石材組合に所属する中で、人同士のお付き合いもあります。そういう少し面倒臭いことをしないと、普通じゃないことを感知しきれないと勝手に思っているんですよね。ー伊藤さんは硬質で質量のある石で、縛られた布、溶けるアイス、伸びるお餅といった、まったく相対する物質を表現していながらも、目視で「これは石だ」とぎりぎり認識できるような作品が多いと感じました。　それはすごく大事にしているところです。石で作っている以上は、石に見えるべきなのでね。石に見えるべきなのに「石には見えない！」と言われることが多く、それは狙い通りです。「触ったら石だった」という段階を踏んでもらうことが重要なんですよね。ー石の形を損ねるような過度な加工を施していないのもそのためでしょうか。　その通りです。石ころとして完結していることが大切だと思っています。例えば石が歪に割れていたら、石そのものが持っていた物語が途切れてしまい、石が持つ性格みたいなものが内包されていない感じがするんです。だから石を選ぶ時は、必ず一塊になっていて、どこを表面にしても良いようなものを選んでいます。ーでは、石を石たらしめている「石らしさ」とは何なんでしょうか？　不均一な色と、傷じゃないでしょうか。つまり、ある石が「その形になる前」を想像できたらそれは石らしい石だと思います。作品を発表し始めた当初インターネットに掲載されている私の作品を見て「これはCGですか？」と聞かれたことがあって。「それではダメだな」と。それで、できるだけ石らしい石というか、傷や模様が局部的に出ている石を積極的に使うようになりました。　これは余談ですが、趣味でガラスや粘土など他の素材を石に見立てた作品も少しずつ集めていて。柄が均一な、例えば花崗岩などの石はフェイクが作りやすいんだな、と勉強になりました。ー折り畳まれたTシャツを石で表現した作品が印象的でした。伊藤さんは、布というマテリアルをどのように捉えていますか？　布がもつ柔らかさは「途中」を表現するのに向いている素材だと思っています。大学に在籍していた頃、動画部に所属していてアニメーションを作っていたんです。アニメーションは動きを切り取ることと言い換えることもできると思うんですが、「ing形で作ると動きが出るよ」ということを教わって、妙に納得したんです。完結している良さもあるとは思うんですが、僕は、現在進行形で未完であることの面白さの方に共感した。ーだから伊藤さんの作品の多くはファスナーが途中まで開いているんですね。　その通りです。全部は開けない。見る人によっては「このファスナーを締めたい」という人もいるかもしれないし「開けたい」と思う人もいるかもしれない。起承転結の転で止めることで、ストーリーの結末を委ねることができるんです。なので僕にとって布が持つ柔らかさは、他のマテリアルでは得難い重要な要素だと感じています。ー石を石らしく見せないことで生まれる違和感は、どのような事象を生み出すと考えていますか？　例えば「美術館で作品を見た感想を述べろ」と言われると困っちゃう人ってとても多いと思うんです。何か、気の利いたことを言わなければならないと思ってしまうだろうし、そういうところから、美術離れが進んでいるような気もしています。以前、うちの工房は2階で常時作品の展示をしていたんですけど「よかったら、見て行きますか？」と声をかけると、やっぱりみんな「あー」と切れ味の悪い返事が返ってくる（笑）。でも、実際に見たら親父ギャグみたいなくだらない作品ばかりが並んでいるからなのか、みなさん結構感想を言ってくれるんですよ。僕自身もそういう空気感の方が楽しいし好きです。ー遊び心があれば、作品や美術、芸術も少しだけ身近なものに感じる？　元々「工芸」と呼ばれているものは遊びの要素が多く、漆や陶磁器、金属を扱った工芸品はユーモアをふんだんに取り入れています。例えば、お月様をテーマにした桂離宮などの建物は、襖ひとつをとってもお月様の格好にしつらえていたりします、遊び心というのは、江戸時代よりも前から日本人に染み付いているものなんだと思います。そして、その遊び心は、主人と顧客の暗黙の了解の中で出来上がっている。そういう作品の感性に憧れたんです。なぜなら、遊び心の共有は知識がないとできないから。だから僕は、食べ物や服などの身近なものを石で表現しているんです。現代における、遊び心の共有は「日常」という共通のテーマだと思うから。（聞き手：古堅明日香）（撮影：小澤広征）

普通じゃないものを作るためには普通でいなきゃならないーー“藝大卒の石屋の親父”が硬い石で柔らかい服を作るワケ

 河川敷ワンダースランド 河川敷の橋の下、ご老人たちが将棋を指していた。彼らはその日集まった人たちでゲームなど好きなことをして過ごし、夕方には帰っていくという。小さい頃、大人に邪魔されずに遊べる秘密基地が欲しかった。ここは誰からも見付けられるオープンな場所で、人の出入りもかなりある。だけど、幼かった頃の私はきっと、こういう場所が欲しかったんだと思う。「晴れの日はたいてい誰かいるからまたおいで」と帰り際、誘ってくれた。 あろうがなかろうがアレやコレ 7月7日に、東京の天気が晴れる確率は約30%だそうだ。「雨じゃ彦星と織姫は会えないね」とよく聞く。でも、星空は雨雲の向こうにあるので、彼らの逢瀬の障害にはならない。恋人同士のアレやコレを雲のカーテンで隠してくれる梅雨は、粋な奴ですらある。しかしこれは新暦の話。旧暦では、七夕は1ヶ月ずれて8月上旬。梅雨も開けている。彦星と織姫にとって、人の視線は大した問題ではないのかもしれない。 脱ぎ捨てたい 汗と埃まみれになった仕事の帰り道。せめて視覚だけでも爽やかに、と海岸に寄ったのが間違いだった。日差しから逃げられない上に、潮風が体にまとわりついて不快感が増した。海に浸かればこの暑さから解放されるのだろうか。しかしそうすれば、帰りがより面倒になる。少し向こうで、学生たちが服を脱いで海に飛び込んでいった。その清々しさに、暑さが一瞬だけ遠のいた。 やっとだね 徳島県の伝統芸能で有名な阿波踊りは、政府への抗議として踊られたこともあるらしい。囃子言葉の意味を調べてみると、阿波の人たちの勝気な精神が垣間見ることができて面白い。気合入れの「ヤットサー、ア、ヤットヤット」の掛け声は、元は「久しぶり、元気かい？」という意味があるらしい。久々の舞台に踊り子たちの足さばきは「待っていました」とばかりにキレキレで、見惚れずにはいられなかった。

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」〜2023年7月〜

6歳で手に入れたドナルドダックFASHIONSNAP（以下、F）：今日はNIGO®さんの私物もお持ちいただいたのですが、こちらは？NIGO®：僕はスター・ウォーズが好きなんですが、ここ最近でハマった作品のひとつで、『マンダロリアン※』に出てくるボ＝カターン・クライズのマスクです。※『スター・ウォーズ』初の実写ドラマシリーズ。2019年12月にDisney+で配信がスタートし、現在シーズン3まで公開されている。F：NIGO®さんはヴィンテージコレクターとしても知られているので、この手のプライベートコレクションはたくさんお持ちですよね。NIGO®：一度、オークションで一気に売ったことがあるんですが※、結局また買い出して増えてきていますね（笑）。※2015年、映画『スター・ウォーズ/フォースの覚醒』の公開に合わせ、サザビーズとイーベイの共同で開催されたオークションにNIGO®が参加。プライベートコレクションから、貴重なスター・ウォーズおよび関連グッズ600点超を競売にかけた。F：コレクターとしての第一歩は幼少の頃だったと聞きました。NIGO®：まだ小学校に上がる前の6歳くらいですかね。ものをコレクションするという意味で僕が一番最初に手に入れたのが、ドナルドダックのおもちゃでした。プッシュパペットという、底の部分を押すとヘニャっと倒れる人形です。F：ちょっと懐かしいおもちゃですね。NIGO®：親にお正月の初売りに連れていってもらった時に、最後に余ったお小遣いの500円で、文房具屋さんの福袋を買ったんです。その中に入っていたんですよ。異国のものに触れたことがなかったのもあって、それがすごくカッコよく見えたんですよね。40年以上経っていますが、今もアトリエに置いてあります。F：原点と言えますね。ディズニーのキャラクターに触れたのも、その時が初めてなのでしょうか。NIGO®：おそらくそうだと思います。あとは小学生くらいの頃、ミッキーマウスの刺繍が背中に入ったデニムのベストを着ていたんですが、それをすごく気に入っていて。F：それこそNIGO®さんのヴィンテージコレクションに通ずるものがありそうです。NIGO®：たぶん最初は、それがディズニーの何なのかってよく知らなかったと思う。ウルトラマンに惹かれる子もいたし、仮面ライダーが好きな子もいましたけど、僕は子ども心にミッキーマウスというキャラクターが、ただ魅力的だったんだと思います。F：それでは今「ディズニーのキャラクターで何が好きか」と聞かれると？NIGO®：やっぱりミッキーマウスかな。不変ですよね。少し前ですが「ヒューマンメイド（HUMAN MADE®︎）」を京都に出店する時に、その建物が文化指定されているアール・デコ調の1928年竣工のビル（名称：1928ビル）で、ミッキーマウスの生まれ年と一緒だと気づいたんですよね。そのつながりで、スクリーンデビューした当時のタッチでミッキーマウスのTシャツを作ったんですが、そのモノクロの感じも好きですね。F：そういったキャラクターの生みの親であるディズニーについては、どんな印象ですか？NIGO®：まず、ウォルト・ディズニーという一人の人間の生き方に興味があります。ディズニーランドができるまでのドキュメンタリー映像を見たことがあって、本当にいい意味で子どもというか、発想力がものすごい。僕にとって良いお手本でした。何かを生み出す仕事をしていると、どうしてもフレッシュな発想ができなくなることがあるので。でもまあ自分も、かなり子どもの方だと思いますが。F：ディズニーは子どもだけではなく大人にも愛されていますね。NIGO®：誰もが羨むことではないでしょうか。あとは、彼が亡くなってからもその意思を引き継いでいって、今のウォルト・ディズニー・カンパニーが存在するということも。F：ピクサー、マーベル・スタジオ、ルーカスフィルムといった映画会社も傘下となり、巨大コングロマリットに成長しています。やはりその中でも、スター・ウォーズの作品シリーズについてはNIGO®さんにとって特別ですか？NIGO®：そうですね。作品を見ていると日本的な部分も感じられたりして、ジョージ・ルーカスが日本の文化から影響を受けているのかなと想像したり。ディズニーの傘下になってからも、そういったルーカスのコンセプトが尊重されているというか、より力を増している感覚があります。ドラマシリーズの『マンダロリアン』もそうですが、小説でしか読んだことがなかったようなストーリーがリアルな映像として表現されていて、のめり込んでいます。ダコバ星とヨーダへの憧れF：今年ディズニーが創立100周年ということで、それを記念したグローバルプロジェクト「Disney Create 100」に、参加クリエイターの一人としてNIGO®さんが抜擢されました。NIGO®：オファーは嬉しかったですね。やはり好きなので、やるしかないというか。わからないものには手を出したくないので。F：プロジェクトでは、クリエイターがチャリティオークションに出品するものを制作します。その題材としてNIGO®さんがヨーダを選んだ理由は？NIGO®：少し憧れというか、スター・ウォーズのストーリーの中でヨーダが一時期、ダコバという小さな星で隠居して、静かに生活していた感じが好きなんです。僕も自分の会社とブランドを売った時に一度、すごく小さなオフィスを借りて、半ば引退のような気持ちで過ごしていた時期があって。その場所を個人的に「ダコバ」と呼んでいました。今はまた、元のような忙しい生活に戻ってきてはいるんですが。F：どこか自身と重なる部分があるんですね。それで今回、制作したのが張り子のヨーダ。等身大で、かなり精巧に作られています。NIGO®：フィギュアとかもそうですが、まずライフサイズ（＝等身大）が好きで惹かれるんですよ。ただ、ライフサイズのヨーダって公式ではぬいぐるみくらいじゃないかな。なので作りたいと思ったのと、作るなら日本の技術でと考えて、最初は陶器で作るという案もありました。今自分が陶芸にハマっているのもあって。F：ヨーダの身長が66センチなので、工芸品としてはかなり大きなものになりますね。NIGO®：その大きさとスケジュール的に陶器は難しいということがわかり、であれば張り子にしよう、となりました。僕の出身の群馬は「高崎だるま」が有名で、その技術を使ってヒューマンメイドでも張り子のカモなどを継続的に展開しています。今回のヨーダも僕がディレクションし、3ヶ月ほどかけて職人さんに作って頂いたんですが、本当に素晴らしい仕上がりで。造形も色も、ほぼ一発OKでしたね。F：張り子というのがわからないほどリアルです。オークション販売なので、価格設定もNIGO®さんが？NIGO®：はい。最初は25（＝ニゴー）ドルから。開始価格としてはかなり低いですけど、ディズニーと一緒に夢を与えられたらと。僕を「踏み台」にF：「Disney Create 100」は、「伝統と変革」というテーマが含まれているとのことで、NIGO®さんの「未来は過去にある」という考え方と通ずる部分もありそうです。NIGO®：まさに「ケンゾー（KENZO）」のアーティスティック・ディレクターの仕事はそれに重なりますね。高田賢三さんのアーカイヴへのリスペクトを忘れることはありませんし、それをいかにして変えていくかを考えながら、もの作りをしています。伝統のあるブランドに新しさをもたらしていくことは、挑戦でもありますね。F：大きなやりがいがありそうです。NIGO®：同時に重さも感じていましたが、今は少しずつ楽しめてきています。いずれにしても、まず型をしっかりわかってからじゃないと、変えたり崩すことができません。ただ好きなだけでは浅くなり、本物ではないと見破られる。なので常に学ぶことは大事だと感じています。F：実際にパリのメゾンというファッションの中心地に身を置いてみて、何か変わってきていると感じることはありますか？NIGO®：ラグジュアリーとストリートが一本化しているような状態は続いていますね。あとは、これだけ世の中に娯楽やカルチャーが溢れている中で、ただ服だけを作っていたら世界や視野が狭いと受け取られることもあり、広く発信できる人が重要という考え方もあります。でも一方では、いわゆる"デザイナー"ではなく"ディレクター"が持て囃されることで、王道を作れる人が少なくなってきているかもしれない。そんな複雑な思いもあったんですが、先日の「LVMHプライズ」の審査に参加した時に、ちょっと流れが変わってきているかもという感覚がありました。F：「セッチュウ（SETHU）」のデザイナー桑田悟史さんがグランプリに輝いたファッションコンテストですね。 NIGO®：はい。彼を筆頭にして、ファイナリストたちが皆いい意味でヤバかったんです。しっかりと真面目に、自身の服作りをとことん突き詰めてきたことが滲み出ているというか、彼らは本当の意味で"デザイナー"でしたね。F：今回の「Disney Create 100」も、次世代に向けた若手クリエイターを応援する取り組みが用意されています。NIGO®：よい取り組みだと思います。僕は「踏み台」と言われたりもしますが、自分が紹介したり一緒に仕事をしたり、そういう人たちがどんどん活躍していくのが嬉しいんですよね。例えばKAWSなども、元々はただ友達として絵を買っていましたけど、今や先生と呼ばれるほど大物ですから。F：そのKAWSも、ファッションと接点を持つようになったのは、最初にコラボしたNIGO®さんがきっかけですよね。NIGO®：アートとファッション、畑が違うという先入観は全く無くて。他のジャンルもそうですね。僕らがそういう最初の世代なのかもしれない。トキワ荘を作りたいF：今回のプロジェクトで、NIGO®さんは次世代アーティスト枠としてグラフィックアーティストのVERDYさんを推薦されたとのことですが、その理由は？NIGO®：次世代では影響力がダントツなので、彼しかいないと思いました。勢いがある今、ディズニーをテーマに何を作るかを見てみたい、というのも理由ですね。人としてどうかという部分も大事で、彼は柔軟なんです。それでいてアグレッシブさもある。F：先日パリで発表したケンゾーの2024年春夏コレクションでも、グラフィックデザインでVERDYさんを起用していました。NIGO®：よく一緒に話をするんですが、ちょっと自分と重なる部分もあるというか。一昔前だと海外から来日した人がみんな僕のところに来るような感じでしたが、今その役目は彼になってきています。基本的に僕は、あまり人に会わないですしね。F：昨年、アップル（Apple）のティム・クック（Tim Cook）CEOが来日した時にもVERDYさんを訪ねていましたね。NIGO®：中目黒にオフィスを構えていた建物をシェアオフィスに変えまして、そこにVERDYくんが入っているんですよ。あとはダブルタップスの西山徹くんと、ユニクロ「UT」のクリエイティブディレクターもやっている河村康輔くん、そして僕がアトリエを持っている形。いわゆる「トキワ荘（※）」を作りたくて。※トキワ荘＝手塚治虫、藤子不二雄（A）、藤子・F・不二雄、赤塚不二夫といったマンガ家が下積み時代を過ごしたアパート。F：60〜70年代の原宿に集まったマンションメーカー（＝マンションの一室をアトリエにしたデザイナーズブランド）のようでもありますね。NIGO®：同じような雰囲気が、裏原系の聡明期だった90年代にもありました。みんなの事務所が近所にあって、何のアポもなくふらっと立ち寄ってたわいもない話をして、遊びながら色々な面白いことが生まれていったという。自然とみんなが切磋琢磨して、それぞれ伸びていったんだと思います。F：NIGO®さんは、現代の若いデザイナーやクリエイターたちに、どんなことに挑戦してもらいたいと思いますか？NIGO®：どこを目指すかというのもあるとは思いますが、やはり外に出ていくことですかね。出て行きたいと思ってもらいたい。今は自分自身でメディアを持つことができて、SNSである程度のフォロワーがいたら成り立つ時代でもありますが、それって広いようでいて小さい世界に感じます。僕の場合は元々アメリカをゴールとしていて、でもそれがスタートになっちゃった部分もあるんですが。F：そういう意味では、世界における今のNIGO®さんの地位や活躍は夢があります。NIGO®：日本人でもこういうことができるんだっていうような、サンプルに自分がなれればいいですね。広い世界に出ずに、自己満足のレベルで終わってしまってはもったいないクリエイターがたくさんいると思います。ものづくりの技術やクリエイティブな部分では、日本はまだまだ注目されていると思うので。今もし何でも叶うならF：ヴィンテージやアンティークに造詣の深いNIGO®さんが考える、100年残るプロダクトってどんなものだと思いますか？ 例えば、100年前のリーバイスのジーンズに感じるロマンとは一体なんなのか。NIGO®：リーバイスもミッキーマウスもそうですが、意外と形を変えていないですよね。ある時点から全く変わっていないっていうのがすごい。それで100年飯を食っていけるということは、もう1000年2000年もいけそうな雰囲気さえありますし。F：本当の意味の不変ですね。NIGO®：でも日本文化を知ると、100年というのは短くも感じます。1000年以上の老舗がたくさんありますから。長く続くことはベストだと思いますが、実際には難しいでしょうね。後継者で考え方も変わっていくだろうし。物としては変わらずに受け継がれても、企業としては時代によって変わっていって良いんだろうなとは思います。F：最後になりますが、NIGO®さんが叶えたい夢はありますか？NIGO®：僕は子どもの頃、夢がなかったんですよね。「将来何になりたいか」とか、全然答えられなかった。でも、今もし何でも叶うなら、時間が欲しいかな。1日48時間とか。やりたいことがあり過ぎて、時間が足りな過ぎるので。F：世界中を飛び回って多忙な日々だと思いますが、本当にやりたいことはまだまだあると。NIGO®：忙しいばかりではなくて、合間を縫って好きなことはしていますよ。山口や三重とか、日本の色々なところに行って陶芸をして過ごしたり。茶道を習ったり。そういう時は、しばらくスマホも見ないです。F：対極にある生活も必要なのかもしれません。NIGO®：陶芸をやりながら、日本の文化を受け継ぐ人が減っているのはもったいないなとか、自分の人生はあと何年あるんだろうとか、色々と考えるんです。「真剣にやらなきゃ」と思い直したりして。F：修行しながら人生について考える時間でもあるんですね。だんだんとヨーダに近づいているような。NIGO®：そうかもしれませんね（笑）。聞き手：小湊千恵美

KENZO

NIGO®がヨーダと重ねるクリエイター人生——Disney Create 100 インタビュー

作業場のような展示室　ものづくりの現場を“縫い合わせる”　1978年の開館当時から、画家のジャン=フランソワ・ミレー（Jean-François Millet）の作品を継続的に収集している山梨県立美術館の開館45周年を記念して開催されている同展では、同館が所有するミレーの作品と併せて、それらに呼応した4人の作家たちが作品を発表している。4章に渡る展示空間の1章目「移動、創作」は、「リトゥンアフターワーズ（writtenafterwards）」のデザイナーであり、ファッション表現の学びの場「ここのがっこう（coconogacco）」を主催する山縣良和が手掛けた。　展示会場に入ると、そこには一般的に想像される、整然とした空間に絵画が並んでいる「ミレー展」とは異なる空間が広がっていた。壁面に飾られたミレーの絵画の周りには、ミレーの作品と同じような構図と色調で撮影された写真家の田附勝による小値賀島の写真作品や、実際に機屋から搬入した家具とリトゥンアフターワーズの作品を組み合わせたインスタレーションが展開されている。点在するマネキンたちは、掃除や機屋仕事をして働いているようなポーズで配置され、空間の中央には舟久保織物の大きな織機を設置。展示期間中をかけて1枚の布が織り上げられていく様子も含めて、展示空間全体は大きな作業場のようだ。 　この展示空間は「Field Patch Work つくりはかたり、かたりはつくり」と題され、各地でのフィールドワークがパッチワークのように組み合わせられている。山縣はこの様子のことを「小値賀島と富士吉田の思い出や良かったものが集まって引っ越してきたイメージ」と称する。展示空間の最後のエリアには、「ここのがっこう」出身の「ビオトープ（BIOTOPE）」の作品や現在在籍している学生たちの作品とともに、ミレーの無名時代のスケッチなどの初期作品が並べられている。3年間のフィールドワークの中で出会った、様々なクリエイターや職人たちの制作の現場とクリエイションのインスピレーションが生まれる現場を継ぎ合わせ表現されている。 コロナ禍を経て、美術館は「地域とクリエイションを繋ぐ場」に　同館の青柳正規 館長は、同展を「コロナを経験した私たちにとって意味のある画期的な展覧会だ」と語る。コロナ禍以前の日本では、海外の有名美術館から作品を借りて展覧会を開催することが優位とされ、そこにかかる莫大な費用を担保できるだけの集客が見込める都心の美術館と、経済的に力の弱い地方の美術館との間には大きな格差があったという。しかし、「コロナ禍で美術品の国外への運搬が困難になったことで、各美術館が所有する作品がその地域でいかに愛され関心を持たれているのかに価値を見出す動きが世界的に広がっている」とし、今回の取り組みが日本美術界全体にとっても大きな意味があると力強く述べた。日本の山梨県に位置しながら、ミレーの作品を所有する同館は、同展でミレーを解釈する4人の作家を通して「山梨にあるミレー」の意味を見直す。　世界をパンデミックが襲った3年前から、山縣は東京を離れ、山梨県富士吉田市や長崎県五島列島の小値賀島など、都心から離れた地域で活発にフィールドワークに取り組んできた。その姿は、1849年にパリを襲ったコレラのパンデミックを機にバルビゾン村に移り、生涯の制作の拠点としたミレーに重ねられる。加えて、同展には山梨県立美術館の、「美術館を“美術”の枠組みだけに留めず、地域の職人たちにも光を当て、地域と関わりを持たせていきたい」という意志や、美術館を美術品保護の場としてだけでなく、作品を活用し新たな発見を生む「変化する展示を作りたい」という想いが込められている。この姿勢は、王族や貴族しか描かれてこなかった西洋絵画史の中で、農民が働く姿を描き印象派に影響を与えたミレー、ひいてはファッション表現の領域を広く拓き、地域の職人とのコラボレーションを積極的に行い山梨と東京の学生を繋ぐ山縣の姿に重ねられている。フィールドワークの先に見えた、「生き方」と「創作」　「僕の活動は『半育半創』と言えるかもしれない」。山縣が自身の生活をそう称したのは、山梨県富士吉田市の機屋が、年の半分を農業、残りを機織り仕事をして暮らす「半農半機」の生活が古くから営まれていたこと、五島列島の1つである小値賀島では、仕事のため島外へ行き来きしなければならず、島の暮らしのほかに複数のコミュニティや環境に属する生活が当たり前だったことを知ったためだ。自分の専門領域を絞り込むべきという周囲の声や、ファッション業界の既存の枠組みに対して自分らしいあり方を模索してきた山縣にとって、複数の生活や仕事を両立しながらプロフェッショナルであり続けることが当たり前に成立する例が古くから存在したことは、自身の生き方を肯定する一助になったのかもしれない。　今回の展示をこの3年間にわたるフィールドワークの一旦の集大成とすると語る山縣は、今後注力したい領域を「環境とものづくり」だと語る。「小値賀島の環境は、戦後の近代化の影響で、都心も地方も同じように均一化された風景を持つ日本の中で、小値賀島は近代化の波を受けず、空間や町の歴史が古くから断絶されずに地続きに繋がっている稀なエリア」とし、クリエイションと地域性の関係が希薄になりがちな日本の中で、小値賀島で生まれるものが土地の歴史や文化を反映している様子に、西洋諸国のものづくりと通じるものを感じたという。　それらを踏まえ山縣は、貿易などを通じて自然と西洋の感覚が流入し、時間の経過に伴い馴染んでいくように西洋化を遂げた小値賀島に学びながら、今後もファッションをファッション単体ではなく空間などを含めて発表していきたいと意気込みを語った。富士吉田では、職人技術に感銘を受け、日本の職人技術が世界と比較してもとても希少で価値があるということを世界に向けてしっかりと発信し、歴史に接続しながらも昔にはなかったものを制作していきたいと述べ、同展示の中でもフィールドワークを通じて出会った職人や作家たちと共に新作の2024年春夏コレクションを制作している過程を展示。会期中に徐々に作品が出来上がっていく「生きた展示」に仕立てた。　「今回の展示は僕1人のものではない」という言葉の通り、会場には彼を師事する学生たちや協業する職人たちが集い、展示室の最後には、同展に関わった人物全員の名前が書かれたスタッフリストが掲示されている。迷いを取り払い前進する今の山縣を作り上げたのは、彼を支える多くの人と積み上げた時間であることを強く感じさせた。また、年内にリトゥンアフターワーズとここのがっこうの活動を複合的に発展させるため、山縣の活動全般を包括的に運営する新会社「本屋」を設立するという。ハードソフトともに山縣の創作を加速させる環境が整いつつあることに、同氏の創作活動を楽しみにする鑑賞者も安心感を覚えるだろう。

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山縣良和がコロナ禍で出会った「自分らしい創作」と山梨県立美術館の挑戦

 雨に唄えれば 雨の公園は人通りがなくとても静かだ。こんな時、歌があれば散歩はより楽しくなるのだろうけど、普段から音楽を聴かないから、口ずさめる曲が思いつかない。傘の中、やけに大きく響く雨音に混じって、かすかな歌声が聴こえてきた。長唄だった。公園のベンチで、ご老人が唄の練習をしていた。内容は分からなかったけど、雨の日に長唄の調べはよく似合うように思えた。 昼寝の達人 皇居の周辺はゆったり時間が流れている。晴れた日には松の木の下で憩いを楽しむ人も多い。都会のど真ん中で優雅に過ごす彼らが羨ましくなり、私も適当な木陰を見つけて寝転んだ。途端に背中に鋭い痛みが走る。すぐに飛び起きた。よく見ると、松の葉が地面にいっぱいに落ちている。これが刺さったのだ。ここで安眠を得られる人たちは、昼寝スポットを見極められる昼寝の達人なのだと知った。 お家に帰れない 全力疾走している青年たちを見かけた。彼らはフットボールの選手で、7月から行われる全国大会に向けて特訓をしていたところだという。練習は会社の終業時間後から始まり、走り込みを何往復か繰り返したら、次は筋トレが待っているらしい。内容のハードさに目眩がした。「一緒にやってみますか？」と冗談で誘ってもらったが、1セットで帰宅困難になりそうで、本気で断ってしまった。 なみのりびより 風が強い日の海辺は、高波が次から次へと押し寄せる。サーファーたちにとっては絶好の波乗り日だろう。同じ浜辺で潮干狩りをしている人たちがいた。波をかぶりながら一生懸命に砂を探っている。その様子は潮干狩りというより、波遊びのようだった。砂浜で少し散歩するだけだったはずが、私も波を避けきれず濡れてしまった。海水は冷たく、太陽の暑さを忘れるのに十分だった。もう少しで本格的な夏が来る。過去の「歳時キサラ」をこちらからチェック！

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」〜2023年6月〜

各社のコラボから見る「ミュシャ」の人気　ここ数年で数々の企業からミュシャコラボが登場し、ファッション業界からは「ジェラート ピケ（gelato pique）」などがコレクションを発表。ジェラート ピケを擁するマッシュスタイルラボは同コラボの好評を受け、ミュシャ財団とパートナーシップ契約を締結し、世界初の財団公認ブランドを立ち上げた。　幅広いジャンルのコラボコレクションを発表する「グラニフ（graniph）」では、2021年9月にミュシャの作品を用いたコラボアイテムを発売した。同社でプロダクトディヴィジョン ライセンスセクションでマネージャーを務める石川祐氏は「ミュシャは非常に人気だった」とコメント。所謂“ミュシャの有名作品”だけではなく、変則的な作品をプリントしたアイテムラインナップについても触れ「他社を含め、世の中であまり商品化されていない作品を販売することで、熱量の高いコアなファン層（スモールマス）からも反響があった」と分析した。ミュシャコラボの好評を受け、グラニフでは「継続的な取り組みを行うために、シーズンに合わせた新たなアイテム展開を企画、進行中」だという。 没後70年で著作権切れ、進むアート作品のパブリックドメイン化　文化庁による「著作物等の保護期間の延長に関するQ&A」によると「著作者等に権利を認め保護することが大切である一方、一定期間が経過した著作物等についてはその権利を消滅させることにより、社会全体の共有財産として自由に利用できるようにすべき」という理由から「原則として著作物等の保護期間（著作権）を死後70年まで」と法で定められている。　事実、国外の美術館を中心に、著作権が切れた作品の高解像データを無償で提供しており、パブリックドメイン※によるデジタルアーカイブ化が進んでいる。だが石川氏は「作品を所有する一個人や美術館によっては所有権の認識が異なる場合もある」とし、ミュシャに限らず商品化の際には各作品を所有する美術館や個人に使用許諾を取るようにしているという。パブリックドメイン：著作権をはじめとする知的財産権（知的所有権）が発生しない状態のこと。著作権失効後、財団が「著作物人格権」を主張する場合も　パブリックドメインによるデジタルアーカイブ化が進む一方で、作品の保護と管理を目的とした独自の財団を立ち上げている場合がある。ミュシャ作品に関しては、1992年にチェコ共和国で「ミュシャ財団」が発足した。ミュシャが亡くなったのは1939年であるため、没後70年を迎えた2009年には著作権を含む全ての知的財産権が失効したが、ミュシャ息子 ジリ・ミュシャの妻 ジュラルディン・ミュシャと、その息子 ジョン・ミュシャが財団を立ち上げたことで、現在も財団が作品の「商標」や「所有権」「著作者人格権※」などを有している。仮に、美術館などによってパブリックドメインの著作物がデジタルアーカイブ化されていたとしても、財団が「商品化が目に余る不正利用」と判断した場合は、作家や作品の保護を目的に各権利を行使し、警告を行うことがあるという。ミュシャ財団の日本総合代理店を担っているジーイーエムの内井知子代表取締役は「財団は作品を歪んだ形で商用化されるのを防ぐことができる」と説明し、「中には財団の存在を知らず、許諾なしに商用利用をし、警告文を送った事例もある」と明かした。※著作者人格権：著作者（ミュシャ）が精神的に傷つけられないように保護する権利。財団が商標権を有するメリット　財団が作品の商標を保持するメリットについて、内井氏は「絵画にとどまらない、人間としての魅力を含めた表現を提案できる」と説明する。「財団にはアーキヴィストや、選任のキュレーターが所属しています。彼らによって、ミュシャが実際にどのような植物に囲まれて生活していたのか、どのような人物と交流があったのかなどを日々分析し、歴史的研究を続けています。そのような活動を礎に、展覧会やコラボアイテムの基礎となるテーマを構成したり、絵画だけでなく人間としてのミュシャにスポットを当てた形での紹介が可能となっています」（同氏）。　グラニフの石川氏も「『ある年代を境に作風が変わっているため、その前後の作品を同じコレクションとして展開するのは、作家が伝えたかったメッセージに反するので控えた方がいい』などのアドバイスをいただくことがある」とし、コラボコレクションを製作する上で、財団とのやり取りがコレクション全体の強度を高めると語った。ミュシャコラボが増えたのは2019年から　28年間にわたってミュシャ財団の日本総合代理店として様々な企業とコンタクトを取ってきた内井氏は「2019年頃からライセンスを希望する企業が増えてきた」と回想する。「当時、渋谷のBunkamura ザ・ミュージアムを皮切りに『みんなのミュシャ ミュシャからマンガへ ― 線の魔術』展が全国でも始まり、ミュシャに影響を受けた世界のグラフィックデザイナーや日本の漫画家、アーティストにもフォーカスしたことから、主にファッションを中心にミュシャのモチーフが使われ始めました。2019年から現在に至るまでの4年間で、その範疇は拡大し、衣料品だけではなく雑貨を取り扱うメーカーからの申し込みも増えてきました」（内井氏）。　ミュシャ作品を用いたコラボアイテムの発売には、商品の企画書を財団に提出し、その後サンプルチェックも実施。財団側からの許諾が出て初めて取引が成立するという。ライセンス契約は千差万別だが、一般的には販売期間と、アイテムの種類をヒアリングした上で、上代の4〜10%をライセンス料として支払う必要がある。つまり、一作品の使用料を買い取るわけではなく、印税のような仕組みを採用しているそうだ。　絵画界の巨匠では、アンリ・マティスが2024年に没後70周年を迎える。これまでに、ニューヨーク近代美術館（MoMA）やテート・モダン（TATE）でもほとんどグッズを作られてこなかったが、来年以降にコラボレーションや展覧会に合わせたグッズ展開があるのか期待が高まる。

増えるミュシャコラボ、アート作品における権利問題を知る

 白を諦める 紫外線が気になる季節。今年は屋外にいる仕事が減ったので、そんなに焼けてないなと思っていたが、会う人会う人に「焼けてますね」と言われてショックを受けている。つけっぱなしの時計を取れば白い肌が現れる。多分、これが本来の肌色だ。何年も日光を浴びなければ元に戻せるのだろうかと考えたが、私のことだから出かけたくて我慢出来ないだろう。白はもう諦めた。その代わり、外のたくさんの色を楽しもう。 神様を運ぶ 4年ぶりの神田祭。秋葉原周辺はいつもとは違う熱気で溢れていた。神輿を担げるのは氏子だけかと思っていたが、地域外どころか海外の人たちも参加できるらしい。真ん中に写っている女性もドイツから来ていた。彼女たちは神輿行列を先導する役で、本番直前のお化粧直しをしている最中だった。カメラに向かって満面の笑みを向けてくれた彼女たち。渡御が始まるとキリッとした面持ちで、神様を街へと運んで行った。 ネタは種 指先までピシっと決まっていて、フォーメーションも完璧。そこまでわかるのに、それが何のポーズか思い出せない。彼らは仕事の研修が修了した記念動画を撮ってるところだった。撮影者がいなくて困っているようだったので手伝いを申し出た。元ネタを尋ねたところ、懐かしい漫画作品だった。どんなムービーに仕上がったのか、少し気になっている。 緑で洗う 高層ビルの窓は2ヶ月に一度、掃除をするものらしい。汚れをそのままにしておくと劣化につながり、最悪の場合ガラスを取り替えなくてはいけなくなるそうだ。国際フォーラムのガラス棟の窓は全部で3600枚。この窓をすべて掃除するのか、と想像するだけで気が遠くなるのだが、清掃スタッフさんの手際はかなりいい。次から次へとキレイにしていく。土埃を拭ったガラスの向こうの新緑が、より鮮やかに見えた。

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」〜2023年5月〜

　鑑賞者にとって展示の質を追いかけることで得られる感動と困惑は、ルーレットの出目のように隣接した相でありながらも、その都度ランダムに様相が現れてしまう。とりわけ現在のような不安定な世界情勢において、アートの軽さと重さの相は、人々の心理と結びついて様々な存在意義を社会に示す。鑑賞者へ向けて強い問いかけを放つ本展は、展覧会という催しが特定の条件と偶然の相の緊張（サイトスペシフィック）において初めて成立し、かつその条件に鑑賞者さえも常に巻き込まれていること（コミュニティスペシフィック）を改めて強く自覚させられる機会となっている。併せて現代において、アートの価値を再考する意味でも、非常に示唆的な展覧会であると筆者には感じられた。　薄暗い展示空間へゆっくりと足を進めて行くと、坂本龍一が世界各国に呼びかけて集めたフィールドレコーディングの音が、静かに空間に響いていた。暗闇の中に点在するレコードプレイヤーをゆっくりと巡りながら、会場で配られていたリーフレットに記載されている展示の図解に目を通すと、インスタレーションの展示物が、様々な場所や方角と緻密に対応させられた構造的な配置になっているのが分かる。またリーフレットの説明に下記のように記されている。「日本館上階を90%の比率で模した展示室中央、その四方の壁に投影されるレーザー光は、中心から北・東・南・西の方角に置かれた4台の高速で回転する鏡によって反射されている。一秒間に12万2800回明滅する5本のレーザー光線は、6144個の点となってテキストをかたち作り、回転する超志向性スピーカーから流れる音声とともに、見えるか見えないか聴こえるか聴こえないかのはざまで、1850年代の地理の教科書から取られたシンプルで普遍的な問いを発している」　ここでの「1850年代の地理の教科書から取られたシンプルで普遍的な問い」とは、会場の壁面に投影されている「地球とは何ですか？」「大陸や海、火山とは何ですか？」という自然界の認識にまつわる問いかけや、「帝国を統治するのは誰ですか？」「私たちはどの国に住んでいますか？」といったアイデンティティにまつわる質問のことを指す。　中心、方角、回転、光、鏡、反射、テキスト、音、といった流動的な要素と、機材（レコーダー）の無機質で連続的なやり取りによって空間が構成されていることが、あっけらかんと記述されたキャプションは、個人的には灯台の光のような、暗闇の中で場所と方向性を知らせるものにも感じられた。説明書のようなドライなキャプションの印象とは乖離して、実際に展示空間で知覚できる光や音は、非常に減算的で静かな印象を私に与え、瞑想的な経験をもたらした。　展示の紹介文には「『ポスト・トゥルース』時代におけるコミュニケーションの方法や世界を知覚する方法について志向を促す本作」とある。リーフレットにも記載され、壁面に投影されている地理の教科書から取られた普遍的な問いかけからも伺えるように、本展は良い意味で非常にロマンティックかつ啓蒙的な空間を創出しており、世界への眼差しや在り様に文字通り“耳を傾けること”で、展示室の中心から世界への興味、好奇心、疑問を、外へと放射状に広がるように誘導する。　ところが、中心から四方の壁に照射される赤いドットの集合が書き出す殺伐とした問いに目を凝らしてみると、次第に私たち鑑賞者は狭い“ただの壁”に取り囲まれていることに気付かされる。その暗い展示室の壁の向こう側に広がる荒涼たる世界を想像したとき、筆者はポーランド出身のイギリスの小説家ジョゼフ・コンラッドが書いた「闇の奥」を想起した。私たち鑑賞者の眼と耳を、外へ向けるように促す遠心的な構造を持つこのインスタレーションは、同時に、中心に座する灰色の鏡の存在によって、私たちの意識を求心的に中心へ誘導し“今ここ”に留めようとする。その求心性は、展示空間の一番外側に点在するレコードプレイヤーというメディアの形式とも共鳴し、求心性をより強く暗示する。というのも、レコードの特性上「回転するレコードの溝に導かれる針」は時間的座標を示し続け、求心的かる単線的に時間が進行していくものだからだ。それはまるで人間の「意識の流れ」と相似であり、また無機的なものに対してこのような感覚を抱いてしまったことに、独特の違和感を覚えた。 　無機質かつハイテクノロジーな展示空間において、わざわざオールドメディアであるレコードを使っていることには意味があり、構造的なメッセージがあるだろう。そもそもこのコントラストにおいては、レコードというメディアはメタファー的意味が強く生じてしまうが故に、恐らくこれは安直な読みなのだ。だが実際に展示会場において、最初に目にするのはレコードプレイヤーであり、鑑賞者の意識に自然と強く作用しドラマトゥルギーとして機能してしまうのは避けられない。この展示空間そのものが一定の時間を刻むレコード（情報が書き込まれた媒体で、“誰か”にその情報が再生されることを前提としたもの）であり、北・東・南・西の方角に置かれた4台の高速回転する鏡は空間に流動性をもたらす。　ある種の捩（ねじ）れを持つ展示構成に気付いた頃には、鑑賞者はすでに構造的にレコード＝展示の回転に巻き込まれている。つまり、私たち鑑賞者が「レコードプレイヤーの針」となって、展覧会の意味＝情報を〈再生＝PLAY〉し、自動的に中心を目指し進行する役割を引き受けることになる。となると観賞の肝として、「レコードプレイヤーの針＝鑑賞者」が、展示を通して「問いかけに答えるという表面的な役割＝情報を得る」をこなす以上の、自律的な回遊性を獲得することにのみ意味が生じてくるのではないだろうか。展示が要求する以上の役回りを引き受けることで、鑑賞者は、展覧会に教えや気付きを与えられる受動的なものから、自らで問いを立て発信していくような能動的で協同的な存在としての可能性が開示され、より自律的な存在へと解放されていく。　このように見立てると、自らで求心的な時間の流れを生み出すレコードの針（主体＝鑑賞者）と、『外へ放射される遠心的な光が生み出す普遍的な問いかけ』が共存する空間は、単純な「問いに答える」という表面的なドラマトゥルギーではなく、構造的なドラマトゥルギーとして“私”という自律的な一人称的語りを鑑賞者へ要求している。故に、展示空間が構造的に走らせているレコードの針的意識の流れと、鑑賞者が本来的に持つ“私”という意識が重なり拮抗する地点の表出が、この展覧会の目標であると見なしてよいだろう。どうやら、私たちは「ポスト・トゥルース＝知っているけど信じていない状況」の只中で、“私”が身体的知覚から生み出す「実感」の再構築から、世界の認識をやり直さなければならないのかもしれない。つまりそれは「知らないけど信じられる」感覚を自らの身体を通してレコーダーのように蓄積し、強固な“私”を構築することなのだ。まさにこれはアクチュアルなフィールドレコーディング的世界観であり、もはや私たち自身が「私を再生するメディア」となる地平なのである。　かたや、レコードというメディアが持つメタファーが強すぎるせいか、中心に巻き取られていくレコードの回転から筆者が思い出したのは、かつてモダニズム文学の先駆者としてイギリスで活躍したヘンリー・ジェイムズによって書かれた「ネジの回転」であった。コンラッドにしろジェイムズにしろ、多くのモダニズム文学が綴った「一人称による認識の不安定性」や「意識の流れ」という主題は、恐らく蓄音機や映写機など、回転しながら音や光を再生するメディアの存在と無関係ではない。本展がそのようなモダニズム文学とメディアの関係性を想定していたかは分からないが、もし仮にそうであるならば、ポスト・トゥルースという状況が、現代の情報メディアの環境によってもたらされているのが間違いない以上、その原初的な次元において再考しようとする姿勢には共感を覚える。現代の情報マルチな階層性は、展覧会を経験し閲覧する行為に大きな影響を与えており、そもそも私たちの日々の暮らしにおける様々な認知や意識の流れに決定的な影響を与えていることに疑いの余地はない。私たちはもはや情報工学を無視できない。　私たち自身が「私を再生するメディア」であるという状況を踏まえると、もはや人間にとって情報の流れとは、意識の流れそのものだ。私たちは覚醒している時にしか、情報の流れを知覚できないし、いまや常に情報の渦へと墜落し続ける存在となっている。しかし社会的には自身の認識の領野に没入することでしか、“私”というものが立ち上がらないのもまた事実である。だからこそ、私たちの意識の広がりに限界があることを正面切って告げるダムタイプの潔さを、私は美しく思った。　「ダムタイプ｜2022:remap」は、情報の波で押し流されていく日常に、少しだけ、あるいはささやかに、外の世界の存在を注入し、私たちの意識の流れに、無意識の領野が存在していることを認知させ、その領野のレイヤーを作り出そうとしている。展示会場は実在的で物質的なものによって多くは構成されているが「翻って眠りの状態や夢を見ている状態のような非覚醒的空間に、時間が存在するのか？」あるいは「光や音が存在するのだろうか？」という問いが筆者には浮かんだ。このような非演劇的空間へ想いを馳せたのは、恐らく筆者だけではないだろう。眠りの中に、あるいは「私」という役を演じている間に、見ることが可能となる世界があるのだとしたら、人の死や暗闇に、どのような意味があるのだろうか。ここに来てふと、ダムタイプの初期作品「睡眠の計画」を思い出して、良いタイトルだなと思った。私は、私自身がメディアであることに耐えられない。（企画・編集：古堅明日香）

坂本龍一は「ダムタイプ」で何を伝えたかったのか

 桜メモ 桜の開花予測が発表されるとワクワクする。どこの桜を見に行こうか、少し足を伸ばして遠方もいいな、と地方の桜の名所を見つけてはメモをする。想像で楽しんでいるうちに、桜前線が間近まで迫ってきてしまった。一気に咲く花に、ワクワクはバタバタに変わる。近場の見事な桜景色に満足してしまって、せっかく調べた場所はまた来年へと先送り。そうしてメモは年々厚みを増していく。 サムネイルの中は、春 満開の桜を見られる期間は短い。昔は記憶に焼き付けるしかなかったけれど、今は誰もが手軽にカメラで記録できる。見頃の花の下、みんなシャッターを切っていた。4月も半ばを過ぎると、東京周辺の桜はほとんど散ってしまう。代わりに新芽が景色を彩る。前に撮った場所にもう一度立って、満開の時に撮った写真を同じ場所にかざしてみる。そこだけ春が蘇る。 花を植えよう 小田原城の桜は見事で、機会を見つけては撮りに行く。今年もとても見事な花をつけていた。お城に桜が植えられるようになったのは明治以降だという。敵を見張るのに邪魔だったため、大きな木は植えられなかったらしい。城は軍事拠点としての役目を終えて、みんなが花を楽しめる場所へと変わっていった。この話を知った時、争いがあるところ全てに花が植えられるようになればいいのに、と思った。 多分、衛星 太陽が沈んだ直後、空が青のグラデーションに染まるブルーアワーは、ライトアップされた桜がよく映える。綺麗な花と空につられて、誰もが上を向いていた。少し離れたところから眺めていると、夜空に輝く1点の光を見つけた。多分、星ではなく衛星だ。見事に咲いた花に隠れて気づかなかった。小さな光で桜とその下で花見する人々を照らしていた。