インサイド

　「オープンハウス」は、DSMGの顧客やフレンズなどに向けて、ライブパフォーマンスやブックサイニングのイベント、特別インスターレション、限定アイテムの展開を通して、"国内外のデザイナーやアーティストと直接交流し、様々な⼈と出会い、⾊々なものから刺激を受け、何かを学び感じることのできるオープンなスペースを提供するイベント"、として日本では2019年4月に初開催。以降不定期に開催されている。　1階のウィンドウでは「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」2024年「アーティザナル」コレクションの世界観からインスパイアされた"夜のパリの暗闇"をテーマに、「BLEACH」などでも知られる漫画家 久保帯人が描き下ろしたイラストレーションが11⽉24⽇まで展開。漫画風に加工された雨粒や石畳のプリントなどで、3Dと2Dの要素が混在しウィンドウを彩っている。　反対側の1階エレファントスペースでは、スイス⼈のヴィジュアルアーティスト ローマン・シグネール（Roman Signer）と「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」によるスペシャルインスタレーションを展⽰。同氏の最新書籍とコム デ ギャルソン⽣産・デザインのTシャツを販売する。　2階には「アワーレガシー（OUR LEGACY）」のスペースを新設。ヴィンテージのアルテックチェアにクロシェ編を施した特別アイテムを販売するほか、同じフロアには、2022年度LVMHプライズを受賞した「エス エス デイリー（S.S.DALEY）」のスペシャルインスタレーションを展開。両ブランドともにデザイナーも来日する。　3階はベルリンのアイウェアブランド「クボラウム（KUBORAUM）」が、AGNES QUESTIONMARKとのウォールインスタレーションでスペシャルアイテムを発売するほか、イタリア人デザイナーのダニエラ・グレジス（Daniela Gregis）が古新聞をアップサイクルするプロジェクト「しまんと新聞ばっぐ」に賛同して制作した四万⼗新聞バッグを販売。4階では「エクストリーム カシミア（extreme cashmere）」の英国のスクールウェアにインスパイアされたDSMGのイニシャルが刺繍された限定版セーターが登場した。　5階では、国内ではDSMG先行で、「フィービー・ファイロ（PHOEBE PHILO）」の取り扱いをスタート。アウターやシャツ、ドレス、シューズ、バッグなどのアイテムが店頭に並ぶ。　また、6階には川久保玲デザインによるヴァリアスウィメンズスペースが新設。2024年度LVMHプライズを受賞した「ホダコヴァ（HODAKOVA）」や、同プライズのファイナリストに残った「ポーリーヌデュジャンクール（PAULINE DUJANCOURT）」、「ヴァケラ（VAQUERA）」「リトコフスカ（LITKOVSKA）」など、新進のウィメンズブランドがセレクションがされている。　26日はデザイナーが11時から20時の間、店内に在廊するほか、ブックサイン会、トークショー、映像上映などのイベントが7階のローズベーカリーで行われる。

Fashion

DSMG「オープンハウス」が開催、国内外22組のデザイナー・アーティストが来店

記者会見に、柳井正会長やロジャー・フェデラー氏が登壇　9月30日、特別展のオープンに先駆けて行われたパリでの記者会見には、ファーストリテイリングの柳井正 代表取締役会長兼CEO、東レの大矢光雄 代表取締役社長が登壇。パリファッションウィーク中ということもあり、各国のメディア関係者が集った。　「ユニクロ40周年の節目に、世界のファッションの中心であるパリの街でこのようなイベントを開催できることは、非常に光栄なことであり、これ以上の喜びはありません。ユニクロの40年の基盤となったイノベーション、品質、価値を、パリを訪れる世界中の方々に体験いただけることを楽しみにしています」と柳井会長。　さらに、記者会見では、グローバルブランドアンバサダーであるテニスプレイヤーのロジャー・フェデラー（Roger Federer）と、新たにユニクロのクリエイティブディレクターに就任したクレア・ワイト・ケラー（Clare Waight Keller）がパネルディスカッションに参加。それぞれ、同展のテーマである「人々の生活をよりよくするするものは何か？」や、「自分にとって人生で大切なものは何か？」、また「それがユニクロのLifeWearのデザインにどう影響を与えるのか」などについて語った。ユニクロ40年の道のりを表現した体験型インスタレーション　この特別展のテーマは、「What Makes Life Better？」。LifeWearを象徴するデザインや独自のテクノロジーを、実験的な体験型インスタレーションで表現したスペシャルな展示だ。　入口をくぐるとすぐお目見えするのは、パリのアパルトマンをモチーフにした、キッズ、スポーツ、アウトドアなど暮らしを彩る6つのテーマの部屋。さまざまな人種のモデルが「LifeWear」の24年秋冬コレクションを纏い、その部屋に暮らす人やライフスタイルを表現した。　さらに、パリで話題のサンドイッチカフェであり、ストリートウェアレーベルでもある「ペーパーボーイ（PAPERBOY）」とのコラボレーションアイテムも登場。このイベントでしか購入することのできないスペシャルなTシャツやコーチジャケット、トートバッグなどにも注目が集まった。1階の展示は、リアルな「LifeWear」の世界を垣間見られる空間となっていた。ユニクロの最先端テクノロジーを表現した体験型インスタレーション　さらに、地下へと足を踏み入れると、1階とは真逆の視覚と感覚に訴えるフォトジェニック世界が広がる。“目に見えない繊維の世界”が壁面いっぱいのダイナミックなプロジェクションマッピングで描き出された「Journey of scale」。東レの最先端技術「NANODESIGN®」を大型インスタレーションで表現した展示や、パフテックの中綿を、光の演出で見せる展示。さらに、くぐると暖かい色に発光し、ヒートテックのメカニズムを体感できるトンネルなど、ユニクロと東レとの協業によるテクノロジーを立体的に体感できる仕掛けがとてもユニーク。ファッションの域を超えた展示の数々に、来訪者は皆、驚いていた。ユニクロ40年の軌跡とこれから　展示の締めくくりは、ユニクロの40年の歴史を一堂に会したパネルと映像。「私たちは40年にわたり、服だけでなく、
服をつくる会社にできることを、見直し続けてきました。
その私たちの価値観の結晶が『LifeWear』です。ユニクロの服は国籍・年齢・職業・性別を超えた『あらゆる人々のための服』。シンプルかつ上質、機能性と耐久性を持ち、しかも毎年、その機能が高まっていく。 『使い捨ての服』ではなく、長く着られる究極の普段着。これが『LifeWear』の哲学です」とユニクロが「LifeWear」に込める想いについてメッセージを発した。　冒頭の会見で柳井会長が語っていたこのフィロソフィーは、特にものを大切にし、エコロジーやサステナブルが身近にあるヨーロッパで支持されているという。今やヨーロッパに79店舗、フランスに28店舗を構え、老若男女の日常着として定着しているユニクロ。これからの40年は、よりグローバルに、地球規模で「社会にとって正しいことはなにか」を追求していくことだろう。　イベントの後、パリの最初の旗艦店であり、一番の売上を誇るというオペラ店に立ち寄ると、画家のリー イズミダ（Lee Izumida）によるディスプレイが展示されていた。アートもまた、ライフスタイルをつくる道具のひとつ。世界規模のアパレルメーカーでありながら、日本のローカルなカルチャーも発信しつづけるユニクロ。そんなスタンスが、これからも世界中から注目を集めることだろう。

UNIQLO

40周年を迎えたユニクロが考える「何が生活をより良くするのか？」　パリコレ中に開催された特別展をレポート

三宅一生が“最も長く構想した”フレグランスが誕生　テーマは「塩」 　イッセイ ミヤケ パルファムの誕生は、1992年に登場した「ロードゥ イッセイ」に遡る。“イッセイの水”と名付けられたピュアでフレッシュなフレグランスは、生命の源で無限の可能性を秘めた素材である「水」にフォーカスを当てた。「生命の源」は三宅氏のフレグランスにおいて常にインスピレーションの根底にあり、美しい香りの数々を生み出してきた。ロードゥ イッセイの登場から2年後の1994年には「ロードゥ イッセイ プールオム」が誕生。澄んだ透明感と気品を宿す不朽の名香として、今もなお世界中で人気を集めている。  　名香の誕生から30年ーー。現代のマスキュリニティを揺さぶり、大地や生命のエレメントを感じさせる新たな香り「ル セルドゥ イッセイ」のテーマは、水と同じく人の生命に欠かせない「塩」。実は三宅氏は1990年代から、「塩」をテーマにした香りの構想を持っていたそうだ。2022年に惜しまれながら逝去した、稀代のデザイナー 三宅一生が“最も長く構想した”フレグランスと言える。 　本来匂いのない塩に香りを与えたのは、調香師 カンタン・ビシュ氏。三宅氏が遺した塩というテーマを彼が独自に解釈し、大地に残された水の記憶や、刻印のように堆積した塩がインスピレーションとなったという。「『波が大地を覆い、そして引いていく瞬間』を香りに閉じ込めた」と話す。海を表現するのは天然由来のマリン シーウィードとオークモス。そして大地のエネルギーを思わせるジンジャーや、多彩でパワフルなミネラル感を醸し出すベチバー、アップサイクルされたシダーウッドが織り重なり、海と大地の邂逅（かいこう）が、生き生きとした生命力を感じさせる香りへと仕上げられた。 　ボトルデザインを手掛けた吉岡氏は、30年以上イッセイ ミヤケのプロジェクトに携わり、さまざまなプロダクトや空間デザインを生み出してきたが、イッセイ ミヤケのフレグランスボトルをデザインするのは今回が初めて。吉岡氏は、塩というテーマを光で表現するため、ガラスという素材で、シャープな直線から楕円へと流れるようなラインと彫刻的なフォルムを生み出した。ボトルの底にデザインされたガラスの塊の中の水滴。そこから、力強い重厚感と、生命のエネルギーを象徴するような光を放つボトルが生まれた。  ル セルドゥ イッセイ香りのベールをくぐり、“塩”のイマジネーションを表す展覧会　イッセイ ミヤケと吉岡氏の関係性は、多くの人が知るところ。インスタレーションもさまざまなテーマで制作してきた。そんな吉岡氏が今回表現するのが、香りの世界。展覧会ではボトルデザインに込めた発想を起点に、感覚を呼び覚ますダイナミックな体験に挑戦した。　エントランスでは、ル セルドゥ イッセイの香りがするミストがゲストを出迎え、インスタレーション会場へと誘う。吉岡氏のシンプリシティの美学を体現するかのようなガラスの球体のオブジェは、開けると香りが広がる仕組みに。フレグランスボトルは実物の塩の結晶とともに展示し、無機質なマテリアルと自然のマテリアルを同居させた。　また彫刻的なフォルムのボトルデザインが生み出されるまでのプロセス、および試作品を公開。会場限定の映像作品は、香りを手掛けたカンタン氏のインタビューや、過去に写真家のアーヴィング・ペン（Irving Penn）が撮影したイッセイ ミヤケ パルファムのヴィジュアルなどを限定で公開。そのほか三宅氏をはじめ、吉岡氏やカンタン氏、ヴィジュアルイメージを手掛けたマーカス・トムリンソン氏のバイオグラフィーとともに、各人が担当したパートへの想いが記されたパネルも用意されている。■ISSEY MIYAKE LE SEL D’ISSEY: Imagination of Salt会期：8月28日（水）〜9月8日（日）※会期中無休会場：21_21 DESIGN SIGHTギャラリー3開館時間：10:00〜19:00入場料：無料VIEW MOREInterview with 吉岡徳仁：三宅一生との香りの対話、ボトルデザインと香りの関係、香りのインスタレーションで描くもの⎯⎯吉岡氏は三宅氏とは長きに渡ってコラボレーションされてきましたが、三宅氏とはどんな人物でしょうか？　一言ではとても難しいですが、ずっと思っていたのは「モノづくりに一生を捧げた人」だということ。これまでにない、新しいものを生み出す喜びを純粋に楽しんでいらっしゃる人で、一緒に仕事をすると私もその喜びを共有させていただける。もちろん大変な部分もたくさんありましたが、振り返ると面白いプロジェクトばかりでしたね。⎯⎯三宅氏と「香り」について何か対話をしたことはありますか？　直接何か語り合ったようなことはありませんでした。ロードゥ イッセイを発売した当時の多くのフレグランスは、セクシーやラグジュアリーというイメージが強く、そういうフレグランスが人気を集めていましたが、この香りはいわゆるトレンドとは一線を画しピュアで透明感があり、ボトルのデザインもシンプルで美しいという全く新しいアプローチだったと思います。香りのプロダクトであっても、一生さんらしい新しいものへの挑戦が詰め込まれたものなんだと感じていました。⎯⎯今回のル セルドゥ イッセイのプロジェクトについて、生前の一生さんとはどんなお話を交わしたのでしょうか。　プロジェクトが本格的に始まる前、2020年に一生さんに電話した時に「塩の香りを創ろうと思っている」と仰っていたんです。僕は率直に「塩からインスパイアされた香りってどんなものだろう」と思ったのですが、お聞きするタイミングを逃してしまって…。今度会ったら打ち合わせをしようと話していた矢先に訃報を受け取りました。この時の電話が一生さんとの最後の会話でした。⎯⎯長年のコラボレーションの中で、意外にもフレグランスボトルのデザインを手掛けるのは初めてだとお聞きしました。　まずはフレグランスというプロダクトについて、業界の基本的なことなどをリサーチするところから始めました。新しいカテゴリーという意味で、これまでご一緒させていただいたコラボレーションにはないプロセスがあり新鮮でした。とはいえ、イッセイ ミヤケとのコラボレーションの根底にある「新しいものを創る」という考えは今回も変わらずに常に念頭にありましたが。⎯⎯「塩の香り」をフレグランスボトルにどうやって落とし込んだのでしょうか。　まずは僕なりに、「一生さんのインスピレーションになった塩」とはどんなものだろうかと解釈を深めていきました。塩と聞いて、まずは食べ物や海の塩（潮）が思い浮かびましたが、日本人にとっては神事に扱われるように神聖なイメージもある。そんなふうに、塩の多面性とその魅力を表現できないかと。視覚的な要素というよりは、塩が持つ輝きや光そのもの、そして大地の力強さをボトルに落とし込み、この光を表現するため、ガラスと光沢のあるメタリック素材を組み合わせています。そして力強さや、より「放たれる光」を感じられるように、水滴のようなくりぬきを施しました。⎯⎯デザイン面で難しかった点は？　フレグランスのボトルデザインは、ブランドが最初の香り（ロードゥ イッセイ）を発売した30年以上前と比べてあらゆるものが生み出されていて、「新しいものを作る」というアプローチが非常に難しいものでもありました。ですが、だからこそ、変わった形状にするのではなく、「一見シンプルなのにどこか違う」と感じられるようなデザインに挑戦したいと考えたのです。正面から見ると長方形ですが、近づいて触れてみると楕円形のことが分かるという風に。インスタレーション会場にはいくつかデザインプロセスを展示していますが、これはほんの一部。実際は展示している倍以上のテストやサンプルを重ねています。ガラスのくりぬき部分も、さまざまな丸みや大きさで試行錯誤を重ね、3Dのデモンストレーションでも何パターンも光の反射具合などをテストしてみました。グラフィックも、中身のフレグランスとボトルデザインが際立つように細かく調整しました。⎯⎯今回のインスタレーションのテーマは“目には見えない”香りです。ボトルのデザインから発想し、どのように展示や空間デザインを考えましたか？　これまでの空間デザインと大きく異なる「香りを可視化する」ために、もっとも重要視したのは「体験」です。香りを体験して、といっても、いわゆる鼻で香りを嗅ぐだけではなく、全身で感じて、その体験を持ち帰っていただけるようなインスタレーションにしたかったのです。香りは記憶と深く結びつくものだと言われていますが、このインスタレーションから何か新しい香りの体験を記憶として持ち帰っていただけたらという思いでデザインしました。そして、僕がインスタレーションなどを作るときにいつも念頭にあるのは、「空気感」や「何もしない空間」を、「いかにつくらずして生み出すか」ということ。特に今回のような香りとボトルデザインにおいては、シンプルに美しさが際立つものにしたかった。会場の「21_21 DESIGN SIGHTギャラリー3」は少し変わった形のスペースで、映像が展示してある中央の空間は、あえてゆとりを持たせた展示スペースをデザインしました。⎯⎯吉岡さんの視点で、本展の見どころを教えてください。　まずは入り口のミストはぜひ体験していただきたいです。それからボトルと一緒に展示している塩の結晶は本物を用意しました。自然の産物なので個体差があり、「これだ」というものを見つけるのが予想以上に難しかった。構想段階では、巨大な結晶を置くことも考えていたんです。よく見てみると表面の光の反射や透明感が一つずつ異なるので、塩が持つ光の要素をより体感できるのではないかと思います。香りを試すコーナーもマテリアルにこだわりました。ムエットやガラスの漏斗で香りを試すことが多いと思いますが、今回はガラスの球体のフタを開けることで、ル セルドゥ イッセイの香りが広がる仕組みになっています。⎯⎯三宅氏がこのインスタレーションを見たら、何と声をかけると思いますか？　いつも僕が携わらせていただいたコラボレーションやデザインが完成しても、特に自分から報告をするようなことはしていませんでした。周りの方々が、それとなくどんな反応だったかを教えてくれるという感じでしょうか。でも、「いいんじゃないかな」と言ってくれたら嬉しいですね。■吉岡徳仁1967年生まれ。倉俣史朗、三宅一生のもとでデザインを学び、2000年に吉岡徳仁デザイン事務所を設立。デザイン、建築、現代美術の領域において活動し、国際的に高く評価されている。代表先は東京2020オリンピックトーチのほか、パリ・オルセー美術館に常設展示されているガラスのベンチ「Water Block」、結晶の椅子「VENUS」など。

ISSEY MIYAKE

Beauty

「イッセイ ミヤケ パルファム」が描く“塩の香り”の世界　新作フレグランスのインスタレーション会場をレポート

Architecture：館の構造を活かした2部構成　展覧会の会場となったのは100年以上の歴史を持つ表慶館。明治末期、建築家・片山東熊により建てられたネオバロック様式の歴史的建造物は、国の重要文化財にも指定されています。展覧会は館の特徴でもある左右対称の構造を活かし、建物右側に位置する第一部では、「カルティエと日本」、左側の第二部では「カルティエ現代美術財団と日本のアーティスト」を紐解く二部構成で、メゾンと日本を結ぶさまざまなストーリーを多面的に伝えます。内装は世界中の美術館や展覧会のデザインを手掛けてきた「スタジオ アドリアン ガルデール（Studio Adrien Gardère）」が担当。日本文化と美学に対する敬意と、表慶館の伝統的な意匠への称賛を反映させ、セクションテーマに沿う素材選びやデザインで、一つ一つの展示作品を際立たせています。Right Wing：日本がカルティエにもたらした影響Room 1 　正面右のセクションでは「カルティエと日本」をテーマに、アーカイヴピースや文献を通して、伝統的な形状や紋様といった物質的なモチーフから、日本人に根付く精神性まで、日本がいかにカルティエのクリエイションに影響を与えてきたかを浮かび上がらせます。　最初の部屋では1898年からメゾンの事業経営に参画し、美術品のコレクターとしての一面も持ち合わせていたルイ・カルティエが収集した200点以上に及ぶ日本美術のコレクションから着想を得て制作されたピースを展示。そのなかには神社の建築を想起させるミステリークロックをはじめ、印籠の形をしたヴァニティケース、結び目や染めに用いる際の型紙の波模様や鱗模様のブローチといった貴重なコレクションから、小紋柄をフェイス部分にあしらった今年発表されたばかりの新作ウォッチまで、100年以上前から日本の伝統的なモチーフがカルティエのクリエイションに影響をもたらし続けていることがわかります。Room 2　カルティエの重要なインスピレーション源の一つでもある動植物。メゾンが独自に生み出してきたフォルムの探究は、自然を賛美する日本の美学からの影響が大いにあるといいます。亀や鳥、トンボや蝶、そして日本古来の藤の花においてはメゾンのレパートリーとして繰り返し登場するモチーフです。ここでは杉本博司の「春日大社藤棚図屏風」（2022年）を囲うように、自然界から着想を得たジュエリーが展示されています。Room 3 　階段を上がった2階の部屋では、これまでカルティエが5度にわたり日本で開催してきた展覧会を遡りながら、メゾンと日本の関係性を掘り下げています。1988年、表参道のスパイラルホールで行われた展覧会を皮切りに、1995年の東京都庭園美術館、2004年の京都・醍醐寺に続き、2009年は同じく表慶館で「Story
of... カルティエ クリエイション～めぐり逢う美の記憶」展が開催。さらには2019年、国立新美術館での「カルティエ、時の結晶」展も記憶に新しく、その時代に沿うコンセプトや展示方法で多くの人にメゾンの魅力を伝えてきました。ここでは、それぞれの展覧会を象徴する「カルティエ コレクション」所蔵の貴重なピースが日本に再集結しています。Room 4　右セクション最後の部屋では、原宿のパレ・フランスに日本初のブティックをオープンした1974年から、カルティエの日本での歩みを当時の出版物やキーパーソンへのインタビュー動画、メゾンのアイコンジュエリーやウォッチを題材にした日本人アーティストたちとの協業作品、日本独自のプロジェクトを振り返ります。なかには、2017年にタンク ウォッチ100周年記念で香取慎吾が描き下ろしたアート作品や、2022年に「サカイ（sacai）」の阿部千登勢によって新たに解釈された「トリニティ」コレクションなども見ることができます。Left Wing：カルティエ財団により広がるアーティストコミュニティの輪Rotunda 2F　2階の右側と左側を繋ぐブリッヂ部分には、画家の横尾忠則が日本人アーティストを中心に描いた20点のポートレートシリーズが展示。カルティエ現代美術財団（以下、カルティエ財団）が長年にわたりコラボレーションしてきたアーティストたちを横尾独自の視点で描き上げています。2014年から続くプロジェクトに今回新たに3点の作品が加わり、カルティエ財団が日本人アーティストと築いてきた"コミュニティ"の広がりそのものを表しています。　1984年に非営利団体として設立されたカルティエ財団は、アーティストの発掘・再発見を目的にこれまで数々の日本人アーティストの発表の場と機会を提供してきました。駆け出し時や国外で活動したことのないアーティストの作品、すでに名の知れたアーティストの新たな一面を紹介し、展覧会の支援、コミッションワークの制作依頼、作品の購入といった、アートとアーティストの価値を高め、社会と繋げるプラットフォームとしての役割を担ってきました。Room 5　カルティエ財団が考える芸術分野は多岐にわたり、写真、絵画、建築、彫刻、映像といった作品のほか、ファッションの領域にも広がりを見せます。1998年にカルティエ財団によりパリで開催されたデザイナー三宅一生の「Making Things」展では、衣服のフォルムがいかに刷新・再発明されるかという視点を提示し、脚光を浴びました。ここでは「一枚の布」という「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」の服づくりのコンセプトを表現したインスタレーションや、「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ（PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE）」のデビューシーズンとなった1994年春夏コレクションのピースが並びます。Room 6　写真にフィーチャーした部屋では、カルティエ財団と継続的な関係を築いてきた日本写真界の巨匠である荒木経惟、森山大道、杉本博司の3名の作品をはじめ、川内倫子の232枚の写真を組み合わせたスライドショーや巨匠 ウィリアム・エグルストンが切り取った京都の風景などの写真作品が展示。1階と2階を繋ぐ左右の階段にはそれぞれ、現代美術家 束芋によるビデオインスタレーションが映し出されています。 Room 7　北野武もカルティエ財団と縁の深い現代アーティストの一人。自由な概念により生み出されるカラフルで独創的な作品からは、芸人や映画監督など多彩な分野で活躍してきた北野武のアーティストとしての一面を垣間見ることができます。ここでは新作を含む2018年から2023年に制作された絵画が展示。　また、左右の小部屋では、1から9の数字が回転しながら暗闇の中に浮かび上がり時間と無限空間を表現した宮島達男のインスタレーションや、森山大道のモノクロ作品を2冊の本に見立てたスライドショーが没入感のある展示方法で公開されています。Room 8　幅広い芸術表現を持つ北野武の創作対象は絵画だけに留まらず、彫刻オブジェや、分野を越え、数学ゲームを考案するといったユニークなアイデアまで広がります。その多くがカルティエ財団とのプロジェクトの中で生み出された作品であり、創作の自由を提供するカルティエ財団とその機会を忌憚なく活用する芸術家が育んできた絆の深さを物語っているかのよう。　カルティエ財団では北野武のほか、現代アーティストの村上隆や松井えり菜、建築家 石上純也の個展開催や、書籍の出版といった芸術家に必要な活動を支援してきました。展示棚に並べられた作品や書籍は、カルティエ財団とアーティストとの尽きることないクリエイティブな対話がこれからも継続的に続いていくことを示唆しています。Rotunda 1F　展覧会の入り口でもあり、出口でもある左右を繋ぐ円形広間の一面に展示されているのは、本展のために制作された現代アーティスト澁谷翔の作品「日本五十空景」。彼もまたカルティエ財団のコミュニティに今回新たに加わったアーティストの一人。カルティエ財団との出会いのきっかけはインスタグラムだったという澁谷は、今回の制作にあたり、歌川広重の「東海道五十三次之内」を着想源に、変わりゆく時代のなかで今も昔も共通する「空の景色」に着目します。広間を飾る50点からなる一連の作品は、約1か月にわたって訪れた47都道府県の空の景色を描き出したもの。それを1点ずつ各地方新聞の一面に掲出するという壮大なプロジェクトは、朝昼晩と過ぎゆく時間の移ろいを儚い色彩で描き出し、過去、現在、未来といった展覧会のテーマにも通づる連続性を表現。本展を構成する2つの並行するストーリーを「結ぶ」役割を果たしています。ここでしか手に入らない限定グッズも　ミュージアムショップでは、展覧会を記念した特別グッズが登場。澁谷翔による淡いピンクとブルーのグラデーションをバックに、グラフィックデザイナー野間真吾が手掛けた「結」のタイポグラフフィーがモダンにデザインされた展覧会のメインヴィジュアルがプリントされたトートバッグ（3960円）をはじめ、ノートブック（1650円）やポストカード（220円）、図録（5000円／いずれも税込）などが販売され、展覧会の余韻に浸ることができます。　そして会期中、入り口付近では祝休日限定で「カルティエ ワゴン」が登場。「YOUR STORY with Cartier」の取り組みのひとつとして、ご自身とカルティエにまつわるエピソードを投稿すると、絆の証をして花が贈呈される特別なイベントを開催しています。カルティエの輝きに身を包んだ豪華ゲストたち　約1ヶ月にわたる展覧会の開幕に先立ち、6月10日にオープニングイベントが開催されました。会場には北野武、松嶋菜々子、香取慎吾、鈴木保奈美、江口洋介、戸田恵梨香、賀来賢人といったカルティエと縁のあるセレブリティや参加アーティストなどが、華やかなメゾンのウォッチやジュエリーをまとって来場。展覧会の開催を祝いました。

カルティエと日本が歩んできた50年の軌跡、『結 MUSUBI』展 完全ガイド

　2022年アーティザナルコレクションで発表されたパフォーマンス作品やインスタレーションで描かれていたのは、シングルペアレント同士が結婚したことで義理の兄弟となった2人がいつしか愛し合い、不運な運命を辿っていくストーリー。今回は本社のホワイエで、カウントとヘンの両親がアメリカへの航海中に出会った経緯が明かされた。彼らは旅行用トランクを手にしており、この中の服が将来的に彼らの子孫の手へと渡ることを示唆している。エントランスには、船を模った照明や船員たちの姿を思わせるインスタレーションも設置されていた。 ウェアラブルなコートとキュロット　今回のコレクションはカウントのヘンの両親を主人公に、過去をフラッシュバックさせながら進んでいく。モデルたちは前屈みの姿勢で、あるいは挑発的にランウェイをウォーキング。冒頭に登場したのはモノトーンで統一されたルックで、切り取られた白シャツの襟がスカーフのように首に巻かれている。シアトリカルな演出につい目を奪われるが、ブラックのテーラードコートはいずれもウェアラブルなデザインとなっていた。 　中盤には、ミッドセンチュリーのドレスを再利用したキュロットが登場。ロールアップされたようなヘムはジャケットのデザインとも相まって、人体の動きをそのまま取り入れたような曲線を描く。 自由にカスタマイズされたドレス　ドレスは、ところどころが削ぎ落とされたアシンメトリなシルエットがポイントに。また、ダクトテープや「ワーク・イン・プログレス」のステッチ、ラミネート加工などで斬新なアレンジが加えられた。ミッドセンチュリーのランプシェード風の帽子は、ビニールやダンボールなど意外性のある素材で形成。古いワードローブを先鋭的にカスタマイズしていく、新世代の感覚が随所に反映されている。　ロマンティシズムが滲むのは、チュールのレイヤード。ドレスのペチコートだけでなく、ハンドバッグもチュールで覆われ、前衛的かつファンタジックな世界観を反映する。また、コートやドレスにも2023年秋冬のCo-Edコレクションで登場したテクニック「ロールシャッハカッティング」を進化させた「ロールシャッハドット」を用いた不揃いのドット模様が大胆にあしらわれた。「タビ」がデッキシューズに変身　メゾンの象徴である「Tabi」は、黒いリボン付きのハイソックスと合わせたブローグシューズやハイヒールなど、新たな解釈で登場。航海中の設定とリンクしたデッキシューズなども登場し、ガリアーノが描く壮大な物語の一端を担った。

Maison Margiela

ダクトテープでカスタマイズしたドレスも　「メゾン マルジェラ」2024年春夏Co-Ed

イノベーションとオリジナリティの象徴　ストライプといえば、ポールの哲学である「classic with a twist（ひねりのあるクラシック）」を体現するブランドの代名詞。イギリス・ノッティンガムに一号店がオープンした70年代より、コレクションの一部として親しまれている。一見シンプルに見えるが、実はクラフツマンシップを駆使し、複雑な工程を経て作られたもの。現在では、よりプレミアムな素材やクラシックなアイテムに意外性のあるディテールとして取り入れられている。　今回のイベントでは、そんなシグネチャーストライプの過去と現在を紐解く、様々なインスタレーションが登場。シグネチャーストライプのアクセントを効かせた外壁のデザインと、その前に設置されたシグネチャーストライプのトレーラーが目を引く会場には、デザイナー本人が登場する動画やアーカイヴピースの展示に加え、気球の旅を体験できるプロジェクションマッピングの部屋なども設置された。オープニングに合わせてポールも来日し、ゲストたちを笑顔で出迎えた。富士山近郊も飛行した気球の旅をバーチャル体験　会場のコンテンツの中でも見逃せないのは、3Fに設けられた気球の旅が味わえるプロジェクションマッピング。この部屋では、アメリカのモハーベ砂漠や富士山近郊を飛行したシグネチャーストライプの気球の壮大な旅の様子をバーチャルで体験できる。また、ひとつ下のM2Fには、1000m以上の生地と、5kgの長さの糸を用いて制作された巨大なエンベロープ（熱気球の球皮）がバスケットとともに展示されており、イギリスの職人たちが200時間かけて手縫いで仕上げた実際の気球も間近で見ることができる。　「タイムレスなシグネチャーであるポール・スミスのストライプを、気球にして披露するなんてユニークですね（UTA）」「風の音もすごくリアルに感じられて、今年富士山に登った時の記憶が蘇りました（森星）」と、その臨場感を堪能する2人。ポールは「気球は美しい移動手段。実用的で環境に悪影響を与えず、目まぐるしい時代でも空の上で静かな時間が過ごせます。ただ予想外に誰かの庭先に着陸することもあるかもしれません」とユーモアたっぷりに説明する。360°カメラでカラフル動画撮影に挑戦　40色もの色彩で構成されるシグネチャーストライプは、太さの異なる色の帯の組み合わせが特徴。現在ではデジタルでデザインされており、オリジナルのクラシックなカラーリングに加え、同系色の色彩を組み合わせたバリエーションも展開している。「同じストライプでも色やテクスチャーの違いでこんなに表情が変わるんだ、という驚きがありますね」と語る森星さん。「今日のポールさんはちゃんと靴下もストライプでした（森星）」「楽しいおおらかな性格はずっと変わらないですね（UTA）」と思わず笑顔になる2人。　会場のB1Fには、カメラが360°回転しユニークな動画撮影ができる小部屋が登場。カラフルなシグネチャーストライプを背景にした躍動感あるムービーが撮影できる。2人もさっそく撮影に挑戦。SNS映え間違いなしのカラフルな動画が完成した。ストライプの歴史を感じさせるアーカイヴピースも　また、2FとM1Fフロアでは、ポール自身がストライプの誕生秘話やストライプへの思いを語る動画が上映されているほか、ストライプの歴史を感じさせるアーカイヴピースや、「ニューバランス（New Balance）」のフットボール、「ポップトレーディングカンパニー（POP TRADING COMPANY）」のスケートボードといったコラボレーションアイテムも展示されている。「ストライプはワンシーズンのみのつもりだったんです。当時はそこまで人気になるとは思っていなかったんですが、ご覧のように様々なプロダクトが生まれました（ポール）」。　展示品に見入っていた2人は「1997年に発表されたルックは、今見ても新鮮。ポール・スミスのヴィンテージを掘り返したくなりました（森星）」「ポールさんが駆け出しの頃、色糸を使って手作業で色々なストライプを作っていた、と明かしていたのが印象的でしたね（UTA）」と語る。先行アイテムや新作コレクションを堪能　B1Fに併設されたショップでは、会場先行発売となる数量限定エクスクルーシヴアイテムを含む、2023年秋冬シーズンのメンズ、ウィメンズのシグネチャーストライプのアイテムが多彩なラインナップで展開されている。ウォレットには、モノグラミングで自分や大切な人のイニシャルを入れることも可能だ。　森星さんが注目したのは気球と富士山の写真をプリントしたバッグ。「やはり日本人として、富士山がデザインに使われているのはすごく嬉しいです」。UTAさんはニットやポロシャツの襟などにストライプをあしらった新作コレクションが気になった様子。今シーズンは、ストライプの幅を繊細かつ上品なエンボス加工で表現したシャドーストライプも新たに登場。現代の職人技を駆使したアイテムが揃う。　会場を一巡した2人は、あらためてシグネチャーストライプが象徴するオプティミズム（楽観主義）に魅了された様子。「ポールさんはいつもエネルギッシュでプレイフル。デザインにもそれが反映されています（森星）」「ショーのバックステージでも気軽に話してくれて、すごく優しい人。子どものようなフレンドリーな面があるからこそ、色々なアイデアが生み出せるのかなと思いますね（UTA）」。そんな2人に対してポールは「友情や、あたたかいハートを持つということはとても大事。毎日が新しい始まりであるということを心に留めて、つねに強くポジティブに。あとはにこにこ笑うことですね」とコメント。最後はハグを交わし、再会を約束する3人。どこかでこの顔ぶれが揃う未来もそう遠くなさそうだ。ポール・スミスのアイテムやジェラートをプレゼントイベント会期中、ポール・スミスの公式インスタグラム（@paulsmithjapan）をフォローの上、会場内で撮影した写真に「#stripeunfolded」と「#paulsmithcampaign2023」のタグを付けて投稿した方の中から抽選で5名に、シグネチャーストライプやシャドーストライプのアイテムが当たるハッシュタグキャンペーンを実施。また、会場にてLINEのアンケートに答えた方にはジェラートをプレゼント。 着用アイテム森星：ジャケット 9万9000円、ニット 3万6300円、トラウザーズ 4万9500円、ピアスとイヤーカフのセット 2万4200円、リング（3個セット） 1万9800円、シューズ（スタイリスト私物）UTA：ベスト 7万7000円、シャツ 3万9600円、トラウザーズ 6万500円、シューズ（スタイリスト私物）（すべて税込）

「ポール・スミス ストライプを紐解く ー STRIPE, UNFOLDED」に森星とUTAが来場

「シネマ・インフェルノ」とは？　「メゾン マルジェラ」クリエイティブ・ディレクターのジョン・ガリアーノが、2022年アーティザナルコレクションの制作に合わせて構想した物語。舞台はアメリカ南部のアリゾナ。主人公のカウントとヘンは、シングルペアレント同士が結婚したことで義理の兄弟となるが、いつしか愛し合い、不運な運命を辿っていく。　この物語を2022年7月、イギリスの演劇カンパニー「イミテイティング・ザ・ドッグ（Imitating the Dog）」とのコラボレーションにより、オートクチュールと映画、演劇が一体化したパフォーマンス作品としてパリのシャイヨー宮で発表。さらに、同作品のストーリーとテーマを視覚的に表現するインスタレーションとして発展させ、今年1月パリの本社で「Co-Ed」コレクションのショーに合わせて公開した。▶︎▶︎公式ページで公開されている「シネマ・インフェルノ」の映像作品を鑑賞してからインスタレーションを見るもよし、インスタレーションを見てから映像を作品を鑑賞するもよし、合わせて見ればより深く楽しむことができるだろう。物語の世界に入り込むインスタレーション　場所は、渋谷区神南の公園通り沿いに建つパークウェースクエア2。「CINEMA  INFERNO」の看板とサインボード、そしてシネマカーテンを彷彿させる赤いカーテンが、異国の劇場の雰囲気を漂わせる。煌々と光る「Welcome」のネオンサインに誘われてエントランスをくぐれば、中は一変して退廃的なムード。所々かすれた「タビ」の足跡を頼りに、薄暗い館内を巡っていく。 　鉄骨と剥き出しのチューブが張り巡らされた壁にはモニターが設置され、「メゾン マルジェラ」のアイコニックな「タビ」の制作風景や、犬の目線で映したアトリエの様子など、様々な映像がランダムに流れ続けている。普段は公開されることのない、もの作りの裏側をユニークな視点で見ることができる。　1階のフロアは、空間全体が怪しげなライトに照らされ、シーチング素材で作られたアノニマスなマネキンが点在している。これらは「シネマ・インフェルノ」の登場人物たちで、役柄に沿ったアーティザナルのルックを身につけている。その特徴的なスタイルを、秘められたストーリーとともに見ていこう。砂漠に現れたスペクトラル・カウボーイズ　会場の隅や壁から、銃を構えて館内を見張るように設置されているカウボーイとカウガールたちは、主人公を追う悪役だ。物語の主題でもある権力の濫用を象徴的に表している存在で、「スペクトラル・カウボーイズ」の名の通り亡霊（＝spectral）ように繰り返し登場する。 　砂漠の砂を浴びたように見紛う加工は「サンドストーミング」呼ばれるテクニックで、立体的なフロック加工やビーズ刺繍によって表現された。ビーズ刺繍は砂丘のような高低差まで繊細に表現しており、手作業の緻密さを見せる。 逃亡する主人公 カウントとヘン　フロアの奥には、古びたコンバーチブルカーに乗った主人公のカウントとヘンの姿。ガラス窓を突き破って館内に突っ込んできたかのような迫力の演出で、背景には架空の街が広がっている。物語の軸となる2人の逃亡シーンが、東京のインスタレーションならではの演出で再現された。　カウントが着ているのは、ディップダイとフロック加工を施した「ペンドルトン（PENDLETON）」のヴィンテージチェックシャツ。クリスタルの「タビ」カウボーイブーツを履き、アメリカ南部の舞台背景がスタイルに落とし込まれている。　ヘンが回想シーンで着たブラックドレスとウサギ耳のボンネットは、ゴミ袋やバターを包むクロスから作られた。一方で鳥のモチーフをクリスタルの刺繍で表現したヌードカラーのドレスは、ダメージ加工が施されつつも儚い美しさをまとう。粗野な素材とチュールやサテンなどオートクチュールらしい素材を用いたピースが並び、ハイとローのコントラストをコレクションを通じて表現している。　傍らにはヘンの母親の姿も。赤や黒といった色彩のボリュームあるドレスが、娘のヘンとは対照的なインパクトを与えていた。ホラーなチャイルドたちと華やかなプロムガール　中央に設置された劇場の椅子に佇んでいるのは、ハロウィンの「ジャック・オー・ランタン」のようなカボチャや、魔女風のとんがり帽子をかぶったチャイルドたち。物語のシーンや登場人物の衣装は、アメリカのクラシック映画やホラー映画などからも着想を得ているという。　物語の後半でダンスを踊るプロムガールたちは、ドレスアップした装い。切り裂いた2着のチュールドレスをつなぎ合わせたドレスや、チェックのチュールをあしらった寝袋型のコートは、脱構築的なアプローチを印象付ける。手術室に立つドクターとナース　青白い光が異色を放つ円形のブースでは手術シーンを再現。針を手に持ったドクターは、医療用スクラブを参照したクロンビーコートを着用している。ナースたちが着るメディカルグリーンのネオプレン素材やブークレ素材を用いたコートは、1950年代のクラシカルなシルエットが美しい。　1階の順路の最終ポイントには、シルバーのカーテンの前に立つミステリアスなナースの姿。白のコットンピケのトラペーズコートに重ねられた鮮烈な赤のチュールと刺繍が、大動脈や血を連想させる。このナースには対になるもう一体が存在し、その姿は8月10日にリロケーションオープンする表参道店で見ることができる。地下のミラールームで没入体験　「タビ」の足跡は地下へと続いていく。地下1階のフロアの中央には赤いライトに照らされた一体のマネキンと、今回のメインヴィジュアルにもなっている印象的な影。愛するカウントと結ばれた回想シーンのヘンの装いで、無垢な白のチュールコートとウサギ耳のボンネットに、ギピュールレースの花のアップリケと羽飾りがあしらわれた。ルビークリスタルの「5AC」ベビーバッグと「タビ」パンプスが輝きを添える。 　その横にはシアターのサインが光り、「タビ」の足跡の終着点となっている。脇に立つアシャレット（usherette＝劇場の案内係）は、ヴィンテージ調のナイロンブラとシネマカーテンスカートが、50年代の時代背景を思わせる。懐中電灯を手に持ち、劇中の役柄と同様に怪しげな雰囲気を漂わせている。　シアターの中に入れば、まるで異世界に迷い込んだかのよう。天井から床まで全て鏡張りのミラールームとなっており、スクリーン版『シネマ・インフェルノ』を日本語の字幕付きで上映。見る者も物語の一部となるような、没入体験を味わえる。メゾン マルジェラの物語は表参道へと続く　ジョン・ガリアーノが構想したこの作品は、親のネグレクト、法的搾取、教育における不当、宗教上の操作、医療の不正行為といった、現代における権力濫用の顕在化がテーマとして根底にあるという。タブー視されがちなこれらの要素をクリエイションを通じて表現し、従来ならランウェイショーで発表されるコレクションを、パフォーマンス作品というこれまでにないフォーマットで発表した。物語性のあるオートクチュールを探究していたガリアーノによる新たな試みだ。　「メゾン マルジェラ」のクリエイションプロセスを表すピラミッド型の構図の頂点に位置するアーティザナルコレクション。そのテクニックやコードはプレタポルテの「Co-Ed」コレクションをはじめとする全てのラインで具現化される。実際に今回のインスタレーションで落とし込まれていた数々のテクニックやコードが、最新の2023年秋冬コレクションに反映されているのだ。それらを一堂に見ることができる最新の店舗が、東京・表参道の複合施設「ジャイル（GYRE）」1階に8月10日に誕生する。「シネマ・インフェルノ」とアーティザナルの世界観が、どのようにしてメンズ・ウィメンズウェアやアクセサリーなどに派生しているのか。「メゾン マルジェラ」とジョン・ガリアーノの物語は続いていく。

メゾン マルジェラ「シネマ・インフェルノ」で没入体験——もっと楽しむための完全ガイド

丸の内・有楽町／次世代の才能をサポートする舞台—担当された丸の内・有楽町エリアでのハイライトは？松田千広（丸の内エリアクリエイティブディレクター）：未来のトップデザイナーを目指す全国の服飾学生さんたちの卒業制作作品を披露する「Future Designers Collection」を行いました。4年目となる今年は、日本だけでなく中国・タイ・台湾・韓国の服飾学校からのよりすぐりの作品が丸の内に集結しました。ショー当日はあいにくの雨に見舞われ、予定していた丸の内仲通りでの開催はかなわず残念でしたが、2020年以来開催されるごとにスケールアップしているのを実感しています。—“働く大人のまち”というイメージがまだまだ強いエリアです。だからこそ、次世代にとってこのエリアが"自分の才能を披露できる舞台"になっていくことを引き続き目指したいと考えています。今年のエリアコンセプトとしても掲げた「これからの才能へ熱視線を送る」という姿勢を大切に、新しいモノ・コトを生み出す人々を街全体で応援できる仕掛けづくりに取り組んでいきたいです。 松田千広 （Chihiro Matsuda） 株式会社博報堂プロダクツ クリエイティブディレクター 丸の内エリアクリエイティブディレクター 日本橋／”明日の流行り物”を提案する日本市—テーマは"明日の流行り物"でした。寺岡重人（日本橋エリアクリエイティブディレクター）：さまざまな分野のトップクリエイターたちが、明日にでも流行りそうな物を集めた「明日の日本市」です。かつて五街道を通して多くのモノやコトが日本橋に集まったように、TCSの期間中、日本中から集まったラインナップを来場者の方々にも楽しんでいただけたのではないかと考えております。—日本中から集めたものを展示する意図は？手の中にある小さなスマートフォンから世界中のモノが見られるようになった現代において、街に出かけ、自分の目で見たいと思えるほどの価値のあるモノとは何か？ そこにこそ、このイベントの価値があります。「日本橋を歩けば、素敵な明日、そして未来が見えてくる」。そう思ってもらえる日まで「明日の日本市」を育てていきたいと思います。 寺岡重人 （Shigeto Teraoka） 株式会社ハッピーアワーズ博報堂 クリエイティブディレクター 日本橋エリアクリエイティブディレクター 銀座／街全体を一つのキャンバスに—銀座のあらゆる場所にインスタレーションが登場しました。手応えは？岸仲真（銀座エリアクリエイティブディレクター）：「インパクトがある」「面白い展開だ」「外国人客の評価も高くインバウンド効果とも相まって多くの方が来店した」など好意的な声が多く寄せられました。商業施設のショーウィンドーをはじめ、空き店舗の壁面や工事現場の仮囲い、デジタルサイネージなど街の計15ヵ所にグラフィカルなタイポアートを施したインスタレーション作品「GINZA POET-GRAPHY」を設置し、街全体を一つのキャンバスとして捉えた形です。ジャンポール・ゴルチエ「ファッション・フリーク・ショー」のパフォーマーたちによるランウェイも盛り上がりを見せました。—難しさもありましたか？銀座の街からは「TCSの企画進捗の情報共有が少なかった」「情報共有が遅かったために、効果的に独自施策を実施できなかった」「TCSに集客したお客様に対して実施した購買特典キャンペーン"スペシャルデイズ"はもっとできたはず」という課題が上がりました。その裏返しとして、「次回は前倒しで自主的に企画を立案し、積極的に参加したい」というポジティブな意見も寄せられました。また、銀座エリアのPRを含めた告知方法も課題として挙がっています。 岸仲真 （Makoto Kishinaka） 株式会社新東通信 コミュニケーションデザインユニット ユニット長 クリエイティブディレクター 銀座エリアクリエイティブディレクター 渋谷／過去と未来が出合う実験的なショー—渋谷らしい、挑戦的なファッションショーをされたと聞きました。田中ヒロ（渋谷エリアクリエイティブディレクター）：100周年を迎える文化服装学院の学生たちによるショーです。「過去と未来のENCOUNTER」をテーマに、偉大な日本ブランドのコレクションを多様な視点でひもときました。過去に生み出されたファッションスタイル約10,000点を機械学習させ、時代ごとに未知のアーカイヴスタイルをAI（人工知能）で生成。その不思議な映像を演出に活用し、屋内空間の特徴を活かしたショーを作り上げました。—やってみて見えた課題はありますか？ファッションショーはどうしてもその場限りの瞬間的なイベントとなってしまいます。開催期間中、多くの人が「○○を見に行こう」と渋谷を目指して来てもらえるような常設の目玉コンテンツをつくることが必要だと感じました。また、渋谷のみで完結するのではなく、他のエリアと連携・連動するような施策が構築できると良いと思います。 田中ヒロ （Hiro Tanaka） 株式会社東急エージェンシー クリエイティブディレクター 渋谷エリアクリエイティブディレクター 原宿／特別感のあるショーやNFTの活用—Rakuten Fashion Week TOKYOとの連動で生まれたものは？松井智則（ファッション統括ディレクター）：通常では実現できないユニークべニュー（特別感や地域特性を演出できる会場）でのファッションショーを実施することができました。原宿エリアでは今回、アートや投資のイメージが強かったNFTの新しい使い方を提案し、イベントの入場チケットとして活用したり、NFTを所持していることで受けられる特典などを打ち出せたのもよかったです。—エリアが都内の広範囲にわたる難しさもあります。実際、TCSの実態が分かりにくいというご意見をいただきました。次回に向けて各エリアのさらなる連動強化と、TCSの本質が伝わりやすい施策の検討を始めています。ファッションショーのユニークべニューも、より特別感が感じられる場所を提案できたらと思います。来年はインバウンドも完全復活していると想定されるので、国内だけでなく国外へのプロモーションも強化していきます。最大の目標は、TCS全体の拠点づくりです。 松井智則 （Tomonori Matsui） 株式会社ワンオー 代表取締役 ファッション統括ディレクター 羽田／空港というロケーションを活かして—羽田エリアは空港好きな人にとってはたまらない場所で行われました。大平裕子（羽田エリア統括ディレクター）：「ファッションとデザインを羽田空港からテイクオフさせる」という初めての試みでした。全てのコンテンツが新鮮で、とても目を引く内容になったと思います。中でも、飛行機の離発着が見えるロケーションで行われたトレードショーは反響が大きかったです。ファッション業界の関係者だけではなく、一般のお客さまの目にも触れ、デザイナーとの会話も楽しんでいただくなどTCSを広く浸透させる良い機会になりました。—今後、羽田空港で実現させたいアイデアはありますか？音楽を融合させたファッションショーやトークショーにも取り組んでいきたいですね。今回、羽田空港内では3つのファッションコンテンツと1つのデザインコンテンツを発信しましたが、積み残したものもありました。次回はファッションとデザインの祭典として、さらなるファッションとデザインを羽田空港からテイクオフさせていきたいと思います。 大平裕子 （Yuko Ohira） 株式会社羽田未来総合研究所 コンサルティング事業部 担当部長 羽田エリア統括ディレクター 総括／大きな可能性を持つ都市型イベント—全体を振り返って、特に反響の大きかったイベントは？齋藤精一（総括クリエイティブディレクター）：羽田イノベーションシティで行われた「Sound & City 2023」の中で、音楽を伝達手段としてDAO（分散型自立組織）の仕組みをみんなで体験する実験的なイベント「MUSIC EXPERIMENT ON “DAO"」です。初の試みが多かったのですが、参加したミュージシャンと観客にこれからの都市や社会の分散と、それをみんなで創り上げる仕組みを体験してもらえたのではないでしょうか。—TCSは東京の街にどのような影響を与えていくでしょうか？街づくり、ファッション、デザイン、クリエイティブに関わる熱量の高い人たちが創り上げるTCSは、都市型イベントとしての大きな可能性を持っています。今後さらにエリアごとの連携を強化し、東京ならではの物語と、さまざまなコミュニティを巻き込んでいく施策を創っていきます。金太郎飴化していると言われている東京が、もっとユニークで高解像度な都市になるきっかけを創れると思います。 齋藤精一 （Seiichi Saito） パノラマティクス 主宰 総括クリエイティブディレクター

KEISUKEYOSHIDA

Jean Paul GAULTIER

Culture

「東京クリエイティブサロン2023」が街に与えたインパクトを徹底分析

巨大なセットが観客を圧倒　1950年代の戦後のパリを生き抜いた彼女たちの謙虚さやたくましさ、自由、勇気を反映し、そして当時のフレンチスタイルを現代的に解釈した今回のコレクション。会場に現れた幻想的なセットは、ジョアナ・ヴァスコンセロス（Joana Vasconcelos）が特別に制作したものだ。 　ヴァスコンセロスは、大規模なインスタレーションで知られるポルトガルのアーティスト。彼女はカトリーヌをワルキューレ（＝北欧神話に出てくる戦乙女）と重ね合わせ、今回の作品を「ワルキューレ ミス ディオール」と名付けた。布、レース、刺繍、かぎ針編みなどによって作られた有機的なフォルムが、触手を伸ばすかのように空間を支配する。「私は何も悔やまない」　ブルーに彩られた空間の中でショーがスタート。キウリが打ち出す力強い女性像は、モデルたちのアイメイクや黒いレザーグローブ、ピアフの代表曲の一つである「Non, je ne regrette rien（いいえ、私は何も悔やまない）」と書かれたステイトメントルックからも感じ取れた。黒のルックが多く登場したのは、その色を好んでいたジュリエットの影響なのかもしれない。フラワーウーマンの面影　また、今回目を引いたのはフラワーモチーフ。これはカトリーヌが第二次世界大戦中にフランスでレジスタンス活動を行った後、花の売買をする実業家となったことに由来する。メタリックな糸を織り込んだまだら模様のファブリックが、花の輪郭を抽象的に表現。そのほか、手編みによる草花のティアラや、レーザーカットの花で覆われた革製のホルスターなどもカトリーヌの面影を感じさせた。   パリらしさとディオールらしさ　2023年春夏シーズンでもフィーチャーされたパリの地図のモチーフや、アイコニックな「カナージュ」も随所に取り入れられ、ディオールらしさをアピール。カラーは、後半に登場したルビー、エメラルド、トパーズイエロー、ブルーが華やかさをプラスした。フィナーレにはピアフの歌声が会場に鳴り響き、激動の時代をパワフルに乗り越えた3人のアイコンを祝福するかのようだった。　アクセサリーは、エッフェル塔のモチーフにパールを合わせたチョーカーやマットなレザーバッグ、パールをアクセントに効かせたロンググローブなどが女性たちの知的な美しさを引き出していた。BLACKPINKのジスなど豪華ゲストも　会場にはBLACKPINKのジス（JISOO）、ガル・ガドット（Gal Gadot）、シャーリーズ・セロン（Charlize Theron）、エル・マクファーソン（Elle Macpherson）、オリヴィア・パレルモ（Olivia Palermo）の姿も。日本からは仲里依紗や三吉彩花が来場し、会場を盛り上げた。

DIOR

パワフルな3人のアイコンに着目し、50年代を再解釈「ディオール」2023年秋冬

■「ルイ・ヴィトン×草間彌生」第1弾：2023年1月1日（日･祝）第2弾：2023年3月31日（金）ルイ・ヴィトンの各店舗で販売開始予定ラインナップ：プレタポルテ／バッグ／シューズ／アクセサリー／ラゲージ & トランク／フレグランス新宿駅東口：草間彌生が画面から飛び出る3D動画　JR新宿駅・東口駅前広場前の交差点頭上に注目です。湾曲した最新の4Kディスプレイには、カボチャを被った"アバター草間彌生"が登場。横断歩道の行き交う人々を覗き込んでいるかのようなシュールな3D動画が流れています。まるでディスプレイから飛び出てくるような臨場感のある1分弱の映像は、信号待ちの人や行き交う人々も思わず見入ってしまうほどのインパクト。■新宿駅東口 3D動画広告期間：〜2022年12月7日（水）上映時間: 7:00〜25:00渋谷スクランブル交差点：ダイナミックな広告ジャック　世界的にも知られる渋谷のランドマーク、スクランブル交差点では、左から右までマルチヴィジョンをジャック。アバター草間彌生の頭上にモデルが乗っかり、ひょこっと顔を出している一連の動画が8面に映し出されています。シンプルな白背景に赤毛のおかっぱ頭と、街の喧噪に相反するような静寂さが流れるBGMが印象的。さまざまなネオンが混在する渋谷の風景の一部として、ダイナミックに展開されています。■渋谷スクランブル交差点期間：〜2022年12月5日（月）上映時間：9:00〜24:00東京駅前行幸通り：丸の内で体験したい3スポットインスタレーション　東京駅丸の内中央口から皇居前の和田倉門交差点をつなぐ行幸通りには3つのスポットが展開。一つ目はガラス張りのボックスインスタレーションです。こちらは、スマートフォンでQRコードを読み込んでインスタレーションをタップすると、ユニークなAR（拡張）フィルターが作動するという仕組み。撮影した静止画や動画はダウンロードしてSNSなどにも投稿ができます。いくつかのスポットで設置されたARフィルターは各ロケーションに応じて異なるバージョンで登場するので、ぜひ全部制覇してみて。セルフィーで撮るとまた違ったエフェクトが現れるかも...？■東京駅前行幸通りインスタレーション期間：〜2022年12月25日（日）時間：11:00〜22:00＊ARありスケートリンク　ホリデーシーズンの風物詩、スケートリンクもコラボ仕様に。行幸通りに今年初めて設営された期間限定のスケートリンクは、縦9メートル×横26メートルの広さ。表面が氷でなく、樹脂でできたエコ仕様のリンクなんだとか。LV フィッシュ・カフェ　寒空の中スケートを楽しんだあとには、温かいドリンクなんていかがでしょう？ スケートリンク横にオープンした「LV フィッシュ・カフェ」ではクランベリージンジャーティーなどのメニューを"フィッシュカー"で提供しています。■東京駅前行幸通りスケートリンク＋LV フィッシュ・カフェ（＊ARあり）期間：〜2022年12月25日（金）時間：11:00〜20:00※スケートリンクの利用は要予約プリンス芝公園／東京タワー：街のシンボルもドット仕様に　東京タワーのお膝元、芝公園エリア周辺に近づくやいなや、ドットカラーの特別仕様に点灯された東京のシンボル、東京タワーが目に飛び込んできます。12月は16日〜18日、23〜25日に再びスペシャルライトアップの東京タワーを見ることができるので要チェックです。　カラフルな東京タワーを背に写真に収めたいのは、プリンス芝公園に展示された草間彌生の代表的な作品の一つでもあるカボチャの浮遊するオブジェやメタルドットで形作られたLVロゴのインスタレーション。こちらもARフィルターでの撮影が楽しめるフォトスポットです。■プリンス芝公園インスタレーション期間: 〜2022年12月29日（木）時間：8:00〜22:00（ライトアップ 16:00〜20:00）※最終日12月29日のみ20:00まで■東京タワー期間：2022年12月16日（金）〜18日（日）、23日（金）〜25日（日）*追加時間：17:00〜24:00＊どちらもARあり増上寺：東京の名所も水玉一色　増上寺では「ペインティッド ドット」を施したインスタレーションが登場。ARを通して映し出されるポップなドットは荘厳な大殿と、アーティスティックに融合。背景の東京タワーと一枚の写真に収めると、まるで一つの作品のように見えます。■増上寺 期間：〜2022年12月5日（月）時間：8:00〜22:00 ＊ARあり※12月5日のみ8:00〜18:00（ライトアップ16:00〜20:00）※参道のペインティッド ドットは撮影日のみの演出　東京の街全体をキャンバスに、ルイ・ヴィトンと草間彌生のビジョンが描き出されたスペシャルインスタレーション。街中で展開されるインスタレーションは、草間彌生の作風でもある"ハプニング"にも通ずる表現方法で、見るものを作品の中へと引き込みます。1月のコラボコレクション発売を前に「ルイ・ヴィトン×草間彌生」の世界観をあなたも体験してみては？※実施内容や日時は変更になる場合があります。※ 最新情報はルイ･ヴィトンの公式ホームページでご覧ください。

LOUIS VUITTON

東京の街が水玉でジャック！「ルイ・ヴィトン×草間彌生」スペシャルインスタレーション徹底ガイド

　花道みささぎ流家元の片桐は、アニミズム的なアプローチで植物と向き合うアーティスト。異分野との協働も精力的に続けており、花と光を題材にしたヴァン クリーフ&アーペルとのコラボレーションは今回で2回目となる。つねに花の生命力と美しさを称えてきたハイジュエラーと片桐の生け花が、紅葉に向かう京都の自然の中で互いに共鳴しあった。　今回の舞台は、下鴨神社の境内。春の代官山で開催された前回の展示と異なり、今年は11月～12月という「花が終わっていく季節」での開催となる。そのため花の儚さと命の循環が、より繊細かつ純粋に表現される内容となった。縄文時代から生き続ける森　まず一つ目の会場となる神社の参道「糺の森」には、落ち葉のトンネルが登場。これは「もし、降り積もった落ち葉の下に埋もれたら、落ち葉を透かして光が漏れて、星空のような光景が広がるのではないか」という片桐のアイデアを具現化したもの。森の一部のようでありながらどこか神々しい、体感型インスタレーションとなった。　静けさをたたえるトンネルの先には小川が流れ、そのせせらぎの中に幾つもの花が生けられている。「神社に入る前に、手を洗って清める場としてのイメージで作りました。太古から水の湧き出る社がすぐ近くにあるので、作品を見るだけでもいいですし、川に手を浸していただいてもいいです」と片桐はその意図を解説する。美しい命のサイクルの中で　そして森を散策し、楼門をくぐった先に現れるのが特設会場。モダンな建造物の中に足を踏み入れると、拡大した葉のコラージュが壁いっぱいに広がる。そして足元には花々が咲き乱れ、水面に鮮やかなリフレクションを生み出していた。　天井の役割を果たしているのは、大量の落ち葉。これらは全て、樹齢200～600年の樹木が約600本自生する境内の森から集められたものだ。「落ち葉ってしみじみとした印象で解釈されることが多いと思うんですが、繰り返される命のサイクルの一つと僕は捉えています」。落ち葉が土の栄養となって次の命を生む——それは自分で花を育てるために畑仕事をしているという片桐にとって、身近な循環の形であるという。枯れる花と、永遠の美を留める花　そして最後の会場は、重要文化財の「細殿」。ここでは、自然をテーマにしたヴァン クリーフ&アーペルの可憐なジュエリーの数々が展示されている。風にそよぐアネモネや、真紅に色づいたミステリーセットのブドウの葉などが、さざ波をイメージしたショーケースの中で輝く。　「僕が好きなのは、クリスマスローズを表現した『ローズ ド ノエル』。植物を本当によく見て作っているなと感じますね。ブローチなどはアシンメトリーに作られたデザインも多くて、自然なバランスの崩し方が絶妙です」。ジュエリーをよく見てみると、花芯や花びら一枚一枚のつき方まで、宝飾職人たちが真摯に観察してデザインに取り入れていることが感じられる。花々に魅せられたジュエラー　自然や花々は1930年代初頭から現在まで、ヴァン クリーフ&アーペルの大切なインスピレーションの一つであり続けてきた。この世から姿を消してしまう生け花と、長く形を留めるジュエリーは一見、相反するもののように思える。だが「どちらも自然が作ったものを素材としているという意味では、根っこの部分は同じ。そして、自然に宿るものを信仰する神社という場所での展示は、全てがピタッと繋がったように感じます」と片桐は語る。　光と花、そして水がハーモニーを奏でるこの展示は、花々を随時入れ替えながら12月12日まで開催。例年、12月上旬には「糺の森」の紅葉がピークを迎える。変わりゆく自然界から生まれたクリエイションとの一期一会が堪能できそうだ。

「ヴァン クリーフ&アーペル」太古の森で出会うジュエリーと花々　展覧会が京都で開幕

ニューバランス×ジョー・フレッシュグッズについて詳しく知るジョー・フレッシュグッズ（Joe Freshgoods）とは？アメリカ・シカゴ出身のデザイナー兼クリエイティブディレクター。本名はジョセフ・ロビンソン（Joseph Robinson）。自身の名前を冠したブランド「ジョー・フレッシュグッズ」を手掛ける。ブランドの物語や歴史、文化を引用しながら独自にブレンドするクリエイションが注目されストリートファッションで高い人気を博している。2013年にクリエイティブ・ ハブ兼ショップである「Fat Tiger Works」をオープン。次世代のアーティストやクリエイターの支援にも積極的に取り組んでおり、クリエイティブなリソースと専門知識を必要とする子どもたちに向けたワークショップを頻繁に開催。地元のブラックコミュニティへの支援にも精力的で、売り上げを個人店や団体に寄付するチャリティプロジェクト「Community Goods」も主宰している。今回ベースに採用されたニューバランスの人気モデル「993」とは？2008年にオリジナルモデルがリリース。「991」と「992」に搭載された要素を1つに統合したデザインで、シルエットに定評がある人気モデル。前作「992」と比較すると、前足部ABZORBは2分割され人間工学に基づいた構造のABZORB DTSを採用しており、ミッドソールにはACTIVAを使用することで軽量化を実現した。また、屈曲率も向上しており、全体的なバランスが良くライフスタイルにもランニングにも対応できるオールラウンダーなシリーズ。　ニューバランスとジョー・フレッシュグッズのコラボの歴史は2020年2月に遡る。赤やピンクのグラデーションによって、心臓や体温を表現した「992」を発売。NBAオールスターゲームが32年ぶりにシカゴで開催されることを記念した同シューズは話題を集め即完となった。第2弾のコラボは2021年8月、「外の匂いのする服」という意味が込められた「Outside Clothes」をテーマに、「990v3」をベースに採用したコラボスニーカーを発売。続く第3弾は、2022年5月に最新モデル「90/60（ナインティ シックスティ）」の発表を記念して製作。ブランドを代表する「990」シリーズに、2000年代初頭のパフォーマンス・ランニングシューズ「860」の技術やシルエットを取り入れた。最新作となる今回のコラボでは、「Performance Art」をテーマに、パステルカラーが特徴的な「993」を発売した。全体を通してニューバランスのインラインではあまり見ることのない独特なカラーリングが特徴的で、ジョー・フレッシュグッズは「私がデザインした全てのフットウェアを並べてみると互いに補い合う配色になっている。これはニューバランスとのカラーストーリーであり、今回のコラボはその最終章である」と今回のコラボについて述べている。ジョー・フレッシュグッズにインタビュー　「コラボにおいて、ブランドの過去作品やロゴに支配されるべきではない」　ー今回のコラボのテーマ「Performance Art」にはどんな意味が込められているのでしょうか。　ニューバランスの広告アーカイブの中にあった「Made To Wear Well」という言葉が気に入っていて。「着用することでパフォーマンスが向上する」という意味なんだけど、元々はランニング用として機能性に着目して作られた「993」がファッション文脈で人気になったという歴史にリスペクトを込め、コラボシューズを履くことでよりアーティスティックなパフォーマンスが向上してくれたらという思いを込めたんだ。ーT-HOUSE New Balanceで開催されているインスタレーションの見どころは？　僕が高校生の頃実際に聴いていたCDやお気に入りの雑誌などが展示されているんだけど、これは僕のすごくパーソナルな情報。現代でいうインスタグラムのプロフィールみたいなイメージで、僕のルーツや考えが詰まっている場所になっていると思うよ。ーコラボシューズのベースに「993」を選んだ理由を教えて下さい。　「993」はベーシックなモデルとして人気だからカラーパレットもブラックやグレーなどシンプルなものが多い。そこにファッショナブルなパステルカラーを取り入れたらおもしろそうだと感じたから「993」を選んだ。機能性を追求して完成しているシルエットがパステルカラーを纏うことによって、独特の雰囲気が出ていると思う。ーコラボシューズのデザインで特にこだわった点、お気に入りのポイントを教えて下さい。　やっぱりパステルカラーの絶妙な色味が1番のポイント。本来「USA」となっているヒールパッチがブランドを表す「JFG」になっていたりと細かなディテールまで拘ったんだ。特にジョー・フレッシュグッズのオフィシャルストアとT-HOUSE New Balanceで限定販売しているカラー「パウダーピンク」は、僕の大好きなピンクを取り入れていてお気に入りだね。ー3年に渡るニューバランスとの協業ですが、振り返ってみての感想は？　僕がコラボをする時、そのブランドの過去作品やロゴにとらわれないことを大事にしていて。ブランドのアイデンティティに対してリスペクト持ちながらも、新しい試みをするべきだと思っているんだけど、ニューバランスとの協業ではそれがしっかりと実現できた。充実した3年間だったよ。ーT-HOUSE New Balanceに実際訪れてみてどうですか？　渋谷に宿泊しているんだけど、渋谷は人がたくさんいてとても騒がしい（笑）。それに比べてT-HOUSE New Balanceのある日本橋浜町は静かで落ち着くのでとても気に入った。インスタレーションもこだわりがたくさん詰まっていてお気に入りだから是非たくさんの人に来て欲しいね。ー今日のコーディネートはエッジが効いていて素敵ですね。　今日は「カウボーイモンスター」が自分の中のテーマなんだ。だからフリンジだったり1970年代っぽい要素を取り入れている。デニムジャケットは「マルニ（MARNI）」、Tシャツはジョー・フレッシュグッズ、パンツは「アルケミスト（Alchemist）」、帽子は「ジュンヤ ワタナベ（JUNYA WATANABE）」のもの、シューズは今回の「993」だね。ー最後に東京のニューバランスファンにメッセージを下さい。　ニューバランスとの協業が始まった時は、まさかこんなに長く続くとは思っていなかった。それが約3年続けられたのは、僕のクリエイションを受け入れ応援してくれたファンの皆のおかげだから感謝を伝えたい。

「ブランドの過去作品やロゴに支配されるべきではない」ジョー・フレッシュグッズが語るコラボのあるべき姿

「Grand Seiko 和菓子屋 とき」とは？　「Grand Seiko 和菓子屋 とき」は「時を食（は）む。」をコンセプトに掲げ、クリエイティブディレクターにはフードエッセイスト・フードディレクターの平野紗季子さんを起用。和菓子店「御菓子丸」の杉山早陽子さんによる、山葡萄の寒天と口の中でまろやかな酸味と共に一瞬で消失するカルダモンやレモンバーベナの風味を忍ばせたヨーグルトの二層の生菓子「一瞬」（2個入り2000円）、陽の出の様子をグラデーションで表現し、檜とミントから、檸檬と黒文字、パッションフルーツとフランボワーズへ変化していく琥珀糖「一分」（5本入り2500円）と、茶寮「菓子屋ここのつ」の溝口実穂さんによる、鶏卵の卵白など厳選された素材と職人の手仕事によって、ふわふわとした雲を食むような食感を製造から24時間限定の限られた時間でのみ体験できる水もち「一日」（2種セット2000円）、約1週間で枯れると言われる薔薇の美しさから着想を得て、無農薬の和薔薇をふんだんに使い、石垣島のレモングラスの澄んだ風味が特徴のゼリー「一週間」（3種セット2500円）の4種の和菓子を販売しています。　また、特別限定菓子として、10月8日に20セット限定で販売する金工家の中村友美さんの作り出した経年変化する器に丹波栗と山栗の羊羹を組み合わせた「永遠」（5万5000円）、9日に13セット限定で販売するデッドストックの日本製ガラス茶器と、熊本の熟成栗・美玖里を用いて粒餡と炊いた自家製の栗餡による最中のセットの「技巧」（1万5000円／すべて税込）も用意しています。　店舗や和菓子のパッケージなど全体のアートディレクションは、アートディレクター・グラフィックデザイナーの田部井美奈さんが担当。テイクアウト販売のみで、全日程の14時から16時までの来場には事前予約が必要となります。来場予約は、グランドセイコーの公式LINEから受け付けていますが、現時点では満席。予約をしていない人を対象に毎日14時から会場入口で先着順に整理券を配布し、入場可能な枠も設けられています（※配布数には限りがあります）。時の移ろいが感じられるインスタレーション　会場入り口にはイベントのロゴを配した暖簾があり、暖簾をくぐると「Grand Seiko 和菓子屋 とき」のステートメントを記した垂れ幕がかかっています。そしてその奥に展開されている障子で囲われた一室を使ったインスタレーションは、自然や季節の移ろいから時の本質に迫ろうとする匠の姿による日本独自の美意識と精神性を表現したブランドフィロソフィー「THE NATURE OF TIME」から着想。時計をイメージした円形のオブジェクトにはここでしか購入できない4つの和菓子が展示されていますが、ただ並べているだけではありません。じっと目を凝らしていると、水の波紋が浮かび上がってくるのです！これは、日本の四季や自然にインスピレーションを受けたものだそうで、時を刻む一秒一秒の精度を追求し続けてきたグランドセイコーらしい表現と言えるでしょう。トリンドル玲奈さんも時のうつろいを味わうよう、インスタレーションに釘付けでした。　帯状のオブジェでは、4つの和菓子を「一瞬」「一分」「一日」「一週間」と時の長さで順番に並べ、帯自体のグラデーションで自然の中での時の移ろいを表現。また、会場ではグランドセイコーの「エレガンスコレクション（Elegance Collection）」から、手元を美しく見せるための大きなアーチを描くフォルムが特徴で、ガラスサイドのアーチにダイヤモンドを大胆にあしらいダイヤルカラーが深紫（こむらさき）色の「STGF345」と、淡藤（あわふじ）色の「STGF349」を展示しています。トリンドル玲奈さんにイベントや和菓子、「時間」についてインタビューQ1.イベント会場に来場してみていかがでしたか？　時間の流れがすごくゆっくりで、一瞬一瞬を味わえるような素敵な空間だと思いました。「時を食む」というコンセプトや、一つ一つのお菓子の説明を聞くと一瞬一瞬が贅沢に感じられ、色々なことを思い出したり、考えたりできる気がして凄く良いなと思いました。Q2.和菓子を実際に食べてみていかがでしたか？　「一分」を食べたのですが、凄く美味しかったです。 今までにない食感で、食べ進めていくうちに少しずつ味が変わっていくので時の移ろいを感じられて贅沢な時間でした。「一日」にはシナモンを使っているらしいのですが、平野紗季子さんに「琉球シナモンは色っぽい」と説明していただいて、私も前からシナモンやスパイスに色っぽさがあるなと感じていたのですごく共感して。是非色っぽさがある「一日」を食べてみたいなと思っています。Q3.「和菓子屋 とき」にちなんで、時間に関する質問です。トリンドル玲奈さんが1日の中で一番好きな時間帯は？　朝、猫に起こされるんです。肉球で頬をポンっと押されて（笑）。「まだ起きれない」と目を閉じると、何度も起こしにくるんです。その時間が愛おしくて、ポンっと押されたいためにわざと起きないようにしているくらい（笑）。夏は5時半くらいで、冬は寒いのが苦手なのか布団からあまり出てこなくて、起こしに来るのは7時くらい。癒しから始まる朝の時間が一番好きです。

Lifestyle

トリンドル玲奈が体験！グランドセイコーによる「時を食む」がテーマのまぼろしの和菓子店

　まず現代アーティスト、チームラボとしての側面から#チームラボプラネッツを考えてみよう。この空間には既に一般的な現代アート好きの観客と呼べる人数よりもはるかに多くの人々が来場している。その根拠と言えるのは、本来1年ほどの会期となる予定だった同展が幅広い客層から人気となり、現在は2023年末までの会期延長が決定していることだろう。これは現代アートの会期としては異例のロングランと言える。一方、現代アートとして、この空間に対する言及が行われた形跡は限りなく少ない。会期がはじまって丸4年経つ今現在、#チームラボプラネッツの名前で検索エンジンを起動すると出現するのはトリップアドバイザー、アソビュー、イコーヨなどの「お出かけメディア」であり、楽天トラベルエクスペリエンスという「観光体験」を購入できるサイトでチケット販売も行われている。　また一般的に現代アートにおいて書かれがちな「批評」や「レビュー」ではなく「評判」というワードがサジェストされることも興味深い。これは一般的に持たれている「現代アートは敷居が高い」というイメージを完全に覆していると言えるだろう。また、それに伴って現代アートにおける意味の問題から空間を自由にしているとも言える。現代アートにおいて最も面倒なのは意味である。一般的に「意味がないものを意味があるかのように説明すること」は批判の対象となる。そして#チームラボプラネッツは普段、現代アートをあまり鑑賞しない人と美術館に行く時につきまとう「空間の意味」に対して納得させる解を用意していると言える。　では「空間の意味」に対して納得している人々は、どのようにしてこの空間を鑑賞しているのだろう。次にエンターテインメント空間としての#チームラボプラネッツについて考えてみたい。エンターテインメントを擁する空間の古典的な存在にテーマパークがある。その筆頭であるディズニーランドは、もちろん「作品やミュージアムや庭園を擁する空間」である。そして、その中で筆者は1992年に始まったエンターテインメントショー「ファンタズミック！」との比較を考えてみたい。　1955年、アメリカ合衆国のカリフォルニア州アナハイムにオープンしたディズニーランドは1985年には大規模なリニューアルが行われ、マイケル・ジャクソン主演の3D映画「キャプテンEO」や現在の4DXシアターを先取りするような「スター・ツアーズ」などのアトラクションがオープン。その後はじまったファンタズミック！は1992年から2022年の現在に至るまで少しずつアップデートを重ねて継続的に上演されており、世界的にも稀有なロングランと言える。　チームラボによる#チームラボプラネッツと、ファンタズミック！。この二つのロングランには共に「高度な技術とされるものが使われている」という共通性がある。そして私たちは現在、幸運なことに初演である1992年のファンタズミック！と、ロングランの間、少しずつアップデートを重ねた2022年版のファンタズミック！をYouTubでで鑑賞することができる。この1992年版と2022年版を比較すると、この30年の間、私たちの生活を取り囲む光が、どう「古びた」のかがよくわかる。例えば、プロジェクターの光量（ルーメン）と画質（解像度）は著しく上昇し、1993年に実用的なブレークスルーが起こった青色LEDは、2022年版では当たり前のように使われている。2009年から新しい信号化（おそらく2006年に米国国家規格協会に採択されたDMX信号の採用）が施されたシステムで初演の時より繊細に音楽と同期した花火を打ち上げ、プロジェクションマッピングというコンセプトが平面の映像を立体に展開する演出技術を、どう底上げしたかもよくわかる。そもそも撮影するカメラの進歩も凄まじい。　話を戻そう。#チームラボプラネッツの「空間の意味」に納得している人々は、どのようにこの空間を鑑賞しているのだろう。より具体的にいえば1992年から2022年の30年間に及ぶ「ファンタズミック！」そのロングランからわかるように、光は技術をアップデートしなければ、見た目として古びることを免れない。 #チームラボプラネッツ において「古びない要素」とは一体、何だろう。　ディズニーのファンタズミック！において30年間、古びた光とは別に変わることがなかったのは、その物語である。物語は「ミッキーの夢の中」という設定からスタートし、ディズニーキャラクターが総出演した後、巨大なドラゴンのオーディオアニマトロニクス※と対決することになったミッキーが魔法の杖を一振り、大団円を迎える。※オーディオアニマトロニクス：ウォルトディズニーカンパニーの登録商標で音楽やセリフと連動して生きているような動きを見せる人形　ファンタズミック！の物語の中でミッキーのイマジネーション（夢）はヴィランズに支配され、悪夢の世界へと変貌を遂げてしまう。そして中盤の終わり、ミッキーはラスボスとなるドラゴンに魔法の花火を繰り出すその直前、象徴的なシーンがある。巨大なドラゴンを目の前にして、色々な出来事を走馬灯のように体験したミッキーが意を決したように「This is “my” dream！」と叫ぶのだ。そうしてドラゴンに向けられたミッキーの杖からは花火が発射され、再びイマジネーションの力で自分の夢の世界を取り戻す。この「This is “my” dream！」というセリフからは二つの意味（≒ステートメント）を受け取ることができる。　一つは今まさに上演されている夢の物語を終わらせるために「これは私の夢です」と宣言するステートメント。そしてもう一つ、この物語世界の作者であるウォルト・ディズニーがディズニーランドという空間を「これは私の夢です」と宣言するステートメントである。この二つのステートメントは、観客にとって鑑賞している対象を宙吊りにする効果を持つ。すなわち、ディズニーランドという巨大な空間を作り上げた、ウォルトを鑑賞しているのか、それとも目の前のショーケースのメインキャラクターであるミッキーを鑑賞しているのか、その2つの存在が同時に訪れるのである。　この鑑賞の二重性は、あるコンテンツが現在進行形で鑑賞されると同時に観客に別な時系列を想起させる効果をもっている。すなわち、公演初期から度重なる基幹技術のアップデートがありつつも、ファンタズミック！というショーケースそれ自体が変わらずリニューアル可能なのは、この「現在」にアップデートをもたらすディズニーランドという空間とミッキーというキャラクター、そしてセリフの形を借りたステートメントを行っているからに他ならない。それではこのような時系列の操作が、ロングランとなっている#チームラボプラネッツの空間に、どのように作用しているのかを検討してみよう。　#チームラボプラネッツにおいて、それぞれの空間にはポエティックでありながら説明的な命名が行われている。倒景の憑依する炎、人と共に踊る鯉によって描かれる水面のドローイング、呼応する小宇宙の苔庭…あるいは二つの英語タイトルThe Infinite Crystal UniverseとFloating in the Falling Universe of Flowersではどちらも”Universe”が出現する。この「説明」と「宇宙」がファンタズミック！における物語の位置を占めるとすれば、これは観客にどのような鑑賞体験を与えているのだろう。　唐突ではあるが20世紀に最も発達した産業の一つに「観光」がある。冒頭#チームラボプラネッツの名前で検索エンジンを起動すると出現するのはトリップアドバイザー、アソビュー、イコーヨなどの「お出かけメディア」だと述べた。これは現代においてアートもエンタテイメントも、あらゆる空間を扱う体験が観光という産業に飲み込まれつつあることと無関係ではない。では#チームラボプラネッツは、どのような観光を目的としているのだろうか。名前からも明らかなように彼らの観光の目的は「宇宙」である。　筆者は先ほどファンタズミック！というショーケースがリニューアル可能なのは、このような時系列の操作をディズニーランドという空間とミッキーというキャラクター、そして召喚されるウォルトによる「私」というステートメントによって行っているからと述べた。それを#チームラボプラネッツに当てはめるとすれば、ここには宇宙という背景があり、チームラボというアーティストがいて、#チームラボプラネッツという空間があることになる。　会場はWater Areaと呼ばれる水を使ったエリアとGarden Areaと呼ばれる石や草木を使ったエリアに分かれており順を追って鑑賞していく中で、自分が全体的に暗く調光された空間（Water Area）を抜け、やや明るすぎる程に調光された空間（Garden Area）へ移動したことがわかった。Water AreaとGarden Areaはどちらから鑑賞するかを観客に委ねられているが、多くの観客は自分と同じ経路で鑑賞しているようだった。　観客が異なる空間を移動して、しかしいずれも似たような映像空間を体験することに飽きないのは、一つの旅として#チームラボプラネッツ全体が構成されているからに他ならない。観客は知らず知らずのうちに宇宙旅行をしたような気分になって、地球に帰還することになる。そしてこの旅は紛れもなくチームラボというアーティストによって仕組まれていることなのだ。　一般的に、宇宙に向かうことは一つの夢とされてきた。宇宙旅行は高度な科学技術の結晶であり、また時に高額な資金を用意し、時にハイレベルな選抜に残った、選ばれた人間の権利だ。しかし#チームラボプラネッツは現代アーティストであるチームラボが、このハイコストな実際の宇宙旅行にかわり権利を必要としない宇宙旅行を用意した。この宇宙旅行という物語は、ファンタズミック！の「ミッキーの夢を旅する物語」と同じく、観客にとって観光体験として機能する。そしてウォルト・ディズニーの「あらゆる人を自分の創造性（イマジネーション）でもてなす」というディズニーランドの理念と同じくチームラボが創造する空間（チームラボプラネッツ）は本当の宇宙空間に代わって人々を宇宙旅行へ向かわせようとする。この観客に目の前の体験を通じて別な夢へと向かう体験が#チームラボプラネッツにおいて、どの程度、成功しているかは読者それぞれが確かめて欲しい。しかし2023年末までの会期延長を踏まえ、まだまだ多くの人がこのインスタレーションを訪れることになる。その時この空間が、これからの現代アートにどのような影響を与えるかについて、私たちは考える必要に迫られるに違いない。

ディズニーとチームラボ　#チームラボプラネッツはアートとエンタメを越境する

■ラムダン・トゥアミ：モロッコ系フランス人。17歳で高校を中退。高校時代に「ティンバーランド」のロゴをカンナビスでアレンジしたブートレグブランド「Teuchiland」を創業するも、誘拐されたギャングに儲けたお金を略奪され事業を終了。パリに移り、一年ほどホームレス生活を過ごす。スケートウェアブランド「King Size」を立ち上げ、1997年に売却。翌年、仏リアリティ番組「Strip-Tease」の司会に。デザイナーのジェレミー・スコットらとコンセプトストア「L'Épicerie」をオープン。東京では「And A」の復活に携わる。仏セレクトショップ「コレット」のPRだったヴィクトワール・ドゥ・タイヤックと結婚。2014年に「ビュリー」を復活させ、ユニークなアイデアを取り入れた商品や独自の世界観を演出した店舗で、グローバルで人気のブランドに成長させた。クリエイティブエージェンシーの立ち上げなど個人の活動も多彩。ーまず、LVMHに「ビュリー」を売却した経緯について教えてください。　「ビュリー」はいつでも、“ホーム（家）”だ。でも売却で今は同じ家でも、“持ち家”ではなくなったって感じかな。ビュリーは世界中にビジネスを広げることができたし、コロナ禍でも売り上げは3倍に成長するなど、規模が大きくなり昔のようにマネジメントできなくなったんだよ。また新型コロナウイルスの影響でこれまでのように海外に行けなくなって、世界中のチームや店舗を訪れることが難しくなってしまったことも大きいね。　そうなった時に、LVMHのような世界各国に支社を持ち、強力なネットワークを擁する大手グローバル企業でないと、ビュリーのグローバルなビジネスを経営できないと思うようになったんだ。ー“買い手”候補はたくさんいたと予想しますが、グローバル企業の中でもなぜLVMHだったのでしょうか？　先ほども言ったけど、私にとってビュリーは家族のような存在で、ここまで成長させられたことを本当に誇りに思う。だから安易に売却先を決めることができなかったんだ。実は他社からもっと高額なオファーの打診もあったけど、お金の問題でもないんだよ。そもそも、LVMHはビュリー社の株を12％所有していたというのもあるけど、まず前提として、世界中にブティックを構え、同じような理念や考えの会社であることが条件だった。そしてビュリーがこれまで築き上げてきたビジネスを変えずに大切に育ててくれることを重視して決めたんだ。　LVMHのベルナール・アルノー（Bernard Arnault）会長兼最高経営責任者（CEO）とは、食事やお酒の席ではなく、7ヶ月という長い話し合いを重ねるうちに、彼だったら安心してバトンタッチできるだろうと思ったんだよ。アルノーCEOは「ビュリー」を急激に拡大させようとするのではなく、ブランドの歴史とこれまでの成長をリスペクトしてくれているからね。ー一番変えたくなかった点は？　日本のブティックを訪れれば分かると思うけど、必ずサプライズの要素がある。全てのブティックにおいて、それぞれ個性的な世界観を作り上げている。出店する場所からインスパイアされながら、一つひとつの店舗にこだわりを詰め込んで出店している。そういったこだわりは絶対に変えたくない。実はこれから1年で、日本でさらに5〜6店舗、世界で約20店舗の新店をオープンする予定だ。それ以上は店舗網を大きくしようとは考えていないんだけどね。ー確かに日本でも、その土地柄を踏まえた素敵なブティックをたくさん出店していますね。　日本はリテールの競争が本当に激しい。でもそれが楽しいんだ。たとえば渋谷パルコ店ができたときも、それぞれのテナントが一番店を作ろうと競い合ったが、私はビュリーが一番だと思ったし、名古屋のタカシマヤゲートタワーモールでも、京都BALの中でも一番の店を目指した。新宿ニュウマンにある店舗もわずか12平方メートルと小さいスペースながら最高の空間で、自慢の店だよ。ーなぜそこまで東京で一番を目指したのでしょうか？　たとえばファッションブランドを立ち上げた時、自慢のコレクションを披露したいときに、パリのファッションウィークを目指すでしょう？コレクションにそれだけ自信があるのであれば（ファッションウィークの規模が小さい）ブエノスアイレスではショーは行わないわけで。だからビュリーは、トップレベルの化粧品大国、その中のナンバーワンの地、東京で勝負したいと思ったんだ。ーラムダンさんは親日家として度々来日されています。日本からインスパイアされることはありますか？　うーん、商品に直接インパイアされることはないけど、日本の本からインスパイアされることが多いかな。とにかく日本が大好きなんだ。日本に友達もたくさんいるし、“家族”もいるよ。日本食が好きで、カレーからうどんまで典型的な日本の味が好きなんだ。そして日本で食べる洋食も絶品だよね。世界で一番美味しいピザは、中目黒のレストラン「ピッツエリア エ トラットリア ダ イーサ（Pizzeria e Trattoria da ISA）」だと思う（笑）。世界的なコンクールでも優勝したくらいだ。本当に涙が出るほど美味しいよ。ー最近買った本で面白かったのは？　ちょうど昨日、古本屋で見つけた写真集「1964 オリンピック東京大会－The Spectacle of Tokyo Olympics」。ー「ビュリー」から手を引いたら、今後何をしますか？　いろいろ悩んでいるところだけどね。これまで必死に働いてきたから、25年くらいの長いお休みをとってもいいかと（笑）。そう言いながら、実は他のプロジェクトを水面化で動かしているんだよ。例えば私のデザイン会社「アリ（Art Recherche Industrie）」は昨年の「グッチ（GUCCI）」の100周年キャンペーンのロゴをデザインしたり、食器ブランド「クリストフル（CHRISTOFLE）」を手伝ったりと、年々成長しているんだ。今後、日本でも事務所を立ち上げる予定だよ。　あと大きい話で言うと、ファッションブランドを立ち上げる。15年前にファッション業界を離れてから、久しぶりの出戻り。2023年のローンチに向けていろいろ動いているんだけど、今東京にいるのも素材を見に来たからなんだ。ー具体的にどんなブランドになるのでしょう？　外国人が作るメイド・イン・ジャパンのブランドで、メンズ、ウィメンズ共に作る予定。もともと大好きな、山登りや自転車といったアウトドアを想定した服を作ろうと思っている。価格も含めカジュアルなブランドではなく、最高峰の素材を用いたラグジュアリーブランドになるだろうね。　こだわったのは、地球環境を汚す素材は一切使わないと言うこと。石油由来の素材やポリエステル、ナイロンは絶対採用しないしよ。その分コストはかかるけど、仕方ないと思っている。あえてサステナブルとは言わないけどね。また洋服のギャランティー（保証制度）という新たな発想を取り入れる予定で、市場にある既存ブランドと全く異なるものを作りたい。ー最後に、15年前のファッション業界と今とでは見える“景色”が違うのでは？どう戦いますか？　本当に変わったよ。最後にファッションブランドに携わったのは2007年だったけど、当時はインスタグラムもない時代だったよね。これから作る新しいブランドもSNSには頼らない予定だし、コレクションのシーズンも気にしないし、卸売もしない。ブティックは一気に複数出店する計画で、すごいことを構想している。最初は利益が出ないと思うし、損するかもしれないけど、賭けたい！それくらい本気なんだ。

LVMHが買収した「ビュリー」の前オーナー・ラムダン氏が語る、売却の裏側や新発想で立ち上げるファッションブランドとは？

Why Kyoto？　グッチの発祥の地、イタリア・フィレンツェ。イベントの舞台となる京都とは姉妹都市でもあり、長い歴史の中で豊かな文化が育まれた世界都市としての共通点も。グッチが今年の4月に発表したイタリア語で「空気」や「息吹」を意味する最新コレクション「Aria」に込められたストーリーを描くため、新しいものと古いものが共存し再生を繰り返している京都をこの一大プロジェクト開催の地に選んだといいます。会場となったのは、京都の街の中心にある町家と、東西にそれぞれ位置する2つの歴史ある寺院です。Ⅰ.Gucci Bamboo House @旧川崎家住宅　まず1つ目のスポットは、京都の中心部・新町通沿いの旧川崎家住宅で行われる体験型エキシビション「グッチ バンブーハウス」です。グッチ創設と同時期の1920年代に豪商の邸宅として建てられた川崎家住宅は、京都市の有形文化財でもあります。しばらくの間、時が止まったかのような空間が再び魅力を輝かせ、伝統的な京町家の様式と西洋の建築様式など古今東西の意匠が融合した空間は、折衷主義が色濃く反映されているグッチの世界観に調和。プロジェクトの軸となるコレクション「Aria」には「生命の再生」という意味も込められていることから、昔ながらの建物構造や素材を活かしつつ、グッチの歴史の節目をつなぐ「竹」にフォーカスした「バンブーハウス」として生まれ変わりました。今回のイベントで唯一、7月22日から予約制で一般公開されているパブリックイベントです。 　バンブーハウスの主役でもある、1947年に誕生したグッチを代表するバンブーハンドルのバッグ。このアイコニックなハンドルの形状は、職人が竹の地下茎をバーナーで熱し、カーブさせて作られています。戦後の物資不足の中で、ものづくりへの情熱とクラフトマンシップにより生まれたというバンブーハンドルは、グッチの精神と普遍的な美しさを内包したブランドの象徴の一つ。エキシビションではフィレンツェから取り寄せた1950年代〜90年代のアーカイヴ14点を展示しています。　過去から現在へと受け継がれるバンブーハンドルバッグ。その系譜を継承しているのが、1991年に登場しミケーレが現代に向けて再解釈した最新モデル「グッチ ダイアナ」です。ネオンカラーのカラフルなバンドは、ハンドルの形状を維持するために元々バッグに付属されていた保管用バンドからインスピレーションを得たもの。あえてデザインに取り入れることで、クラシックな中にも意外性というひねりを効かせているのはミケーレならでは。　大正浪漫のムードが漂うバンブーハウスには、一足早く特別なゲストが来場。俳優 永山瑛太さんの姿を捉えた撮り下ろしもCHECK！永山瑛太が巡る「GUCCI BAMBOO HOUSE」■ GUCCI BAMBOO HOUSE会期：2021年7月22日（木）〜 8月15日（日）会場：旧川崎家住宅住所：京都府京都市中京区新町通六角上ル三条町340時間：11:00 – 20:00 （最終入場は19:00まで）休館日：水曜特設サイト（事前予約制）Ⅱ. Gucci High Jewelry&Fine Watch @仁和寺宸殿　2つ目のスポットは888年建立、1994年に世界遺産に登録された仁和寺です。二王門をくぐり左手にある宸殿（しんでん）内で、ラテン語で「歓喜の庭」を意味するハイジュエリーコレクション「ホルトゥス デリキアルム」とファインウォッチの新作がお披露目されました。ミケーレにより2019年に始まったハイジュエリーコレクションは、「Aria」で3シーズン目。エレガントながらデコラティブで遊び心のあるグッチらしいデザインは唯一無二で、「Aria」では滝やアニマル、ロマンチックポエティズム、ナイトフォールという4つのテーマでコレクションが制作されました。　ハイジュエリーはパリのヴァンドームにある専門ブティックなど限られた機会でしか見ることのできない貴重なコレクション。この日のために京都に運び込まれた約90点のハイジュエリーは格式高い日本間にディスプレイされ、神秘性を秘めた輝きを放ちます。 Ⅲ. Gucci Aria in Kyoto @清水寺　そして3つ目のスポットは、京都一の観光名所・清水寺です。仁王門や西門、三重塔など境内の建物は「Aria」のコレクションで登場した架空のナイトクラブ「SAVOY CLUB」を彷彿とさせるピンクとパープルの照明でドラマチックにライトアップ。特別な一夜を盛り上げます。 　階段を登り進めると経堂・回廊・本堂・奥の院の異なる建物で最新コレクションの展示が続きます。キーインスピレーションとなった乗馬スタイルのアイテムや、話題を集めた「バレンシアガ（BALENCIAGA）」との"ハッキング"ピースなどが国内初披露。プロジェクションマッピングで投影されフォレストグリーンに染まった荘厳な堂内には、命が吹き込まれる様子を表したというミラーのマネキンが設置され、まるで幻影のようにコレクションピースが展示されました。 　3ヶ所で行われたパフォーマンスでは、新たな命を得て再生する様子や、心臓の鼓動を表現した舞を披露。昨年改修工事が終了し、"再生"したばかりの清水の舞台で「Aria」の印象的なフィナーレとも重なる「ユートピア」が、能や日本舞踊、雅楽といった日本の伝統芸能で表現されました。自然世界と深く結びつき、芸能を奉納する場所として作られた清水の舞台で、創造と再生のストーリーが描かれ、新たな始まりを告げます。　京都の街を"テイクオーバー"して行われた「Gucci in Kyoto」。限られた招待客を招いたスペシャルイベントには、特別な一夜に華を添えるセレブリティの姿も。フィレンツェと京都が生命の息吹によって結びつき、グッチの新たな100年への歩みが刻まれました。

GUCCI

グッチの新たな幕開け、3つのエキシビションから探る「GUCCI in Kyoto」の全貌

1つ目の部屋： クリティカルポイント　まずはエントランスから。日本人アーティスト池田亮司によるインスタレーション「クリティカルポイント」がゲストを迎えます。天井のスクリーンと同じ大きさの鏡が床に配置されており、地図のような不思議な映像に思わず吸い込まれてしまいそう。2つ目の部屋：ルイ･ ヴィトン：受け継がれる真髄（こころ）　トランクメーカーとして1854年に創業した「ルイ・ヴィトン」。2つ目の部屋では3名のアーティストが手掛けた創業者ルイ・ヴィトンのポートレイトが壁にかけられ、ブランドのオリジンにフォーカスします。ギターや絵画を運搬するためのケースのほか、指揮者ストコフスキーのために製作されたデスクトランクなど、様々な用途のために特注されたトランクがディスプレイされています。3つ目の部屋： アーティスティック ･ コラボレーション：伝統の創造　ここではルイ ･ ヴィトンが手掛けてきたアーティスティック ･ コラボレーションが展示。アールデコ時代のグラフィックデザイナー ピエール=エミール ･ ルグラン（Pierre-Émile Legrain）の広告をはじめ、マルセル ･ ワンダース スタジオ、nendo、吉岡徳仁といったクリエイターによる「オブジェ ･ ノマド   コレクション」が並びます。時空を超えたようなサイケデリックな背景は、ルイ・ヴィトン メゾン 大阪御堂筋オープン時のウィンドウディスプレイを手掛けたKenta Cobayashiの作品。4つ目の部屋：シルクを彩るアート　カレ ･ ド ･ ソワ（シルクスカーフ）がアート作品として壁一面を彩り、まるでギャラリーのような空間の4つ目の部屋。1980年代のソル ･ ルウィット（Sol LeWitt）のコンセプチュアルな作品からジェフ・クーンズ（Jeff Koons）が手掛けたマスターピースコレクションのモナリザまで、過去20年間に手掛けられたモダンでカラフルな絵柄はそれぞれがグラフィカルでユニークなものばかりです。壁紙はお馴染みスティーブン・スプラウス（Stephen Sprouse）のグラフィティ。5つ目の部屋：アイコンの再解釈　5つ目の部屋、ミラールームには、モノグラムキャンバスが100周年を迎えた1996年に発表された「セブン デザイナーズ コレクション」や、2014年の「アイコンとアイコノクラスト：CelebratingMonogram」といったプロジェクトで披露された数々のレアなコラボバッグが大集合。　カール・ラガーフェルド（Karl Lagerfeld）やヘルムート・ラング（Helmut Lang）、アズディン・アライヤ（Azzedine Alaia）、マノロ・ブラニク（Manolo Blahnik）、ヴィヴィアン・ウエストウッド（Vivienne Westwood）といったデザイナーや、シンディ・シャーマン（Cindy Sherman）やフランク・ゲーリー（Frank Gehry）といった錚々たるクリエイターたちが参加し、それぞれの視点で解釈したモノグラムバッグが並びます。原型を留めない自由でクリエイティブなバッグは、今見てもどれも前衛的なものばかり。スクリーンには当時のキャンペーンヴィジュアルが映し出され、進化を遂げながらもタイムレスであり続けるモノグラムの魅力を伝えています。6つ目の部屋： 川久保玲によるルイ・ヴィトンの世界　2014年に発売され、今年ブラックモデルで7年振りに復刻されたことも話題になった「バッグ ウィズ ホールズ」。6つ目の部屋はまるでバッグの内側にいるかのような空間で、過去に川久保玲が手掛けたルイ・ヴィトンのバッグを穴から覗くことができます。2008年に発表された6つのパーティーバッグも。7つ目の部屋 ：真っ白なキャンバスに見立てたバッグ　ブランドのアイコニックなモノグラムラゲージバッグもこれまでに様々なアーティストやブランドとコラボレーションをしてきました。メタリックやプリズム、グラフィックやロゴなどがあしらわれたキーポルが、デジタルウォールの中に浮かび上がります。8つの目の部屋：ルイ ･ ヴィトンと日本：レザーグッズの伝説　数々のアーティストの中でも、ルイ・ヴィトンコラボを語る上で欠かせない日本人アーティストの1人が村上隆。マーク・ジェイコブス（Marc Jacobs）指揮下の2003年春夏シーズンに登場したポップな「マルチカラー」コレクションをはじめ、チェリーやフラワー、スマイリーフェイスが描かれた斬新なモノグラムは海外人気も高く、街でよく見かけた人もいるのでは？　そしてもう1人の日本人アーティスト、草間彌生。2012年に発表されたコラボコレクションは、バッグやウェアがアイコニックなドットでカラフルに彩られました。9つ目の部屋： アートとファッションの出逢い　今でこそファッションブランドとしての地位を確立しているルイ・ヴィトンですが、ファッションコレクションをスタートしたのは1998年。16年間ルイ・ヴィトンに在籍したマーク・ジェイコブスや現アーティスティックディレクターのニコラ・ジェスキエール（Nicolas Ghesquière）が手掛けたウィメンズ、キム・ジョーンズ（Kim Jones）やヴァージル・アブロー（Virgil Abloh）が手掛けたメンズのコレクションピースが、当時のショー映像とともにディスプレイされています。最後の部屋： ルイ ･ ヴィトンと日本：ファッショナブルなラブストーリー　日本とのゆかりも深いルイ・ヴィトン。最後の部屋では、日本とブランドの繋がりを代表的なコラボレーションとともに紹介しています。2017年に滋賀県のMIHO MUSEUMで行われた2018年クルーズ ･ コレクションから、山本寛斎の作品にオマージュしたピースなどがラインナップ。　そのほか、藤原ヒロシの「フラグメント（fragment design）」やクリストファー・ネメス（Christopher Nemeth）、記憶に新しいNIGO®とのコラボレーションアイテムを身に付けたマネキンが並びます。どれも話題を集めたコラボばかり。  　そして、中央に展示された一際存在感のあるピース。こちらは、山本寛斎がデヴィッド・ボウイに提供した衣装としても知られる、通称「TOKYO POP」ジャンプスーツです。Extra　2階は「オブジェ ･ ノマド コレクション」をはじめとするルイ・ヴィトンのレザー技術を駆使したホームウェアの数々がテーマに沿って展示されています。中にはビリヤードやテーブルサッカー、DJセットといったスペシャルなアイテムも。よく見るとモノグラムモチーフがあしらわれていたり、細かいところまでブランドのエッセンスが散りばめられています。ギフトショップ　会期中、別館1階で展開されるギフトショップもエキシビションの楽しみの一つ。建築家・菅原大輔によって手掛けられた店内では、スモールレザーグッズ、「ギフティング」コレクション、スカーフなどのテキスタイル、書籍、フレグランスなどが販売されています。ここでしか買えない「LOUIS VUITTON &」の文字がエンボスされたカードケースは、ホットスタンピングサービスでイニシャルなど最大3文字まで刻印できるそう。今回初登場となるメゾンのマスコット「ヴィヴィエンヌ」の"ペット"「ペニチュラ」のオブジェもギフトショップ限定のアイテム（全4色）です。　展示されている品々はルイ・ヴィトンが所有するアーカイブで、今回の展覧会のために各地から集められた貴重なものばかり。特に発売当時も話題を集めたクリエイターやアーティストとの歴代コラボは必見です。エキシビションへの入場は無料ですが、公式サイトから事前予約が必要なのでご注意を。会期は5月16日まで。おまけ：ニュースで振り返るLVコラボヒストリー2010年・ルイ・ヴィトンと村上隆氏による新シリーズ「コスミックブラッサム」誕生！イメージビジュアルにデイジー・ロウ起用2012年・LOUIS VUITTON×草間彌生コラボコレクション公開2013年・マーク・ジェイコブス、ルイ・ヴィトンを去る・ルイ・ヴィトン、新ディレクターニコラ・ゲスキエールの就任コメント発表2014年・ルイ・ヴィトンの象徴「モノグラム」川久保玲ら著名6人がデザイン・ルイ・ヴィトン川久保玲やカール・ラガーフェルドのモノグラムバッグ発売・ルイ・ヴィトン、モノグラム祝うパーティーMoMAで開催・巨大パンプキン出現 LOUIS VUITTON×草間彌生第2弾は銀座で先行販売2015年・ルイ・ヴィトン、ネメス柄が彩る15年秋冬コレクション発表・なぜ今クリストファー・ネメスなのか？キム・ジョーンズに聞く2016年・「ルイ・ヴィトン」の巨大歴史館が紀尾井町に 1000点のアーカイブ公開・ルイ・ヴィトン×藤原ヒロシ初のWネーム発売約4000人が伊勢丹新宿店に列2017年・ルイ・ヴィトンがジェフ・クーンズとコラボ、西洋絵画の傑作がバッグに・ルイ・ヴィトンが滋賀の秘境でクルーズショー開催、山本寛斎に敬意を表したアイテムも発表・注目の異色コラボ「ルイ・ヴィトン×シュプリーム」に雨の中4000人超が行列・「ルイ・ヴィトン×シュプリーム」に過去最大規模の8,700人、表参道-原宿間に"超"大行列・『今日の1番さん：シュプリーム行列編』ルイ・ヴィトンコラボポップアップショップ最終日に約180万円で買ったものは？・「ルイ・ヴィトン」世界唯一のポップアップが表参道に、山本寛斎にオマージュしたアイテム発売2018年・「ルイ・ヴィトン」メンズ躍進の立役者、キム・ジョーンズが退任へ・「ルイ・ヴィトン」メンズデザイナーにヴァージル・アブロー就任・ルイ・ヴィトンに抜擢された初の黒人デザイナー、ヴァージル・アブローとは？・「ルイ・ヴィトン」がグレース・コディントンとコラボ、猫モチーフのアイテムなど展開・ルイ・ヴィトン、ヴァージル・アブロー初のコレクションを発表・ヴァージル・アブローが描く「ルイ・ヴィトン」の世界へ、原宿の限定店で注目の新アイテムをチェック2020年・ルイ・ヴィトン×NIGO®第1弾アイテムの発売日決定、デニムジャケットやキーポルを先行販売2021年・ルイ・ヴィトン、川久保玲が手掛けたバッグを7年ぶりに発売

Vivienne Westwood

fragment design

10の部屋から紐解くルイ・ヴィトンの大規模展覧会「LOUIS VUITTON &」、歴代のレアコラボが集結

　ハーストは、イギリスの現代アートで最も有名なムーブメントのひとつであるYBA（ヤング・ブリティッシュ・アーティスト）の中心人物と言われている。YBAとは1990年代に20代後半から30代だったイギリス在住のアーティストたちを広く指す。ハーストの他にもサラ・ルーカスやトレイシー・エミンらが該当し、いずれもテレビやマンガ、ポップミュージックなどのサブカルチャーと強く結びついた視覚的な強烈さと悪趣味さを持つ作風で有名だ。また、独自企画として展覧会や作品の販売まで行い、評論家などに売り込んでいくというDIY的な側面を持ち、「作品の形態」と「アーティストの戦略」という2つの点においてイギリスの現代アートに新たな流れを持ち込んだ。　そのDIY的な部分はハーストを時代の寵児にした戦略の一つでもあり、例えば無名の頃に展覧会を自ら企画することで、作品を他の人に観てもらう機会を得てきた。ハーストの中でも伝説的な展覧会だと言われているのが『フリーズ』展（1988年）だ。彼がまだロンドンのゴールド・スミス・カレッジ在籍中にロンドン郊外の倉庫で企画したもので、同窓生15人の出展アーティスト選定、資金調達、コレクターの招待、カタログ制作など、本来であればキュレーターや学芸員が行うことをやってのけた。当時、無名のアーティストが売り込みもかねてキュレーションをして展覧会を行うことはきわめて稀なことだった。　そののち、ハーストは1995年に30歳でターナー賞を受賞した。ターナー賞はイギリス人、あるいはイギリス在住の50歳以下のアーティストに送られる賞で、現代アートの最も有名な賞レースのひとつ。1991年以降は授賞式がテレビで放映され新聞や雑誌を賑わせることもあり、イギリスではアートに馴染みのない人まで広く知られている賞だ。また、授賞式に合わせてイギリスの最も大きな美術館の一つであるテート・ブリテンではその年のターナー賞の候補者たちの展覧会が開かれる。　ハーストが《母と子、分断されて》（1993年）をターナー賞展に出展した際は、大論争を呼び、入場者数が例年の倍以上になったそうだ。この作品は、牛と子牛がそれぞれ真っ二つに切断され、透明なケースにホルマリン漬けされているもので、ホルマリンに充満したケースの中の牛はある面から見たら生きているかのようだが、異なる面からは牛の断面図として内臓や筋肉などまで鮮明に見ることができる。静謐さを保ちつつ、鑑賞者をギョッとさせつつ、生と死の倫理問題にまでリーチした作品だ。▲《母と子、分断されて》シリーズより　彼の作品に度々現れる「死」を彷彿とさせるイメージは、自身が監督を務めたブリットポップの代表的なバンドBlurの「Country house」（1995年）のPVにも登場する。ルネ・マグリットの絵画に出てきそうな帽子の男とミニスカートを履いた女たちがBlurのメンバーをゲームの世界へと誘うが、しばしば死神やドクロや人が死ぬイメージが繰り返し挟み込まれる。1980年代末のイギリスの不況や、不況に伴い増加する薬物中毒者、エイズの世界的流行に加え、テレビやラジオなどのマスメディアでの戦争報道など、社会的かつ経済的にこれまでよりも「死」がより一層身近になった時代を、彼はアイロニカルに捉える。不穏なはずなのにポップにまとめるのがハースト作品の特徴だ。　彼は作品制作のみならず、店舗型のプロジェクトや展覧会の企画などにも取り組むことによって、時として周りをスキャンダラスに巻き込み、自らの価値を高めていく。それを最も派手な形で行ったのが、《Pharmacy》（1998）である。1992年に発表したインスタレーション作品《Pharmacy》を基に、外観が薬局にそっくりなレストラン＆バーをつくってしまったのだ。作品の発展形として、実際の店舗をつくり、運営までしたのはハーストが史上初だろう。建物には「Pharmacy」という看板しかなく、中に入れば壁にはたくさんの薬品や薬の箱が並べられており、まさに薬局そのもの。あまりにも見た目がそっくりなため、本当の薬を買いに人が訪れたり、イギリスの王立薬剤師会から注意を受けたこともあったそうだ。▲1992年に発表したインスタレーション作品《Pharmacy》　ハーストは薬にも高い関心を持ち、学生時代には《Sinner》（1988）という作品を制作した。この作品は彼の祖母が生前まで服薬していた薬などを棚に並べた作品で、彼女が生きるために薬物中毒のように大量に服薬していることの矛盾を示すと同時に、祖母を形づくる形見としての側面を持つ。
　ハーストは「なぜ、アートを信じないのに薬は信じるんだ」と述べたこともあり、科学という確かであるとされているものの極にある芸術の不確かさは何なのか、という問いを《Pharmacy》で突きつけたのだ。▲1988年に発表したインスタレーション作品《Sinner》　冒頭で述べた異例の売り上げを果たしたハーストは、このようにDIYカルチャーとマスメディアを上手に使って派手にアーティストのキャリアを築いてきた。しかし、彼のキャリアとは裏腹に、ハーストのどの作品にも見られる「死」をめぐる問いかけは、不景気や社会不信など「これからどのように生きればいいのか」という若者たちのリアルな悩みに響き、大きな影響力をイギリスのみならず世界中に与える。このような言葉にしようのない悩みへの一片の光ともなりるのが現代アートの真価だと思う。■檜山真有（Twitter）同志社大学文学部美学芸術学科卒、東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科修了。1960年代のコンセプチュアルアートを研究対象とする。現在は美術館に勤務する傍ら、キュレーターやライターとして活動中。「現代アートへの旅」バックナンバー・マストアーティスト編―ゲルハルト・リヒター・お金のはなし編―アンディ・ウォーホル作品から学ぶ価格の上がり方・まず知っておくこと編―作品鑑賞を楽しむための4つのポイント

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