インサイド

「バービー」を楽しむための4つのポイント衣装はシャネルだらけ！シーンごとに移り変わるファッション　本作では、マテル社がこれまでに展開してきたバービー人形を限りなく忠実に再現。さまざまな人種や職業に合わせたバービー人形が販売されていることから、主演のマーゴット・ロビーの他に、ケイト・マッキノン（Kate Mckinnon）やイッサ・レイ（Issa Rae）、エマ・マッキー（Emma Mackey）などがバービー役として作品を彩るほか、バービーのボーイフレンド（？）であるケンも、主演のライアン・ゴズリング（Ryan Gosling）をはじめ、シム・リウ（Simu Liu）、ンクーティ・ガトワ（Ncuti Gatwa）、スコット・エバンス（Scott Evans）といった複数キャストが務めます。　マーゴット・ロビーが演じるのは最も典型的なバービー。ブロンドヘアに足元は常にハイヒールで、キャミソールワンピースやコットンブラウス、大胆なチェック柄のセットアップ、リゾートワンピースなど、バービーを思い浮かべた時のファッションのイメージをそのまま表現した“完璧な”バービースタイルを常に身に纏っています。マーゴットが纏うバービースタイルの中には、彼女自身がアンバサダーを務める「シャネル（CHANEL）」のアイテムも多数登場。シーンによって移り変わるバリエーション豊かなコーディネートからは、目が離せません。ちなみに、マーゴット・ロビーは予告映像の2分39秒の中だけでも、15種類の衣装を着用しているんだとか。「ミーン・ガールズ」の影響も？徹底されたピンク色の世界　本作の一番の見どころと言えば、ピンク一色で統一されたバービーランドの世界。制作中には、ピンク色のペンキが世界中から消えたという逸話もあるほど、とにかくピンクにこだわったセットが特徴です。監督のグレタ・ガーウィグは、サラ・グリーンウッド（Sarah Greenwood）が率いる美術チームとミーティングを重ねて、鮮やかなショッキングピンクや薄いパステルピンクなど、さまざまな種類のピンクの組み合わせを考えながらセットを組み立てたのだとか。ちなみに、バービーランドのセットには、黒や白などのモノクロ一色で彩られたものは一つもないそう。　ピンクへのこだわりは、作中だけではなく制作の裏側にも及び、バービーの製作陣は、映画「ミーン・ガールズ」に登場する3人組“プラスチックス”が毎週水曜日を「ピンク色を身につける日」としていたことからインスピレーションを受けて、毎週水曜日のドレスコードをピンクにしていたんだそう。スタッフ全員がそのドレスコードを心から楽しんでいたというエピソードからは、現場の和気藹々とした雰囲気が伺えます。華やかなだけじゃない！バービーランドとの対比で知る社会問題　本作では、華やかなファッションや世界観だけではなく、現代の社会問題を表現したストーリーにも注目。劇中では、マーゴット・ロビー演じるバービーが、ライアン・ゴズリング演じるケンとともにバービーランドを飛び出して人間世界を旅しますが、そんな2人を待ち受けているのは、バービーランドとは真逆の世界。　バービーランドでは、医者や学者、弁護士、大統領に至るまで、リーダーシップを取るのは常にバービーたち。自立した女性像を体現することで、人間世界の女の子にも勇気を与えていると信じて疑わなかったバービーですが、彼女が人間世界のロサンゼルスで目にするのは、バービーランドとは全く異なる社会でした。現実に触れ、新たなことに気づきを得たバービーが2つの世界で巻き起こす奮闘劇は泥臭さ満載で、現代社会で生きる全ての人々に勇気を与えてくれます。リゾやデュア・リパなど豪華アーティストが楽曲提供　本作には、リゾ（Lizzo）やデュア・リパ（Dua Lipa）、ニッキー・ミナージュ（Nicki Minaj）、韓国発のアイドルグループ FIFTY FIFTYなど、多くの注目アーティストが楽曲を提供していて、鑑賞しながら思わず体が揺れてしまうような名曲揃い。鑑賞後には、作品の余韻に浸りながらサウンドトラックを楽しむのもおすすめです。劇中に登場するケン役のライアン・ゴズリングの歌唱シーンも必見ですよ。コスチュームデザイナーに聞く制作背景　劇中では、60年以上にわたるバービーのファッションの変遷を年代順で表現しているのだそう。ストーリーとともに移り変わるバービーのファッションのテイストも見どころの一つとのことで、コスチュームデザイナーのジャクリーヌ・デュランにインタビュー。同じくグレタ・ガーウィグ監督作品「ストーリー・オブ・マイライフ／わたしの若草物語」では、第92回アカデミー賞衣装デザイン賞を受賞した彼女に、映画「バービー」の制作背景について聞きました。─どのようなアイデアから衣装制作をスタートさせましたか？　世界中で知られている人形を題材にした作品なので、まずは発売当時の1959年から現在に至るまで、バービーが何を象徴してきたのかを意識して衣装を決めていきました。制作開始当初は、バービーの衣装をハイファッションで固めてしまう案も浮かんだけど、バービーはあくまでも人形で、そのセンスには少しズレたところがあるのも事実なので、彼女ならではの着こなしの特徴をできる限り再現しようと決めました。─制作する上で大変だったことは？　ストーリーラインに合わせて、衣装の順序を考えなければならなかったこと。正直、この作品を手掛けるまではバービーについて深く考えたことがなかったんです。ただ、制作していくうちに、バービーは、それまでは赤ちゃん人形でしか遊んでいなかった少女たちが、主体性を持った女性を象った人形で遊ぶようになるという変遷を描いているということに気がつきました。そのコンセプトをもとに、1959年から現在までのバービーを網羅して、フルに表現した衣装にしたいと思ったんです。バービーが誕生したのは1959年で、予告編に登場するのもボーダー柄の水着を着た1959年の元祖バービー。映画の前半では、その当時のノスタルジックさをイメージして、後半では、女性についてまわるステレオタイプをひっくり返したような、自立した女性を象徴する「何でもできるバービー」というポジティブなメッセージを表現することを意識しましたね。─衣装の見どころは？　劇中に登場する衣装のほとんどは、バービー人形にインスパイアされたものか、バービー人形を模したレプリカになっています。バービー人形といえば、パッケージで販売されている完璧なコーディネート。目的に合わせて洋服を着替えるのが特徴なので、映画でも、バービーのキャラクターではなく、行事やその時々の目的をベースにした衣装になっているところに注目してほしいですね。■「バービー（Barbie）」2023年8月11日（金）全国ロードショー公式サイト©2023 Warner Bros. Ent. All Rights Reserved.

Barbie

Culture

コスチュームデザイナーへのインタビューも

映画「バービー」の見どころは？公開前に知っておきたい4つの注目ポイント

主人公パールの境遇を表現する衣装「みんな、同じポップカルチャーを観て育つので、映画やドラマなどの影響を自然と受け、それがファッショントレンドになることは大いにあり得る。お父さんが履いているような派手でボリューミーなダッドスニーカーやルーズソックスなど、誰しもがこの大袈裟なアイテムが流行るとも、再流行するとも考えていませんでした。少し前ならダサいと捉えられていたアイテムが流行するのはまさに、ファッションのマジックと言えるでしょう。トレンドとは、ある1人が古いものを復活させ、最初は『変わり者』として捉えられたとしても、その人が個性を主張し続けることで雪だるま方式に広がっていき、いつしかトレンドと言われるようになるのです」（マウゴシャ・トゥルジャンスカ）。　今作の主人公 パールは、映画スターを目指しているが、人里離れた農場に暮らしており、父親の世話と家畜たちの餌やりに追われている。劇中のほとんどを作業着で過ごしていることからもわかるように、その暮らしは豊かなものとは言えず、華やかな世界に憧れているパールの唯一のドレスアップは、母が昔着ていた（1970年代風）のドレスのみである。キーヴィジュアルでも着用している赤いドレスも母親のお下がりで、1918年代を生きる若者が着用するドレスにしては少し古めかしい印象を受けるのはそのためだ。  　一方、パールが常に付けている白いリボンの髪飾りは、彼女の境遇を考えると洗練されたアイテムであり、2020年代の現代でもトレンドとなり得そうですらある。この現代的な白いリボンは、劇中でパールにとっての「自分らしさ」「周りに溶け込む」ためのアイテムとして機能することを意識したそうだ。シモーン・ロシャ、セシリー・バンセンをきっかけにしたアイテムが流行か「2020年代の現在、シモーン・ロシャ（Simone Rocha）やセシリー・バンセン（Cecilie Bahnsen）のような、ラブリーなワンピースや、レースやチュールを多用したガーリーなアイテムが流行しています。そのような状況を考えれば、今後1910年代から1920年代に流行したアンティークで乙女チックなアクセサリーや、イヴニングドレスのようなアイテムが再び注目を集めるかもしれません」（マウゴシャ・トゥルジャンスカ）。　過去のリバイバルアイテムが再注目するにあたって重要なのは、いかに現代風のアップデートをさせ、フレッシュなスタイリングに見えるかだという。「映画の公開には1年〜2年ほどの歳月が掛かり、今、イケていると思うアイテムも数年後には廃れる可能性があります。なので、『思いっきり個性を出すか』『時代を超えたルックスにするか』の2つの選択肢を必然的に選ぶことが多いです」（マウゴシャ・トゥルジャンスカ）。1910年代ファッションが復活する時の注目アイテムは？　例えば、Y2Kトレンドにおけるシグネチャーアイテムのひとつとして注目されたルーズソックス。1910年〜1920年代ファッションが再びトレンドになるとしたら、どんなアイテムがその流行を牽引するのだろうか。「ひとつは、パールにも数多く登場しているダンスシューズ。ルーズソックスと組み合わせたら、1910年代と1990年代後半がミックスした新たなスタイルになると思います。もう一つは装飾的なヘッドドレス。近年、さまざまなブランドが、顔が大きく隠れるような帽子をコレクションに取り入れはじめましたよね」（マウゴシャ・トゥルジャンスカ）。　昨年9月に公開した米国では、ハロウィンの夜、赤いイヴニング・ドレスを着用し、片手に斧を持った人々で街中が溢れかえったそうだ。「もし仮に、1910年代のトレンドが生まれなかったとしても、ハロウィンで多くの人がパールのコスチュームに身を包んだことはとても嬉しかった。私たち衣装デザイナーはポップカルチャーの一部で、あとは映画を観ている鑑賞者に『トレンド』というのを託すしかないと思っています」。　今年のハロウィンは日本でも、パールのコスチュームに身を包んだ人が溢れかえり、数年後にはレトロなドレスがトレンドアイテムになる日も近いかもしれない。

Simone Rocha

Y2Kの次は1910年代ファッション？“ストシン”の衣装デザイナーが仕掛ける映画「Pearl パール」の世界

ゴキゲンズって？　モーニング娘。のOGでアパレルブランド「フクウ（fukuu）」のディレクターを務める高橋愛さんがリーダーとなり結成したダンスボーカルユニット「ゴキゲンズ（GOKI-GENs）」。元々モーニング娘。のファンだったという「ビームス（BEAMS）」プレスの藤井早希子さんと、ハロオタで”ハロプロPR”を自称するHarumi Showroomのファウンダー兼PRディレクターの春海茜さんの3人で活動をスタートし、今年で結成3年目。3人が目指す場所は、「アイドルの聖地」とも言われる日本武道館。プロデューサーにお笑い芸人のあべこうじさんを迎え、日々トレーニングを重ねています。　主な活動は、高橋さんのYouTubeチャンネル「高橋愛lab。」内で、モーニング娘。の楽曲の「ダンス練習してみた」と「踊ってみた」を不定期に更新しているほか、昨年12月にルミネtheよしもとで行われたあべこうじの漫談舞台「あべこうじのおしゃべりさせていただきます。」にゲスト出演し、ライブデビュー。今年3月には、2度目のライブ「あべこうじプロデュース～GOKI-GENs武道館への道」に出演。オリジナル楽曲とモーニング娘。の楽曲のカバーダンスと生歌を披露しました。結成の経緯　ゴキゲンズは、2021年春に結成。高橋さんのYouTubeチャンネル「高橋愛lab。」にモーニング娘。の楽曲のダンス動画「踊ってみた。」を投稿したことから活動がスタートしたそうです。　ゴキゲンズの名前の由来は、高橋さんがモーニング娘。現役時代に5期生だったことによる「ゴキ（5期）」と、「ジェネレーション（Generation）」を組み合わせた造語。名付け親の春海さんによると、「ご機嫌でやろう！」という意味も込められているそうです。MV撮影に密着！　ゴキゲンズは、3月のライブで新曲「好きを言葉に変えて」を発表。4月某日には、初となるMVを撮影！FASHIONSNAPでは、吉本興業東京本部で行われた撮影現場に密着しました。　まずは、メンバー1人1人のソロショットから撮影スタート。風を当てながら、自然な笑顔を作るためにダジャレを言い合う一コマも。　MVのコンセプトは、アイドルとしての顔と仲良し3人組の普通の女の子としての顔という表と裏の2面性。独自の"ハロプロらしさ"は盛り込みながら、1990年代のJ-POPやY2Kのテイストを掛け合わせた雰囲気をイメージしたそう。　MV衣装は、楽曲のコンセプトに合わせて3種類を用意。ソロショットでは、表に立つゴキゲンズとして「はじめまして」の意味を込め、それぞれのメンバーカラーを入れて覚えてもらいやすいようにスタイリングを組んだそう。メンバーカラーは、高橋さんが黄色で、春海さんが緑、藤井さんが赤。 　ソロカットの後は、廊下でラップシーンを撮影。リップシンクをしながら、カメラに向かって歩くカットです。歩く速度や見せ方にも工夫が必要なようで、「どうしても前に出過ぎちゃう！」と試行錯誤。カメラマン、ディレクターと共に確認しながら、何度もテイクを重ねます。　最後は、屋上でダンスシーンを撮影。まずはプロデューサーのあべこうじさんの撮影からスタート。　サビの振り付けは、あべさんが考案したそう。「プロデューサーっぽく！」というディレクターの指示のもと、表情豊かにダンスを披露し、なんと一発OKとなりました。衣装は自前だそうで、ジャケットのピンクのスパンコールが輝いていました。　あべさんの撮影が終わったら、衣装チェンジしたゴキゲンズの3人が登場。屋上での衣装は、デニムと風になびくシアー素材を使って、色味を少なめにスタイリング。衣装に使用したアイテムは全てメンバー3人の私物で、そのほとんどが高橋さんの物なんだとか。■着用ブランドレイ ビームス（Ray BEAMS）／ホリデイ（HOLIDAY）／ラングラー（Wrangler）xトーガ（TOGA）／ヘンネ（HAENGNAE）／ラインヴァンド（LEINWANDE）／フミエタナカ（FUMIE TANAKA）／サロモン（Salomon）／シモーン・ロシャ（Simone Rocha）×H&M／メゾン スペシャル（maison special）／エントワフェイン（ENTWURFEIN）／ジャックムス（Jacquemus）など　暑い日差しの中、ダンスシーンを1曲通して撮影。メンバー1人1人にフォーカスしたカットや、遠くから撮影したカットなど、さまざまなバージョンを撮影します。 　ダンスシーンの撮影が終わると、撮影はオールアップ！無事に完成したMVはこちら。「遊びの延長と思われたくない」ゴキゲンズこぼれ話　次回のゴキゲンズのライブは、青森を拠点に活動するボーカルグループ「ライスボール」との2マンライブ。6月10日に青森・弘前市のライブハウスKEEP THE BEATで開催されます。47都道府県制覇に向けて着々と活動中です。GOKI-GENs：InstagramFASHIONSNAPでは連載「業界人が本気で遊んだら」企画に参加いただけるチーム・団体を募集中！ファッション業界をはじめ、さまざまなクリエイティブな業界に携わる皆さま、ぜひ press@fashionsnap.com までご連絡ください。お待ちしています！（企画・編集：張替 美希）

業界人が本気で遊んだら：ゴキゲンズ編　目指すは武道館、“ハロオタ”によるニュージャンルのアイドルユニット

　鑑賞者にとって展示の質を追いかけることで得られる感動と困惑は、ルーレットの出目のように隣接した相でありながらも、その都度ランダムに様相が現れてしまう。とりわけ現在のような不安定な世界情勢において、アートの軽さと重さの相は、人々の心理と結びついて様々な存在意義を社会に示す。鑑賞者へ向けて強い問いかけを放つ本展は、展覧会という催しが特定の条件と偶然の相の緊張（サイトスペシフィック）において初めて成立し、かつその条件に鑑賞者さえも常に巻き込まれていること（コミュニティスペシフィック）を改めて強く自覚させられる機会となっている。併せて現代において、アートの価値を再考する意味でも、非常に示唆的な展覧会であると筆者には感じられた。　薄暗い展示空間へゆっくりと足を進めて行くと、坂本龍一が世界各国に呼びかけて集めたフィールドレコーディングの音が、静かに空間に響いていた。暗闇の中に点在するレコードプレイヤーをゆっくりと巡りながら、会場で配られていたリーフレットに記載されている展示の図解に目を通すと、インスタレーションの展示物が、様々な場所や方角と緻密に対応させられた構造的な配置になっているのが分かる。またリーフレットの説明に下記のように記されている。「日本館上階を90%の比率で模した展示室中央、その四方の壁に投影されるレーザー光は、中心から北・東・南・西の方角に置かれた4台の高速で回転する鏡によって反射されている。一秒間に12万2800回明滅する5本のレーザー光線は、6144個の点となってテキストをかたち作り、回転する超志向性スピーカーから流れる音声とともに、見えるか見えないか聴こえるか聴こえないかのはざまで、1850年代の地理の教科書から取られたシンプルで普遍的な問いを発している」　ここでの「1850年代の地理の教科書から取られたシンプルで普遍的な問い」とは、会場の壁面に投影されている「地球とは何ですか？」「大陸や海、火山とは何ですか？」という自然界の認識にまつわる問いかけや、「帝国を統治するのは誰ですか？」「私たちはどの国に住んでいますか？」といったアイデンティティにまつわる質問のことを指す。　中心、方角、回転、光、鏡、反射、テキスト、音、といった流動的な要素と、機材（レコーダー）の無機質で連続的なやり取りによって空間が構成されていることが、あっけらかんと記述されたキャプションは、個人的には灯台の光のような、暗闇の中で場所と方向性を知らせるものにも感じられた。説明書のようなドライなキャプションの印象とは乖離して、実際に展示空間で知覚できる光や音は、非常に減算的で静かな印象を私に与え、瞑想的な経験をもたらした。　展示の紹介文には「『ポスト・トゥルース』時代におけるコミュニケーションの方法や世界を知覚する方法について志向を促す本作」とある。リーフレットにも記載され、壁面に投影されている地理の教科書から取られた普遍的な問いかけからも伺えるように、本展は良い意味で非常にロマンティックかつ啓蒙的な空間を創出しており、世界への眼差しや在り様に文字通り“耳を傾けること”で、展示室の中心から世界への興味、好奇心、疑問を、外へと放射状に広がるように誘導する。　ところが、中心から四方の壁に照射される赤いドットの集合が書き出す殺伐とした問いに目を凝らしてみると、次第に私たち鑑賞者は狭い“ただの壁”に取り囲まれていることに気付かされる。その暗い展示室の壁の向こう側に広がる荒涼たる世界を想像したとき、筆者はポーランド出身のイギリスの小説家ジョゼフ・コンラッドが書いた「闇の奥」を想起した。私たち鑑賞者の眼と耳を、外へ向けるように促す遠心的な構造を持つこのインスタレーションは、同時に、中心に座する灰色の鏡の存在によって、私たちの意識を求心的に中心へ誘導し“今ここ”に留めようとする。その求心性は、展示空間の一番外側に点在するレコードプレイヤーというメディアの形式とも共鳴し、求心性をより強く暗示する。というのも、レコードの特性上「回転するレコードの溝に導かれる針」は時間的座標を示し続け、求心的かる単線的に時間が進行していくものだからだ。それはまるで人間の「意識の流れ」と相似であり、また無機的なものに対してこのような感覚を抱いてしまったことに、独特の違和感を覚えた。 　無機質かつハイテクノロジーな展示空間において、わざわざオールドメディアであるレコードを使っていることには意味があり、構造的なメッセージがあるだろう。そもそもこのコントラストにおいては、レコードというメディアはメタファー的意味が強く生じてしまうが故に、恐らくこれは安直な読みなのだ。だが実際に展示会場において、最初に目にするのはレコードプレイヤーであり、鑑賞者の意識に自然と強く作用しドラマトゥルギーとして機能してしまうのは避けられない。この展示空間そのものが一定の時間を刻むレコード（情報が書き込まれた媒体で、“誰か”にその情報が再生されることを前提としたもの）であり、北・東・南・西の方角に置かれた4台の高速回転する鏡は空間に流動性をもたらす。　ある種の捩（ねじ）れを持つ展示構成に気付いた頃には、鑑賞者はすでに構造的にレコード＝展示の回転に巻き込まれている。つまり、私たち鑑賞者が「レコードプレイヤーの針」となって、展覧会の意味＝情報を〈再生＝PLAY〉し、自動的に中心を目指し進行する役割を引き受けることになる。となると観賞の肝として、「レコードプレイヤーの針＝鑑賞者」が、展示を通して「問いかけに答えるという表面的な役割＝情報を得る」をこなす以上の、自律的な回遊性を獲得することにのみ意味が生じてくるのではないだろうか。展示が要求する以上の役回りを引き受けることで、鑑賞者は、展覧会に教えや気付きを与えられる受動的なものから、自らで問いを立て発信していくような能動的で協同的な存在としての可能性が開示され、より自律的な存在へと解放されていく。　このように見立てると、自らで求心的な時間の流れを生み出すレコードの針（主体＝鑑賞者）と、『外へ放射される遠心的な光が生み出す普遍的な問いかけ』が共存する空間は、単純な「問いに答える」という表面的なドラマトゥルギーではなく、構造的なドラマトゥルギーとして“私”という自律的な一人称的語りを鑑賞者へ要求している。故に、展示空間が構造的に走らせているレコードの針的意識の流れと、鑑賞者が本来的に持つ“私”という意識が重なり拮抗する地点の表出が、この展覧会の目標であると見なしてよいだろう。どうやら、私たちは「ポスト・トゥルース＝知っているけど信じていない状況」の只中で、“私”が身体的知覚から生み出す「実感」の再構築から、世界の認識をやり直さなければならないのかもしれない。つまりそれは「知らないけど信じられる」感覚を自らの身体を通してレコーダーのように蓄積し、強固な“私”を構築することなのだ。まさにこれはアクチュアルなフィールドレコーディング的世界観であり、もはや私たち自身が「私を再生するメディア」となる地平なのである。　かたや、レコードというメディアが持つメタファーが強すぎるせいか、中心に巻き取られていくレコードの回転から筆者が思い出したのは、かつてモダニズム文学の先駆者としてイギリスで活躍したヘンリー・ジェイムズによって書かれた「ネジの回転」であった。コンラッドにしろジェイムズにしろ、多くのモダニズム文学が綴った「一人称による認識の不安定性」や「意識の流れ」という主題は、恐らく蓄音機や映写機など、回転しながら音や光を再生するメディアの存在と無関係ではない。本展がそのようなモダニズム文学とメディアの関係性を想定していたかは分からないが、もし仮にそうであるならば、ポスト・トゥルースという状況が、現代の情報メディアの環境によってもたらされているのが間違いない以上、その原初的な次元において再考しようとする姿勢には共感を覚える。現代の情報マルチな階層性は、展覧会を経験し閲覧する行為に大きな影響を与えており、そもそも私たちの日々の暮らしにおける様々な認知や意識の流れに決定的な影響を与えていることに疑いの余地はない。私たちはもはや情報工学を無視できない。　私たち自身が「私を再生するメディア」であるという状況を踏まえると、もはや人間にとって情報の流れとは、意識の流れそのものだ。私たちは覚醒している時にしか、情報の流れを知覚できないし、いまや常に情報の渦へと墜落し続ける存在となっている。しかし社会的には自身の認識の領野に没入することでしか、“私”というものが立ち上がらないのもまた事実である。だからこそ、私たちの意識の広がりに限界があることを正面切って告げるダムタイプの潔さを、私は美しく思った。　「ダムタイプ｜2022:remap」は、情報の波で押し流されていく日常に、少しだけ、あるいはささやかに、外の世界の存在を注入し、私たちの意識の流れに、無意識の領野が存在していることを認知させ、その領野のレイヤーを作り出そうとしている。展示会場は実在的で物質的なものによって多くは構成されているが「翻って眠りの状態や夢を見ている状態のような非覚醒的空間に、時間が存在するのか？」あるいは「光や音が存在するのだろうか？」という問いが筆者には浮かんだ。このような非演劇的空間へ想いを馳せたのは、恐らく筆者だけではないだろう。眠りの中に、あるいは「私」という役を演じている間に、見ることが可能となる世界があるのだとしたら、人の死や暗闇に、どのような意味があるのだろうか。ここに来てふと、ダムタイプの初期作品「睡眠の計画」を思い出して、良いタイトルだなと思った。私は、私自身がメディアであることに耐えられない。（企画・編集：古堅明日香）

坂本龍一は「ダムタイプ」で何を伝えたかったのか

タヌ・ムイノ（Tanu Muino）　1989年生まれ、ウクライナ出身。世界で注目を集める気鋭映像監督。「グッチ（GUCCI）」などラグジュアリーブランドのムービーを制作するほか、ハリー・スタイルズ（Harry Styles）の「As It Was」、リル・ナズ・X（Lil Nas X）の「MONTERO」などのMVを手掛け、グラミー賞の最優秀ミュージック・ビデオ賞に2度ノミネートされた実績を持つ。1990年代の映像作品やダンスなどのカルチャーにインスパイアされたユーモアのある世界観を自身の作品に落とし込んでおり、日本企業での起用は本広告が初となる。ーまずは、ハリー・スタイルズ「As It Was」において、第65回グラミー賞最優秀ミュージックビデオ賞のノミネートおめでとうございます。　ありがとうございます。残念ながら受賞は逃しましたが、どんなことが起きるかとワクワクしました。今回2度目のノミネートだったのですが、また同じ舞台に立てるように頑張ります。ータヌさんの作風はどのようなものだとご自分で思っていますか？　ポップスとクラシカルが融合したものを常に意識しています。というのも、私は現代のポップカルチャーも好きですし、1970年代の建築物も、1950年代の映画も興味がありますから。ヴィジュアル以外のものに言及すると、私の作品を見てくれた人の様々な感情を揺さぶることができる作品を作れたらいいな、と制作を続けています。 ー今回、初めて日本企業と仕事をしたと聞きました。パルコに対する印象は？　日本にはまだ行ったことがないんですが、私はジャパニーズカルチャーにも影響を受けているので、今年こそは訪日したいなと考えています。　オファーを頂いた時にグーグルでパルコのことを調べたんですが、キャンペーンごとに全く違う雰囲気を作り上げていて、とてもクール。特定の服を見せる訳ではなく、世界観を作るという手法は、世界的に見ても珍しく、素晴らしいと思いました。中でもお気に入りは、1980年代に石岡瑛子さんが手掛けた吉祥寺パルコの映像クリエイション。パルコは、国内アーティストだけではなく、私のような国外アーティストとも協業するボーダーレスな感じも素敵だな、と。だからこそ、今回パルコのキャンペーンをできたことは嬉しかったです。ーパルコは今回の2023年シーズン、従来のポスターを主体とした広告から映像作品へと初めての転換を行い、大きなターニングポイントを迎えました。　近年は、写真作品を見ていても「それが実際にどのように動いていたのか」と気になる人も多いと思います。　事前にパルコから「タヌさんの発想で自由に作ってください」と言われていたので「日本企業だから」「パルコにとって初めての映像作品だから」と気負いをすることなく、自分が作りたいものを作ることができました。それがとてもありがたく、撮影や編集など最後まで楽しんで制作をすることができました。ー今回パルコのキャンペーンテーマ「NEW DEPARTURE」を聞いた時、どのような感想を抱きましたか？　第一印象は、旅行のように「どこかへ行く」ということを連想しました。映像ではそれにもう少し、ファッション要素を取り入れようと考えました。旅先は、見ず知らずの人や場所と出会うきっかけをもたらし、インスピレーションを受けるものです。そして、過ごす場所や出会う人が変われば、服装やスタイリングもいつもと変わり、気分も変化します。私たちはコロナ禍で、抑圧された日々を送っていましたから、新たな生活に向けてのリスタート、様々な価値観を持った人と出会い、文化的な彩りのあるライフスタイルを再びエンジョイしようというポジティブなメッセージを発信しようと考えました。 ー本作は寓話の「トンボとアリ」が物語のベースになっています。どちらかといえば教訓話で、今回の「NEW DEPARTURE」というポジティブなメッセージと相反するストーリーのように感じます。　私の出生地であるウクライナでは「トンボとアリ」と呼ばれていますが、日本では「アリとキリギリス」として知られているんですよね。幼少期にこの物語を読んだ時は衝撃的で「ちゃんと働かなければ」と思っていたんですが、今回はそういうエンディングにはしたくなかったんです。例えば、アリとトンボの性格は正反対です。アリは堅実ですがひとりぼっち、トンボは多くの友人たちに囲まれていますが、生活は派手で向こう見ず。ただ、どちらが良い悪いではなく、仕事も遊びもバランス良く楽しみましょう、という物語にしようと思いました。アリとトンボ、二人がお互いに持っていない物を補い合うことが「新たな出発」のきっかけになるのかな、という解釈をすることにしました。ー今作品では、色やテクスチャーのコントラストも印象的でした。　色は作品を作る上ではとても重要な要素ですよね。トンボは明るい色から暗い色へ、アリはどんどん強くてパワフルな印象を覚える色やスタイリングを意識しました。これから先、秋冬のシーズン映像も公開されると思うので、ぜひ4シーズン通して観てください。そうすればより一層、四季折々の変化やトンボとアリの性格の違いを、色やテクスチャーのコントラストから確認してもらうことができると思います。 ー「NEW DEPARTURE」と聞いて、「旅行」を思い浮かべたとのことですが、具体的にはどのように映像で表現されていますか？　寓話「トンボとアリ」は、四季に合わせて起承転結が展開していきます。季節の移り変わりと、旅行先を転々とすることは似ているな、と。また、映像に春夏秋冬でロケーションや全体的な雰囲気を変えたのは、「NEW DEPARTURE」と聞いて未来へ行きたい人、古代のムードに戻ってみたい人、自然を感じたい人など、いろいろな捉え方があると思ったからです。ひとつの方向性に絞らず、観る人の好きなテイストを見つけてもらいたいんですよね。ー音楽は、ウクライナの著名人で公式インスタグラムのフォロワー数約300万人を誇るディミトロ・モナティーク（Dmytro Monatik）が手掛けています。　今回制作した映像は、ファッションを主軸としたファッションムービーで、私が普段からよく作っている、元々ある音楽に合わせて映像を作るMVとは異なります。なので、全部で5分間もあるファッションムービーの音楽をどうするべきか悩んでいたんです。そんな時、友人でもあるディミトロに相談したところ「僕でよければ引き受けるよ」と言ってくれて。そこから、私が春夏秋冬に対するそれぞれのイメージを伝え、それに合わせた音楽を作ってくれました。ー映像の冒頭だけはアニメーションで表現されており、蛹からトンボが花のように孵化するシーンから始まります。　映像は春のシーンから始まります。コンセプトとして設けたのは「マジカルフォレスト」。非現実的なものを表現しようと思い、最初だけアニメーション映像にしました。映像演出や、振り付けがゆらめいているのも同じような理由からです。トンボが花のように孵化するのは、ある種のメタファーですね。主人公のトンボは、小さな蛹から自分自身の世界を切り開き、様々なファッションで新たな道へと進んでいきます。彼女にとっても「NEW DEPARTURE」を体現する物語になったと思います。ー最後に本作の魅力を教えてください。　今回公開されたのは春夏のシーズン広告映像ですが、7月に公開予定の秋冬も是非楽しみにしていてください。春夏秋冬、すべての要素が合わさることで、とても魅力のある作品になったと思っています。

ソフィア・コッポラ、石岡瑛子などを起用してきたカルチャーの発信地パルコ　次に注目したのは「タヌ・ムイノ」

バンジャマン・ヴォワザン　1996年12月24日、フランス・パリ生まれ。フランソワ・オゾン監督作品「Summer of 85」でのデヴィッド・ゴーマン役で、2021年のセザール賞とリュミエール賞にノミネートされた。続く主演映画「幻滅」では有望新人男優賞を受賞した。ー今日は私服で登場してもらっています。　靴は「ナイキ（NIKE）」、パンツは「アディダス（adidas）」、ニットは「アミ パリス（AMI PARIS）」のものです。ーファッションは好き？　もちろん！ブランドだと「セリーヌ（CELINE）」が好きで、エディ・スリマンになってからのセリーヌが特に好きです。ー好きなスタイリングは？　快適さとストリートが融合したようなスタイリングが好きです。やっぱり、カニエ・ウェスト（Kanye West／現在はYe）のスタイリングは気になってしまうね。逆に言うと、シルエットが綺麗でカッコよく着こなすことができるけど、2時間着ていたら疲れる服は苦手。一番美しいのは、その人が快適だと感じているか否かだと思っていますから。ー個性的な腕時計をしていますね。　これは、亡くなった祖母が付けていたものです。7年前に亡くなったんだけど、形見としてもらったんだ。ーバンジャマンさんは、今作「幻滅（原題：Illusions perdues）」で、2022年度の第47回セザール賞 有望新人男優賞を受賞されています。率直な感想は？　受賞されるまでの20分間はストレス負荷が掛かっていたけど、自分の名前が呼ばれてからは冷静だったよ。「よし、次に向けて準備を始めよう」ってね。ー主演を務めた前作「Summer of 85」で演じた爽やかな好青年ダヴィド役から一転、同作では、詩人を目指しながらも弱さ故に快楽に溺れ、徐々に文学の道から外れていく少しダーティーな役に挑戦されています。　実は、「Summer of 85」のクランクアップから、幻滅のクランクインまで5日間しか期間が空いていなかったんですよ。水曜日に「Summer of 85」の撮影が終わって、次の週の月曜日からはこの撮影に挑んでいました。髪を切って、役を切り替えるしかなかった（笑）。ー同作は19世紀のフランスが舞台。舞台セットはもちろん、衣装も当時を彷彿とさせるリアルなものに仕上がっています。　この時代の服は、見た目はとても美しいけど、快適ではないと身をもって実感しました。というのも、男性でもコルセットを着用していたそうなんです。撮影では、僕もコルセットをはめて演じましたが「こんなに身動きが取りづらく、快適ではないものを、何年も強要していたなんて」と思いましたね。ー最後に、今作の魅力を一言で教えてください。　まさに傑作です。コスチュームも含めて、歴史的なものを描く作品と思われるかもしれませんが、今の時代に通じる話が随所に散りばめられているところが一番の魅力でしょう。200年前の物語とは思えないほどに、現代のメディアや社会情勢と酷似しています。社会の中で翻弄される人間模様が描かれる本作は「現代の写鏡だ」と自信を持っておすすめすることができます。photographer：MURAMATSU MASAHIROtext & edit：ASUKA FURUKATA （FASHIONSNAP）location：ウェスティンホテル横浜  23階 「アイアン・ベイ」アイアン・ベイ / ウェスティンホテル横浜The Wesitn Yokohama, Iron Bay

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