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ディズニー・ハロウィーンとは？　「ディズニー・ハロウィーン」とは、東京ディズニーリゾートで毎年恒例となっている仮装イベント。ファンからは「Dハロ」と呼ばれ親しまれています。日本でハロウィン文化が定着していなかった1997年に同パークがいち早く導入し、現在のハロウィン文化のはしりとなりました。通常パーク内では、キャスト（スタッフ）と見分けられなくなるのを防ぐため大人によるキャラクターの仮装は禁止されていますが、ハロウィンの期間中は特別に全身の仮装が許可されます。また、期間中しか見られないパレードや限定グッズもあり、Lilyさん曰く「通常の時期に比べてパーク内が華やいでおり、ファンが思い思いの仮装をして東京ディズニーリゾートを楽しむお祭りのような雰囲気」なのだとか。※小学生以下は通年仮装が認められています。衣装はどこで買う？　ディズニーの全身仮装をするとは言っても、実際どこで買ったら良いか分からない人や、どれくらいの予算が必要か分からずに躊躇している人も多いはず。Lilyさんは「手作りや友人に作ってもらったものもある」とした上で「購入する場合は『メルカリ』で探すことが多いです。予算は2万円ほどあれば質の高いものが手に入ると思いますが、運が良い時は3000円で良い衣装が手に入ることもあります」と話してくれました。着替えはどこでする？　新型コロナウイルスの流行以前は東京ディズニーリゾートが着替えスペースを用意していましたが、3年ぶりにフル仮装が解禁となった2022年の「ディズニー・ハロウィーン」では着替えスペースの提供はなし。ファンの間では「どこで着替えをするか」という問題が持ち上がっています。2022年のハロウィン期間だけで既に5回パークに足を運んでいるというLilyさんは、「舞浜駅の近くのホテルをとって着替えてから向かうか、自宅で着替えてからタクシーで向かうようにしている」とのことです。猛者が解説、やってはいけない7つの仮装　実際にDオタとして「ディズニー・ハロウィーン」を何度も経験してきたLilyさんが必ず押さえている注意点は？具体的な例として教えていただいた内容をコメントと合わせてご紹介します。1. 仮装対象作品リストに登場していないキャラクター　「ディズニー・ハロウィーン」には「仮装対象作品」があり、ディズニーの関連作品に登場するキャラクターのみ仮装することが許されます。2. 露出が多い服装　水着や下着を用いた仮装など、露出が高い仮装もNG。そのほか露出が控えめでも全身タイツや過激なプリントがされた服など、「周囲のゲストを挑発する」と見なされる服装も禁止されています。ユニバーサル・スタジオ・ジャパン（USJ）ではゲストによる露出の激しい仮装が問題となり、公式が声明を出した例もあるので、露出に関しては常識の範囲内に留めましょう。3. 丈が長すぎる、幅が広すぎるコスチューム　裾を引きずってしまう長さや、入園口を通れない幅のドレスなども規制されています。4. 傷跡を描くなど、顔が分からなくなるメイクやアイテム　顔全体に肌の色と違う色を塗る、血や傷跡などを描くのメイクのほか、お面や広範囲のつけ髭も禁止です。血や傷跡、血のりの装飾はマスク上でもNGで、公式サイトでは普段外出する時のメイクを基準にするよう呼びかけています。5. 銃や剣など、危険物またはそれに類似する物品　おもちゃのナイフやモデルガンなどは、他のゲストに不安を与えてしまうため持ちこむことができません。そのほか、楽器やヘルメット、キックボードなどの持ち込みも不可です。6. 電飾を使用した仮装　電飾を配した仮装も規制の対象。公式サイトには「他のゲストにご迷惑となる場合、状況に応じてキャストよりお声掛けさせていただく場合があります。アトラクションご利用の際は電飾を消してください」と記載されています。7. キャストの仮装　ゲストが混乱するのを防ぐため、ハロウィン期間であってもキャストの仮装はNG。あくまで「キャラクターの仮装」のみ許可されているので注意しましょう。おまけ：Dハロを楽しむ極意　「ディズニー・ハロウィーン」の期間パーク内には、キャラクターにちなんだアトラクションやフード、エンターテインメントを多数用意。Lilyさんは「折角の『Dハロ』なので自分がしている仮装にちなんだコンテンツを楽しむと、イベントをより満喫できると思います。私はよく自分が仮装しているキャラクターのグリーティングやパレードを楽しみますが、運が良いと普段とは違った特別なファンサ（ファンサービス）をもらえることも。また、仮装をしているとキャストさんが沢山話しかけてくれるので、キャストさんとのコミュニケーションを楽しむのもディズニー仮装の醍醐味の1つです」と話してくれました。 Lily （） Dオタ兼インフルエンサー これまで東京ディズニーリゾートに通算100回以上足を運んでいる自他ともに認めるDオタ。22歳の頃に友人の勧めで参加したDハロがきっかけで仮装にどハマり。普段は会社員として働きながら、Dハロの仮装などをInstagramで紹介し、ディズニー関連の投稿だけで4万人近いフォロワーを抱える。

Culture

猛者が解説、「ディズニー・ハロウィーン」でやってはいけない仮装

　まず現代アーティスト、チームラボとしての側面から#チームラボプラネッツを考えてみよう。この空間には既に一般的な現代アート好きの観客と呼べる人数よりもはるかに多くの人々が来場している。その根拠と言えるのは、本来1年ほどの会期となる予定だった同展が幅広い客層から人気となり、現在は2023年末までの会期延長が決定していることだろう。これは現代アートの会期としては異例のロングランと言える。一方、現代アートとして、この空間に対する言及が行われた形跡は限りなく少ない。会期がはじまって丸4年経つ今現在、#チームラボプラネッツの名前で検索エンジンを起動すると出現するのはトリップアドバイザー、アソビュー、イコーヨなどの「お出かけメディア」であり、楽天トラベルエクスペリエンスという「観光体験」を購入できるサイトでチケット販売も行われている。　また一般的に現代アートにおいて書かれがちな「批評」や「レビュー」ではなく「評判」というワードがサジェストされることも興味深い。これは一般的に持たれている「現代アートは敷居が高い」というイメージを完全に覆していると言えるだろう。また、それに伴って現代アートにおける意味の問題から空間を自由にしているとも言える。現代アートにおいて最も面倒なのは意味である。一般的に「意味がないものを意味があるかのように説明すること」は批判の対象となる。そして#チームラボプラネッツは普段、現代アートをあまり鑑賞しない人と美術館に行く時につきまとう「空間の意味」に対して納得させる解を用意していると言える。　では「空間の意味」に対して納得している人々は、どのようにしてこの空間を鑑賞しているのだろう。次にエンターテインメント空間としての#チームラボプラネッツについて考えてみたい。エンターテインメントを擁する空間の古典的な存在にテーマパークがある。その筆頭であるディズニーランドは、もちろん「作品やミュージアムや庭園を擁する空間」である。そして、その中で筆者は1992年に始まったエンターテインメントショー「ファンタズミック！」との比較を考えてみたい。　1955年、アメリカ合衆国のカリフォルニア州アナハイムにオープンしたディズニーランドは1985年には大規模なリニューアルが行われ、マイケル・ジャクソン主演の3D映画「キャプテンEO」や現在の4DXシアターを先取りするような「スター・ツアーズ」などのアトラクションがオープン。その後はじまったファンタズミック！は1992年から2022年の現在に至るまで少しずつアップデートを重ねて継続的に上演されており、世界的にも稀有なロングランと言える。　チームラボによる#チームラボプラネッツと、ファンタズミック！。この二つのロングランには共に「高度な技術とされるものが使われている」という共通性がある。そして私たちは現在、幸運なことに初演である1992年のファンタズミック！と、ロングランの間、少しずつアップデートを重ねた2022年版のファンタズミック！をYouTubでで鑑賞することができる。この1992年版と2022年版を比較すると、この30年の間、私たちの生活を取り囲む光が、どう「古びた」のかがよくわかる。例えば、プロジェクターの光量（ルーメン）と画質（解像度）は著しく上昇し、1993年に実用的なブレークスルーが起こった青色LEDは、2022年版では当たり前のように使われている。2009年から新しい信号化（おそらく2006年に米国国家規格協会に採択されたDMX信号の採用）が施されたシステムで初演の時より繊細に音楽と同期した花火を打ち上げ、プロジェクションマッピングというコンセプトが平面の映像を立体に展開する演出技術を、どう底上げしたかもよくわかる。そもそも撮影するカメラの進歩も凄まじい。　話を戻そう。#チームラボプラネッツの「空間の意味」に納得している人々は、どのようにこの空間を鑑賞しているのだろう。より具体的にいえば1992年から2022年の30年間に及ぶ「ファンタズミック！」そのロングランからわかるように、光は技術をアップデートしなければ、見た目として古びることを免れない。 #チームラボプラネッツ において「古びない要素」とは一体、何だろう。　ディズニーのファンタズミック！において30年間、古びた光とは別に変わることがなかったのは、その物語である。物語は「ミッキーの夢の中」という設定からスタートし、ディズニーキャラクターが総出演した後、巨大なドラゴンのオーディオアニマトロニクス※と対決することになったミッキーが魔法の杖を一振り、大団円を迎える。※オーディオアニマトロニクス：ウォルトディズニーカンパニーの登録商標で音楽やセリフと連動して生きているような動きを見せる人形　ファンタズミック！の物語の中でミッキーのイマジネーション（夢）はヴィランズに支配され、悪夢の世界へと変貌を遂げてしまう。そして中盤の終わり、ミッキーはラスボスとなるドラゴンに魔法の花火を繰り出すその直前、象徴的なシーンがある。巨大なドラゴンを目の前にして、色々な出来事を走馬灯のように体験したミッキーが意を決したように「This is “my” dream！」と叫ぶのだ。そうしてドラゴンに向けられたミッキーの杖からは花火が発射され、再びイマジネーションの力で自分の夢の世界を取り戻す。この「This is “my” dream！」というセリフからは二つの意味（≒ステートメント）を受け取ることができる。　一つは今まさに上演されている夢の物語を終わらせるために「これは私の夢です」と宣言するステートメント。そしてもう一つ、この物語世界の作者であるウォルト・ディズニーがディズニーランドという空間を「これは私の夢です」と宣言するステートメントである。この二つのステートメントは、観客にとって鑑賞している対象を宙吊りにする効果を持つ。すなわち、ディズニーランドという巨大な空間を作り上げた、ウォルトを鑑賞しているのか、それとも目の前のショーケースのメインキャラクターであるミッキーを鑑賞しているのか、その2つの存在が同時に訪れるのである。　この鑑賞の二重性は、あるコンテンツが現在進行形で鑑賞されると同時に観客に別な時系列を想起させる効果をもっている。すなわち、公演初期から度重なる基幹技術のアップデートがありつつも、ファンタズミック！というショーケースそれ自体が変わらずリニューアル可能なのは、この「現在」にアップデートをもたらすディズニーランドという空間とミッキーというキャラクター、そしてセリフの形を借りたステートメントを行っているからに他ならない。それではこのような時系列の操作が、ロングランとなっている#チームラボプラネッツの空間に、どのように作用しているのかを検討してみよう。　#チームラボプラネッツにおいて、それぞれの空間にはポエティックでありながら説明的な命名が行われている。倒景の憑依する炎、人と共に踊る鯉によって描かれる水面のドローイング、呼応する小宇宙の苔庭…あるいは二つの英語タイトルThe Infinite Crystal UniverseとFloating in the Falling Universe of Flowersではどちらも”Universe”が出現する。この「説明」と「宇宙」がファンタズミック！における物語の位置を占めるとすれば、これは観客にどのような鑑賞体験を与えているのだろう。　唐突ではあるが20世紀に最も発達した産業の一つに「観光」がある。冒頭#チームラボプラネッツの名前で検索エンジンを起動すると出現するのはトリップアドバイザー、アソビュー、イコーヨなどの「お出かけメディア」だと述べた。これは現代においてアートもエンタテイメントも、あらゆる空間を扱う体験が観光という産業に飲み込まれつつあることと無関係ではない。では#チームラボプラネッツは、どのような観光を目的としているのだろうか。名前からも明らかなように彼らの観光の目的は「宇宙」である。　筆者は先ほどファンタズミック！というショーケースがリニューアル可能なのは、このような時系列の操作をディズニーランドという空間とミッキーというキャラクター、そして召喚されるウォルトによる「私」というステートメントによって行っているからと述べた。それを#チームラボプラネッツに当てはめるとすれば、ここには宇宙という背景があり、チームラボというアーティストがいて、#チームラボプラネッツという空間があることになる。　会場はWater Areaと呼ばれる水を使ったエリアとGarden Areaと呼ばれる石や草木を使ったエリアに分かれており順を追って鑑賞していく中で、自分が全体的に暗く調光された空間（Water Area）を抜け、やや明るすぎる程に調光された空間（Garden Area）へ移動したことがわかった。Water AreaとGarden Areaはどちらから鑑賞するかを観客に委ねられているが、多くの観客は自分と同じ経路で鑑賞しているようだった。　観客が異なる空間を移動して、しかしいずれも似たような映像空間を体験することに飽きないのは、一つの旅として#チームラボプラネッツ全体が構成されているからに他ならない。観客は知らず知らずのうちに宇宙旅行をしたような気分になって、地球に帰還することになる。そしてこの旅は紛れもなくチームラボというアーティストによって仕組まれていることなのだ。　一般的に、宇宙に向かうことは一つの夢とされてきた。宇宙旅行は高度な科学技術の結晶であり、また時に高額な資金を用意し、時にハイレベルな選抜に残った、選ばれた人間の権利だ。しかし#チームラボプラネッツは現代アーティストであるチームラボが、このハイコストな実際の宇宙旅行にかわり権利を必要としない宇宙旅行を用意した。この宇宙旅行という物語は、ファンタズミック！の「ミッキーの夢を旅する物語」と同じく、観客にとって観光体験として機能する。そしてウォルト・ディズニーの「あらゆる人を自分の創造性（イマジネーション）でもてなす」というディズニーランドの理念と同じくチームラボが創造する空間（チームラボプラネッツ）は本当の宇宙空間に代わって人々を宇宙旅行へ向かわせようとする。この観客に目の前の体験を通じて別な夢へと向かう体験が#チームラボプラネッツにおいて、どの程度、成功しているかは読者それぞれが確かめて欲しい。しかし2023年末までの会期延長を踏まえ、まだまだ多くの人がこのインスタレーションを訪れることになる。その時この空間が、これからの現代アートにどのような影響を与えるかについて、私たちは考える必要に迫られるに違いない。

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