インサイド

Architecture：館の構造を活かした2部構成　展覧会の会場となったのは100年以上の歴史を持つ表慶館。明治末期、建築家・片山東熊により建てられたネオバロック様式の歴史的建造物は、国の重要文化財にも指定されています。展覧会は館の特徴でもある左右対称の構造を活かし、建物右側に位置する第一部では、「カルティエと日本」、左側の第二部では「カルティエ現代美術財団と日本のアーティスト」を紐解く二部構成で、メゾンと日本を結ぶさまざまなストーリーを多面的に伝えます。内装は世界中の美術館や展覧会のデザインを手掛けてきた「スタジオ アドリアン ガルデール（Studio Adrien Gardère）」が担当。日本文化と美学に対する敬意と、表慶館の伝統的な意匠への称賛を反映させ、セクションテーマに沿う素材選びやデザインで、一つ一つの展示作品を際立たせています。Right Wing：日本がカルティエにもたらした影響Room 1 　正面右のセクションでは「カルティエと日本」をテーマに、アーカイヴピースや文献を通して、伝統的な形状や紋様といった物質的なモチーフから、日本人に根付く精神性まで、日本がいかにカルティエのクリエイションに影響を与えてきたかを浮かび上がらせます。　最初の部屋では1898年からメゾンの事業経営に参画し、美術品のコレクターとしての一面も持ち合わせていたルイ・カルティエが収集した200点以上に及ぶ日本美術のコレクションから着想を得て制作されたピースを展示。そのなかには神社の建築を想起させるミステリークロックをはじめ、印籠の形をしたヴァニティケース、結び目や染めに用いる際の型紙の波模様や鱗模様のブローチといった貴重なコレクションから、小紋柄をフェイス部分にあしらった今年発表されたばかりの新作ウォッチまで、100年以上前から日本の伝統的なモチーフがカルティエのクリエイションに影響をもたらし続けていることがわかります。Room 2　カルティエの重要なインスピレーション源の一つでもある動植物。メゾンが独自に生み出してきたフォルムの探究は、自然を賛美する日本の美学からの影響が大いにあるといいます。亀や鳥、トンボや蝶、そして日本古来の藤の花においてはメゾンのレパートリーとして繰り返し登場するモチーフです。ここでは杉本博司の「春日大社藤棚図屏風」（2022年）を囲うように、自然界から着想を得たジュエリーが展示されています。Room 3 　階段を上がった2階の部屋では、これまでカルティエが5度にわたり日本で開催してきた展覧会を遡りながら、メゾンと日本の関係性を掘り下げています。1988年、表参道のスパイラルホールで行われた展覧会を皮切りに、1995年の東京都庭園美術館、2004年の京都・醍醐寺に続き、2009年は同じく表慶館で「Story
of... カルティエ クリエイション～めぐり逢う美の記憶」展が開催。さらには2019年、国立新美術館での「カルティエ、時の結晶」展も記憶に新しく、その時代に沿うコンセプトや展示方法で多くの人にメゾンの魅力を伝えてきました。ここでは、それぞれの展覧会を象徴する「カルティエ コレクション」所蔵の貴重なピースが日本に再集結しています。Room 4　右セクション最後の部屋では、原宿のパレ・フランスに日本初のブティックをオープンした1974年から、カルティエの日本での歩みを当時の出版物やキーパーソンへのインタビュー動画、メゾンのアイコンジュエリーやウォッチを題材にした日本人アーティストたちとの協業作品、日本独自のプロジェクトを振り返ります。なかには、2017年にタンク ウォッチ100周年記念で香取慎吾が描き下ろしたアート作品や、2022年に「サカイ（sacai）」の阿部千登勢によって新たに解釈された「トリニティ」コレクションなども見ることができます。Left Wing：カルティエ財団により広がるアーティストコミュニティの輪Rotunda 2F　2階の右側と左側を繋ぐブリッヂ部分には、画家の横尾忠則が日本人アーティストを中心に描いた20点のポートレートシリーズが展示。カルティエ現代美術財団（以下、カルティエ財団）が長年にわたりコラボレーションしてきたアーティストたちを横尾独自の視点で描き上げています。2014年から続くプロジェクトに今回新たに3点の作品が加わり、カルティエ財団が日本人アーティストと築いてきた"コミュニティ"の広がりそのものを表しています。　1984年に非営利団体として設立されたカルティエ財団は、アーティストの発掘・再発見を目的にこれまで数々の日本人アーティストの発表の場と機会を提供してきました。駆け出し時や国外で活動したことのないアーティストの作品、すでに名の知れたアーティストの新たな一面を紹介し、展覧会の支援、コミッションワークの制作依頼、作品の購入といった、アートとアーティストの価値を高め、社会と繋げるプラットフォームとしての役割を担ってきました。Room 5　カルティエ財団が考える芸術分野は多岐にわたり、写真、絵画、建築、彫刻、映像といった作品のほか、ファッションの領域にも広がりを見せます。1998年にカルティエ財団によりパリで開催されたデザイナー三宅一生の「Making Things」展では、衣服のフォルムがいかに刷新・再発明されるかという視点を提示し、脚光を浴びました。ここでは「一枚の布」という「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」の服づくりのコンセプトを表現したインスタレーションや、「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ（PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE）」のデビューシーズンとなった1994年春夏コレクションのピースが並びます。Room 6　写真にフィーチャーした部屋では、カルティエ財団と継続的な関係を築いてきた日本写真界の巨匠である荒木経惟、森山大道、杉本博司の3名の作品をはじめ、川内倫子の232枚の写真を組み合わせたスライドショーや巨匠 ウィリアム・エグルストンが切り取った京都の風景などの写真作品が展示。1階と2階を繋ぐ左右の階段にはそれぞれ、現代美術家 束芋によるビデオインスタレーションが映し出されています。 Room 7　北野武もカルティエ財団と縁の深い現代アーティストの一人。自由な概念により生み出されるカラフルで独創的な作品からは、芸人や映画監督など多彩な分野で活躍してきた北野武のアーティストとしての一面を垣間見ることができます。ここでは新作を含む2018年から2023年に制作された絵画が展示。　また、左右の小部屋では、1から9の数字が回転しながら暗闇の中に浮かび上がり時間と無限空間を表現した宮島達男のインスタレーションや、森山大道のモノクロ作品を2冊の本に見立てたスライドショーが没入感のある展示方法で公開されています。Room 8　幅広い芸術表現を持つ北野武の創作対象は絵画だけに留まらず、彫刻オブジェや、分野を越え、数学ゲームを考案するといったユニークなアイデアまで広がります。その多くがカルティエ財団とのプロジェクトの中で生み出された作品であり、創作の自由を提供するカルティエ財団とその機会を忌憚なく活用する芸術家が育んできた絆の深さを物語っているかのよう。　カルティエ財団では北野武のほか、現代アーティストの村上隆や松井えり菜、建築家 石上純也の個展開催や、書籍の出版といった芸術家に必要な活動を支援してきました。展示棚に並べられた作品や書籍は、カルティエ財団とアーティストとの尽きることないクリエイティブな対話がこれからも継続的に続いていくことを示唆しています。Rotunda 1F　展覧会の入り口でもあり、出口でもある左右を繋ぐ円形広間の一面に展示されているのは、本展のために制作された現代アーティスト澁谷翔の作品「日本五十空景」。彼もまたカルティエ財団のコミュニティに今回新たに加わったアーティストの一人。カルティエ財団との出会いのきっかけはインスタグラムだったという澁谷は、今回の制作にあたり、歌川広重の「東海道五十三次之内」を着想源に、変わりゆく時代のなかで今も昔も共通する「空の景色」に着目します。広間を飾る50点からなる一連の作品は、約1か月にわたって訪れた47都道府県の空の景色を描き出したもの。それを1点ずつ各地方新聞の一面に掲出するという壮大なプロジェクトは、朝昼晩と過ぎゆく時間の移ろいを儚い色彩で描き出し、過去、現在、未来といった展覧会のテーマにも通づる連続性を表現。本展を構成する2つの並行するストーリーを「結ぶ」役割を果たしています。ここでしか手に入らない限定グッズも　ミュージアムショップでは、展覧会を記念した特別グッズが登場。澁谷翔による淡いピンクとブルーのグラデーションをバックに、グラフィックデザイナー野間真吾が手掛けた「結」のタイポグラフフィーがモダンにデザインされた展覧会のメインヴィジュアルがプリントされたトートバッグ（3960円）をはじめ、ノートブック（1650円）やポストカード（220円）、図録（5000円／いずれも税込）などが販売され、展覧会の余韻に浸ることができます。　そして会期中、入り口付近では祝休日限定で「カルティエ ワゴン」が登場。「YOUR STORY with Cartier」の取り組みのひとつとして、ご自身とカルティエにまつわるエピソードを投稿すると、絆の証をして花が贈呈される特別なイベントを開催しています。カルティエの輝きに身を包んだ豪華ゲストたち　約1ヶ月にわたる展覧会の開幕に先立ち、6月10日にオープニングイベントが開催されました。会場には北野武、松嶋菜々子、香取慎吾、鈴木保奈美、江口洋介、戸田恵梨香、賀来賢人といったカルティエと縁のあるセレブリティや参加アーティストなどが、華やかなメゾンのウォッチやジュエリーをまとって来場。展覧会の開催を祝いました。

カルティエと日本が歩んできた50年の軌跡、『結 MUSUBI』展 完全ガイド

　近年度々ファッションなどのデザイン領域において取り沙汰される文化盗用の問題や、Ye（カニエ・ウェストから改名）の一連の騒動に見られるように、人種、ジェンダー、民族、階級といったアイデンティティや植民地主義に関わる政治的で倫理的な話題は、世界中の人々の関心を様々に呼び続けている。また長らく続いているコロナやウクライナ戦争という状況は、私たちに国境という境界線を意識させ、国という共同体への帰属意識を日々搔き立てている。 私たちをカテゴライズしたり、差別などの退行的な意識を煽るような出来事は、生活の隅々にまで浸透しており、新たな習慣や配慮を生み出し続けている。　「紅白　夢の競演！ーさまざまな国の“赤”と“白”ー」と題された本展覧会は一見すると、年末のお茶の間テレビ番組を彷彿とさせるタイトルによって、遊び心のある年末年始的なやや浮ついた様相を見せている。「赤」と「白」という衣服の色をテーマにして企画されているこの展覧会は、日本の着物、アジアやアフリカの民族衣装、ヨーロッパのドレスなど約40ヶ国の衣服を展示。その衣服の多くは、文化服飾博物館が所有するアーカイヴであり、それを基礎として構成されているというから驚きだ。パロディ的タイトルが示す通り、ジェンダーや国といったアイデンティティにまつわる枠組みの基、衣服を見せることをこの展覧会が第一に狙っていることは言うまでもない。しかし筆者が最初に抱いたそのような印象とは裏腹に、一通り展示を観終わってみると、この展覧会は世界中の衣服を通して垣間見る「色彩の風土論」と言えるようなものであった。この観る前の印象と大きく異なった事後の感慨は一体なんだろうか。「権力がどのように多様性や差異を生産してきたか」という問題意識を紅白から考える　展覧会の章立てに沿って観覧していくと、様々な地域において、私たちのアイデンティティの形成に「赤」と「白」という色彩が大きく関わっていると、繰り返し喚起される。万国共通して「白」は、様々な儀礼や祝いの空間において、日常とは異なる特別な意味と感覚的なニュアンスを構築してきた。また砂漠地帯では、その環境から身を守る機能的な色として暮らしに役立ってきた。翻って「赤」は、 赤色の染料が貴重な地域においては、富や権威を示すものとして、人々の階級意識や人格を構築してきたことがキャプションによって示される。古来から衣服が持つパフォーマンス性は、社会的・宗教的な意味と生命維持的な機能性が複雑に絡み合い、社会の中で多重的に機能してきた。そして会場で私の目を引いたのが、様々な地域において男性は「色」によってコミュニティを代表することが許されている一方で、女性はコミュニティあるいは家庭の中に埋没するように 「色」が利用されてきたことを示唆するキャプションの存在があったことだ。全体を通して特別強調するように書かれていたわけではないが、このように「色」には、女性の社会的権利の歴史的推移が刻印されており、こういった権力構造が現代社会においても連綿と続いてしまっていることに、観客は否応なく気付かされる。　世界の隅々まで言葉とデザインで満たされた現代社会に生きる私たちにとって、権力がどのように多様性や差異を生産してきたかという問題意識は非常に重要である。同展は、その問いかけの存在と気づきを観客に与える機会を作っている。だからむしろこのような時代的で普遍的な問いかけを前にして「私は今まで色彩と共にどのように生きてきたのか」という個人的な感覚がむしろ強く湧いてきた。つまり、国という全体性やそれに関わるナショナリズム、また階級やアイデンティティを表す観念的な「色」としての 「赤」と「白」を認識する以前に「私はどのように色を認識してきたのか」と漠然と疑問に思ったのだ。なぜなら、陳列されている衣服やテキスタイルの「色彩」を観賞して、純粋な喜びが湧いたし、もっとたくさんの色を楽しみたいと思ったからだ。　こういった個人的で単独的な想いに立ち返らせる力強さを、展示されている衣服たちは放っていた。そして先ほど「色彩の風土論」という展覧会への感慨を述べたのもこういった理由からである。ともあれ私たちの感受性を刺激する色彩（今展覧会では赤と白）の奥行きを、もう少し照らすことにする。“風土”によって織りなされる「色」　衣服における赤と白と言っても様々な「赤」と「白」がある。ここで言う“様々”とは単に色相の幅を意味するのではない。世界中の多様な自然環境とそこで生じた社会と文化＝“風土”によって織りなされる、絵画を描く様に人の手によって「表現された色＝染織された生地」のことを意味する。会場に陳列された古今東西の様々な衣服たちは、現代のデジタル環境に慣れ親しむ私たちにとって、色とは波形の光であるだけでなく、人の手が介在した手触りのある物質的なものでもあることを思い出させてくれる。陳列された衣服が私たちに開いてくれるその時代と地域の風土と強く結びついた色は、デジタル環境においてディスプレイが放つ光の色とは、根本的に違う風土を感じさせる。風土が違うと言い切ってしまえることに正直戸惑いと驚きを自らに感じるが、しかし明らかにすでに失われつつある「色」が、いくつかあるように個人的には感じられた。　そもそも私たちはなぜ色が見えるのか。簡単に言えば私たちは、色を眼球を通し脳内で認識しているのだが、つまり光と物質と私たち観察者という3つの要素による複合的な相互作用において「色」は構築されている。ともすれば色とはそもそも根本的に、自然環境と人間社会との関係性において作られた“風土的なもの”なのであり、そして今展覧会のように「色を見る」行為とは、自然環境と結びついたエコロジカルな営為とも言えるだろう。展覧会で何度か登場した、日本でも古来から使われている赤の染料である「茜」や、シルクロードを経由してエジプトから中国へ、そして五世紀ごろ日本へ伝わったとされる「紅花」は、極めて複雑な工程と人の手の技術を介在することで初めて、繊維に美しい「赤」を表現することが出来る。染織とは、自然環境と私たちがどのように相互作用してきたかが結晶化されているのだ。しかし、 産業革命が起こり、石炭・石油・ガスなどのエネルギー資源の利用が大きく活発化していくと、石炭の炎から出る副産物のコールタールを利用して化学染料の「アニリン」が発明され、そこから派生的に、展示会場にも登場した「モーブ」という紫の染料が生まれる。この発明について、現代のエコロジカルな脱炭素化の動きから遡って考えてみると、少し複雑な想いに捕らわれる。なぜなら、文化的差異と階級によって価値づけられていた色彩が打って変わって、化学染料の登場は染織を大衆化し、多様な化学的色彩は社会における平等という価値を印づけるものになっていった経緯があるからだ。しかし、それによって自然環境と人間の相互作用において蓄積してきた植物や昆虫などによる染織技術を手放す理由にはならないだろうし、またその逆の状況にある現代に対しても同じことが言える。これではちょっとしたダブルバインドだ。この両義的な状況がおそらく現代的な“風土”なのであるが、いずれにせよ風土とは、現在進行形で現れている人間社会と自然環境の相互作用が起こっている時空間なのであり、特に衣服は様々な時代や地域の風土が込められたものであることを、展覧会の衣服たちは具体的に証明して見せている。「文化としての色彩」だけではなく「風土としての色彩」　 本来的に自然と社会が不可分であり、その複合的な集合体が“風土”であるとしたら、当然ながら産業革命以後の世界も自然と社会の相互作用において生じた風土が存在する。農耕社会が生み出した風土、産業社会が生み出した風土、情報社会が生み出した風土があり、そこで生み出される精神的・身体的な領域が存在する。かつて栄えた文明が幾重にも滅んでいったことを私たちは歴史的に知っているわけだが、しかしそういった文明が残した様々な物に込められた“風土”によって、どの時代の現在性においてもその文明の片鱗を感じることが出来る。だから“現在”に生きる私たちは、様々な時代や地域性が混ざりあい地層の様に蓄積したハイブリッドな風土を生きているのであり、そして具体的にその地を踏み空気を吸い衣服に袖を通すのは、抽象的なアイデンティティや共同体ではなく、単独個別の私たち自身である。 　風土について思考することと、アイデンティティや国というものについて思考することを同一視できないように、色彩にもパラレルに多様な在り方がある。確かに「文化」という枠組みは単一的な人間社会の見方を生み出すが、しかし風土とは、文化と違って自然環境までも含む複雑でアウトラインがはっきりしない動的な枠組みであるがゆえに、私たちの感性を大きく開いてくれる可能性がある。今回「紅白 夢の競演！ーさまざまな国の”赤”と”白”ー」展がフレームアップした「文化としての色彩」だけではなく、実際の展示物が示していた「風土としての色彩」も同時に捉える視野を持つことが、環境問題も抱える未来を 生き抜かなければならない私たちにとって、取り分け重要になってくるのは間違いないだろう。（企画・編集：古堅明日香）

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