インサイド

　柔らかな自然光が差し込むガラス張りのパビリオン内は、床から壁まで白い和紙で覆われている。ゲストが座る円筒形のスツールは、「イッセイ ミヤケ」で行われるプリーツ加工の副産物である薄い紙の塊を再利用して作られたものだ。その椅子の上には、くしゃっと揉み解されることでテクスチャーが強調された薄茶の和紙が置かれており、そこには和紙の歴史などについての説明が短く書かれている。今回のコレクションは「The Beauty of Paper」と名付けられ、和紙を中心とした紙にまつわる素材に焦点を当てて作り上げられたようだ。　和紙で衣服を仕立てるのは、今に始まったことではない。平安時代から、麻を原料とした和紙は衣料にも用いられ、それは「紙衣」と呼ばれていた。紙は繊維が詰まっているので暖かく、雨や風にも強いため防寒具としても使われてきたが、明治以降は機械生産により安価な布帛が普及したため、紙衣は廃れていった。2014年には和紙の生産技術がユネスコの無形文化遺産に登録されたが、これは技術が失われつつある危機の表れともいえる。　また、和紙は「イッセイ ミヤケ」にとってすでに馴染みのある素材でもある。1982年、三宅一生は宮城県の白石和紙を使った紙衣を制作し、「イッセイ ミヤケ メン（ISSEY MIYAKE MEN）」の2013年春夏コレクションでも和紙はメインテーマとなり、「自転車に乗る」という現代的なアクティビティと組み合わせて提案されていた。近年の「イッセイ ミヤケ」でも、和紙は他の繊維とともに織られることで使用され、コレクション会場やショップのインスタレーションにも使われるなど、新たな可能性を見出そうとしてきた。さて、そんな素材に改めてフォーカスした今コレクションでは、どのような和紙の探求が見られるのだろうか。　すべてのゲストが着席し終わると、サウンドトラックとしてこぼれ落ちる水が音が聞こえてくる。ファーストルックは、意外にも和紙の服ではなかった。透き通る柔らかな布で顔まで覆われたモデルが、素足で歩いてくる。「水」を表現したというドレスは一枚の布で作られ、内側を部分的に留めることで、流れるようなドレープを生み出す。水は、和紙を漉くすべての工程において、重要な要素でもある。澄んだ水がなければ、美しい和紙は出来上がらない。　4つ目のルックで、麻を原料とした和紙（麻紙）で仕立てた紙衣が登場した（ちなみに、和紙をそのまま使用したものを「紙衣」、和紙を細く裁断し織った布を「紙布」という）。和紙のテーラードのセットアップの上にオーバーサイズの変形コートを羽織ることで、素材感がダイナミックに強調されている。素朴な色味の中で、裏地に押された朱印がさりげないポイントになっていた。コートは平面性を備えたパターンワークによって、歩くたびに張りのある和紙が空気にぶつかり、固く揺れ動く。　紙衣が3ルック続いた後、箱や折り紙のように一枚の布に折り目を入れて立体化させる発想に基づいたシリーズが登場。和紙をレーヨンやシルクと混紡し伸縮性のある素材にすることで、直線的で角張ったパターンにしなやかさをもたらした。　他にも、二着を同時に編むという新たな技法に挑戦した無縫製ニットや、春に咲く芍薬、ラナンキュラス、アスパラの葉を押し花にした華やかなプリント、一枚の布と綿紐という二つの要素だけ作るドレスなど、趣向を凝らしたシリーズが登場。和紙の特性からも着想を得ており、透ける素材を斜めに折り畳んで部分的にプリーツを施すことで、光を通した和紙のような透明感を演出することもあった。　テーマに基づいた素材選定、カラーパレット、そしてフラットなパターンワークが軽やかな印象をもたらしたコレクションだが、見る者に与える印象もどこか軽く、前回の2024年秋冬コレクションで見られた迫力と一貫性は鳴りを潜めていた。イメージの流れに磨きをかけ、よりシャープな緊張感をもたせられたとき、素材たちは新たな輝きを放ち始めるのかもしれない。

ISSEY MIYAKE

collection

和紙の新たな可能性を探求する「イッセイミヤケ」2025年春夏

Architecture：館の構造を活かした2部構成　展覧会の会場となったのは100年以上の歴史を持つ表慶館。明治末期、建築家・片山東熊により建てられたネオバロック様式の歴史的建造物は、国の重要文化財にも指定されています。展覧会は館の特徴でもある左右対称の構造を活かし、建物右側に位置する第一部では、「カルティエと日本」、左側の第二部では「カルティエ現代美術財団と日本のアーティスト」を紐解く二部構成で、メゾンと日本を結ぶさまざまなストーリーを多面的に伝えます。内装は世界中の美術館や展覧会のデザインを手掛けてきた「スタジオ アドリアン ガルデール（Studio Adrien Gardère）」が担当。日本文化と美学に対する敬意と、表慶館の伝統的な意匠への称賛を反映させ、セクションテーマに沿う素材選びやデザインで、一つ一つの展示作品を際立たせています。Right Wing：日本がカルティエにもたらした影響Room 1 　正面右のセクションでは「カルティエと日本」をテーマに、アーカイヴピースや文献を通して、伝統的な形状や紋様といった物質的なモチーフから、日本人に根付く精神性まで、日本がいかにカルティエのクリエイションに影響を与えてきたかを浮かび上がらせます。　最初の部屋では1898年からメゾンの事業経営に参画し、美術品のコレクターとしての一面も持ち合わせていたルイ・カルティエが収集した200点以上に及ぶ日本美術のコレクションから着想を得て制作されたピースを展示。そのなかには神社の建築を想起させるミステリークロックをはじめ、印籠の形をしたヴァニティケース、結び目や染めに用いる際の型紙の波模様や鱗模様のブローチといった貴重なコレクションから、小紋柄をフェイス部分にあしらった今年発表されたばかりの新作ウォッチまで、100年以上前から日本の伝統的なモチーフがカルティエのクリエイションに影響をもたらし続けていることがわかります。Room 2　カルティエの重要なインスピレーション源の一つでもある動植物。メゾンが独自に生み出してきたフォルムの探究は、自然を賛美する日本の美学からの影響が大いにあるといいます。亀や鳥、トンボや蝶、そして日本古来の藤の花においてはメゾンのレパートリーとして繰り返し登場するモチーフです。ここでは杉本博司の「春日大社藤棚図屏風」（2022年）を囲うように、自然界から着想を得たジュエリーが展示されています。Room 3 　階段を上がった2階の部屋では、これまでカルティエが5度にわたり日本で開催してきた展覧会を遡りながら、メゾンと日本の関係性を掘り下げています。1988年、表参道のスパイラルホールで行われた展覧会を皮切りに、1995年の東京都庭園美術館、2004年の京都・醍醐寺に続き、2009年は同じく表慶館で「Story
of... カルティエ クリエイション～めぐり逢う美の記憶」展が開催。さらには2019年、国立新美術館での「カルティエ、時の結晶」展も記憶に新しく、その時代に沿うコンセプトや展示方法で多くの人にメゾンの魅力を伝えてきました。ここでは、それぞれの展覧会を象徴する「カルティエ コレクション」所蔵の貴重なピースが日本に再集結しています。Room 4　右セクション最後の部屋では、原宿のパレ・フランスに日本初のブティックをオープンした1974年から、カルティエの日本での歩みを当時の出版物やキーパーソンへのインタビュー動画、メゾンのアイコンジュエリーやウォッチを題材にした日本人アーティストたちとの協業作品、日本独自のプロジェクトを振り返ります。なかには、2017年にタンク ウォッチ100周年記念で香取慎吾が描き下ろしたアート作品や、2022年に「サカイ（sacai）」の阿部千登勢によって新たに解釈された「トリニティ」コレクションなども見ることができます。Left Wing：カルティエ財団により広がるアーティストコミュニティの輪Rotunda 2F　2階の右側と左側を繋ぐブリッヂ部分には、画家の横尾忠則が日本人アーティストを中心に描いた20点のポートレートシリーズが展示。カルティエ現代美術財団（以下、カルティエ財団）が長年にわたりコラボレーションしてきたアーティストたちを横尾独自の視点で描き上げています。2014年から続くプロジェクトに今回新たに3点の作品が加わり、カルティエ財団が日本人アーティストと築いてきた"コミュニティ"の広がりそのものを表しています。　1984年に非営利団体として設立されたカルティエ財団は、アーティストの発掘・再発見を目的にこれまで数々の日本人アーティストの発表の場と機会を提供してきました。駆け出し時や国外で活動したことのないアーティストの作品、すでに名の知れたアーティストの新たな一面を紹介し、展覧会の支援、コミッションワークの制作依頼、作品の購入といった、アートとアーティストの価値を高め、社会と繋げるプラットフォームとしての役割を担ってきました。Room 5　カルティエ財団が考える芸術分野は多岐にわたり、写真、絵画、建築、彫刻、映像といった作品のほか、ファッションの領域にも広がりを見せます。1998年にカルティエ財団によりパリで開催されたデザイナー三宅一生の「Making Things」展では、衣服のフォルムがいかに刷新・再発明されるかという視点を提示し、脚光を浴びました。ここでは「一枚の布」という「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」の服づくりのコンセプトを表現したインスタレーションや、「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ（PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE）」のデビューシーズンとなった1994年春夏コレクションのピースが並びます。Room 6　写真にフィーチャーした部屋では、カルティエ財団と継続的な関係を築いてきた日本写真界の巨匠である荒木経惟、森山大道、杉本博司の3名の作品をはじめ、川内倫子の232枚の写真を組み合わせたスライドショーや巨匠 ウィリアム・エグルストンが切り取った京都の風景などの写真作品が展示。1階と2階を繋ぐ左右の階段にはそれぞれ、現代美術家 束芋によるビデオインスタレーションが映し出されています。 Room 7　北野武もカルティエ財団と縁の深い現代アーティストの一人。自由な概念により生み出されるカラフルで独創的な作品からは、芸人や映画監督など多彩な分野で活躍してきた北野武のアーティストとしての一面を垣間見ることができます。ここでは新作を含む2018年から2023年に制作された絵画が展示。　また、左右の小部屋では、1から9の数字が回転しながら暗闇の中に浮かび上がり時間と無限空間を表現した宮島達男のインスタレーションや、森山大道のモノクロ作品を2冊の本に見立てたスライドショーが没入感のある展示方法で公開されています。Room 8　幅広い芸術表現を持つ北野武の創作対象は絵画だけに留まらず、彫刻オブジェや、分野を越え、数学ゲームを考案するといったユニークなアイデアまで広がります。その多くがカルティエ財団とのプロジェクトの中で生み出された作品であり、創作の自由を提供するカルティエ財団とその機会を忌憚なく活用する芸術家が育んできた絆の深さを物語っているかのよう。　カルティエ財団では北野武のほか、現代アーティストの村上隆や松井えり菜、建築家 石上純也の個展開催や、書籍の出版といった芸術家に必要な活動を支援してきました。展示棚に並べられた作品や書籍は、カルティエ財団とアーティストとの尽きることないクリエイティブな対話がこれからも継続的に続いていくことを示唆しています。Rotunda 1F　展覧会の入り口でもあり、出口でもある左右を繋ぐ円形広間の一面に展示されているのは、本展のために制作された現代アーティスト澁谷翔の作品「日本五十空景」。彼もまたカルティエ財団のコミュニティに今回新たに加わったアーティストの一人。カルティエ財団との出会いのきっかけはインスタグラムだったという澁谷は、今回の制作にあたり、歌川広重の「東海道五十三次之内」を着想源に、変わりゆく時代のなかで今も昔も共通する「空の景色」に着目します。広間を飾る50点からなる一連の作品は、約1か月にわたって訪れた47都道府県の空の景色を描き出したもの。それを1点ずつ各地方新聞の一面に掲出するという壮大なプロジェクトは、朝昼晩と過ぎゆく時間の移ろいを儚い色彩で描き出し、過去、現在、未来といった展覧会のテーマにも通づる連続性を表現。本展を構成する2つの並行するストーリーを「結ぶ」役割を果たしています。ここでしか手に入らない限定グッズも　ミュージアムショップでは、展覧会を記念した特別グッズが登場。澁谷翔による淡いピンクとブルーのグラデーションをバックに、グラフィックデザイナー野間真吾が手掛けた「結」のタイポグラフフィーがモダンにデザインされた展覧会のメインヴィジュアルがプリントされたトートバッグ（3960円）をはじめ、ノートブック（1650円）やポストカード（220円）、図録（5000円／いずれも税込）などが販売され、展覧会の余韻に浸ることができます。　そして会期中、入り口付近では祝休日限定で「カルティエ ワゴン」が登場。「YOUR STORY with Cartier」の取り組みのひとつとして、ご自身とカルティエにまつわるエピソードを投稿すると、絆の証をして花が贈呈される特別なイベントを開催しています。カルティエの輝きに身を包んだ豪華ゲストたち　約1ヶ月にわたる展覧会の開幕に先立ち、6月10日にオープニングイベントが開催されました。会場には北野武、松嶋菜々子、香取慎吾、鈴木保奈美、江口洋介、戸田恵梨香、賀来賢人といったカルティエと縁のあるセレブリティや参加アーティストなどが、華やかなメゾンのウォッチやジュエリーをまとって来場。展覧会の開催を祝いました。

カルティエと日本が歩んできた50年の軌跡、『結 MUSUBI』展 完全ガイド

　「推しは推せるときに推せ」とはよく言ったもので、自分の好きなものがまだこの世に存在していて、消費できる状態にある、というのは如何に幸せなことかと最近よく思う。　個人的なことだが、ここ数年好きな著名人が急死するという出来事が相次いだ。YMO坂本龍一に高橋幸宏、BUCK-TICK櫻井敦司にLaputaのAKI、X JAPANのHEATH、the GazettEのREITA、Thee Michelle Gun Elephantのチバユウスケ……ミュージシャンだけでこれだ。中には今年公演を見に行くつもりだったのに逝ってしまった人もいる。ただ単に自分が年を取るにつれ、青春時代に第一線で活躍してきた憧れの人々がそういった訃報の対象になってもおかしくない年齢になっただけなのかもしれない。だったとしても、否、ならばなおさら、推しの存在を今この瞬間、全力で推すべきなのである。　ファッション業界の話題でも同じことが言えるが、ここ最近で最も自分がハートブレイキングだったのが2020年の「イッセイ ミヤケ メン（ISSEY MIYAKE MEN）」の休止、そして2022年の三宅一生氏の訃報であった。というわけで今回は同ブランドの2019年秋冬シーズンから展開されたものの、一年足らずでブランド休止と共に展開終了してしまったイッセイ ミヤケ メンの知られざる名作、リンクルニットシリーズを紹介したい。＊　＊　＊　2019年に開始したこのシリーズは、「生活に色を添える」というコンセプトのもとに機能的なニット製品を展開していた。扱いが楽なポリエステル繊維で編まれたニットは伸縮性に優れ、洗濯機での洗濯が可能。速乾性が高い上、シワも気にする必要がなく、とにかくギア性に優れるシリーズだ。型数はプルオーバー、カーディガン、パンツと絞られているが、一方でそのコンセプトの通り、お家芸のシワ加工と幅広いカラー展開でファッションを楽しめるというものだ。残念ながら2020年のメンズラインの休止に伴い程なくしてこのシリーズも展開終了となるのだが、個人的にはこのシリーズは「イッセイミヤケのデザインはここにあり」というくらいに、同社のデザインの魅力が詰まっているシリーズだと思う。　「もし今後一つのブランドの服しか着ることができないとしたら、どのブランドを選ぶのか」──洋服好きであれば一度は考えたことがあるのではなかろうか。そんなものを決めることははっきり言って無理難題に等しいのだが、僕の中では実は2ブランドまで絞っている。「マーガレット・ハウエル（MARGARET HOWELL）」か、イッセイ ミヤケの2択だ。何なら、今後自分のファッションの好みが落ち着いてきたとしたら、将来的に冬はハウエル、夏はミヤケだけを着るスタイルに固定してもいいと思っているくらいである。　以前コラムでも取り上げたように、僕のミヤケ愛は強い。終着点としての候補に挙げるまでにミヤケを推す一番の理由は、プロダクトデザインとファッションデザインの両立をあり得ないほどの高次元で実現している唯一無二のブランドだと思うからだ。　服のデザインは難しい（のであろう。やったことがないのでわからない）。まずは大前提として、体を外気温の寒暖から守るなど、基本的なギア的な役割を「プロダクトデザイン」として落とし込み、最低限成立させる必要がある。その上で、その一着がファッションとしてどれだけ洒落こけているのか？という見た目の良さ、つまり「ファッションデザイン」をどこまで追求するのか、という要素が絡んでくる。そのバランス感が難しい。世の中にはプロダクトデザイン、ファッションデザインのどちらかをないがしろにすることでギアとして特化したり、もしくはファッションアイテムとして振り切ることで成立している服はたくさんあると思うし、必ずしもバランスが均衡している状態が最も良いとは限らないが、少なくともそのどちらかをおろそかにすることなく、両者の質を高く保った状態でバランスさせることができているブランドは少ない。そして数少ない中の一つは確実にイッセイ ミヤケだ。　前述の通り、リンクルニットシリーズはまずプロダクトデザインとしては申し分ない。扱いやすく頑丈で、着心地ももちろんいい。そこにミヤケのシワ加工というファッションデザインが乗ってくるわけだが、リンクルニットシリーズの名作たる所以（ゆえん）は、プロダクトデザインを追求するリンクルニットシリーズのコンセプトと、イッセイ ミヤケというブランドが得意とするファッションデザインの「相性の良さ」にあると思うのだ。　イッセイ ミヤケのファッションデザインにおいて、最も優れている点の一つだと思うのが、プリーツやシワ加工といったブランドのデザインアイコンが、既に普遍的なものとして世の中に定着していて、また、いい意味で「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」のモノグラムや「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」のイントレチャートのような「アイコンとしての強すぎる主張」がない点だ。一目見ればイッセイ ミヤケだとわかるキャッチーさがあるのに、服に用いられるデザインとしてはどこか馴染みがある。だからこそ、リンクルニットシリーズのようにあくまでシンプル＆オーソドックスで機能性を重視したコンセプトと掛け合わせれば、ギアとして優れているにも関わらず、イッセイ ミヤケのデザイン性は十分に楽しめる。それでいて変に主張も強くなく、お洒落でキャッチーさもあるのに、あくまでオーソドックスの範疇に収まる。結果としてプロダクトデザインとファッションデザインそれぞれが高いレベルを保ったまま噛み合う。それどころか、ただデザインバランスが美しいだけではなく、イッセイ ミヤケのデザインを着ているというブランドに対するロイヤリティも満たすことができる。まさに、イッセイ ミヤケの得意とするファッションデザインのベクトルが、最もよくハマるようにコンセプトが企画されている、知られざる名シリーズなのだ。　これだけ語っておいて唯一残念なのが、大した流通もなく一瞬で廃盤となった点だ。二次流通にもあまり出回っていないし、僕が初めて購入したのもファミリーセールかアウトレットか何かだったので、もしかすると当初はそこまで市場に出回らなかったのかもしれない。僕は定期的にフリマサイトなどを巡回し、このシリーズの個体を発見でき次第、保護する活動をしているのだが、この記事を書いている最中にも某フリマサイトで個体を発見したので一匹保護したところ。せめてオム プリッセや他の現存ラインなどでぜひ復刻してほしいと願うばかりである。＊　＊　＊　このシリーズを初めて購入した当初、それはそれはそのクオリティの高さに感銘を受け、定期的に買い足していこう！と思ったものの、少し油断し、気付いた頃にはもう手に入らなくなっていた。今ではなぜあの時すぐ買っておかなかったのかと定期的に後悔する服の一つになっている。当時はメンが休止するなんて夢にも思わなかったが、まさに「推しは推せるときに推せ」という事だ。いずれ来るとわかっている終わりならば、「そこに存在する」というありがたい事実に胡坐をかかず、愛でられるときに思いきり愛でておくべきである。　という事で、今年は好んで聴くアーティストの公演には片っ端から申し込みをしている。ブランドは老舗メゾンのように何百年と続くかもしれないが、人間の命は有限である。観れるときに観ておくべし……と、こんなところで愚痴るのもいかがかと思うが、今年予定していた中でも最も熱望していた宇多田ヒカルのツアー最終日は抽選から漏れる結果になった。ふざけるなよ。＞＞次回は6月30日（日）に公開予定

ISSEY MIYAKE MEN

Fashion

復刻を切望する「イッセイ ミヤケ メン」のリンクルニットシリーズ【連載：sushiのB面コラム】

MACKINTOSH

COMME des GARÇONS HOMME PLUS

Maison Margiela

FUMITO GANRYU

【2022年ベストバイ】繊研新聞 小笠原拓郎が今年買って良かったモノ

自分たちにしかできないことを　「一生さんから学んだことは計り知れない」と近藤。2007年にイッセイ ミヤケに入社し、「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ（PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE）」や「オム プリッセ イッセイ ミヤケ（HOMME PLISSÉ ISSEY MIYAKE）」などのデザインチームを経て、2017年に三宅デザイン事務所に移籍。2019年から「イッセイ ミヤケ」を率いている。その全ての活動において三宅氏の存在は大きかった。　「視野がとても広く、社会のこと、ものづくりの姿勢など、多岐にわたって日々色々なことを教えていただきました。その全てが自分の中に財産として残っています」。　特に影響を受けたのは、デザインやクリエイションへのアプローチだ。　「好奇心を持って、常に探求していくことがものづくりのスタート。ただ服を作るだけではなく、デザインというものに対して深く向き合って取り組むこと。人々の生活を豊かにしたり、希望が持てたり、ポジティブになれたりするものを、一つでも多く世に送り出す。それが理想であり、自分たちにしかできないことなのだと学びました」。　「自分らしいものを」「プロセスを大事に」など、三宅氏の哲学は今のイッセイ ミヤケに引き継がれている。そして「beyond（＝〜の向こうに、〜を越えて）」「前へ」といった言葉もよく口にしていたという。　「今までトライしていないことはなんだろう？ 自分たちに足りないものは？ と自問自答しながら、課題を解決することで一歩進む。そうやってこれからも、自分たちらしいものを作っていけたら」。呼吸するかたち　そんなものづくりの精神が新たな形で注ぎ込まれたのが、パリで発表された2023年春夏コレクションだ。イッセイ ミヤケは素材の探求が服作りのベースとなることが多いが、今回はアプローチが全く異なっていた。　「新しいかたちを模索したい」という考えから、あらゆる彫刻をリサーチ。そして陶磁器の原料となる粘土を常滑から取り寄せ、近藤をはじめデザインチーム一人一人の手で、感性のままにオブジェを制作する。次に布を使って彫刻を作ることにチャレンジし、出来上がった形を服のディテールに取り入れていったという。　「何回も造形を作り、手で探り当てていくという作業でした。作ることがだんだんと楽しくなり、命を吹き込む感覚で"柔らかなスカラプチャー"を目指していったのです」。　今シーズンのテーマ「呼吸するかたち」とは、新しく自由なフォルムの衣服を意味する。素材に関しても身体との関係を意識し、100％植物由来の原料によるポリエステル繊維を東レと共同開発した。部分的にプリーツを施した立体的なドレスは、モデルが歩くたびに弾み、まるで鼓動しているかのよう。　「見たことがないもの、出会ったことがない質感、人に驚きを与えるようなものを提案していきたい、という思いは常に心にあります」。　そういった自由な感覚から、布の彫刻を思わせるフォルムや有機的なシルエットのドレス、円形プリーツのシャツやコートといった表現豊かなデザインが生み出されていった。　ショーの演出もドラマティック。月夜に夢の中で不思議な体験をするというストーリーを、照明やダンスで表現した。ラストは日の出を思わせる光の中に、多様なスキントーンのドレスをまとったモデルたちが登場。それぞれが飛んだり跳ねたり、躍ったりしながらランウェイを駆け抜けていく、自由で躍動的なフィナーレとなった。ものづくりの命を引き継いでいく　フィジカルのランウェイショーとしては2年半ぶりの今回、三宅一生のポートレートがスクリーンに映し出されたショーの冒頭、そしてフィナーレと、2回の大きな拍手が沸き起こったのが印象的だった。その様子を舞台裏のモニターで見ていた近藤もまた、様々な感情が込み上げてきたと振り返る。　「グッとくるものがありました。スタッフやモデルたちも、前に進もう、笑顔で行こう、と良いムードで。このコレクションから希望を感じ取ってもらえたら嬉しいです」。　トルソーやスキントーンといった身体と服の根源的な部分に立ち返りながらも、新しい日々の始まりを予感させる。ものづくりの命を絶やさず、未来へ引き継いていくイッセイ ミヤケの新たな一歩が踏み出された。

イッセイ ミヤケ、未来への一歩　デザイナー近藤悟史が三宅一生から引き継いでいくこと

　客席に置かれていたのは白い紙。これは残反を混ぜた新しい再生紙で、現デザイナー近藤悟史とデザインチームからのメッセージが記されていた。   私たちにとって、デザインは、好奇心に導かれる、突き詰めた探求に基づいたプロセスであり、人々の生活に喜び、驚き、希望をもたらす、もちろん遊び心も欠かさずに。デザイナー近藤悟史とデザインチーム、三宅一生を偲んで彫刻から服を作るアプローチ　2023年春夏コレクションのテーマは「A Form That Breathes —呼吸するかたち—」。形の概念を解き放ち、生命を感じるような自由で新しいフォルムを探求したという。　近藤率いるデザインチームは今回、土を使って彫刻を作り、それを布に置き換えて創作されたフォルムを服に表現するという実験的なアプローチでコレクションを制作。その彫刻の一部を拡大したモニュメントが、フロアの中央に設置されていた。呼吸するドレス　冒頭のパートの「TORSO」シリーズはモノクロームで構成。身体上に彫刻を作るように、一枚の布で立体的なシルエットを作り上げた。　後半の無縫製ニットシリーズ「LINKAGE」はリサイクルポリエステルを使用し、一部が突出するなどユニークなシェイプが特徴。同じく無縫製ニットの「ASSEMBLAGE」シリーズは透け感が軽やかで、モデルが歩くたびにドレスやスカートが上下に弾む様子が、呼吸しているように感じさせた。　素材にも新しさを取り入れ、100％植物由来の原料によるポリエステル繊維を用いてセットアップを制作。東レとの提携により、原料に石油を使わないことを実現した開発段階の素材で、今後量産化を予定しているという。希望に満ちたフィナーレ　ショーの終盤は、様々なスキントーンのコレクションピースを着用したモデルたちが、自由な動きでダンス。最後は夜明けが訪れたかのようにフロアが温かい光に包まれ、笑顔のモデルたちが飛んだり跳ねたり、希望に満ちたフィナーレとなった。　ショーを終えた近藤はバックステージで、大きな存在だったという三宅一生について触れ、「ここまで育ててくれた一生さんのフィロソフィーはこれからも大切にしたい。でも、一生さんが作っていたものをそのまま作っていたのでは怒られてしまう。自分らしく表現していこうと思っています」とコメント。また、会場全体を包んでいたポジティブなムードは、冒頭の三宅一生のポートレートに添えられていた生前の言葉とも通ずるものを感じさせた。I believe there is hope in design. Design evokes surprise and joy in people.（デザインには希望があると信じています。人々に驚きと喜びを与えるのです）三宅一生

希望に満ちた「イッセイ ミヤケ」　三宅一生のフィロソフィを未来へ　2023年春夏コレクション

　なおムラ・マサといえば、エレクトロ、ポップ、ロック、パンク、R&B、ヒップホップなど多様なジャンルのエッセンスが含有する豊かな音楽性で聴衆を魅了してきたが、それはガーンジー島という孤島で生まれ育った環境が大きく起因している。このためインタビューを読み進めるにあたり、ガーンジー島に関する知見を少しでも広げた方が彼と作品への理解が深まるはずなので、少し余談を。　グレートブリテン島の南方に浮かぶガーンジー島は、1000年ほど前よりイギリス王室属領なのだが、もともとはユーラシア大陸と陸続きであったほどフランスに近い場所で（約50km）、なおかつ亡命者や移民も数多く受け入れてきた歴史から多言語・多文化が入り混じる島だ。ちなみに、小説家ヴィクトル・ユーゴー（Victor Hugo）は19世紀にガーンジー島へ亡命した1人で、この地で小説「レ・ミゼラブル」を書き上げている。さらに日本とも縁が深く、明治維新の際に同島出身者が英国使節団の1人として来日し日本文化に魅せられた結果、日本人大工・庭師を連れて島内に神社や屋敷を建設。庭木の剪定方法には盆栽の仕方を伝授し、未だに盆栽を趣味とする島民も少なくないという。少し余談が長くなってしまったが、以上のような背景があることを頭の片隅に置いたうえでページをスクロールしていただければ幸いだ。―まずは初歩的な質問から。音楽との出会いやアーティストを志した経緯を教えてください。　両親が音楽好きだったから楽器に囲まれるように育ち、8歳で初めてのギターを手にして、10代前半の頃はパンクやメタルなどいろいろなジャンルのバンドを組んでいたね。ムラ・マサとして今のような楽曲を制作・プロデュースするようになったのは、パソコンをゲットした16歳の時からかな。―楽器からパソコンに制作手段を変更した理由は？　バンドとは違い、1人で自由にボーカルやドラム、シンセサイザーなど全てをコントロールできることが面白いと思ったんだ。―楽曲ごとに多様なジャンルの要素を感じるのですが、これまで影響を受けてきたアーティストをあえて5組だけ挙げるとすれば？　多すぎるから難しいけど、ボン・イヴェール（Bon Iver）とジェイムス・ブレイク（James Blake）と......。ちょっと待って、自分の「スポティファイ（Spotify）」の履歴を確認してみる......。あとは、スリップノット（Slipknot）、マイ・ブラッディ・ヴァレンタイン（My Bloody Valentine）、ブリアル（Burial）かな。ごめんね、エイフェックス・ツイン（Aphex Twin）も追加で。―日本では、よく"人生で最初に買ったCD"の話題で盛り上がるのですが覚えていますか？　ゴリラズ（Gorillaz）の2ndアルバム「Demon Days」だね。何回も何回も聴いたのを覚えているし、デーモン・アルバーン（Damon Albarn、ゴリラズの中心人物）と楽曲を制作できたのは夢のようだったよ。―当時17歳の2013年からインターネット上で楽曲を発表していますが、何歳頃にアーティストを生業にできると確信しましたか？　音楽で食べていけていることは本当にラッキーだと思うし、これが当然だと思わないようにしているから、分からないが正解。でも、十分にお金を稼げるようになったのは、大学生の時だね。レーベルと契約を結ぶことができて、母親に「音楽で食べていけるようになったから、もう大学は行かなくていいや」って電話をしたら、「せめて卒業だけでも」って返されたけど、言うことを聞かずに中退してしまったよ。―活動初期の頃はベッドルームで楽曲を制作していましたが、世界的アーティストになったことで制作環境に変化はありましたか？　未だにヘッドフォンは10代の時に買ったものをそのまま使っているし、全然変わっていないんだ（笑）。庭に他のアーティストと作業するためのスペースを作ってスピーカーを置いたりしたけど、自分の楽曲を作るときは変わらずベッドルームだよ。―楽曲制作の面で、パンデミックはなんらかの影響をもたらしましたか？　パンデミック中は悲しんだり落ち込んでしまうようなことが多くて、そういったネガティブな感情を楽曲に落とし込むアイデアもあったけど、それよりもみんながパンデミックを乗り越えた後に楽しい時間が過ごせるような音楽を作りたいマインドに変化してね。それで、パンデミックに対するリアクションもインスピレーションにしつつ出来上がったのが3rdアルバム「demon time」なんだ。制作は1年半くらい前にスタートしたと思う（※イギリスは3度目のロックダウンの時期）。―「demon time」に込めた意味を教えてください。　英語圏にはもともと"demon time"というスラングがあって、今は本来の意味から派生して"日中は出来ない悪いことを楽しめる時間"や"パーティーを楽しむ時間"、"何かに没頭する時間"って使い方をするようになったんだけど、今回は"音楽的に没頭する"という意味を込めてタイトルに採用したんだ。―前作は制作過程でトーキング・ヘッズ（Talking Heads）やジョイ・ディヴィジョン（Joy Division）をよく聴いていたそうですが、今作では特定のアーティストや作品をリファレンスしましたか？　ファレル・ウィリアムス（Pharrell Williams）が2000年代初期に手掛けていた楽曲をたくさん聴いていたね。彼のプロデュースの仕方は、僕にとって少し悪戯的な要素が感じられるから楽しいんだ。―全曲でゲストを迎えているのは意図したものですか？また、前作よりもグローバルな感じが伝わってきます。　かなりオーガニックなもので、結果的に日本語やスペイン語など多言語のアーティストが参加してくれたね。頭のどこかにユニバーサルな作品にしたい気持ちがあって、世界中の全ての人たちに向けた作品にしたかったんだと思うよ。―やはり日本人としてTohjiさんの参加は見逃せません。彼は前回の来日公演でもオープニングアクトを務めていましたが、出会いは？　もともとTohjiのファンで、お気に入りの日本人アーティストの1人だったからオープニングアクトは僕がオファーしたんだ。その後、何回か一緒にパフォーマンスもしているし、彼の楽曲「Oreo」のリミックスもしているよ。―自身の楽曲に日本人アーティストを迎えるのは、Tohjiさんが初めてですよね？　そうだね！制作は全てリモートで行ったから、一緒にスタジオに入った時にハプニングが起きたとかおもしろいエピソードはないんだけど、イングランドで放送されている幼児向けTV番組「ポストマン・パット（Postman Pat）」がリリックに出てきてびっくりしたよ。―今作はアートワークも特徴的ですよね。レコードには、"demon"が隠れている仕掛けが施されていますし。　あんまり考えすぎずに思い浮かんだイメージをそのまま採用するつもりでいたら、なぜかソニック・ザ・ヘッジホッグの走っている姿が頭に浮かんでね。丸みを帯びた感じと変なポーズは、僕なりにソニックを真似している（笑）。―アートワークで「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」のブーツを履いていたりと、ここ数年でファッショナブルな印象が強くなりました。　実は、プライベートではアートワークのような格好をしているんだけど、表舞台に立つときは恥ずかしくなってしまい全然違うスタイルをしていたんだ。でも今回は「もういっか」って。着ている服は全部自前で、パンツは大好きな「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」だよ。―「イッセイ ミヤケ」のブランド名が挙がりましたが、他に好きなブランドやデザイナーはいますか？　日本のブランドが本当に好きで、故・三宅一生と川久保玲は特にお気に入りだね。あとは、デムナ（デムナ・ヴァザリア Demna Gvasalia）が好きだから「バレンシアガ（BALENCIAGA）」と初期の「ヴェトモン（VETEMENTS）」。ボッテガ・ヴェネタはダニエル・リー（Daniel Lee）が手掛けていた時が好きで、今はちょっと気持ちが分からなくなっているかな。―自身のファッションを一言で表すなら？　んー......こんな言葉があるか分からないけど、パンキー・ゴシックかな。―忘れられないファッション体験はありますか？　ちょっと前に、プレイボーイ・カルティ（Playboi Carti）がバレンシアガの服を着ていた姿がヴァンパイアのようですごく印象に残っている。今回のアルバムに参加しているリル・ウージー・ヴァート（Lil Uzi Vert）の格好もゴシックな感じで好きだよ。―では、これだけは捨てられないアイテムは？　8年くらい被り続けている「ナパピリ（NAPAPIJRI）」のキャップだね。友達の父親が1980年代に購入したものをもらったんだけど、僕よりも長生きだからボロボロだよ。どこにでも持っていくしステージでもよく被っているから、このキャップ姿の僕の写真がたくさんあるんだ（笑）。フジロックのパフォーマンス中にも被っていたよ。―ファッションブランドとのコラボの予定はありますか？　最近だと、フジロックに合わせて「ブレイン デッド（BRAIN DEAD）」とのコラボTシャツが発売されたね。あと、今はまだ言えないコラボが1つあって、ブランド名は控えるけど「demon time」にちなんだ時計関連とだけ言っておくよ。―少し話題を変えさせてください。アーティスト名がムラ・マサで、初期に「Shibuya」という楽曲を発表し、「What If I Go?」では日本語をサンプリングしたりと、日本は楽曲制作における着想源の1つだと思います。まだ来日したことがなかったときと、来日してからの日本の印象は変わりましたか？夢見ていた日本は、夢のままで良かったですか？　やっぱりヨーロッパでの日本はアニメの印象が強くて、思い描いていたアニメの世界とは全然違うこともあったけど、イメージはいい意味で変わったね。日本は地球上で最もお気に入りの場所と言っていいほど大好きな国だよ。―日本でお気に入りのスポットはありますか？　ベタすぎてダサいのは分かっているんだけど、西麻布の和食レストラン「権八」には行ってしまうね（注：映画「Kill Bill」の撮影地）。あとは、新宿ゴールデン街と原宿のレコードショップ「ビッグ・ラブ・レコーズ（BIG LOVE RECORDS）」かな。―それでは最後に、日本の旅行者におすすめしたいロンドンのスポットは？　ペッカム（ロンドン南東部の地区）にあるタイ料理屋「ベッギング・ボール（The Begging Bowl）」だね。僕もよく行く美味しいお店だから行ってみて！

BOTTEGA VENETA

BALENCIAGA

VETEMENTS

Culture

我が道を切り拓くUK発のプロデューサーMura Masa　「demon time」を通してプライベートを探る

フェミニスト・イシューとしての「ポケット問題」　女性服のポケットが注目されているのは、はたして日本だけなのだろうか？ インスタグラムでは#MeriPocket（@meri.pocket）というアカウントが「ウィメンズウェアが平気で無視しているポケットを主張することで、女性たちに活力を与えるムーブメント」を目指し、フェミニスト・イシューとして世界中のポケット問題について論じている。　2021年のMETガラ（NYのメトロポリタン美術館で毎年5月に開催されるファッションの祭典）でポケットのある「ディオール（DIOR）」のドレスを着用した女優ヤラ・シャヒディの写真には、このようなキャプションが添えられた。「ポケットは瞬時にルックをレベルアップさせる。でも待って、創業者であるデザイナーのクリスチャン・ディオールは『男性には物を入れるポケットがあり、女性には装飾用のポケットがある』と言わなかったっけ。マリア・グラツィア・キウリは女性たちに活力を与えるために大きく前進し、ポケットなしのドレスを追い払った？」（※キウリは「ディオール」の現ウィメンズ アーティスティック ディレクターで、就任当初よりフェミニズムを打ち出している）　他にも同アカウントでは、スカーレット・ヨハンソン主演の映画『ブラック・ウィドウ』の中で「ポケットのついたベスト」について語られる重要な場面や、40歳の誕生日に公開された英・キャサリン妃のポートレートがドレスのポケットに手を入れている姿であったことなどを伝えている。「ジーンズのポケットにスマホを入れたい」　また、LAの人気インスタグラマーのheb（＠hebontheweb）は、前述の#MeriPocketからインスパイアされ、「私のジーンズにポケットをちょうだい。フェイクのものじゃ意味がない、実際にスマホを入れられるものがほしい」と歌う動画を公開。ポケットが浅すぎるジーンズを穿いてユーモラスに訴えるこの投稿は、TikTokでも70000を超えるいいねを獲得している。男女のジーンズのポケットを比較してみたら　では実際に、女性のジーンズのポケットは、そんなに「使えない」のだろうか。NY発のデジタルパブリケーション『The Pudding』のビジュアルエッセイ「かつて賢人がポケットは女性に許可されていないと言った」（2018年）に興味深いデータが掲載されている。アメリカで人気の20のデニムブランドを測定した結果だ。32インチのスキニー／ストレートの計80本のデータを集め、男女のポケットサイズを比較している。　「アバクロンビー&フィッチ（Abercrombie & Fitch）」や「カルバン・クライン（Calvin Klein）」などのデニムを測定すると、平均して女性のジーンズのポケットは男性のそれよりも48%短く、6.5%狭いことが分かった。さらに同記事では、男女別のポケットに様々な日用品が収まるかどうかも検証している。iPhone Xの場合、100%の男性のポケットに収まるが、40%の女性のポケットしか収めることができない。平均的な女性の手がポケットに収まる確率もたった10%だった。ファッションの歴史を紐解いてみると…？　『The Pudding』では、中世の洋服について男性も女性もポケットがあったことに触れている。それは衣服の下に隠された、装飾付きのウエストポーチのような形状だった。17世紀に入っても、女性はその中に香水や小さなクシなどを入れていたと伝えられている。それが変化したのは18世紀の終わり頃。女性服のウエストの位置が上がり、シルエットがスリムに絞られたことで、ポケットが省略されていったようだ。　今回の「女性服のポケット問題」で浮かび上がったのは、これまでの女性服に対する固定観念だ。「女性服はあまり機能性を重視しない」「素材が繊細だからポケットをつけるのが困難」「シルエットへの影響を考えて、ポケットを省略しがち」……。そういった認識により、実際の女性たちの需要が軽視されていたようにも捉えられる。　しかし、「シャネル（CHANEL）」の創設者ガブリエル・シャネルが1950年代に発表したツイードジャケットはポケットをはじめとする実用的な工夫が施され、活動的な女性たちに支持されてきた。また、8月5日に惜しまれながらもこの世を去ったデザイナーの三宅一生も着やすさにこだわり、ほとんどの服にポケットをつけている。永遠の課題とも言えるデザインと機能性の両立に、真っ向から取り組んでいるデザイナーたちがいるのもまた事実だ。　また、「エッツィー（Etsy）」のようにポケットの有無をフィルタリングできるECサイトも増えてきている。「女性服のポケット問題」は国内だけに限らず、世界中の女性たちの悩み。より快適な衣服について、男女問わず見直されるきっかけとなりそうだ。

DIOR

UNIQLO

Le Denim

「なぜ女性服にはポケットがないのか」 海外のムーブメントを追う

三宅一生氏の経歴1938年　広島県広島市生まれ。1960年　多摩美術大学図案科在学中、日本で初めて開催された「世界デザイン会議」で衣服デザインが含まれないことに疑問を持ち、質問状を送る。1961年　第10回装苑賞において佳作にあたる賞を受賞。1962年　第11回装苑賞において佳作にあたる賞を受賞。アートディレクター 村越襄に声を掛けられ、東洋レーヨン（現・東レ）の1963年版カレンダー用衣装を制作。1963年　第1回コレクション「布と石の詩」を発表。1965年　渡仏。2つのメゾンでアシスタントを務める。1969年　ニューヨークへ渡り、既製服の経験を積む。1970年　三宅デザイン事務所を設立。「東レ・ニット・エキジビション」において、いくつものパーツで構成された分解可能なユニットの衣服を発表する。1971年　ニューヨークコレクションに初参加し、海外進出。1973年　初めてパリでコレクションを発表。1975年　メトロポリタン美術館主催「Inventive Clothes 1909-1939」の企画を再現した、「現代衣服の源流展」を京都国立近代美術館で開催。1976年　ショー「三宅一生と12人の黒い女たち」を開催。1977年　衣服デザインの分野で初めて、1976年度毎日デザイン賞を受賞。同年に毎日デザイン賞記念ショー「Issey Miyake in Museum — 三宅一生と一枚の布」を開催。1978年　存命中の衣服デザイナーとして世界初となる作品集「三宅一生の発想と展開　ISSEY MIYAKE East Meets West」を出版。「間 日本の時空間」展に参加。1979年　米アスペン国際デザイン会議に招聘され、ショー「Issey Miyake East Meets West」を発表。1982年　アメリカの現代美術誌「Artforum」のカバーストーリーに登場。ニューヨーク・航空母艦イントレピッド号で1983年春夏コレクションを発表。1983年　「ISSEY MIYAKE SPECTACLE: BODYWORKS」展を開催。1985年　第1回オスカー・ドゥ・ラ・モード最優秀外国人デザイナー賞受賞。1986年　「Time」誌のカバーストーリーで紹介される。アメリカの写真家 アーヴィング・ペンが「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」のコレクション撮影を手掛け始める。1988年　プリーツの仕事を始める。「Issey Miyake A-ŪN」展を開催。三宅氏が手掛けた福岡ダイエーホークスの新ユニフォームを披露。1989年　「Issey Miyake Meets Lucie Rie」展を開催。1990年　第1回ヒロシマ賞受賞。第1回ヒロシマ賞記念「三宅一生展 TEN SEN MEN」を開催。アムステルダム・ステデリック・ミュージアムの「Energieën（エナジーズ）」展に参加。東京・東高現代美術館にて「三宅一生展 プリーツ・プリーズ」を開催。1991年　フランス 芸術文化勲章 最高位コマンドール受章。1991年秋冬パリコレクションにて、のちの「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ（PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE）」の原型となるニット素材のプリーツ服を発表。ウィリアム・フォーサイスとフランクフルト・バレエ団の公演「失われた委曲」のコスチュームデザイン・制作を行う。1992年　1991年度朝日賞受賞。第25回バルセロナ・オリンピック競技大会リトアニア代表選手団の公式ユニフォームをデザイン・制作。香川・直島コンテンポラリー・アートミュージアムで「三宅一生展 ツイスト」を開催。1993年　新ブランド「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ」をスタート。フランス レジオン・ド・ヌール勲章シュバリエ受章、イギリス ロイヤル・カレッジ・オブ・アート（王立芸術院）より名誉博士号授与。1995年　第15回金の針賞（La Aguja de Oro）受賞、NYファッショングループ・インターナショナルより特別賞受賞。1997年　紫綬褒章を受章。「イサム・ノグチと三宅一生 アリゾナ」展を開催。1998年　「A-POCプロジェクト」を始動。「ISSEY MIYAKE MAKING THINGS」展が開催。文化功労者へ顕彰。1999年　フランス リヨン大学よりDocteur “Honoris Causa”（名誉博士号）授与。「イッセイミヤケ」では三宅氏の後任として、1993年にメンズラインのクリエイティブディレクターに滝沢直己氏を起用。1999年からはウィメンズラインも同氏が兼任。三宅氏は基幹ブランドを後進に引き継ぎつつ、「A-POC」や「132 5. ISSEY MIYAKE」など様々な実験的なプロジェクトの指揮を取った。2000年　第18回毎日ファッション大賞「ミレニアム記念賞」を受賞（過去、同大賞を84年、89年、93年の計3回受賞）。新潮四賞 日本芸術大賞、デンマーク 第1回ジョージ・ジェンセン賞、A-POCが「2000年度グッドデザイン賞」大賞を受賞。2001年　カナダのハーバーフロントセンター「World Leaders: A Festival of Creative Genius」世界のクリエイティブなリーダー14名のひとりに選出される。ヴィトラ・デザイン・ミュージアム・ベルリンで、「A-POC MAKING : ISSEY MIYAKE & DAI FUJIWARA」展を開催。ロンドン・ヴィクトリア&アルバート・ミュージアムでの「ラディカル・ファッション」展に参加。2003年　「なんなの？A-POC MIYAKE ISSEY + FUJIWARA DAI」展が開催。2004年　財団法人 三宅一生デザイン文化財団設立。アメリカ オハイオ州立大学ウェクスナーセンターより第11回ウェクスナー賞受賞。「ダオメ Dahomey 1967: Photographs by Irving Penn」展を日本民藝館と共催。金沢21世紀美術館の「21世紀の出会い ― 共鳴、ここ・から」展にA-POCを出展。2005年　第17回高松宮殿下記念世界文化賞〈彫刻部門〉受賞。パリ・ポンピドゥー・センターの「ビッグバン 20世紀の創造と破壊」展にPLEATS PLEASE ISSEY MIYAKEを出展。2006年　NYアートディレクターズ・クラブ「Hall of Fame（栄誉の殿堂）」入り、第22回京都賞〈思想・芸術部門〉受賞。ニューヨーク近代美術館（MoMA）の建築・デザイン部門に「A-POC Queen」が所蔵される。2007年　21_21 DESIGN SIGHTを開設し、ディレクターに就任。同年10月、2007年秋冬パリコレクションより藤原大がイッセイ ミヤケのクリエイティブディレクターに就任。2008年　21_21 DESIGN SIGHT第3回企画展「XXI c. — 21世紀人」のディレクションを手掛ける。2009年　21_21 DESIGN SIGHT「U-Tsu-Wa／うつわ — ルーシー・リィー、ジェニファー・リー、エルンスト・ガンペール」展をディレクション。2010年　平成二十二年度文化勲章を授章。同年9月「広島名誉市民」、12月「広島名誉県民」に認定。21_21 DESIGN SIGHT「REALITY LAB　再生•再創造」展をディレクション。2011年　内閣府の認定を受け2月に、公益財団法人三宅一生デザイン文化財団へと移行。ISSEY MIYAKE ウィメンズの新デザイナーに宮前義之を任命し、2012年春夏パリコレクションより新体制でコレクション制作開始。2012年　ロンドンのデザインミュージアムによる「Design of the Year 2012」のファッション部門にて、「132 5. ISSEY MIYAKE」が最優秀デザインに選出。三宅一生＋Reality Lab.が第30回毎日ファッション大賞「30周年記念賞」受賞。日本のデザインの重要性を広く伝えることを目的とした「国立デザイン美術館をつくる会」を設立。2013年　「陰影 IN-EI ISSEY MIYAKE」がドイツ「iFプロダクトデザイン賞 2013」金賞受賞。「青森大学男子新体操部」の公演が開催され、企画およびコスチュームデザインを手掛ける。2014年　パリ・カルティエ現代美術財団美術館30周年記念展「Memoire Vives（生きた記憶）」において「陰翳 IN-EI ISSEY MIYAKE」」を出展。2016年　4月、大型本「Issey Miyake 三宅一生」がドイツの出版社タッシェンから出版。「MIYAKE ISSEY展　三宅一生の仕事」が国立新美術館で開催。メトロポリタン美術館の「MANUS × MACHINA（手と機械）：テクノロジー時代のファッション」展へ出展参加。フランス レジオンドヌール勲章最高位 コマンドールを受章。2017年　ニューヨーク近代美術館での「Items：Is Fashion Modern？」展へ出展参加。12月、クリエイティブディレクター 小池一子による書籍「イッセイさんはどこから来たの？ー三宅一生の人と仕事」が発売。同年8月に開館する「富山県美術館 アート＆デザイン」のスタッフユニフォームを富山県美術館のスタッフユニフォームをデザインした。2018年　イタリアの建築デザイン誌「domus」4月号にて、「Session One」を中心に三宅一生の仕事が特集される。パリ装飾美術館「ジャポニスムの150年」展へ出展参加。2019年　令和元年度「東京都名誉都民」の称号が贈られた。イギリスのロイヤルアカデミー・オブ・アーツより名誉フェロー（Honorary Fellow）に選出。「オム プリッセ イッセイ ミヤケ（HOMME PLISSÉ ISSEY MIYAKE）」がパリのポンピドゥセンターでプレゼンテーションを発表。2022年　8月、肝細胞がんで死去。享年84。業界内外から寄せられた追悼投稿■ファッションデザイナー 滝沢直己■美術家 横尾忠則■ファッションジャーナリスト・東京ファッションデザイナー協議会（CFD TOKYO）議長 久保雅裕■モデル 冨永愛■「ポール・スミス（Paul Smith）」デザイナー ポール・スミス■ファッションデザイナー 津村耕佑■「ミナ ペルホネン（minä perhonen）」デザイナー 皆川明■「ケイタマルヤマ（KEITA MARUYAMA）」デザイナー 丸山敬太■「アンブッシュ®（AMBUSH®）」クリエイティブ ディレクター YOON■写真家 操上和美■デザイナー 吉岡徳仁■ライゾマティクス 真鍋大度■ファッションジャーナリスト 宮田理江■「リトゥンアフターワーズ（writtenafterwards）」デザイナー 山縣良和■「ハトラ（HATRA）」デザイナー 長見佳祐■インテリアデザイナー / Wonderwall®︎代表 片山正通■小池百合子 東京都知事■米国ファッション協議会（CFDA）■フランス大使館■東京都現代美術館学芸員 藪前知子■シンガーソングライター 矢野顕子■モデル・女優 川原亜矢子■作家 平野啓一郎■トータルビューティクリエイター 川邊サチコ■モデル クリスティ・ターリントン■ファッションジャーナリスト ティム・ブランクス■ファッションジャーナリスト スージー・メンケス■モデル リンダ・エヴァンジェリスタ

ファッションデザイナー 三宅一生氏が死去　業界内外から追悼の声

＊　＊　＊　創設者である三宅一生氏が掲げたブランドのコンセプトは「一枚の布」。パリコレクションデビューとなった1973年のランウェイでは、日本の着物や、インドのサリーからインスピレーションを受けた“一枚の布をまとうことで服として成立させる”デザインを発表し、西洋を驚嘆させた。　三宅氏は、シャツやトラウザーズといった既存のフォーマットを現代の感性でアップデートする手法ではなく、一枚の布と向き合った際、“現代ではどんな形状の服が求められているのか？”という原始的な問いからデザインをスタートをするという。三宅氏によるデビューコレクションからデザイナーが複数回交代した今日に至っても、ブランドのデザインの核として欠かせないものとなっているこのアプローチは、「その街で生活する人を考えたときに、どういった機能が求められるか」という視点で設計を行う建築に近いと、建築・街づくりの仕事に携わる僕の目には映る。　イッセイ ミヤケのデザイン性は各年代で高く評価され、アーカイヴ作品では「イカコート」と呼ばれるロングコートや、ポケットがいくつも配されたカーゴボンバージャケット、近年では「バオ バオ イッセイ ミヤケ（BAO BAO ISSEY MIYAKE）」や「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ（PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE）」など、時代を問わず名作を世に送り出している。その中でも僕がひっそりと愛しているB面的名作が、イッセイ ミヤケがブランドの立ち上げ初期から現在も各ラインで取り扱うジャンプスーツだ。　ジャンプスーツ、もといツナギと称される形状の服はさまざまあるが、基本的にトップスとパンツが一体となっているため、埃やゴミが侵入しづらかったり、パンツのウエストを絞るベルトが必要ない合理的な形状から、ワーク、ミリタリー、スポーツ用のウェアとしてしばしば採用されてきた。ヘビーデューティなイメージも相まって、洋服の歴史の中でもファッション着として捉えられるようになるまでに時間がかかったらしい。　イッセイ ミヤケのジャンプスーツの何がいいのかと言えば、デザインが至極スタイリッシュかつモードに昇華されているところだ。僕が所有している1980年代の初期のものは、マオカラーシャツタイプの上半身と、どぎついテーパードがかかったパンツ部という組み合わせで、“三宅節”の効いたディテールがワークウェアのような野暮ったさを感じさせない。腰にはグルカパンツを彷彿とさせる太いベルトがついており、絞ってハイウエストで着用したり、緩めて全体をストンとしたシルエットにしたりと、フレキシブルに表情を変えることができる。裾丈はワンクッション程度の長さで設計されていて、座った際に裾がまくりあがりツンツルテンになることもない。これはスラックスを仕立てる際、一般的には靴下が見えない程度のハーフクッション～ワンクッションの丈感とすることがエレガントとされるドレスのセオリーに通じる部分なのでは、と思う。もともと泥臭いイメージのあるジャンプスーツを、現代のファッション着として座った際の美しさまで考慮してデザインに昇華した三宅氏の技はあっぱれだと感じる。まさに三宅氏が当時の目線でジャンプスーツを一から構築した衣服だったのだろうと感じ取れるし、同社のデザインコンセプトを大きく反映している名品だ。＊　＊　＊　イッセイ ミヤケのプロダクトにはその時々の人の生活や日常を強く意識した要素が含まれるからか、人間の身体のフォルム、そしてその動きに着目して作られているものが多い。2013年に立ち上がった「オム プリッセ イッセイ ミヤケ（HOMME PLISSE ISSEY MIYAKE）」では「現代を生きる男性のための日常着」をテーマに、イージーケアかつ高いストレッチ性が特徴のプリーツウェアを発表しているが、それまでプリーツは女性らしいものと考えていた僕にとってそれはそれは新鮮に映り、またその着心地の快適さから何着か愛用している。　近年は新型コロナウイルスの流行をはじめ、世相が大きく転換するような出来事が多く発生している。そのパラダイムシフトの中で人々の生活様式が大きく揺れ動く時代にこそ、イッセイ ミヤケのクリエイティビティは本領発揮をするだろう。混沌としたこの現代をどう読み取り、咀嚼し、アウトプットするのか。この先も進化し続けるであろう同社のクリエイションに希望を込めたい。

三宅一生の技光る　「イッセイ ミヤケ」80年代のジャンプスーツ【連載：sushiのB面コラム】

ー既に会期が始まってから数週間経ちました。どのような感想が届いていますか？　好意的な感想が多く寄せられていて、まずは一安心です。会場設営をしてくれた施工会社の方に「懐かしいですね」と声をかけてもらう回数が多かったことも嬉しかった。それぞれの人が持つ、自分史に引っかかる展示になればな、と思っています。ーコロナ禍によるオリンピックの延期に伴って、同展も会期が延期になりました。　当初は、東京オリンピックの開催に合わせて2020年6月3日から国立新美術館で、2020年9月19日から島根県立石見美術館で開催予定でした。企画立案は4年前。当時の館長が「海外からのお客さんがたくさん来る時期。日本の文化として思い浮かぶのは漫画やアニメ、建築、そしてファッションだろう」ということで、国内の漫画やアニメに着目した展示と、ファッションにフォーカスした同展の二本立てを用意することになりました。ー「ファッション分野に興味があった」とのことですが、学校で専門的に学ばれていたんですか？　専門的に学ぶ機会はなかったです。学問的に学んだことはないのですが、消費者として「着る」ということをとても楽しんでいたんですよね。ー延期を経て無事に開催されたことについて、担当学芸員として率直な気持ちを教えてください。　「去年やりたかった」という気持ちがないと言ったら嘘になります。山本寛斎さんからも、この企画のお話をした時とても賛同してくださったと聞いています。ベテランデザイナーが亡くなってしまったことは、1年間のロスにおける最も残念な部分。一方で、コロナ禍があり、様々な事象を自分の問題として捉えざるを得なくなっている昨今。日常と密接に関わる「ファッション」を通して、現在に至るまでのこれまで歴史を振り返り、現在の立ち位置を知る良い機会になるといいな、と思っています。ー今回の展示のキュレーションは、本橋さん1人で担当したんですか？　全部で4人の学芸員で企画しました。今回の展示は10年単位で日本のファッションを振り返る内容となっていますが、年代ごとに分担してキュレーションを行いました。私は主に、70〜80年代を担当しています。ー同展を作り上げた4人の学芸員の方は、全員国立新美術館に所属している人ですか？　国立新美術館からは2人。残りの2人は島根県立石見美術館の学芸員という構成です。ー島根県立石見美術館では地方巡回展も行われました。協業のきっかけは？　石見美術館は、デザイナー 森英恵さんの出身地ということもあり、美術展だけではなく「ファッション」にフォーカスした展示を積極的に行っている美術館なんですよ。そこでお声がけをしたところ企画に賛同してくださったのがきっかけです。石見美術館さんが1960年代までの展示前半を、70年代以降の後半を新美術館が担当しました。 ーこれまでの展覧会で「ファッション史」を振り返る時、アメリカやイギリスなどの西洋文化を含めて振り返ることが多かったと思います。同展があくまでも「日本のファッション史」にこだわった理由は？　きっかけは、「日本人はいつから『洋』服を着るのが当たり前になったんだろう」という素朴な疑問からです。仕事でミャンマーやベトナムなどの東南アジアに行くことがあったんですが、彼らの装いというのはまだまだ民族衣装が主流。ミャンマーに関してだけ言えば、イギリス領であった過去もあるので「洋服」がもう少し市民権を得てもいいはずなのにな、と思ったんですよね。そういう素朴な疑問を解消するために勉強をしている時に「こんなに面白いなら皆さんにも見てもらいたいな」と。ファッションの歴史についてある程度学んでからは、国内外で行われている様々なファッション展において、日本のファッション史がいつも70年代から語られることを個人的に残念に思うようになりました。だからこそ、今回は戦後である45年から現代までを網羅する展示空間にしました。ー「黒の衝撃」とも評される「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」のコレクションが置かれている台座を見た時、「この時、時代は動いたんだな」と感じました。私自身がそう感じた理由は「デザイナーたちが幼少期にどのような流行と社会を経てきたのか」というのを展示空間を通して見ることができたからだと思います。　観賞者であるお客さんがそうやって感じてくれるのはありがたいです。デザイナーに限らず、自分自身の家系を辿っていくと、どこかで洋裁学校に行っていたとか型紙を作っていたとか言う人がいると思うんです。ー洋裁文化は1950〜60年代の社会現象と言ってもいいムーブメントだったんですね。　例えば「自分の祖母がワンピースを作っていた」とか、日本人のほぼ全員に「洋裁をしている家族」という記憶はあるんじゃないかなと思うんですよね。その現象が実際、何だったのかというのを見てもらいたかった。今の日本人がファッションに対して情熱がある背景には、50〜60年代にあった「洋裁ブーム」が必要不可欠だったと思っています。これは今回の展覧会の趣旨でもあるかもしれませんね。ー展示の副題は「流行と社会」。この副題は展示する服が決まってから付けられたのでしょうか？　企画が立ち上がり始めた初期の段階でもう決めていました。副題と合わせて決めていた方針が2つあります。1つは、戦争をきっかけとした国民服やもんぺを原点に、和洋折衷だったものが「洋服」になっていった、という過去と今を1本の線で結びつけるという方針。もう1つは「作り手と受け手と発信者の3つが揃って初めて、ファッションやカルチャーが醸造される」ということを示すこと。満遍なく触れることはできなかったのですが、「しっかり時代ごとにその3者の関係性を見ていく」というのが2つ目の方針でした。ー確かに同展の特徴は「ファッション」と謳いながらもメディアにもスポットを当てている点だと思いました。　服をみて「綺麗だな」と思うだけではもったいない気がしたんですよね。「ものづくりが美しい」というのも、もちろんあると思います。でも受け手である私たちが「見て／着てみる」ことで新たな付加価値がついて「現象」になっていく。例えそれがデザイナーにとって違う意図だったとしても、広まってはじめて「ファッション」になるな、と。 ー美術館で「ファッション」を取り扱うことは難しいという見方もありますよね。　アートとファッションの関係性は様々なところで議論されていますよね。私が近年調べている田中千代さんは1930年代から既に「服飾は芸術的な美と、実用的な美を両方兼ね備えたもの。個人的ではなく時代が作っていく」みたいなことを書いていて。先人たちは「洋服（ファッション）」が日本に入ってきた時から、ファッションと美の関係性をわかっていたんだなといつもハッとさせられます。ー展示空間はどちらかと言えば、一つの服（作品）をスポット的に見せる博物館風の展示方法だなと思いました。　「流行と社会」という副題を付けたくらいなので、当時の社会をしっかりと見ることが出来るようにしたいと思いました。「ファッション」という概念を定義付けるような展示ではなく、当時の社会現象を「装うこと」から見る。やはり真摯にものづくりをしていた熱量というか、社会に新しい価値観をもたらそうと必死に活動してきた人たちの作品を取り上げられたらな、という想いがあったんですよね。だからこそ、まずは資料として「こんなものが残っていて、当時はこのような時代背景でした」という説明をきちんとしたかった。そのため、白い壁に白い30センチの台座、マネキンもなるべく白で統一して展示デザイン自体もフラットに見えるような展示になっています。服という作品そのものが持つ美術的な要素だけを見てさえもらえれば、我々がアレンジを加えなくても作品が語ってくれるだろう、と。ーメディアにフォーカスされているのと同じように、ストリートスナップにもスポットが当たっている点が興味深かったです。　ストリートスナップは、西洋ファッション誌と日本ファッション誌を比較した時、大きな分かれ道かなと思っています。西洋のファッション誌ではあまり見かけないのではないでしょうか。そのため、「日本のファッション史」を振り返る上でストリートスナップは欠かせないな、と。ストリートスナップは日本のファッションの独自性だと思っています。ー本橋さんが、一番思い入れの深い展示ブースはありますか？　田中千代さんのパジャマドレスを見つけた時はすごく嬉しかったです。いかんせん戦前の洋服なので全然残っていないだろうと思っていたんです。洋服のデザインとしても、シルクを使用したとてもモダンなもので。ーパジャマドレスはどこで見つかったんですか？　「渋谷ファッションアンドアート専門学校（旧田中千代学園）」です。1991年に展覧会があったので、再製作されたものがあるということは知っていたんですが、掘り起こしたら1930年代のものも見つかったんですよね。しかもそれがただのスカートではなく、パンツスーツだったというのもかっこいいな、と。もんぺもそうですが、おしゃれしたいという女性の気持ちにすごい感動したんですよね。ー1940年代から2000年代まではあくまでも「過去」として振り返る展示だったと思います。2010年代以降の展示は、過去を経たこれからも続くものであるという意味で、他の展示空間と一線を画していると感じました。　一番最後の展示空間である第8章は「未来へ向けられたファッション」というタイトルが付けられています。10年ごとに時代を区切って辿ってきた最後に、今のブランドを示すということで「今だって可能性を持っているし、ここからさらに発展していって欲しい」という願いを込めて締めくくったつもりです。ファッションは地続きです。商品としての「服」ではなく、「我々はこれから、どうやって装っていくべきなのか」と皆さんに問いかける展示になっていればいいな、と思っています。（聞き手：古堅明日香）

Yohji Yamamoto

COMME des GARÇONS

「我々はどうやって装っていくべきなのかを問いかけたい」——ファッション イン ジャパン展、キュレーションへの想い

イサム・ノグチの大規模回顧展、「彫刻とは何か」がテーマ　日本人の父とアメリカ人の母の元に生まれ自身のアイデンティティに葛藤しながらも独自の彫刻哲学を打ち立てた20世紀彫刻の巨人、イサム・ノグチ。和紙を用いた光の彫刻「あかり」など、没後33年たった今でもイサム・ノグチが手掛けたプロダクトは愛され続け、現在も多くのアーティストから支持を集めています。　そんなイサム・ノグチに迫る大規模回顧展「イサム・ノグチ　発見の道」が、2021年4月24日から東京都美術館で開催中。同展は3章で構成され、「あかり」を150灯使用したインスタレーション「AKARI CLOUD」をはじめ、国内外の多数の大型作品を含む約90点の作品が展示されています。丹下健三や三宅一生、磯崎新など、多くのアーティストからリスペクトされているノグチが追求した「彫刻とは何か」をぜひ自分の目で確かめてみては？■イサム・ノグチ 発見の道会期：2021年4月24日（土）～8月29日（日）※6月1日（火）より営業再開。チケットの予約／購入は、展覧会公式ウェブサイトから。住所：東京都台東区上野公園8-36公式サイト森美術館リニューアル後の初展覧会は、70代から105歳までの女性アーティストに焦点　六本木に位置する森美術館が、約3ヶ月間の改修工事期間を経て4月22日にリニューアルオープンしました。リニューアル後初となる展覧会は「アナザーエナジー展：挑戦しつづける力 ― 世界の女性アーティスト16人」。世界14ヶ国から集結した、50年以上のキャリアを持つ71歳から105歳までの現役女性アーティストの作品で構成された少し変わった企画展です。　同展は、ジェンダーや人種、民族、アイデンティティの尊重など、ダイバーシティを重視する動きが世界各地に拡大し、現代アート界においても長年活動を続けている女性アーティストに注目が集まっていることを受けて企画されたそう。各アーティストの活動やこれまで歩んできた人生の軌跡、異なる背景を持つアーティストたちの作品に見られる共通点などもあわせて紹介されています。休日に、作品を通してフェミニズムや移民の歴史、美術史の解釈などを考えてみるのはどうでしょうか？■アナザーエナジー展：挑戦しつづける力 ― 世界の女性アーティスト16人会期：2021年4月22日（木）〜2021年9月26日（日）※緊急事態宣言の発令により4月25日から当面の間臨時休館住所：東京都港区六本木6丁目10−1 六本木ヒルズ森タワー53階開館時間：4月22日から5月11日までの間は、10:00〜20:00※最終入館は閉館の30分前まで　※火曜日のみ17:00まで　※会期中無休入館料：【平日】一般 2000円（1800円）、高校・大学生 1300円（1200円）、4歳～中学生 700円（600円）、65歳以上 1700円（1500円）【土・日・祝日】一般 2200円（2000円）、高校・大学生 1400円（1300円）、4歳～中学生 800円（700円）、65歳以上 1900円（1700円）　※専用オンラインサイトでチケットを購入すると（ ）の料金が適用問い合わせ：03-5777-8600公式サイト25歳で早逝した画家、中園孔二の個展がANB Tokyoで開催　昨年の10月に六本木に新たに登場したアートコンプレックス「ANB Tokyo」で、ペインターの中園孔二の3年ぶり5度⽬の個展「すべての⾯がこっちを向いている」が開催中です。　中園孔二は1989年、神奈川県生まれ。東京藝術大学美術学部絵画科油画専攻を卒業し、鮮やかな色彩や緻密な構図、一貫した独自の世界観などで新進気鋭の若手作家として注目を集めていた矢先、2015年に25歳の若さで逝去しました。　中園は急逝するまでに絵画作品を中心に彫刻やインスタレーション作品など、700点以上にもわたる作品を制作。「すべての⾯がこっちを向いている」では未発表作品約50点が展示され、そのほか中園の友⼈で、アーティストの中村⼟光の映像作品「誰かの CV 2014」より、中園のインタビュー抜粋した特別映像が上映されています。中園孔⼆ 個展「すべての⾯がこっちを向いている」会期：2021年4⽉24⽇〜5⽉23⽇住所：東京都港区六本⽊5-2-4開館時間：12:00〜18:00 （⾦⼟〜20:00）　休館日：⽉・⽕　料金：一般 1000円 / 中・⾼校⽣無料　※オンライン事前予約制。公式サイト作品を懐中電灯で照らしながら見る展覧会、ライアン・ガンダーがキュレーター　イギリスを代表するアーティスト ライアン・ガンダー（Ryan Gander）がキュレーションを手掛ける異例の企画、東京オペラシティ アートギャラリーで開催中です。「ライアン・ガンダーが選ぶ収蔵品展」は、新型コロナウイルス感染拡大によるロックダウンにより、本来開催される予定であった個展形式での展覧会延期を受けて「この状況で僕にできることはないだろうか」というガンダー自身の申し出により実現。古今東西の美術作品や、日常生活で気に留めることのない物事をモチーフにするコンセプチュアルアートの新騎手として国際的に評価のされているガンダーが、東京オペラシティアートギャラリーの約4000点の収蔵品を用いてキュレーションする機会は、ある意味もう二度と見ることができない展示かもしれません。　同展は3階と4階の2フロアでそれぞれテーマを分けて展示。4階で展示されている「色を想像する」では、同館収蔵品が、東京オペラシティ街区の地権者 寺田小太郎のプライベート・アイ・コレクション（個人の視点で集められたもの）であるという成り立ちを踏まえた展示空間。寺田の収集テーマであった「ブラック＆ホワイト」に呼応し、展示空間は黒と白の作品のみ！　3階の展示空間は「ストーリーはいつも不完全......」と銘打たれ、うす明かりの展示室内を懐中電灯で照らしながら作品を鑑賞する少し変わったスタイル。来場者の「見たい」という気持ちを再確認するこの仕掛けは、照明で照らされた展示では見逃してしまうような物事への注目や、全体をもっとよく見たいという好奇心など、各々が作品と一対一で向き合える一助を担うのではないでしょうか。　「見る」「想像する」ことを意識させる同展。困難な状況でも冷静に考え、発想の転換でよりよいものにしようとするガンダーの姿勢は、私たちの作品鑑賞だけではなく日常生活に新しい視点をもたらしてくれるはずです。■ライアン・ガンダーが選ぶ収蔵品展会期：2021年4月17日（土）〜6月20日（火）※緊急事態宣言の発令により4月25日から当面の間臨時休館住所：東京都新宿区西新宿3-20-2 東京オペラシティタワー開館時間：11:00〜19:00休館日：月　※5月3日は開館料金：一般 1000円、大学・高校生 600円公式サイト村上春樹作品の装丁を手掛けたイラストレーター安西水丸の回顧展　村上春樹作品の装丁を手掛けたことでも知られている、イラストレーターの安西水丸に焦点を当てた回顧展が世田谷文学館で開催。　安西水丸は1942年、東京生まれ。日本大学芸術学部美術学科造形コースを卒業後、電通や平凡社などでアートディレクターを務め、その後フリーのイラストレーターに転身。村上春樹作品をはじめ、和田誠や嵐山光三郎とタッグを組み、絵本や装丁など幅広く活動しました。　同展は全4部構成。村上春樹共著「ランゲルハンス島の午後」の装丁原画など、初披露作品を含む関連資料約500点以上が披露されています。会場で販売されているオリジナルTシャツやポストカード、クリアファイル、マグカップなどのグッズもぜひゲットしたいところです。■イラストレーター 安西水丸展会場：世田谷文学館 2階展示室会期：2021年4月24日（土）～8月31日（火）※緊急事態宣言の発令により4月25日〜5月31日は臨時休館住所：東京都世田谷区南烏山1-10-10開館時間：10:00～18:00　※展覧会入場、ミュージアムショップの営業は17:30まで休館日：毎週月曜日　※5月3日、8月9日は開館、5月6日、8月10日は休館観覧料：一般 900（720）円／65 歳以上・大学・高校生 600（480）円／中学生以下 300（240）円／障害者手帳をお持ちの方 400（320）円　※大学生以下は無料　※（ ）内は20名以上の団体割引料金及び「せたがやアーツカード」割引料金公式サイト国内初個展が開催、マーク・マンダースとは何者？　触れると崩れそうな彫像。いつどこで作られたのか判然としないオブジェ。人の立ち去った気配が残るスタジオ。暗く長い廊下……。静寂と不穏が混合する不思議な世界を作り上げるアーティスト マーク・マンダース（Mark Manders）の国内初となる個展「マーク・マンダース ―マーク・マンダースの不在」が、東京都現代美術館で開催中です。　マーク・マンダースは1968年、オランダ生まれ。自身が架空の芸術家として名付けた「マーク・マンダース」という人物のポートレートを「建築」の枠組みを用いて構築する「建物としての自画像」という独自のコンセプトを元に、架空の新聞や、部屋に置かれる彫刻やオブジェをなどのインスタレーション作品を発表しています。　展示されている彫刻作品は、美術史や私的な記憶に基づくイメージ、言葉、家具など様々なオブジェが組み合わせられており、鑑賞者は複雑な感情や、不思議な時間感覚を覚えるはず。同展は、展示全体を1つの作品に見立てた「想像の建物のインスタレーション」として構成されており、虚構的な枠組みをベースにした独創的な世界に彫刻の概念を掘り上げる彫刻作品が設置されています。　時間が止まっているかのように感じる、作家であるマンダース本人と架空の芸術家マンダースの「自画像」が混交する虚実の作品世界は要チェックです。■マーク・マンダース ―マーク・マンダースの不在会期：2021年3月20日（土）〜2021年6月22日（火）※6月1日（火）より完全予約制で営業を再開。チケットの予約／購入は、展覧会公式ウェブサイトから。住所：東京都江東区三好4丁目1番1号開館時間：10:00〜18:00　※展示室入場は閉館の30分前まで休館日：会期中無休観覧料：一般 1500円、大学生・専門学校生・65 歳以上 1000 円、中高生 600 円、小学生以下無料公式サイト歴代のレアコラボが集結、ルイ・ヴィトンの大規模展覧会　3月19日から原宿駅前の「ジング（jing）」で開催中のエキシビション「ルイ・ヴィトン ＆（LOUIS VUITTON &）」はもう観ましたか？5月19日までと、会期終了が迫ってきました。　同展では、これまでに発表されてきた「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」とのコラボレーションが一堂に会し、それぞれの作品やブランドのサヴォアフェール（匠の技）、ブランドと日本の結びつきにフィーチャーしています。展示会場は10の没入型スペースから構成され、今となっては実物を見ることが難しいファン垂涎のレアなコレクションの数々が披露されています。■ 「LOUIS VUITTON &」会期：2021年3月19日（金）〜 5月16日（日）開館時間：10:00〜 19:00（最終入場 18:00）無休住所：東京都渋谷区神宮前 6-35-6 jing電話番号：0120-00-1854入場無料ルイ ･ ヴィトン 公式サイトより要予約

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