インサイド

　まず現代アーティスト、チームラボとしての側面から#チームラボプラネッツを考えてみよう。この空間には既に一般的な現代アート好きの観客と呼べる人数よりもはるかに多くの人々が来場している。その根拠と言えるのは、本来1年ほどの会期となる予定だった同展が幅広い客層から人気となり、現在は2023年末までの会期延長が決定していることだろう。これは現代アートの会期としては異例のロングランと言える。一方、現代アートとして、この空間に対する言及が行われた形跡は限りなく少ない。会期がはじまって丸4年経つ今現在、#チームラボプラネッツの名前で検索エンジンを起動すると出現するのはトリップアドバイザー、アソビュー、イコーヨなどの「お出かけメディア」であり、楽天トラベルエクスペリエンスという「観光体験」を購入できるサイトでチケット販売も行われている。　また一般的に現代アートにおいて書かれがちな「批評」や「レビュー」ではなく「評判」というワードがサジェストされることも興味深い。これは一般的に持たれている「現代アートは敷居が高い」というイメージを完全に覆していると言えるだろう。また、それに伴って現代アートにおける意味の問題から空間を自由にしているとも言える。現代アートにおいて最も面倒なのは意味である。一般的に「意味がないものを意味があるかのように説明すること」は批判の対象となる。そして#チームラボプラネッツは普段、現代アートをあまり鑑賞しない人と美術館に行く時につきまとう「空間の意味」に対して納得させる解を用意していると言える。　では「空間の意味」に対して納得している人々は、どのようにしてこの空間を鑑賞しているのだろう。次にエンターテインメント空間としての#チームラボプラネッツについて考えてみたい。エンターテインメントを擁する空間の古典的な存在にテーマパークがある。その筆頭であるディズニーランドは、もちろん「作品やミュージアムや庭園を擁する空間」である。そして、その中で筆者は1992年に始まったエンターテインメントショー「ファンタズミック！」との比較を考えてみたい。　1955年、アメリカ合衆国のカリフォルニア州アナハイムにオープンしたディズニーランドは1985年には大規模なリニューアルが行われ、マイケル・ジャクソン主演の3D映画「キャプテンEO」や現在の4DXシアターを先取りするような「スター・ツアーズ」などのアトラクションがオープン。その後はじまったファンタズミック！は1992年から2022年の現在に至るまで少しずつアップデートを重ねて継続的に上演されており、世界的にも稀有なロングランと言える。　チームラボによる#チームラボプラネッツと、ファンタズミック！。この二つのロングランには共に「高度な技術とされるものが使われている」という共通性がある。そして私たちは現在、幸運なことに初演である1992年のファンタズミック！と、ロングランの間、少しずつアップデートを重ねた2022年版のファンタズミック！をYouTubでで鑑賞することができる。この1992年版と2022年版を比較すると、この30年の間、私たちの生活を取り囲む光が、どう「古びた」のかがよくわかる。例えば、プロジェクターの光量（ルーメン）と画質（解像度）は著しく上昇し、1993年に実用的なブレークスルーが起こった青色LEDは、2022年版では当たり前のように使われている。2009年から新しい信号化（おそらく2006年に米国国家規格協会に採択されたDMX信号の採用）が施されたシステムで初演の時より繊細に音楽と同期した花火を打ち上げ、プロジェクションマッピングというコンセプトが平面の映像を立体に展開する演出技術を、どう底上げしたかもよくわかる。そもそも撮影するカメラの進歩も凄まじい。　話を戻そう。#チームラボプラネッツの「空間の意味」に納得している人々は、どのようにこの空間を鑑賞しているのだろう。より具体的にいえば1992年から2022年の30年間に及ぶ「ファンタズミック！」そのロングランからわかるように、光は技術をアップデートしなければ、見た目として古びることを免れない。 #チームラボプラネッツ において「古びない要素」とは一体、何だろう。　ディズニーのファンタズミック！において30年間、古びた光とは別に変わることがなかったのは、その物語である。物語は「ミッキーの夢の中」という設定からスタートし、ディズニーキャラクターが総出演した後、巨大なドラゴンのオーディオアニマトロニクス※と対決することになったミッキーが魔法の杖を一振り、大団円を迎える。※オーディオアニマトロニクス：ウォルトディズニーカンパニーの登録商標で音楽やセリフと連動して生きているような動きを見せる人形　ファンタズミック！の物語の中でミッキーのイマジネーション（夢）はヴィランズに支配され、悪夢の世界へと変貌を遂げてしまう。そして中盤の終わり、ミッキーはラスボスとなるドラゴンに魔法の花火を繰り出すその直前、象徴的なシーンがある。巨大なドラゴンを目の前にして、色々な出来事を走馬灯のように体験したミッキーが意を決したように「This is “my” dream！」と叫ぶのだ。そうしてドラゴンに向けられたミッキーの杖からは花火が発射され、再びイマジネーションの力で自分の夢の世界を取り戻す。この「This is “my” dream！」というセリフからは二つの意味（≒ステートメント）を受け取ることができる。　一つは今まさに上演されている夢の物語を終わらせるために「これは私の夢です」と宣言するステートメント。そしてもう一つ、この物語世界の作者であるウォルト・ディズニーがディズニーランドという空間を「これは私の夢です」と宣言するステートメントである。この二つのステートメントは、観客にとって鑑賞している対象を宙吊りにする効果を持つ。すなわち、ディズニーランドという巨大な空間を作り上げた、ウォルトを鑑賞しているのか、それとも目の前のショーケースのメインキャラクターであるミッキーを鑑賞しているのか、その2つの存在が同時に訪れるのである。　この鑑賞の二重性は、あるコンテンツが現在進行形で鑑賞されると同時に観客に別な時系列を想起させる効果をもっている。すなわち、公演初期から度重なる基幹技術のアップデートがありつつも、ファンタズミック！というショーケースそれ自体が変わらずリニューアル可能なのは、この「現在」にアップデートをもたらすディズニーランドという空間とミッキーというキャラクター、そしてセリフの形を借りたステートメントを行っているからに他ならない。それではこのような時系列の操作が、ロングランとなっている#チームラボプラネッツの空間に、どのように作用しているのかを検討してみよう。　#チームラボプラネッツにおいて、それぞれの空間にはポエティックでありながら説明的な命名が行われている。倒景の憑依する炎、人と共に踊る鯉によって描かれる水面のドローイング、呼応する小宇宙の苔庭…あるいは二つの英語タイトルThe Infinite Crystal UniverseとFloating in the Falling Universe of Flowersではどちらも”Universe”が出現する。この「説明」と「宇宙」がファンタズミック！における物語の位置を占めるとすれば、これは観客にどのような鑑賞体験を与えているのだろう。　唐突ではあるが20世紀に最も発達した産業の一つに「観光」がある。冒頭#チームラボプラネッツの名前で検索エンジンを起動すると出現するのはトリップアドバイザー、アソビュー、イコーヨなどの「お出かけメディア」だと述べた。これは現代においてアートもエンタテイメントも、あらゆる空間を扱う体験が観光という産業に飲み込まれつつあることと無関係ではない。では#チームラボプラネッツは、どのような観光を目的としているのだろうか。名前からも明らかなように彼らの観光の目的は「宇宙」である。　筆者は先ほどファンタズミック！というショーケースがリニューアル可能なのは、このような時系列の操作をディズニーランドという空間とミッキーというキャラクター、そして召喚されるウォルトによる「私」というステートメントによって行っているからと述べた。それを#チームラボプラネッツに当てはめるとすれば、ここには宇宙という背景があり、チームラボというアーティストがいて、#チームラボプラネッツという空間があることになる。　会場はWater Areaと呼ばれる水を使ったエリアとGarden Areaと呼ばれる石や草木を使ったエリアに分かれており順を追って鑑賞していく中で、自分が全体的に暗く調光された空間（Water Area）を抜け、やや明るすぎる程に調光された空間（Garden Area）へ移動したことがわかった。Water AreaとGarden Areaはどちらから鑑賞するかを観客に委ねられているが、多くの観客は自分と同じ経路で鑑賞しているようだった。　観客が異なる空間を移動して、しかしいずれも似たような映像空間を体験することに飽きないのは、一つの旅として#チームラボプラネッツ全体が構成されているからに他ならない。観客は知らず知らずのうちに宇宙旅行をしたような気分になって、地球に帰還することになる。そしてこの旅は紛れもなくチームラボというアーティストによって仕組まれていることなのだ。　一般的に、宇宙に向かうことは一つの夢とされてきた。宇宙旅行は高度な科学技術の結晶であり、また時に高額な資金を用意し、時にハイレベルな選抜に残った、選ばれた人間の権利だ。しかし#チームラボプラネッツは現代アーティストであるチームラボが、このハイコストな実際の宇宙旅行にかわり権利を必要としない宇宙旅行を用意した。この宇宙旅行という物語は、ファンタズミック！の「ミッキーの夢を旅する物語」と同じく、観客にとって観光体験として機能する。そしてウォルト・ディズニーの「あらゆる人を自分の創造性（イマジネーション）でもてなす」というディズニーランドの理念と同じくチームラボが創造する空間（チームラボプラネッツ）は本当の宇宙空間に代わって人々を宇宙旅行へ向かわせようとする。この観客に目の前の体験を通じて別な夢へと向かう体験が#チームラボプラネッツにおいて、どの程度、成功しているかは読者それぞれが確かめて欲しい。しかし2023年末までの会期延長を踏まえ、まだまだ多くの人がこのインスタレーションを訪れることになる。その時この空間が、これからの現代アートにどのような影響を与えるかについて、私たちは考える必要に迫られるに違いない。

ディズニーとチームラボ　#チームラボプラネッツはアートとエンタメを越境する

　この駄文を綴っている3月25日現在、中国で無症状の人を中心に新型コロナウイルス感染者が相次ぎ、昨日の上海の新規感染者は2269名。ゼロコロナ政策を進める中国では震え上がる人数だ。多くの住居は48時間以上封鎖され、住人はほぼ毎日PCR検査を受けなくてはいけない状況となった。今は上海の誰しもが今までの日常を失い、その緊張の中で生きている。早々に小中学校の授業はオンラインに切り替えとなり、公園や動物園、美術館や映画館も次々と閉鎖され、楽しかった夢の国にも今は渡れない。　さらに、中国国内の他都市から上海に入る場合は48時間以内のPCR検査の陰性証明が必要となり、中国の航空会社の国外から上海への直行便は5月1日まで停止となった。そのため、いつもは人で溢れかえっている観光地にも全く人がいない。10日ぶりの出勤の朝、そこには中野正貴の「TOKYO NOBODY」を彷彿とさせる、見たことのない上海があった。　イベントも中止が相次ぎ、3月25日から予定されていた上海ファッションウィークも残念ながら延期となった。この週末も、3月から始まったばかりの「奈良美智展」を見に行く予定だったが、美術館が閉鎖されたため行けず。　子曰く、郷に入れば郷に従え。こんなときはじたばたしても仕方ない。奈良美智の描く、視線が鋭いどこか反抗的な「少女」たちに逢いたかったが、今回は少し時を戻して、上海の日常で僕が触れたアートについて紹介したいと思う。◇　◇　◇チームラボ・ボーダーレス（EPSON teamLab無界美術館）　 お台場に次いで世界で2番目となる、2019年11月に開館した常設美術館、「チームラボ・ボーダーレス・シャンハイ」。　館内に決まった順路はなく、境目のないボーダーレスに広がる世界を自分の意志で彷徨う。プロジェクションマッピングで表現された立体的な異空間の中、自分と世界との間にある境界、そして時間の連続性に対する認知の境界線などを感じることができる。まさにチームラボの掲げるコンセプトを体感できる展示だった。　周りを見渡せば、映し出される色鮮やかな光の中で写真を撮る若い女性が非常に多い。中国のSNSの中でもチームラボの作品の投稿を見かけることが多く、そのSNS映えする作品群は中国のZ世代にも受け入れられていると感じた。　また、上海で地下鉄の構内やモールのエントランスなど、誰もが目に触れられる場所でチームラボの数々のインスタレーションを目にすることができる。日常と非日常の境界線もそこにはない。ダニエル・アーシャム （天安千樹 1000TREES）（会期：2021年12月22日～2022年6月16日）　2021年12月にオープンしたイギリスの建築家トーマス・ヘザーウィックのデザインによる「天安千樹 1000TREES」では、そのオープニングの展示企画として、ダニエル・アーシャムの展示「コンテンポラリー・ルネッサンス」が行われていた。　「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」や「ハンティング・ワールド（HUNTING WORLD）」との協業や、ポケモンをアートピースに昇華させることで、世界中に名を馳せる彼の作品を間近、かつ無料で見られたことは非常に幸運だった。また、館内にはKAWSの作品もあり、このように上海では商業施設内で図らずもアート作品を目にする機会も多い。塩田千春（龍美術館）（会期：2021年12月19日～2022年3月6日）　2019年に六本木の森美術館でも開催されていた塩田千春の「The Soul Trembles／魂が震える」展が、「龍美術館（ロン・ミュージアム）」にやってきた。この美術館は世界的な美術コレクターである劉夫妻が私費を投じて、「西岸」というかつての工業地帯の埠頭に建設された上海のアートスポットの一つである。訪れてみると、塩田さんの展覧会が中国本土初上陸ということもあり入場制限がされるほど盛況だった。・家から駅までの電車代 70円・駅から美術館までの自転車代 30円・妻へのお土産のポストカード 280円・事前予約した美術館のチケット代 5000円　チケット代は決して安くはないため、どのような人たちが来館しているかを見るのも個人的には美術館に来る一つの楽しみだ。来館者はファッションの文脈においてもカッティングエッジなZ世代も多かったが、思った以上に子連れや年配の方も多かった。　天井が高く開放的なコンクリートの打ちっぱなしの館内に広がる、赤と黒の糸が紡ぐ美しさは写真には映りきらないし、言葉でも表現し切れない。僕が感じた赤と黒に彩られた死の香りと生の力はプライスレスだと思った。◇　◇　◇　中国の経済はコロナ禍において減速はしつつも、なおも成長を続ける。ことアートシーンにおいては日本の50倍以上の市場があり、その中心は100以上の美術館を有し、ビエンナーレや大きなアートフェアも開催している上海だと言われている。　日々が動き、さらに未知の日常は進むが、この街でもパンデミックが1日も早く鎮静化し、すぐそこにあるアートに触れられる「普通の日常」が戻ることを望む。星野源「日常」

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