インサイド

Culture

謎の制服おかっぱ集団「アバンギャルディ」がパルコグランバザールの顔に、モードな新境地を見せるCMの裏側に迫る

　今回のショーの舞台となったのは、青山骨董通りを少し入った閑静な場所にある、趣きと温かみのある板張りの床や白い壁が印象的なスタジオ「LIGHT BOX STUDIO 青山」。2階へと続く木の階段の前に広がるスペースを囲むようにして座っていた観客たちは、ピアノの伴奏音とともにレオタード姿の3人の少女たちが楽しげに階段を駆け降りてくる姿を見て、「ここはバレエ教室だったのか」と気づかされる。たわいもないおしゃべりをしながらトゥシューズを履き、のびのびと自由気ままにストレッチをする小さなバレリーナたちの様子をしばらくのあいだ微笑ましく眺めていると、レッスンの始まりを知らせるチャイムの音が鳴った。彼女たちが慌ただしく階段を駆け上っていくと、BGMが優雅で重厚感のあるオペラの歌声とチェロとバイオリンの演奏に切り替わり、ショーの本番が幕を開けた。　今シーズンのテーマは「砂漠の花」。歴史や絵画などに出てくる象徴的なシルエットをベースに、19世紀のワーキングクラスから現代までのワークウェアが着想源になっているという今回のコレクションでは、クラシカルなAラインに襟元の詰まったブラックやネイビーの質素なデザインのドレスをはじめ、テーラードジャケットやワークコート、ワークベスト、デニムジャケット、MA-1、ダウンコート、膝下丈のタイトスカートなど、さまざまな時代の働く女性たちが「日常着」として身につけているアイテムが次々に登場する。　しかし、ブラックのジャケットとパンツのセットアップにショーツ型クリノリンを重ねたファーストルックから既に明らかなように、「クリノリン」や「チュール」といったチカ キサダを象徴するディテールやシルエット、素材をふんだんに取り入れることや、あるいはレオタードやタイツといった“バレエダンサーとしての日常着”と組み合わせて表現することで、元々はそれぞれ普遍的なアイテムでありながらも、チカ キサダらしい唯一無二のアイテムやスタイルに仕上がっている。　“歴史の中のシルエット”を常に自分の中の課題としてきたという幾左田は、「クリノリン」というスカートを膨らませるための骨組み状の下着をモチーフとして継続的に用いているが、今シーズンのコレクションには、クリノリン以外にもさまざまな形や素材の“骨組”が登場。本来は内側に隠れているはずのものが外側に装飾として露出しているスタイルは、何よりも「型」や「シルエット」を重んじるバレエという芸術の美学や精神の表れでもあり、ダンサーや女性たちが持つ内面的な芯の強さを可視化しているようにも思えた。　また、クリノリンと同じ19世紀ごろの女性たちがヒップラインを美しく見せるために着用していたという「バッスル」を思わせる特徴的なバックスタイルのシルエットも度々見受けられたが、よく見ると、それはチュールがドッキングされた「イーストパック（EASTPAK）」とのコラボウエストポーチによってもたらされたボリュームであったりと、その楽しい意外性にも驚かされた。　ショーの前半では、ブラックやネイビー、ブラウンなどのダークトーンのベーシックカラーを中心とした日常着を中心に構成されていたものの、終盤にかけては従来のチカ キサダらしいやわらかなピンクやベージュを基調とした、ロマンティックでドラマティックなシルエットのルックも登場。今季の特徴的なパターンやシルエットとして、「ダンスの基本的な動作を始める前の基礎のポーズや背筋が伸びるようなポーズといった、踊りの動きや姿勢を落とし込んだ」と幾左田が語っていた通り、着た時のアームのシルエットや洋服自体のフォルムが、「アン・バー」や「アン・ナバン」と呼ばれるバレエの基本的な腕のポジションのように見えるドレスやブルゾンなどもあり、改めて、多様な形でバレエらしさを随所に感じるクリエイションとなっていることが窺えた。　終演後、報道陣の取材に答えた幾左田は、「昨年バイアール（by R）を通じて東京でショーを開催したことで、自身のものづくりに対して非常に良いインスピレーションを得られた。これからも皆さまになるべくチカ キサダの世界観を感じていただけるよう、今後もルックブックではなくショーに挑んでいきたい」とショー開催への想いについて言及。多様なブランドの在り方や価値観が存在する今、全てのブランドにとってフィジカルショーの開催が必ずしも必要とは限らない。しかし、「バレエ」や「ダンス」という身体性を伴うモチーフをブランドの主軸に置いているからこそ、生身の人間の身体性とそれがもたらすエネルギーや美しさを直接感じられるフィジカルショーという形式は、チカ キサダというブランドにとって非常に適切で理に適っているのだと、今回のショーを見て強く感じた。　2023年秋冬シーズンのショー開催時から、音楽担当のチェロ・バイオリン奏者をはじめ、ヘアメイクやスタイリストも同じメンバーが担当しているといい、「私のバレエカンパニーがやっと出来上がったイメージです」と話す言葉が印象に残っている。実際、1点1点の洋服のみならず、ヘアメイクやスタイリング、音楽、空間、演出、それらすべてが美しく調和したショーは、とても完成度が高く満足感があった。これからも一観客として、“チカ キサダ・バレエカンパニー”が表現する世界を楽しみにしていたいと思う。

Chika Kisada

Fashion

“チカ キサダ・バレエカンパニー”が表現する、19世紀から現在までの女性のワークウェアの世界

ー森山さんは俳優のほかダンサーとしても活動されています。服とパフォーマンス、身体の関係性についてどのように考えられていますか？　やはり、かなり密接なものだというイメージはあります。パフォーマンスは総合芸術なので、音楽や照明など、様々なものが組み合わさって一つの作品になります。もちろん、衣装も総合芸術の一部として重要な要素です。例えば「この作品のためには、こういう衣装がいいな」「この衣装を着るなら、こういうアプローチができるかもしれないな」ということはよく考えます。　それこそ、最近仕事で着た服で印象的だったのは「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」の2024年春夏コレクション。未来派※の画家で彫刻家のウンベルト・ボッチョーニ（Umberto Boccioni）が設計したブロンズ像「空間における連続性の唯一の形態」を意識した服というのがあって。着ているだけ造形的だったんです。僕は、未来派の作品の魅力は、静的な絵画や彫刻というものに、時間制や速度を持ち込もうとしたところだと考えています。いざ着てみると動きたい欲求が出てきて、服を着ることによって動きが引き出されるという、パフォーマーとしては嬉しい出会いだったなと。今回の「MEET YOUR ART FESTIVAL 2023」で、ハラサオリさんと披露したパフォーマンス「Earth as a Circuit」でも同じ服を着させていただきました。※未来派：20世紀初頭に起こった芸術運動の一派。伝統的な芸術と社会を否定し、新しい時代にふさわしい機械美やスピード感、ダイナミズムを賛美した。活動領域は絵画や彫刻などの造形芸術だけでなく、写真、建築、デザイン、ファッション、演劇、音楽、文学、政治活動に至るまで広範囲に及んだ。ーでは、身体性を表現する「踊り」に対して、衣装はどのような機能を担っていると思いますか？　先ほどのボッチョーニを着想源にした服は、立体的な服の造形性が作用して「服によって動かされる身体」という関係性。一方でもっと単純に、カジュアルな格好をしているのか、フォーマルな格好をしているのかで、「ただ立っている」の性格が変わります。あるいは、Yシャツのような襟や袖をボタンで詰めるというデザインは抑制を促します。「抑制から知性は働く」とも言われていますが、「抑制を促す服」と「インテリジェンス」には相互関係があるのではないかな、とか。ー「歩く」という行為は、日常的に行われているパフォーマンスと考えることもできるかと思います。　歩くということだけではないかもしれないですが、その人それぞれの生き方が反映されているものではありますよね。必然的に「自分がイメージする人間に見られるように」あるいは「“そう”見られないような歩き方をする」というのは、あるんじゃないかな。　歩くという行為にはテンポが付き物です。山登りなどは特に象徴的ですが、単調なリズムを刻んで足を動かすということで紡がれていくのが「歩く」だとして。その時に起こっている思考というのは、ある種とてもシンプルな気がしていて、頂上を目指して一歩、一歩と歩みを進めることのみに集中する中で、思考も単調になっていく。でも、そんな行為を止めた時に訪れる静寂で思考が回転し始める。例えば、西田幾多郎という哲学者がいますけど、彼が言う「純粋経験」※みたいなものと非常に近いのではないかと思うんです。「自分がこれを美しいと感じているから、これは美しい」ではなく、何かが目に映った時に衝撃を受け、後にそれを反芻した時に初めて「あれを僕は美しいと思ったんだ」と、経験の後にやってくる自我の発露、といったような。これは運動全体に言えるかもしれないですが、能動的に動いている時は、目に映る情報や、身体の感覚で動いてはいるんですけど、歩くという行為はある種逆説的に脳を動かすことなのかな、と。※純粋経験：哲学用語。主観・客観に分かれない根源的な直接経験を指す。ーアート専門YouTubeチャンネル「MEET YOUR ART」のMCを務めて3年が経過しました。森山さんは「アート」というものをどのように捉えていますか？　「世界に対しての視点を拓く」とでも言えばいいのでしょうか。そういう気付きを与えるものとしてアートはあるのではないでしょうか。ー「視点を拓く」というと？　「世界を眺めるための視点が広がることで可能性がどんどん広がっていく」という感覚が一番近いかな。アートに限った話ではないんですが、様々な出会いによって新たな世界を知り、発見をし、それによって自分自身の主観性や眼差しが豊かになるということはありますよね。古典作品はもちろんですが、今を生きている僕らという意味では、いまの情勢などの同時代性によりコミットしているのは現代アートだなと感じています。アートやファッションに限らず、全ての表現者は「どのように消費されるか、されないか」というのジレンマみたいなものを前提として持っていると思うんです。その問答の中で、現代社会を生きる表現者が、生活を模索し、その営みが垣間見える表現というのが一番生っぽく、作品を受け取った人の視点をより拓いてくれるのでと考えています。　話は少し脱線しますが、現在の日本を含めたアジア文化への視点というものは欧米の文脈から発見されたことが大きな影響を及ぼしていると思うんです。ファッションを含めたジャパニーズカルチャーに関しても、日本の中でどれくらい意識的に独自性を見出せるのか。実際にはなかなか難しい。「日本人がデザインする服の、こういうところで世界は拓けるよね」という視点は、往々にして外から逆輸入的にもたらされることが多いという印象です。欧米から発見された日本国内の独自性というものに、さまざまな要因から基本的に日本人は無自覚だったし、今もそうなのではないかと思うと同時に、大陸と結ばれていない島国だからこそガラパゴス化が進み、それによって生まれた日本の独創性は、外の世界から見ても面白いだろうし、僕たちもそこをポジティブに自覚しても良いと思うんですけどね。ーファッションとアートはしばしば二項対立で語られることもあります。特に、現代社会においては「アート」というものは崇高なものとして捉えられがちです。　アートもファッションも、その昔は殿様や王様らの上流階級の趣味の延長として親しまれてきたものでもあり、特に日本において衣服、陶器などの職人文化は、いわゆる「アート」ではなく、あくまで生活のためであった側面も強いと思うんです。ファッションを「アート」という領域で語るためには、そもそも日本においての「アート」というものを見定めて共有する必要がある、と個人的には感じています。それこそ「職人」としての技術や洗練さのみを「アート」だと考えるなら、その帰着はどうしても造形美になっていくし、服もその限りなのではないでしょうか。photographer：Yoshinori Iwabuchistylist:  Mayumi Sugiyamahair & make-up: Motoko Sugatext & edit：Asuka Furukata（FASHIONSNAP）Costume Cooperation：ETHOSENS

森山未來と服によって動かされる身体

　堀内將平は、日本のバレエ界をリードしてきた熊川哲也率いるKバレエ トウキョウ（今年9月よりKバレエ カンパニーから名称変更）のプリンシパルだ。プリンシパルとは最高位のダンサーのこと。バレエ団の顔として主役を演じ、その繊細かつエレガントな踊りで観客を魅了している。まさに生粋の「王子様」という印象だが、素顔はいたってフレンドリー。根っからの国際人でもあり、この日も「インド旅行から帰ってきたばかり」と屈託のない笑顔を見せた。型にはまらない自由な発想と行動力が、彼の表現の礎を支えている。「バレエって、イケてるかも」　バレエを始めたのは10歳で、決して早いわけではない。もともとは親が共働きで「放課後、子どもを一人にするわけにはいかない」という理由で、7歳から体操教室に通うことになった。その後、引っ越しで体操をやめることになり「男の子でそんなに身体が柔らかいんだったら、バレエをやったら？」という周囲からのアドバイスをきっかけにバレエ教室の門を叩いた。「そこのロシア人の先生が僕のことをすごく気に入ってくださって、2回目のレッスンで『あなたはプロになれるから、毎日来なさい』って。そんなふうに認めてもらったのが子ども心に嬉しくて、何も分からないまま『バレエ、イケてるかも』と始めちゃった感じです」。　恵まれた体格はもちろん、柔軟性や音楽性、筋肉の記憶力など、あらゆる素質を持ち合わせていた堀内はすぐに頭角を現した。14歳になると「あなたは海外でちゃんと勉強した方がいい」と恩師から告げられ、留学することに。「その頃、僕はバレエをやっていることを周囲に隠していたんですよ、ずっと。男の子がやるものじゃないと思っていたので、やっぱり恥ずかしかったんですね。だから中学校では突然『堀内くんが留学します』と発表されて、みんな『えー！』みたいな感じ」と、当時を振り返る。少年は人知れずバレエへの情熱を育み、単身世界へと飛び出した。　その後、堀内はウズベキスタン、モナコ、ドイツ、ルーマニアなど様々な国で学び、活躍することとなる。しかし海外のレベルの高い環境で踊ることは、喜びばかりではない。「ドイツのバレエ団はモデル体型のダンサーしか入れないところだったので、男性も身長180cm以上の人ばかり。僕も若い頃は"物理的な美しさ"を目指していたところもあって、コンプレックスには悩まされました。今はそれよりもっと表現や踊りなど集中すべきことがあるので、それだけじゃないと思えるようになりましたけど」。美の基準は変わってもいい　「バレエダンサーに求められる身体とは何か？」は今でも堀内を悩ませるテーマだという。「バレエって"美しい型"が細かく決まっているんですよ。手足が長くてスタイルが良くて、足の形も膝が入っていて甲が出ていて......みたいな。そういうストイックな削ぎ落とされた美しさはもちろん綺麗ですが、肉体に対する厳しい基準にこだわるのは今っぽくないな、と思っています。美の基準って時代によって変わってきているから」。　その鍛え抜かれた身体で雑誌「ターザン（Tarzan）」のカバーモデルも務めた堀内だが、本人は「もうちょっと内面的なもの」を目指していると語る。「バレエは本来、何かを表現するものであるべきだから。"綺麗だから好き"ばかりじゃなく、"表現が好き"っていう部分を大事にしたいんです」。TikTokも"感動を得られるツール"　2015年に帰国し、Kバレエ カンパニーにアーティストとして入団。Kバレエの持つ、高いエンターテインメント性に共感したのが理由の一つだという。「熊川（哲也）芸術監督はエンタメがお好きなんです。僕も大好き。以前、B’zのライブ演出を手掛けている方にこんな話を聞きました。友人に仕方なく連れてこられた人、それも何万人規模のホールの一番後ろの席に座っている人に『今日、楽しかったね』と言ってもらえることを毎回目標にしている、って。Kバレエも同じなんですよ。バレエを分からない人が見ても『よかった、感動した』と言ってもらえるような舞台を作っているんです」。　堀内自身は本業の傍ら、TikTokやインスタグラムで日々バレエを発信し、人気YouTuberとのコラボにも応じる。「SNSも言ってみれば、ほんの一瞬だけど感動が得られるツールなわけじゃないですか。誰かそれを見て『バレエダンサーってすごい！』と引っかかって、繋がってくれたらいいなと思いますね」。この日も撮影の合間にセルフィーを撮影。今の時代感覚を活かしたアプローチが、幅広いファン層を獲得している。バレエに新たな角度からアプローチ　しかし海外で活躍したダンサーだからこそ、日本におけるバレエ文化の立ち位置に葛藤を抱くことも。「パリ・オペラ座のエトワールになれば、『ディオール（DIOR）』がスポンサーについて、衣裳は『シャネル（CHANEL）』が作ってくれて......というような世界。40歳で年金が出て、日本でいう人間国宝みたいなものに認定されるんですよ。日本にも素晴らしいダンサーは沢山いるのになぜ評価されないんだろう？ってずっと考えていて、もっと多様な見せ方があったらいいのかも、と気づいたんです」。　例えば「白鳥の湖」は「眠れる森の美女」「くるみ割り人形」とともに3大バレエと呼ばれる古典だが、イギリスの演出・振付家のマシュー・ボーン（Matthew Bourne）は、男性が演じるスワンと王子の悲恋物語としてストーリーを再構築。その斬新な改訂版は90年代にセンセーションを巻き起こし、ロングランを記録した。「ああいうのも、とても面白いと思います。それで僕もバレエの演出や照明、衣裳、ヘアメイクを変えてみようとパンデミック中に企画したのが『BALLET TheNewClassic（バレエザニュークラシック）』です」。バレエとハイファッションの類似性　「バレエザニュークラシック」は、堀内が写真家の井上ユミコと共に立ち上げたプロジェクト。バレエファンならば誰もが知る古典作品を再解釈し、"新しい定番"の形を提案した。舞台と客席の距離はたった2.26mで、「チカキサダ（CHIKA KISADA）」による衣裳やプロジェクションマッピングなど、現代的な要素を融合させた。現役のプリンシパルダンサーが舞踊監修するダンス公演ということもあり、チケットはあっという間にソールドアウト。「次回はもうちょっと自分たちが届けたい層に届けられたらいいなとは思っています。一番振り向いてほしいのは、やっぱりファッションの人とか、クリエイターの人たちかな」。　バレエとハイファッションの類似性を堀内は指摘する。「バレエは元々ハイカルチャーと呼ばれるもので、王族などが楽しんでいました。今はもっと広がってきているけど、どこか届かない存在・憧れであり続けてほしいとも思います。ファッションにしても、憧れのオートクチュールやランウェイルックがあって、それが市場に広がっていくという形ですよね。あとバレエはやっぱり小さい頃からやっていないとできないものなので、そういう意味でのストイックさや厳しさも似通っているかなと思います」。敷居の高さは保ったまま、裾野を広げていく。それが文化を継承していくための大事なポイントなのかもしれない。こだわるのは踊りだけじゃない　踊り手だけでなく、公演をプロデュースする側になって学んだ点も多い。「ダンサーって『踊れればいい』と思っているところがあります。衣裳や音楽は自分では変えられないし、メイクもある程度決まった型があるので。でもその中で『どこまでそれをいいものにできるか？』というところが本当の仕事。やっぱり細かいところまでこだわらないといけないんだな、とあらためて気付きました」。中でも特に力を入れているのは、舞台メイク。劇場には専属メイクがいるが、基本的には全部自分でこなす。役柄ごとに全く違う表情を引き出し、踊りのニュアンスを増幅させている。　また、衣裳も踊りを引き立てる大きな要素だ。「ある意味、その役柄を一番視覚的に表現するものなので、音楽よりも何よりも視覚的な影響は大きいのかな。スタジオで踊るときは稽古着なので、舞台で照明が入って衣裳を着た時に『あ、こういう世界観なんだ！』と実感して、一気に次のレベルにいく感じがします」。ちなみに堀内が今まで着用した中で気に入っている衣裳は「ロミオとジュリエット」のものだそう。「ロミオはずーっと踊りたい役だったので、その分思い入れが強いです」。やはり根底には、クラシックバレエへの深い愛とリスペクトがある。「眠れる森の美女」の新たな王子像　現在は、創立25周年記念として上演される「眠れる森の美女」のリハーサル中だ。熊川芸術監督による新たな解釈で、ストーリーもアレンジされている。「今までの『眠れる森の美女』の王子は、終盤に突然出てきてお姫様にキスして結婚！みたいな強引な展開でしたが（笑）今回はもっと掘り下げられています。呪いにかけられて間違ってお姫様を死に導いてしまったり、そういう苦悩もあって、もう少し人間らしさのある王子像なのかなと思います」。　衣裳を担当するのは、世界の名だたる劇場で演劇やオペラのデザインを手掛けるアンゲリーナ・アトラギッチ（Angelina Atlagic）。豪華さと繊細さ、古典と現代的センスを併せ持つ彼女の衣裳が、作品にさらなる深みを与えそうだ。　かつてはバレエへの情熱を周囲に明かせなかった堀内少年だが、今はバレエ界を率いるトップダンサーの一人。「バレエは自分の存在価値、意義みたいなものになりましたね。僕にとって身体とは、自分を表現するための手段です。舞台では、お客様に感動してもらうのが一番。その役に共感してもらえるような舞台にしたいです」。バレエ以外では、ミュージカル「ロミオ＆ジュリエット」（2021年）に"死のダンサー"役で出演し、新境地を切り開いた。「もしお話があれば、俳優にも挑戦してみたいですね。僕は基本、なんでもやってみたいので」と貪欲さも垣間見せる。バレエは日常に溢れている　一般的に、バレエと聞くと「敷居の高いもの」と身構えてしまう人も多い。だが、「バレエに関するものって、意外と日常に溢れているんですよ」と堀内は語る。「例えばソフトバンクのCMに使われている音楽も『ロミオとジュリエット』。街中でみんなが穿いているチュールのスカートもバレエのチュチュから発展したものだったりします。バレエを見たり習ったりすると、思った以上にいろんな繋がりがあることを感じられるはず。それこそTikTokを通してでもいいので、肩肘張らずに楽しんでほしいですね。そこから理解を深めていただけたら、それも嬉しいです」。　「眠れる森の美女」に続き、今冬は「くるみ割り人形」で王子役を演じる。先人へのリスペクトを守りつつ、自らの美意識を活かしながら挑戦する堀内。バレエはもちろん、日本のエンタメや社会通念にも変化をもたらしてくれそうだ。

Kバレエのプリンシパル・堀内將平　バレエの「今」を体現する王子【連載：BODY MAGIC】

　小源寺亮太がオーナーを務める南青山のスタジオは、まるで都会のオアシスだ。あらゆるところに植物が置かれ、パウダールームの中でも鳥や虫の鳴き声が流れている。ここには老若男女の生徒が通っており、最高齢は70代だという。ポールダンスに対する”官能的な女性たちのショーダンス”というステレオタイプに囚われていると、あらゆる意味で裏切られる。　小源寺の言葉や身のこなしからは、ポールダンス界を牽引するパフォーマーならではの美意識とプロ意識が伝わってくる。「ストイックなわけではなく、ただ変態的にオタク気質なんですよ（笑）」と本人は謙遜するが、鍛え上げられた身体はギリシャ彫刻のよう。どの瞬間、どのポーズを切り取っても美しい。「男性がやってもいいんだ」という衝撃　ステージで見せる神話のような世界観とダイナミックな技術。その超絶技巧からは想像できないが「昔から運動が嫌い」と本人は明かす。「球技とかも全然ダメで『体育の授業があるから早退します』というような子どもだったんです（笑）ただ身体測定とか、自分の記録を伸ばすのは好きだったんですよね」。　歌手を目指し、17歳で福岡から上京。ダンスを本格的に始めたのはその頃だ。「自分に何が合うのか分からなくて、様々なダンスレッスンを受けていました。ある時、クラブイベントで偶然出会ったのがポールダンス。男性ダンサーの演技を見て『男性がやっていいものなんだ！』と衝撃を受けて。その方が楽屋に戻るところを引き止めて『僕もやりたいです。どこに行ったらできますか？』って聞いたのがきっかけです」。　それから11年。「スポーツジムで身体を鍛えるのは苦手だけど、ポールダンスはやっていくうちに筋肉も育っていく。レッスン毎にできることが増えていって『自分でもこんなことができるんだ！』という感動の積み重ねが自信をもたらしてくれたんですよね」。オリンピック種目になるかもしれない　ポールダンスは、スポーツともアートとも言われている。「僕は表現する方が好きなのでそういう大会に出場しているんですけど、"ポールスポーツ"としてオリンピックの種目入りを目指している団体もあって。それはポールをもっと認知してもらうためにはいい活動だと思っています。2028年ロサンゼルス五輪には——という噂も耳にしているので近い将来、実現するかもしれないですね」。　日本での選手人口も徐々に増え、競技としてどんどん広がりを見せている。「国によってトリックそのものや表現方法が違うから、見ていて面白いですよ。今はSNSで情報を共有できるから、ますます技術が進化しています。もともとバレエや体操をやっていた方たちが参入してくると、ものすごい動きが生まれるんですよね」。 世界一になるために必要だったもの　小源寺が出場する試合では身体表現だけではなく、曲に対しての動き、衣装やメイクを含め、いかにトータルの世界観を作り上げられるかが評価される。パワー系のトリックや、柔軟性を見せる動き、フロアでのパフォーマンス、会場がどれだけ魅了されたかという”エックスファクター”も採点対象になるという。　彼の独特の世界観を一言で表すならば「ファンタジー」。小源寺の妖精のようなキャラクターとパフォーマンスは、ステージ上に束の間の"異世界"を作り上げる。「正直なところ、始めた頃はやっぱり『優勝したい』という願望が強くて空振りしていたところがありました。でも挑戦する過程で、自分の身体や魂をもっと進化させていきたいという気持ちに変わっていって。『結果がどうこうではなく、色々な経験をしにいく』という意識に変わったタイミングで、賞をいただけたという感じです」。ファッションという魔法を操って　ポールダンスの選曲も振り付けも衣装も、基本的には全て自分で手掛けているという。この日まとっていたビジュー付きのショーツも、本人のお手製だ。「ファッションって『魔法』みたいですよね。僕は衣装で自分のキャラ設定ができるというか、『今度はこういうイメージで踊ってみたいな』と想像することも表現につながります。今日の撮影みたいに『誰かにかけてもらう魔法』もいいですね。新たな自分を発見できるし、色々な自分に変身できて楽しいです」。　そのファッションセンスは子供の頃から抜きん出ていた。「小学校に厚底のスニーカーを履いていって、休み時間にファッション雑誌を見たり、眉毛のお手入れをしてみたりとか（笑）雑誌で見るようなものは田舎ではなかなか手に入らないので、自分で作ったりリメイクしたりもしていました。周りの子たちからは変わった目で見られたりしていましたけど、ファッションへの強い憧れがあったんですよね」。 天と繋がり、自己を解放する瞬間　重力を感じさせない浮遊感と、ダイナミックな大技。筋力なくては成し得ないパフォーマンスにもかかわらず、小源寺のパフォーマンスはどこまでも軽やかだ。「僕にとってポールダンスは瞑想のようなもの。ポールという軸をコントロールすることで、自分自身にフォーカスできるように感じます。踊っているときや空中にいるときは、本当に天と繋がっているような感覚があるんです。無心になれるというか、心地良いんですよね」。　「逆に、空中に上りたいと思えない時はポールを触らないようにしています。身体の素直な反応を大事にしたいので、そういう時は身体をケアしたり整えたりしますね。やっぱり自分が苦しいと思っている時の演技って、見ている側も苦しいと感じるんです。だからまず自分が解放できていないと」誰もが可能性を持っていると信じて　自身の身体を「魂の入った器」と小源寺は表現する。「僕は普段、ストレッチや身体のケアをする柔軟のクラスを受け持っているんですが、いつも言っているのは『まずは器を整えましょうね』ということです。水の通りが悪いと植物も育たなかったりするじゃないですか。身体と魂（心）って直結しているので、身体が循環していくと思考や選択そのものが変わってくるんです」。　その変化を、実際に生徒からも感じたこともあるという。「ずっと自分自身をブロックをしていた方がいたんです。『こんな服を私は着るべきじゃない』とか言っていたり。でも身体の変化と共に思考そのものが変わっていって、最近ミセス・コンテストにエントリーしたそうです。それを聞いた時は嬉しかったですね。『誰もが可能性を持っているから自分自身を信じてほしい』と、僕はいつもみんなに伝えています。どんなふうにもなれるし、そう信じた瞬間から変わっていけるので、その手前で塞ぎ込まないでほしいな」。美しい伝統文化を引き継ぎたい　今後の目標を尋ねると「日本の伝統文化を、自分のフィルターを通して伝えていきたい」という意外な答えが返ってきた。「例えば、僕が習っている生け花との融合とか。伝統をちゃんと引き継いで、それを守りつつも自分のエッセンスを加えてやっていけたらいいな、と思います。アートも生け花もそうですが間（ま）が美しいんですよね、特に日本はそういうものを大切にしているので」。茶道や寺社仏閣巡りも好きだという小源寺。誰も見たことのない新たな表現とファンタジーが、また彼の身体から生まれていきそうだ。

ポールダンサー・小源寺亮太　空中で魅せるファンタジー【連載：BODY MAGIC】

田舎にダンス教室なんてなかった　湧き上がる衝動とエモーション。彼女が踊り始めると、スタジオにいた誰もがその動きに釘付けになった。人間はこんな自由に動けるものなのか——。　柿崎麻莉子は香川県出身。自然豊かな田舎で生まれ育ったという。「幼稚園の頃から自分で音楽をかけて踊っていましたね。母親が新体操の先生だったので、家に色々なCDがあったんです」。小学4年生から新体操クラブ「エンジェルRGカガワ日中」に通い始め、6年生の時には全国大会に3人1組で出場して優勝。身体能力の高さは幼い頃から抜きん出ていた。　「自分が踊ることが好きだっていうのは、もう早い段階で分かっていたんです。でも田舎だからダンス教室なんてないし、どうやって始めていいか分からなくて」。その後、進路を決める際に「大学　ダンス　一番」とネットで検索。検索結果の一番上に出てきたダンスの名門・筑波大学に入学し、そこでコンテンポラリーダンスと出会った。「それまで新体操しかやってなかったので、身体性の違いには苦労しましたね。新体操は技で点数を取る競技なので」。“ラッキーなことに”膝の前十字靭帯を断裂　大学1年の秋、膝の前十字靭帯を断裂し入院。病室では「こんな身体じゃジャンプもできないし、もうダンスをやめるのかな」と落ち込んでいたという。その時、手を差し伸べてくれたのは大学の先輩だった。「今は振付家として活躍している黒田なつ子さんが、座ったまま踊る機会をくれて。10分弱の作品で、長いドレスを着て脚立の上に座り、手だけをゆっくり動かす役でした。それはきっと新体操をしていた時の感覚では絶対に踊れなかったダンス。その時『そうか、足を上げなくても踊ることはできるんだな』ということに気づいたんです」。怪我をしたからこそ、新たな身体性を学ぶことができた。柿崎にとってそれは大きな転機になったという。イスラエルのダンスに衝撃を受ける　「自分が一生やっていきたいダンス」を見つけるため、大学の夏休みにはヨーロッパやニューヨークのダンスシーンを見て回る。一番衝撃を受けたのは、バットシェバ舞踊団（Batsheva Dance Company）の来日公演だった。バットシェバはイスラエルを拠点とする世界的なダンスカンパニー。美の既成概念に捉われず、振付家のオハッド・ナハリン（Ohad Naharin）が編み出した「ガガ（Gaga）」というダンスメソッドを使って、独自の身体性を育てていく。　「『ガガ』は枠組みのないアプローチで、人によってまったくバラバラな動きが出てきます。それが私がバットシェバを初めて見たときにすごく惹かれた部分。ゴツゴツした筋肉質の人もいれば、華奢なバレリーナみたいな人もいて、それぞれが全然違うリズムで同じ舞台に立っていました。色々な動物が踊っているようなワイルドさを感じて『これならやってみたい！』ってゾクゾクしたんです」「特異な身体性」でオーディションに合格　「自分がここに所属する未来が見えた」という柿崎は翌年イスラエルまで出向き、「ここで働きたい」とオハッドに直談判。大学を卒業する2012年にオーディションを受けて、念願のバットシェバに入団した。「オーディションに参加していたのは幼少期からずっとダンスを頑張っていた人ばかりでした。私は全然ダンス技術もなかったけど、新体操の経験はあったから特異な身体性に見えたんだと思います」と分析する。　バットシェバのメンバーは半分がイスラエル人で、もう半分がインターナショナル。そんな中で、体型の違いにも気づかされた。「身長が高いプロダンサーたちの中で、私は背が一番低くて、足の長さだってみんなの半分くらい（笑）でもそれをネガティブなことにはまったく感じなかったんです。だって私は“ここにいる”んだから」。　自分の身体性をほかの誰かと比較して落ち込んだことはないという。「国が違えば、美の基準も変わります。もし今、身体に対する社会の呪縛を感じているとしたら、別の場所やコミュニティに行けばいいと思います。呪縛と戦うのはすごいことだけど、それは戦える力がある人に任せたらいい。身体に正解はないから、周りと比較する必要はないと思います」。「ディオール」のランウェイで踊った経験　バットシェバに入るきっかけとなった作品「MAX マックス」には、その後ダンサーとして出演。夢が叶った瞬間だった。「でもカンパニーに憧れすぎていて、ダンサーとして色々な経験をできたことに満足してしまったのかもしれません」。その後バットシェバを離れ、2015年にシャロン・エイアール（Sharon Eyal）率いるL-E-Vダンスカンパニー（L-E-V Dance Company）に移る。「シャロンはもともとバットシェバのダンサーとしてキャリアを積み、独立した振付家。一緒にお仕事をしたこともあって、彼女の世界観をもっと体験したいと思ったんです」。　その後、L-E-Vの一員として「ディオール（DIOR）」の2019年春夏コレクションのショーにも出演。テーマは「身体の解放」。花弁が舞い落ちる中、躍動感あふれるパフォーマンスを披露した。「あれはディオールのマリア・グラツィア・キウリ（Maria Grazia Chiuri）とシャロンという、自分を突き詰めていった二人によるコラボレーション。一過性のものではなく、その後のL-E-Vの作品もディオールが衣装を作ったりと、良い関係性が続いていますね」。衣装は作品の意図をよりクリアにする仕掛け　普段の柿崎はいたってピュアで自然体。あまり着飾ることを好まない。だが、創作における衣装選びは重要だと語る。「衣装を着るといつも、リハーサルの時よりも作品の狙いがクリアになると感じます。衣装や音楽が加わることでヴィジョンの幅が狭まり、その作品の世界観が徐々に構築されていくんですね。だから自分の作品で衣装を決める時は毎回すごく悩みます」。　「私はダンサーの体がすごく好きだから、あまりヒラヒラがついていない衣装が一番！ やっぱり面白いのは体だから。だけどその設定をズラすのも面白いと思っています。あえて大きめのシャツを着たり。今は色々なブランドの服を着せてもらう機会があって、強いこだわりを持って作られた服には特に影響を受けます。作り手の意志が、服と一緒に自分の体についてくるような気がするから」。出産は私が今までした何よりもダンスだった　2021年に出産を経験。その時の感動を柿崎はこう語る。「この身体の中に命を運ぶことができるなんて『人間ってやっぱり魔法を使えるんだ！』って思いましたね。体の動きも、骨の軋みも、声も、内部で起こる痛みの感覚でさえ、同じ目的のために限界を超えていく。意外と思考は冷静で、それもすごくダンス的。『こんなに自分が動物だと思える瞬間がまだ残っているんだ！』と思ったし、あれは私が今までした何よりもダンスでした」。　1歳の子どもと暮らしながら今、彼女が新しく学んでいるのは「バカなダンス」。「パンツを見せたり、お尻を振ったり、毎日子どもと踊っているんです（笑）これまで真剣にダンサーとして仕事してきて、人前で踊る時の緊張もあったから、そういうバカな踊りをできるとは思っていなかった。子どもは私が何をやっても一緒に楽しんでくれるし『私、こんな踊りができたんだ！』って嬉しくて（笑）だから今後の作品でそれを生かしていこうと思っています」。芸術や文化を気取らず楽しめるように　「私の身体は魔法が生まれる場所」と柿崎は語る。それを実感するのは、出産の時だけではない。「もともと身体は宇宙や自然のように、人間よりもずっと大きく豊かな存在。まだ解明されていない、奥深い存在というイメージがあります。実際、身体を動かすことで感情が生まれたり、その人の世界が変わったりすることってあるんですよね。私たちの生きている世界なんて、自分がどういうふうに世界を感じているか次第だから。身体を動かすことで世界を変えることができるんだったら、それは魔法だと思います」。　2021年にはパートナーの地元である熊本に、カルチャーセンター「beq.Inc」をローンチ。「熊本には、素晴らしい自然があります。自分も田舎育ちだし『こういう場所で生きたいな』と思ったから、そこに『場』を作ることにしました。劇場やライブハウスに対して、敷居が高く感じる人も多いので、みんなが自然体で楽しめる場を作りたくて。もう『東京に来なきゃ何もできない』という時代じゃないし、ダンスに限らず面白いものを作って、若いアーティストがどんどん誕生するような場所になったらいいな」。柿崎麻莉子（Mariko Kakizaki）香川県生まれ。幼少期は新体操に励む。筑波大学入学後コンテンポラリーダンスと出会う。 2011年、韓国国際ダンスフェスティバル（KIMDC）にて金賞受賞。2012年、イスラエルのダンスカンパニー「Batsheva Dance Company ensemble」に入団。2013年、香川県文化芸術新人賞受賞。KAGAWAアンバサダー。2014年、Jerusalem Dance week competitonにて振付作品が受賞。2015年、「L-E-V Sharon Eyal | Gai Behar」に入団。2020年、第14回日本ダンスフォーラム賞受賞。2021年、第15回日本ダンスフォーラム賞受賞。2022年、熊本にカルチャーセンター”beq.Inc"をオープン。＜今後の公演スケジュール＞ 【出演作品】「パフォーミングアーツ・セレクション 2022」9月8日 高知県立美術館ホール 10月7日 まつもと市民芸術館 実験劇場 10月15日 いわき芸術文化交流館アリオス 中劇場 10月30日 りゅーとぴあ 新潟市民芸術文化会館 劇場 11月1～2日 吉祥寺シアター 11月27日 熊本県立劇場 演劇ホール 12月11日 山口情報芸術センター スタジオA  【振付作品】 10月15～16日 アステールプラザコンテンポラリーダンス公演   TRY A DANCE vol.17 @JMSアステールプラザ 多目的スタジオ11月5～6日 神楽坂 ダンスブリッジ2022 3つの未来 @神楽坂セッションハウス12月2日 宮内麻衣子との共同創作 @beq.Inc（詳細は公式インスタグラムで後日発表）

DIOR

BODY MAGIC

ダンサー・柿崎麻莉子「出産はダンス、身体は魔法」【連載：BODY MAGIC】

　黒いパンツスーツに身を包んだ男女のフラメンコダンサーによる、力強いステップでショーがスタート。群舞のダンサーたちが真紅のドレスで現れ、石階段の上で一糸乱れぬ動きを見せる。　今回のキーインスピレーションは、伝説的なフラメンコダンサーのカルメン・アマヤ（Carmen Amaya）。フラメンコの分野で初めて男性の衣装をまとった彼女は、ルールに縛られない革命的なダンサーとして知られる。スペイン出身のカルメンは1940年代にアメリカに渡り、ブロードウェイやハリウッド映画などで活躍した。　ファーストルックは、黒いパンツをサスペンダーで吊ったメンズ風のスタイル。モデルのバズカットと力強いアイラインが、今シーズンの女性像を表している。カラーはモノトーンからレッド、ベージュ、ゴールドと華やかさを増していき、ジュエルトーンのイヴニングドレスへと繋がっていく。　ショーのラストには、カルメンをモデルにしたアート作品を取り入れたドレスが登場。スペインのアーティスト マリア・アンへレス・ヴィラ・トルトサ（Maria Angeles Vila Tortosa）が版画の手法でカルメンの姿を描き、スペインのアーバンアートの要素を取り入れたデザインに仕上げたという。 　さらに、スペインの伝統的な要素を取り入れたショートジャケットやワイドブリムハットなどは、ジャクリーン・ケネディ（Jacqueline Kennedy）と一緒に乗馬を楽しんだスペインのアルバ公爵夫人からの着想。乗馬ブーツや乗馬鞭など、スペイン式馬術の要素も随所に見られた。 　力強さを打ち出したコレクションの中でも、キウリ特有のフェミニンでロマンティックなムードは健在。太いベルトでウエストマークしたシアーなドレスや、網タイツなどが多用され、センシュアルなムードをプラスする。また、デニムとトロッター柄の組み合わせもフレッシュ。スパニッシュテイストとディオールのフレンチシックが融合した、エレガントなルックに仕上がっている。　キウリの公式インスタグラムでは、リサーチトリップの映像も公開中だ。キウリがスペインを訪れ、マカレナ大聖堂の聖母像のガウンを飾る数多の刺繍の装飾などに感銘を受ける様子が窺える。　1956年のオートクチュールコレクションでも、ムッシュ ディオールによる「Bal à Séville（セビリアでの舞踏会）」と題されたドレスが発表されるなど、これまでもスペイン文化から大きく影響を受けてきたディオール。今回の一夜限りのスペクタクルは、カルメン・アマヤの功績を讃え、メゾンとスペイン文化のつながりをあらためて祝福する特別なショーとなった。

スペイン広場に40人のダンサーが集結　フラメンコを取り入れた「ディオール」2023年クルーズコレクション

　会場には6つのセットが設置されており、そこで繰り広げられるパフォーマンスのライブ映像が、上部に設置されたスクリーンに映し出されるという仕掛け。精巧なジオラマや小道具、照明、スモーク、そしてダンサーたちの演技が組み合わされ、カメラがその動きを捉えていく様は、まるで映画の制作現場のようだ。1幕ごとに観客が次のセットに移動する流れも、「次は何が起こるのか」という期待を掻き立てる。　2匹の馬のパペットが見せるトリックアートや、大小のバッグ「ケリー」が歌うコミカルなオペラなど、「エルメス」らしい遊び心あふれる構成に。このユニークな作品を生み出したのは、ジャコ・ヴァン・ドルマル（Jaco Van Dormael）。「神様メール」（2015年）などを代表作に持つベルギーの映画監督・演出家だが、オペラやバンド・デシネ（フランス語圏のコミック）、舞台公演など幅広い分野で才能を発揮している。ジャンルの垣根を超えたファンタジックな演出は、ドルマルの真骨頂とも言えよう。　また、軽やかな動きを振り付けたのは、ダンス・カンパニー「ローザス（Rosas）」の創立メンバーでもある振付家ミシェル・アンヌ・ドゥ・メイ（Michèle Anne De Mey）。レザーを縫い合わせる手の繊細さや、カレの縁を丸める手のしなやかさなど、エルメスの職人の手しぐさをも彷彿とさせる。演じたのは、彼女が率いるコンテンポラリーダンスカンパニー「アストラガル（Astragales）」のメンバー。デジタル技術を巧みに取り入れ、宙に浮かび上がった恋人同士が無重力で踊るシーンなどを表現した。　エルメス一族の6代目であり、メゾンのアーティスティック・ディレクターを務めるピエール＝アレクシィ・デュマ（Pierre-Alexis Dumas）が「世界中で日本の人たちが一番、エルメスの紡ぐ夢や手仕事の情熱を分かってくれる」と開催を後押ししたという、今回の演目。6月21日までの全公演は、予約開始からすぐにほぼ満枠となったほどの人気。体験した人の心を軽やかにしてくれる、夢のような舞台となった。

HERMÈS

歌うケリーバッグや無重力ダンス　遊び心あふれる「エルメスシアター」とは？

No.5 ヤンガ幸一郎（YANGAデザイナー）「ヤンガ幸一郎」のクリエイションを紐解くマインドマップ　デザインする上で軸となる"5つのキーワード"とそこから派生する"3つのワード"を、デザイナー本人がピックアップ。それぞれのキーワードが現在のクリエイションにどのように繋がっているのか、デザイナーの解説と共に紹介していく。１：バックグラウンド"キリスト教"、"儒教"と様々な宗教に触れてきた10代　母の影響で、16歳の頃までクリスチャンとして生活していたので、教会で行われる礼拝に毎週末参加していました。一方で父は儒教を信仰していたので、20歳頃までは儒教について色々と教えてもらうなど、さまざまな宗教に触れる環境で育ってきました。　クリスチャンだった頃は、聖書に書かれている内容を基準に生活していたこともあり、週末の礼拝時に友達が遊びに出ていることを知り、羨ましい気持ちがずっとありました。また、自分がハーフということで周りの目が気になることが多々あり、10代の頃は「他の人と同じだったら...」と思うことが多かったですね。視野が広がったことによる"コンプレックス"からの"解放"　大人になり海外生活で様々な国籍の人たちと交流していく中で、自分のアイデンティティとは何かを見つめ直すことができ、クリスチャンとして生活してきたことや抱えていたコンプレックスもきちんと肯定できるようになりました。今の作品にこういった経験が直接的に反映されているわけではないのですが、自分のルーツを振り返るときに欠かせない要素です。２：海外生活日本とフィリピンの"ハーフ"という強み　高校時代まで日本で過ごし、その後マニラ、パリ、ウィーン、ニューヨークと様々な国で生活をしてきました。日本人の父とフィリピンの母の間に生まれたので、最初に海外生活を送ったマニラは僕のルーツに大きく関わっている街です。マニラの中でも僕の故郷はあまり治安の良いエリアではなく、日本とは環境が大きく違っていたのですが、生活することで文化や街への理解も深まり、全く異なる2つの国籍を持つということが、自分の強みなのだと感じるようになりました。"国民性"に触れることで肯定できた自分の"アイディンティティ"　コンプレックスが多かった自分にとって、海外で様々な"国民性"に触れることが出来たことは本当に大きかったです。例えば、パリには色んな国籍の人がいるので、アイディンティティも様々。そういった環境下でのコミュニケーションでは、人種よりも"言語"と"思想”が重要なのだと感じました。単一民族の日本で育った僕にとっては、そういう環境がとても新鮮でしたね。3：ストリートダンス"ジャネット・ジャクソン"の楽曲で巡り合った"ポッピンダンス"　ダンスの楽しさを最初に感じたのは高校時代に遡ります。学園祭でダンスを踊ることがあり、その時にお客さんの視線が一つに集まる感覚が忘れられず、その空間を作りたいという気持ちでダンスにハマっていきました。　ポッピンダンスに出会ったのは、昔から大好きなジャネット・ジャクソン（Janet Jackson）が兄のマイケル・ジャクソン（Michael Jackson）と共演した楽曲「Scream」のMVを見たことがきっかけです。自分が知っているダンスとは違う違和感のある体の動きが気になり、後になってそれが「ポッピンダンス」だと知りました。ポッピンダンスは、人の体を使いながら人間離れした動きや浮遊感を表現するところに面白さがあり、チュートリアルビデオをみながらひたすら練習して習得していましたね。国籍や言葉を超えて広がるダンスの輪　見た目やルーツなどは関係なく、スキルがあればきちんと評価してくれるのがダンスの世界です。とにかく上手くなりたいという一心で練習し、高校からニューヨーク時代までダンスバトルにもよく出場していました。ダンスを通して国籍や言葉を超えて輪が広がっていくように、これからはストリート文化を好きな人たちが繋がっていけるような空間を、ファッションというフィールドで作り上げていきたいです。4：コスチュームリメイクコスチュームルールへの違和感から生まれた"服への興味"　ダンスバトル出場を重ねる中で、出場者の服装に一定のルールがあることに気がつきました。多くの人がTシャツにパンツスタイル。ちょっと奇抜な格好をすると、ストリートダンスではなくコンテンポラリーダンスにカテゴライズされてしまう現実がとても嫌でした。　そういった状況に対し、アンダーグラウンドなダンスミュージックをポップシーンへ押し上げていったダフトパンク （Daft Punk）のように、ストリートダンスのルールを踏まえつつ、別の視点から新たなダンスコスチュームを提案することもできるのではないかと思うようになりました。職業訓練校やアシスタント経験を経て学んだ"服作りの基礎"　　服作りを始めるまでファッションについての知識はほとんどない状態だったんですが、服にも歴史が深くありそれを知っていくのがとても楽しくて。気がづいたらファッションの世界にどっぷりハマっていました（笑）。コスチュームを作りたいという目的があったので、まずは職業訓練校で服作りの基礎を学び、その後パリで1年半程ブランドのアシスタントなどをしながら経験を積んでいきました。５ : パーソンズパーソンズで学んだ"DIY精神"と"言葉"の重要性　パーソンズ美術大学へはユニクロの支援枠「TOMODACHI-UNIQLO FELLOWSHIP」を利用して入学しました。パーソンズでは、とにかく自分の手を動かすことを求められました。素材サンプルなどもすべて自分で作るので、本当に毎週追い込まれていましたね（笑）。　パーソンズで一番学んだことは「言葉で伝えること」の大切さです。毎週行われるプレゼンでは、仕上げていったサンプルのクオリティではなく、それが出来るまでの過程や自分自身の考えてについて問われます。例えば「無駄な服をなぜ作り続けるの？」などです（笑）。それに答えるために、"自分を伝える言葉"を発見できるようになったことは、パーソンズに入って良かったと思えることですね。動きの可能性を模索した卒業コレクション　ダンサーだった経験を踏まえ、"身体性"をテーマに卒業コレクションを制作しました。ダンスや人体の動きを追求していく過程をGIFや動画、コラージュで記録し、そのドキュメンテーションを元に、黒のボディスーツを着た自分の体に素材を当てながらデザインを決めていきました。ルックにはその制作過程のアイデアがそのまま活かされています。ロバート・ロンゴ（ROBERT LONGO）の「Men In the Cities」のように、静止画の中でも身体のエネルギーを感じられるような写真を撮りたかったので、ルック撮影中は音楽を流してみんなで踊りながら進めました。　ポッピンダンスに影響を与えたダフトパンクの「Around the World」のMVに登場する幾何学的な演出がとても好きで、動きの可能性を幾何学模様を用いて表現しました。柄をプリントしたメッシュ素材を二重にすることで、動いた時にモアレのような模様が浮かび上がるのが特徴です。ファッションとダンスの融合　実は新型コロナウイルスの影響で、毎年開催されている校内のファッションショーが開催できなくなり、卒業コレクションを見せる機会がなくなってしまったんです。自分の初となるコレクションになるので、何とか見てもらう機会を作れないかと思い、同じくユニクロの支援でパーソンズに通っていたMÖSHIと一緒に、4月22日から3日間のエキシビションを開催することにしました。最新コレクションのコンセプトと深く繋がったダンスパフォーマンスも行う予定で、自分がファッションを通して作りたかった"空間"を見せれたらよいなと思っています。ぜひ遊びに来てください！■MÖSHI & Kou Yanga EXHIBITION 2022期間: 2022年4月22日(金)〜24日(日)　13:00〜21:00会場: KATA入場無料■MÖSHI & Kou Yanga EXHIBITION 2022 OPENING PARTY日程: 2022年4月22日 金曜日時間: OPEN 18:00 / LIVE START 18:30 / CLOSE 21:00会場: Time Out Cafe & DinerLIVE: MÖSHI、Kou Yanga (DANCE PERFORMANCE)GUEST: ASOBOiSM and more…料金: 前売り：2500円(税込/1drink別)　＞＞イベント詳細＞＞チケット購入

UNIQLO

次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.5 ヤンガ幸一郎（YANGAデザイナー）

　ケイタ マルヤマは、2016年3月に東京でランウェイショーを開催して以来、インスタレーションやムービーといった形式で新作コレクションを発表してきた。今回は丸山自身の会社K.M Design Studioとして初めて有観客でのコレクション発表となり、「Fashionは人生を変える」をコンセプトに全く新しいエンターテインメントとしてのショーを制作。「誰かを応援したり支援したり、繋がることは今の時代のテーマだと思う。厳しいコロナの2年を経て、たくさんの人たちと皆で作れたら」（丸山）という考えで、なるべく多くの人に届けるためクラウドファンディングを実施したという。11月8日から約1ヶ月で目標の500万円を超える、800万円超の支援を集めた。　およそ1時間にわたるショーは従来のランウェイとは異なる構成で、日本の伝統文化にフォーカス。歌舞伎・舞踏や着物文化、音楽など 「心踊るコト」 をファッションと融合し、日本ならではの四季をなぞって春夏秋冬の4シーンを繰り広げた。　回転式の舞台の幕が開き、春の桜を表現した最初のシーンに登場したのは冨永愛。オートクチュールのマキシドレスに着物の羽織風のガウンをまとったケイタ マルヤマならではの和洋折衷スタイルで、90年代を彷彿とさせる高いランウェイを優雅に闊歩した。続いて歌舞伎俳優の尾上右近が「娘道成寺」を披露。夏のシーンでは⻤太鼓座による和太鼓で祭りを表現し、ダンスユニットULTIMATE BBOYZは着物をアップサイクルした衣装でアクロバティックなパフォーマンスを見せた。秋のシーンは「愛」をテーマに、乃木坂46の齋藤飛鳥などのモデルたちがケイタ マルヤマのアーカイヴのドレスを着用して登場。舞台を雪景色に変えた冬のシーンでは、女優の渡辺真起子やりょう、田辺あゆみや市川実和子といったケイタ マルヤマのショーには欠かせなかったベテランモデルたちが勢揃いした。　全出演者によるグランドフィナーレでは、ハート型のラッフルドレスをまとった野宮真貴が「東京は夜の七時」と 「スウィート・ソウル・レヴュー」の生歌を披露。華やかなムードと大きな拍手の中でショーが幕を下ろした。　終演後の舞台裏で丸山は、今回のショーの動機として1980年代から華やかなショーを通じて夢を与えてきた山本寛斎と高田賢三の存在が大きかったとし、「お二人がいなくなってしまったから、『やらなきゃ』と。先輩方から浴びせてもらったクリエイションを、次の世代に繋いでいくのが役目だと思う」と涙ながらに話した。「ファッションは人生を変えるものだし、その時代や気分を表すもの。エンターテインメント、伝統、作り手、色々な人たちがシェアし手を繋ぎながら、自分たちのやれることをハッピーに表現する。その熱を伝えられたら嬉しい」と、愛にあふれたショーを振り返った。

KEITA MARUYAMA

ケイタ マルヤマがショー開催　ファッションの愛を「寛斎、賢三、そして次世代に」 往年のモデルが華を添える

FUMIE＝TANAKA セットアップFASHIONSNAP（以下、F）：1点目は「フミエ タナカ（FUMIE＝TANAKA）」2021年春夏シーズンのセットアップ。軽い素材感かつシンプルなデザインで、汎用性が高そうです。MIKIKO：着心地最高なんですよ。私は仕事着としてヘビロテしました。仕事柄、服は動きやすさとか機能性重視で、どうしても黒やネイビーのダークトーンを選びがちなんですが、このセットアップは機能性、デザイン、カラー、すべてドンピシャ。上に何か羽織ったりして、いろんな現場で活躍しました。F：スリットやプリーツ加工など、ディテールが効いています。MIKIKO：文江さん（デザイナーの田中文江）の服って、シンプルだけどエッジな要素も持ってるというか、大人の女性の心をくすぐるバランスがお上手だなっていつも思うんです。F：田中さんとの出会いのきっかけは何だったんですか？MIKIKO：数年前、ブランド名がまだ「ザ・ダラス（THE Dallas）」だった頃に、偶然オンラインで見つけたアイテムが欲しくて。当時は面識がなかったですがインスタで「どこで買えるんですか」ってDMしたんです。F：MIKIKOさんからいきなりのDMとなると、さぞ驚かれたでしょうね（笑）。MIKIKO：文江さん（デザイナーの田中文江）からは「まさかあのMIKIKOさんですか？」と返信がきましたね（笑）。それがきっかけで文江さんと連絡するようになって、展示会にもお邪魔したり。このセットアップもオーダーしたものです。DMしてみるものだなぁって感じですよね。F：フミエ タナカの2021-21年秋冬シーズンではコレクション映像の監督を務めていました。MIKIKO：自分にとってファッションのクリエイションに関わる仕事は初めてだったんですが、文江さんとはお互いの制作物を見ていたからか、お話をいただいた時はすんなり受け入れられて。コレクションができてから発表までの期間がとても短くタイトではありましたが、文江さんのワイヤーフレームを使いたいっていうアイデアがはっきりとありましたし、コンセプトがしっかりしていたので、制作は案外スムーズだったんです。F：振り付けを考える時はファッションを意識するんですか？MIKIKO：「服を綺麗に見せる」のは、ダンサーの仕事の一つだと思っています。そのため、衣装のフォルムや色、体を動かした時の布の揺れなどを捉えて踊ることを意識したり。今回の経験で、ファッションに対する興味が深まったので、こういう仕事はこれからもやっていきたいと考えています。F：今回は映像でしたが、リアルでの発表が徐々に復活してきているので、MIKIKOさんならではの、ダンサーを使ったショーも見てみたいです。MIKIKO：ランウェイを歩くモデルの体でしか表現できないものと、筋肉や動きのしなりのあるダンサーでしかできないものってあると思うんですよね。だから、出演者はブランドやショーのコンセプトによって考えるところかなと。　私は、ファッションや音楽、演劇など様々なジャンルがうまく混ざり合えば、まだまだ面白いことができるのではないかと考えていて。ファッションショーの研ぎ澄まされた雰囲気も好きですが、大度さん（ライゾマティクス主宰の真鍋大度）が「ホワイトマウンテニアリング（White Mountaineering）」のショーに参加した映像も新鮮でしたし。もしお話をいただけた時は、業界の垣根を超えた見せ方も視野に入れて作りたいなと思っています。TOGA PULLA サンダルF：続いては「トーガ プルラ（TOGA PULLA）」のサンダル。MIKIKO：これも仕事で重宝していて。スタジオ内とか、ステージの作り立てのセットの上とか、現場で土足禁止のエリアも多いから着脱しやすいサンダルはありがたいんです。トーガのサンダルは脱ぎやすいし、歩きやすい、そして何と言っても可愛い。F：ブランドの定番アイテムで人気ですよね。トーガの靴は他にも持っていますか？MIKIKO：サンダルシリーズが好きで、去年のものも買いました。「スイコック（SUICOKE）」とのコラボモデルも持っていて、あれは本当に履いてないみたいに軽いんです。トーガのサンダルだけで10足くらいはあるかも（笑）。F：デザイナーの古田泰子さんと親交は？MIKIKO：古田さんとは一昨年くらいにお話しする機会があって、フォーマルをいかに崩すか、ジェンダーレスなデザインについてなど、服に対する考えが興味深く、更に虜になりました。きちんとはしていたいんだけど、どこか個性的でいたいって気持ちをくすぐられますよね。F：フミエ タナカ、トーガと日本のブランドが続きました。MIKIKO：職業柄だと思うんですけど、作り手とその人の思考回路が気になるタイプで。「こんな考えのデザイナーさんが作っているんだ」と興味を持つことも多いんです。日本のブランドの方がそういう情報に触れやすいので気になりやすいというのもありますし、サイズ感やシルエットが体に馴染みやすいのも選ぶ理由ですかね。F：2ブランド以外にはどんなブランドを持っていますか？MIKIKO：「ステア（STAIR）」（※現在はブランドを終了。デザイナーの武笠綾子は新ブランド「シングス ザット マター」を立ち上げた）のアイテムをインスタグラムで見つけて、衣装で着たいと思い、三田さん（スタイリストの三田真一）経由で借りたのがきっかけでコレクションをチェックしていました。　また「マメ クロゴウチ（Mame Kurogouchi）」はPerfumeの3人が衣装で着ることも多いので、私もPVCのクラッチバッグを持っています。今日も使っているポシェットもマメ クロゴウチのもので、台本、iPhone、あとちょっとした小物が入るちょうどいいサイズ。頂き物ですが今年のベストアイテムのひとつです。FUJIN TREE for CITY SHOP チャイナシューズ F：続いてもシューズですね。台湾のセレクトショップ「FUJINTREE 355」のオリジナルブランド「フージンツリー（FUJIN TREE）」のもの。MIKIKO：実はブランドのことはそこまで詳しく知らなくて。よく買い物をする渋谷のシティショップ（CITYSHOP）で夏頃に見つけて買ったんです。F：購入の決め手は？MIKIKO：デザインの可愛さもさることながら、決め手はやっぱり機能性です（笑）。チャイナシューズが好きなんですけど、靴底が薄いものは苦手で。このシューズは靴底がしっかりしているので長時間履いても疲れにくいんです。F：着脱もしやすそうですね。MIKIKO：もちろんそこもポイントですね。重要です（笑）。F：欲しいものの選考基準が明確なんですね。買い物で失敗することはありますか？MIKIKO：オンラインショッピングでよく失敗します。というか服に関してだと成功した数の方が少ないかも...。画像で見ていいなと思っても実物だとちょっとイメージと違うとか、サイズが合わないとか初歩的な失敗を良くします。F：そうなんですね（笑）。シティショップではよく買い物をするんですか？MIKIKO：何故だか、急ぎで決めないといけない時に、サッと入ってパッと買うことが多いんですよね。デザインやサイズ感で、「行けば何か見つかるお店」として重宝しています。ELECTRON デンキバリブラシF：こちらは美容ギアの「デンキバリブラシ」。美容家や芸能人にも愛用者が多いですよね。MIKIKO：みたいですね。私はメイクさんが使っていたので知りました。ちょっと疲れが顔に出てるなって日だったんですが、デンキバリブラシを使った後の私の顔を見て、イレブンプレイのスタッフが「ハリが復活してる！」と言ってくれて（笑）。それで買っておこう！と思いました。F：お値段が家賃級と言われていますよね......。MIKIKO：そうなんです（本体価格が税込19万8000円、専用のローションが6380円）。私はこまめに美容に気を遣うタイプではないんですが、これはなるべく使うようにしています。F：他にも美容家電は持っていますか？MIKIKO：以前スチーマーを買ったことがありましたが、なかなか継続できなかったです。美容に関してはあまり詳しいわけではないですが、仕事を通じてプロのメイクさんに会う機会も多いですし、色々と教えてもらったりはしています。F：MIKIKOさんのメイクといえば、シャープなアイラインが印象的です。MIKIKO：アイメイクはアイラインしか基本しないんです。最近は「ラブライナー（LoveLiner）」のリキッドアイライナー、これ一択ですね。一度スーッとラインを引いた後に目の際をぼかします。これを教えてくれたのが、「ムー（m.m.m）」のディレクターのMINAさんという方で。MINAさんは今海外にいらっしゃるんですけど、友人経由で紹介してもらいました。一度をメイク教えていただく機会があって。まずは基礎を知ることが大事というのを丁寧にレクチャーしていただきました。F：他に美容で意識していることはありますか？MIKIKO：身体が資本の仕事なので、こらないようにメンテナンスしていますね。週に何回かは必ず運動をして汗をかいたり、時々マッサージをしてもらったり、靴下にテニスボールを入れてセルフマッセージしたりもします。週に1回バレエのレッスンの一環で「ほぐしのクラス」っていうレッスンも受けています。人って基本的に浮腫んでると思っていた方がいいそうなんです。一度、レッスンやマッサージを取り入れて「浮腫んでいない状態」を知るのが大事で、「この身体の軽さが基本」ということを知っておくと、こりや冷えに気が付きやすい体を作れるんです。F：なるほど、勉強になります！Oura リングF：これは指輪ですか？MIKIKO：スマートリングと言うんですかね。「オーラ（Oura）」というブランドで、フィンランドのテック企業が運営しているそうです。......私もライゾマの大度さんに教えてもらったんですけど。F：ガジェットの知識が豊富そうですもんね。MIKIKO：色々なものを教えてくれます。最近周りでこれを着けている人が増えてきているのも、多分大度さんが発信しているからだと思います（笑）。F：いつ頃購入したんですか？MIKIKO：年明けくらいですかね。F：外見はシンプルなシルバーリングですが、中にセンサーや基板が付いているんですね。MIKIKO：睡眠の質を計測できるのが肝で、睡眠の時間や深さ、心拍数などをスコア化してくれるんです。睡眠レポートはこんな感じでスマホで見ることができます。F：計測結果を見て生活習慣を変えることもありますか？MIKIKO：ありますね。あと、しっかり熟睡できたんだって知るとその日は清々しく過ごせますし。日中はずっと着けているんですが、じっとしていると「運動が足りない」とアラートされたりもします。F：外側はチタン製なんですね。MIKIKO：傷は付きにくいですね。ゴツさはありますけど、ほかのアクセサリーの邪魔をしないデザインなのもいい。私はヘアスタイルやメイクが固定だからか、普段から何かしらアクセサリーを着けたくなるんです。いつも着けるアクセサリーもシンプルなものが多いので、こうやって見るとオーラリングとの組み合わせもいい感じですよね。Apple  アップル ウォッチF：ラストはアップルウォッチ。今年のモデル（Apple Watch 7）ですか？MIKIKO：そうですね。まだ買ってそんなに経ってないです。F：アップルウォッチはiPhone同様に毎年新型が発売されますが、その度に買い換えるタイプですか？MIKIKO：いいえ。そんなに熱心なユーザーではないんですが、ここ数年はずっとアップルウォッチを使っていて、久々に買い替えたという感じです。機能がたくさんあるので、お恥ずかしながら、まだまだ使いこなせている気はしませんが。F：テック関連なので、それこそ真鍋さんが詳しそうです。MIKIKO：色々教えてはもらうんですけど、結論は「とにかく着けるように」ってことで。当たり前なんですけどね（笑）。F：アップルウォッチはアクセサリーが豊富ですが、カスタマイズはしますか？MIKIKO：ほとんどしていないです。バンドはステンレス製のものとシリコン製のパープルを持っていますが、パチンって締められて楽なステンレスばかり使っていますね（笑）。今年を振り返ってF：今年は初めてファッションのムービーを監督したり、ミュージックビデオのディレクションを担当したりと、新しい挑戦が多い1年だったんじゃないですか？MIKIKO：ありがたいことですね。見せたいものによって身体の使い方って全然違うので、それぞれ「楽しかった」に尽きます。F：買い物の面ではそういった”挑戦”はなかったですか？MIKIKO：お話ししてきてバレていると思うのですが（笑）、購入の決め手がはっきりしているので、突拍子もないような買い物はしてないですね。ただ変化はあって。やっぱり買う量は減りましたし、その中で一生使える物をちゃんと買おうと思うようになりました。本当に必要か考えたり、背景を知るようになったり、”買い物に向き合う”ようになったかもしれません。F：先ほど言っていた作り手の思いが気になるという部分ですね。MIKIKO：そうですね。デザイナーさんたちが作る服って気軽に何着も買えるような値段ではないですけど、値段の意味を知ると言うか、込められた思いや取り入れた技術を聞くと納得しますし。服が背負うものを知ることで、「よし、着るぞ」と思えるんです。F：「買ってよかったもの」のうち、肌や身体をメンテナンスするためのアイテムも目立ちました。MIKIKO：日頃から色々な表現をする人たちと関わる仕事ですし、自分自身も身体を使うので、「パフォーマンス」に関わることは優先度が高いんでしょうね。オーラリングもアップルウォッチも、自分の身体の状態を知って、なるべくニュートラルな状態を保つためのものなので。F：2022年はどんな年にしたいですか？MIKIKO：一緒にものを作り上げていく人たちありきの仕事でもあるので、変わらず一つずつ向き合いたいですね。初めに話したように、ファッションのお仕事にも挑戦できたら嬉しいです。

TOGA

FUMIE=TANAKA

Mame Kurogouchi

THE Dallas

TOGA PULLA

【2021年ベストバイ】振り付け師 MIKIKOが今年買って良かったモノ

■自由に組み合わせるレイヤード　エヌハリウッド コンパイルは、「フォーマル、ドレスウエアの在り方をコンテンポラリーに編集する」というコンセプトを基に、服のディテールや素材、着心地を追求してきた。一着一着、物と向き合って作り上げていくのが近年のスタイルで、今シーズンも特定のテーマは設けられていない。ゆえに、時代の空気を取り入れながらシーンを問わないボーダーレスなデザインや、振り幅の広い提案が可能になっている。　2021年フォールコレクションの特徴はレイヤード。軽量素材やレイヤード機能を取り入れたアイテムを展開し、インナーとシェル（アウター）を自由に組み合わせることができる。フレアシルエットのパンツなど、新鮮なデザインも取り入れた。　カモフラージュ柄のアウターは、N.ハリウッド20周年の特別企画として「アンダーカバー（UNDERCOVER）」のアーカイブ生地をリプロダクトする「REBEL FABRIC BY UNDERCOVER」の第2弾。1996年にアンダーカバーが発表したカモフラージュ柄を、デザイナー高橋盾と共にアップデートした。■何か心に残るものを作りたい 　今回のフィルムでクリエイティブディレクターとして起用したのは、写真家で映像作品も手掛ける岩澤高雄。尾花との何気ないコミュニケーションから発展し、スタイリストやキャストなどを集めて制作がスタートした。　服を主役に据えるため、パフォーマーは透明人間のイメージで、ナチュラルカラーの全身タイツ姿。2脚の椅子のみが置かれたシンプルな舞台を一台の固定カメラで俯瞰的に映し、パッと瞬時に変わるシーンの転換は、昔なつかしい箱型の紙芝居から着想を得たという。コレクションの特徴でもあるレイヤードとも重なる。　2人の演者のパフォーマンスを映した26分。コレクションフィルムの尺としては長い方だが「BGMのように、何かの作業や生活の中で流してもらってもいいと思う」（岩澤）という考えで、見方や感じ方は自由。最後に何か少しでも心に残るフィルムを目指した。　演出、音楽、スタイリング、ダンスや演技。撮影現場ではジャンルを超えたクリエイター同士が意見を出し合い、良いものを作ろうと高め合う。その様子を眺める尾花は、まるで観客のようにリラックスした表情。何かを指示することはなく、全てを任せているという。「物には自信がある。だから何をやってもいいと伝えた」。■N.ハリの新たな歴史が始まる　今回のコレクションフィルムを通じてクリエイターらの情熱に心を打たれ、想像を超えるものに仕上がったことで「また色々なことをやれる自信がついた」と尾花。コロナにより海外でコレクション発表ができないなど例年とは異なる状況が続いているが、逆にこれまで変わらなかったシステムを変えるチャンスとも捉える。21年目の今年、N.ハリの新たな歴史が始まろうとしているようだ。

N.HOOLYWOOD

「エヌハリウッド コンパイル」の自由な表現　26分のフィルムに何を込めたのか

■三部作という挑戦　今日の世界でファッションショーをどのように開催するべきなのか。さまざまな挑戦が待ち構えているときは、自らの習慣に挑戦すべきときです。　コレクションノートには、このようなメッセージが書かれていた。今この時代に対するエルメス流の答えとして取り組んだのは、「三部作（Triptych）」という新たな挑戦。ニューヨークのパーク アベニュー アーモリーを皮切りに、パリのフランス共和国親衛隊官舎、そして上海のメゾンエルメスへ。3都市それぞれオレンジを基調とした舞台を設定し、異なる演出でコレクションを表現した。　演出には、ニューヨークのマドリーヌ・オランダー（Madeline Hollander）と上海のグ・ジャニ（Gu Jiani）という2人の演出家をそれぞれ起用。他の都市や文化と自由に繋がり、様々な芸術形式と対話するようなプレゼンテーションとなった。■上質で自由なスタイル　ナデージュ・ヴァンへ=シビュルスキー（Nadège Vanhée-Cybulski）が手掛ける2021年秋冬コレクションは、先シーズンに続いて自由をもたらす装いを提案。既存のルールを取り払い、日常着としてもイヴニングドレスとしても最適な服や、パーカスタイルのスーツが、対極の概念を壊していく。  　ブラックをはじめブラウンやバーガンディなど深みのあるカラーのワントーンで統一したスタイルが多く、上質でしなやかな素材が際立つ。ロングジャケットやコートは、カシミヤブランケットのフリンジディテールがポイント。シーンを選ばないデニムのセットアップや、テクニカル素材のレインウェアといった活動的なアイテムも組み合わせている。  ■機能的なレザーアクセサリー　アクセサリーでは、スマートフォンやフォンアクセサリー、カード、そしてリップという必要最低限のツールが収められる、ポシェットタイプのユーティリティケースが目立った。さらに、ネックレスタイプのリップケースやキーチェーンが登場。足元はセンターステッチがポイントのブーツ。  　センシュアルな魅力と機能美を併せ持ち、新しい時代を闊歩するスタイルが表現された。

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