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Culture

クラブ好き編集部が厳選　音楽を楽しみたい人向けの11施設

ー今回、なぜソロアルバムを作ろうと思ったんですか？　もともとソロアルバムを作る予定はなく、作る必要性も特に感じていませんでした。他の人へ楽曲提供をするために曲を書く一方、かなりパーソナルな内容の曲も書いていたんです。時間が経つにつれ、自分に自信を持てるようになってきたので、そろそろパーソナルな曲を、自分だけで歌ってみようかな、と。ーソロとして第一弾シングルとなった「Lifetime」（2020年）は、コロナ禍という暗い時代とは対照的で、幸福感に満たされた楽曲だと感じました。どんな意図があったのでしょうか？　あの曲はロックダウン中にリモートで制作しました。クラブでみんなと一緒にいる時に生まれる、多幸感や自由な感覚を体験できない状況に対して、自分はすごく寂しいと感じていたんです。だから「Lifetime」を通してその感覚を再現しようとしたんだと思います。ロックダウンでクラブに行けなかったからこそ、当時は高揚感のある音楽に惹かれていたし、自分もよく音楽を聴きながら自宅のキッチンで踊っていました。だって、そこでしか踊れなかったから（笑）。そういうユーフォリックな感覚をみんなにも感じてもらいたかったんです。ーロミーの視点から、今のロンドンのクラブシーンはどう映っていますか？　刺激的です。メジャーな1つのシーンがあるというわけではなく、各人が興味のあるものが点在しているという状態で最高。中でも、クィアのクラブシーンに興味があります。もちろんその中でもいくつかに細分化されていて、それぞれユニークです。人々がジャンルに注目している感じがないからこそ、自由に音楽を楽しめるところが良いんですよね。ークラブのフロアを彷彿とさせる空間で2人が抱き合う「Strong」（2022年）のMVを拝見した時に、クラブ空間がまるで自宅のセーフティゾーンのように表現されていると感じました。改めて、ご自身はクラブをどのように捉えているのでしょうか？　自分はロンドンで育ち、ティーンエイジャーの頃からクラブに通っていました。そこから世界を見通すという、すばらしい体験ができたんです。ロンドンのクィアクラブのいくつかでは、仲の良い友だちと知り合えたし、自分らしくいられる場所だと思っています。何よりも「そこにいてもいいんだ」という安心感を得られるんですよね。そこで流れている音楽や、自由、喜びなどを知って得た「ポップミュージックを受け入れる」という感覚は、自分の中に今でも強く残っています。また、自分の感情を処理したい時もクラブという場所に行きますね。自分のスペースで、踊りながら思考をまとめるんです。ー楽曲作りにおいて、タイトル、歌詞、メロディ、リズム、どれから手を付けることが多いですか？　以前は必ず歌詞から書き始めていたんですが、最近は「ポップのための曲作り」というセッションから学んだことを活かして、メロディから作ることも試みています。メロディから物語へと発展させるテクニックは、自分にとって新しい挑戦です。今回のアルバム用に作った曲の多くはメロディから作られたものなんですよ。それによって自分の歌い方も変わりました。最近はよくオートチューン（音程をデジタルで補正する技術）を使って曲作りをしています。自分の声の限界を広げられるし、新しい方法で音遊びが色々できるから、すごく楽しい。ー「Loveher」の高音の表現など、今作ではThe xx時代から歌唱の変化を感じます。　今回のアルバムでは、自分の声で色々と実験しました。「Loveher」はアーティストのフレッド・アゲイン（Fred Again..）と一緒に作った曲ですが、彼が「オートチューンで遊びながら適当に歌ってみれば？」と背中を押してくれたんです。たとえ音程が外れたとしても、そこから面白い素材を作ることもできるから、と。そういう実験的なことを試みた結果、あの高音が生まれました。ーロミーにとって理想のヴォーカルスタイルとはどんなものでしょうか？　自分の歌に影響を与えた人はたくさんいますが、アーティストのシーア（sia）もその一人で、憧れています。気付いているのは自分だけかもしれないけど、面白いことにシーアがリアーナ（Rihanna）のために書いた「Diamonds」を聴くと、リアーナの声にシーアの歌い方を感じ取ることができます。それくらい、シーアの歌い方は特徴的だと思っています。ーこのインタビューをするにあたって先日聴かせてもらった4曲（「Loveher」「Weightless」「The Sea」「Enjoy Your Life」）は、どれもシンプルなタイトルが印象的です。　曲にシンプルなタイトルをつけるのが好きなんです。ーザ・エックス・エックスの曲も単語がタイトルになっているものが多いですよね。　シーアが作った曲の多くも、単語がタイトルになっています。シーアは「力強い単語を選べば、そのテーマから素晴らしい曲を書くことができる」と教えてくれました。彼女のその考えがとても気に入っているんです。ー新曲の数々は、基本的にはダンスミュージックですが、歌が際立つポップスでもあると感じました。このバランスを成立させるために、音作りの細部において気をつけたポイントはありましたか？　まさしく、ダンスミュージックとソングライティングのバランスを上手く取ることが狙いでした。特に意識したのは、音楽に動きを付けること。そうすれば、曲を聴いた人は踊ることができるし、クラブにいる時は曲に入り込むことができる。もう1つは、物語のための余白を十分に取っておくこと。このバランスを成立させるのが一番の課題でした。今作では、プロダクション要素を取り除いた時にピアノやギターだけで弾けるようにしたかったし、同時にクラブでかけても楽しめる曲にしたかった。このバランスを取るのにかなり苦労したんです。ーロミーはスポティファイで「Emotional Music To Dance To」というプレイリストを公開していますが、「エモーショナル」という言葉をどのように解釈して使っていますか？日本では「エモい」という言葉が流行っていて、「形容しがたい感情」という意味合いで使われているのですが、欧米の「エモーショナル」とはニュアンスが少し異なる気がしています。　へえ、そのニュアンスは素敵ですね。自分も「エモーショナル」という言葉から、必ずしも「悲しみ」という感情を思い浮かべるわけではなくて、楽しい感情と辛い感情の両方を想像します。例えば「Lifetime」を作っている時は、「嬉し悲しい（＝Happy Sad）」という感情を見出していました。上手く説明できないんですが、多幸感の中には、悲しいという感情も共存していると思うんです。だから日本語の「エモい」という言葉のニュアンスには共感しますよ。ーロミーが所属しているバンド「ザ・エックス・エックス」は、2017年以降アルバム作品を出しておらず、各人のソロワークにそれぞれが自由に参加する形をとっています。この変化についてご自身はどのように捉えていますか？　自分たちがそれぞれ音楽を作っているという現在の状況は、とても理に叶ったものだと思います。自分たちは15歳の頃から一緒に音楽を作っていますが、逆に言うと外の人たちと関わる機会が少なかった。だから、今みんながメンバー以外の人たちと制作をしているのは良い学びの機会になっているはず。　そういえば、このインタビューが始まる直前まで、自分と（バンドメイトの）オリヴァーでザ・エックス・エックスの曲作りをしていました。自分もオリヴァーも、ソロワークの経験で学んだことをザ・エックス・エックスの曲作りに活かせています。それは健全なことですよね。バンドとして前作から数年が経過しているという認識はもちろん自分たちにもあるので、少しずつ動き出しています。

Fashion

フジロックにも出演　The xx ロミーが新作で表現したかった「エモさ」【すばらしき音楽家たちの肖像 特別編】

海外における「デコラ」の定義　国外でも「デコラ」は日本のカルチャーとして浸透している。世界各国のストリートスナップをキーワードと共に紹介している書籍「The World Atlas of Street Fashion」にも、日本のストリートファッションとして「Decora」が紹介されており、そこには「1997年に創刊された雑誌『フルーツ（FRUiTS）』、そしてその創刊号で表紙を飾った小林あきがアイコンであった」と綴られている。小林氏は、ソフトパンク系のスタイリングを好み、「ミルク（MILK）」や「ミルクボーイ（MILKBOY）」のアイテムに自作の服をミックスしたコーディネートで度々誌面に登場。ファンも多い人物であった。なお、「デコラちゃん」という言葉は、1998年の時点でメディア上で使用されていることが確認できる（「毎日新聞」1998年8月12日付朝刊）。デコラはクラブカルチャーから生まれた　菊田はデコラの起源は、新宿の「ツバキハウス」や原宿の「ピテカントロプス・エレクトス」を嚆矢とするクラブカルチャーにあると話す。ピテカントロプス・エレクトス、通称「ピテカン」は、日本初のクラブハウスとして桑原茂一が1982年に開店。坂本龍一、高橋悠治らによるライブや、高木完、藤原ヒロシによるDJプレイが披露され、キース・ヘリング、ジャン・ミッシェル・バスキアなど、海外からも多くのアーティストが訪れた。最もシンボリックなのは、漫画家 岡崎京子の作品「東京ガールズブラーボ」で“憧れの東京の象徴”として描かれたことだろう。以後、日本のストリートカルチャーに多大な影響を与えたピテカンは、若者がオシャレをして集う場として機能することになる。ピテカンは、明治通りと竹下通りを跨いだ先に位置し、その後「裏原」と呼ばれる地域に根ざしていたことも興味深い。裏原を中心に、日本のファッションシーンは大きく変わっていったが、デコラもその例外ではないようだ。デコラとロンドンパンクスタイルの関係性　ピテカンに遊びにいく若者のスタイリングの参考になったのは、日本よりも先にクラブカルチャーが成熟したイギリス ロンドンのクラブシーン。1980年代のロンドンでは、ポストパンクやニュー・ウェイブ、ゴスといった細分化された ファッションが流行し、日本でもセレクトショップ「ア ストア ロボット（A STORE ROBOT）」が、ヴィヴィアン・ウエストとマルコム・マクラーレンによる「セディショナリーズ（SEDITIONARIES）」などの、パンクファッションを取り扱い始めた時期と重なる。菊田は「パンクのブリコラージュの精神を踏襲したロンドンのクラブファッションが、そもそもデコラティブだった」と説明する。今ほどカラフルな装いではなかったかもしれないが、自分の個性を打ち出す服でドレスアップし、クラブイベントへ繰り出していたそうだ。　さて、そういったロンドンのクラブシーンを参考にした若者たちのスタイリングを取り上げたのが、ピテカンオープンから7年後の1989年に創刊された雑誌「キューティ（CUTiE）」だった。同誌では「キッズコレクション」と称して、現在で言うところのストリートスナップページを掲載していた。菊田はそこで着られていた服が、クラブシーンの盛り上がりの中で登場したインディーズブランドである「ヒステリックグラマー（HYSTERIC GLAMOUR）」「スーパーラ ヴァーズ（SUPER LOVERS）」「ミルク」だったと解説する。雑誌「CUTiE」が提案した“ラジカルな”女の子像　「キューティ」が打ち出したコンセプトは“for INDEPENDENT GIRLS”。その名の通り、唯一無二の“自分だけの私”が提案され、装いの個性の一つとして、古着とインディーズブランド、そして手作りアイテムをミックスするようなスタイリングが紹介された。この地点が、現在「デコラ」と呼ばれているスタイリングの成熟期だと考えられるが、当時は「デコラ」ではなく「ラジカル（過激なさま／急進的なさま）」と呼称された。デコラが、ロンドンのクラブシーンやパンクファッションを踏襲し「人と違う服を着て、目立ちたい」という思想をも引き継いでいるとしたならば、「過激で急進的」という呼び名も頷ける。また、手作りアイテムをスタイリングに組み込むDIY精神は裏を返せばメジャーに対するカウンターとして機能し、パンクマインドと地続きであるとも考えられる。シノラーとデコラは似て非なるもの？　一方で、原宿には数多のファッションスタイリングが存在しており、中でも差別化が難しいのは「シノラー」と「デコラ」なのではないだろうか。菊田はシノラーとデコラの違いを「スタイルの背景にある文脈の違いである」と説明した。　そもそも、シノラーとは、当時文化女子大学短期大学部の学生だった篠原ともえをファッションアイコンにしたファッショントレンドであり、古着、インディーズブランド、手作りアイテムを組み合わせた様相はデコラとかなり近しいものを感じる。しかし菊田は「シノラーという現象はメディアが作り出したファッションで、それが一人歩きし、拡大していった」と考察し、2010年代に流行したきゃりーぱみゅぱみゅをアイコンとした「原宿KAWAII」にもメディア上で拡大再生産されていった側面があるとした。「シノラー」のアイコンとなった篠原ともえは、元々ファッション感度の高い文化の学生であることもあり、「デコラ」のように、クラブカルチャーや原宿のストリートスタイルにも精通していたかもしれません。だからこそ、シノラーとデコラを完全に「似て非なるものである」と言い切ることはできない。つまり、篠原ともえという人物は、デコラの歴史や文脈にも繋がりうるが、彼女のファッションだけが「シノラー」という枠組みに収められ、メディアの中で拡大していき、デコラとは別物になってしまったのではないでしょうか。ー菊田琢也　現に、篠原はメディアで当時を振り返り「シノラーのルーツは、学校の課題で書いたデザイン画である」と話している。タレント活動をする中で、周りの大人たちがそれを増幅させ、作り上げたものと言えるかもしれず、続く、きゃりーぱみゅぱみゅをアイコンとした原宿KAWAIIも、参照すべき（きゃりーぱみゅぱみゅという）カテゴリーに合わせていく側面が強かった。つまり、大衆のイメージが作り上げた、少し個性的で奇抜な像がシノラーとするならば、デコラは、ロンドンのクラブシーンを横断し、目標とするべき型がない自分らしいスタイリングと言える。増田セバスチャンという存在　また、デコラとシノラーの共通点であり、原宿カワイイカルチャーの重要なキーパーソンとして欠かせない人物といえば増田セバスチャンだ。増田が手掛ける「ロクパーセントドキドキ（6%DOKIDOKI）」は、現在のデコラにとってもマストハブアイテムであり、2010年代においても、きゃりーぱみゅぱみゅの初期作品で美術演出を手掛けるなど、その関係性は深い。菊田は「彼は、かわいいカルチャーの文脈から出てきている人物という側面が重要」とした上で、「最初から、デコラやシノラーが好むような派手なアイテムばかりを扱っていたわけではない」と付け加えた。ロクパーセントドキドキは立ち上げ当初、クラブキッズに向けたファッションアイテムのほかに、ケアベア（Care Bear）や、マイリトルポニー（My Little Pony）などの、ファンシーで可愛い西洋のキャラクターグッズや玩具を取り扱うお店でした。　欧米のキュートなアイテムを紹介するというのは、ロンドンのクラブシーンを日本に持ち込んだ若者のスタイリングや、それを取り上げた雑誌「キューティ」に近く、それを「デコラ」という自国の文化にしていくのは、極めて日本の文化醸造らしい手法のように思う。族から系へ、そして「型」の時代となった令和へのカウンターになるか　菊田は、「デコラファッションとは、スタイリングである」と締め括った。かつての原宿は、1980年代の竹の子族が代表格のように、皆が共通の格好をして同じ場所に集まり、仲間意識を高めていた。一方、パンクはブリコラージュをし、自分のスタイリングを作り上げてきた。つまり「パンクス」というコード（共通認識）は同じだが、ひとつとして同じ文脈でのパンクスは存在せず、本質的には一人一人が完全に異なる装いをすることになる。社会学者の難波功士が「族の系譜学―ユース・サブカルチャーズの戦後史」の中で「渋谷・原宿のストリートファッションは、＜族＞から＜系＞へと変化していった」と綴っているように、「デコラ系」と呼称されるものは、パンクの文脈を引き継ぎ、自分らしい装いや個性を表現するに至っただろう。現在の「デコラ」に含まれている意味は、原宿に集まりそうな人の装い程度の意味が最も強いのかもしれない。その装飾の仕方も、装い方も千差万別だ。　現代の日本は、族から系に移り変わり、骨格診断における「ストレート」「ウェーブ」 「ナチュラル」や、パーソナルカラーにおける「イエベ」「ブルベ」といった「型（タイプ）」に各個人が分類され、それに合わせてファッションを選択する。もしかしたら近い将来、そういった「型」や「似合う」が求められる時代へのカウンターとして、デコラの再ブームが訪れるかもしれない。 菊田琢也 （）  ファッション研究者。昭和女子大学環境デザイン学科専任講師（被服環境学博士）。専門は文化社会学、近現代ファッ ション史。大学で教鞭を執るほか、パリコレクションなどの取材を継続して行なっている。主な著書・論文に「クリティカル・ワード：ファッションスタディーズ」（共著、フィルムアート社、2022）、「相対性コム デ ギャルソン論」（共著、フィルムアート社、2012）、「女性にパンタロンを：イヴ・サンローランと1968年」（「人文学報」、東京 都立大学、2019）、「キキはなぜ黒いワンピースを着るのか：スタジオジブリとファッション」（「学苑」、昭和女子 大学、2021)など。 text＆edit：古堅明日香

HYSTERIC GLAMOUR

MILK

MILKBOY

原宿デコラファッションの起源は？「型」へのカウンターカルチャーとして再ブームか

—まずは、ビジョンをオープンした経緯から教えてください。　ビジョンは、2011年10月にオープンしました。2011年というと3月に東日本大震災があった年で、世間全体が先の見えない未来に不安を抱いている時期でしたよね。震災から3ヶ月が経った6月に、新大宗ビルのオーナーさんから時期が時期ということで良い条件で提案してもらったんです。その条件に加えて、これ以上みんなの顔が下を向くことなく、未来や夢に向かって上向きに元気になってもらえるような場所を作りたいと思い、“ビジョン”と名付けた新しいクラブのオープンを決めました。あとは、配信サービスが充実して多様な音楽を手軽に聴けるようになった反面、起源や歴史を知らない若い人たちが増えていると感じていたので、いろいろな音楽を身体で感じ、体感することでダンスミュージックをより理解してもらいたいという意味を込めて“サウンド ミュージアム”を頭に付けたんです。—前々から渋谷にクラブをオープンすることを計画していたわけではなかったんですか？　震災がきっかけですね。その頃はエアー（*2001～2015年末まで代官山にあったクラブ、キャパは約500人）を運営していて、より一般の方々にダンスミュージックの楽しさを伝えるためにエアーより大きい規模感のクラブが欲しいとは思っていました。—オープン当時は、渋谷最大級のキャパシティ（1000人）だったと記憶しています。　メッセージ性やインパクト、説得力を伴うには、ある程度の人を集める規模感が必要なんです。今はアトム（ATOM）さんやキャメロット（CAMELOT）さんもリニューアルして広くなりましたが、当時は一番大きい箱だったかもしれません。まだ風営法が変わっていない時期（2016年改正）ではありましたが、大きなクラブを道玄坂にオープンしたらインパクトがあると思いました。何より駅から歩いて10分かかったエアーやスペース ラボ イエロー（*1991～2008年まで西麻布にあったクラブ、キャパは約1000人）のように、人がいないところ、行きづらいところのアンダーグラウンドな立地でクラブを営業している時代から、オーバーグラウンドな立地に変化させることもクラブシーンやダンスミュージックを一般化させるためには必要な選択だったんです。　コンタクトは、改正された風営法が施行される直前の2016年4月にオープンしました。コンタクトをオープンした理由は2つです。風営法の改正には自分も関わっていたんですが、裏路地の地域までクラブをオープンできるように変えるべきではないと思い、そのため代官山のエアーは特定遊興飲食の営業が取れる地域では続けられず移動する必要がありました。そして、イエローやイレブン（*2010～2013年まで西麻布にあったクラブ、キャパは約1000人）から続くクラブの系譜を絶やさずに、続けていける音箱も必要だったんです。この2つの理由でコンタクトは生まれました。—噂では、コンタクトをオープンする時点で新大宗ビルの取り壊しが決まっていたと。　正式決定ではなかったです。ビジョンはもともと2011年から7年の定借（定期建物賃貸借契約）だったんですが、その頃から既に解体するかもしれないという話はありました。その後、解体が延長に次ぐ延長の末に2021年末に決定し、あとは発表をいつにしようかと。ただ、コロナ禍でみんなが外出できず営業もしていないタイミングは違うと思ったので、ある程度営業ができるようになった2022年3月に発表しました。本当はもっと前から告知をして、オリンピックとあわせて閉店に向かって盛り上げて行こうと思っていたんですけどね。—ビジョンとコンタクトは、それぞれどういった立ち位置でしたか？　ビジョンは、設備的にも規模的にもライブ空間に近く、音楽的には少し若くて分かりやすいライブ中心のパーティーが多かったかもしれません。コンタクトは新たな流れで始めたビジョンとは違い、私が携わってきたイエローやイレブンなどから代々続くアンダーグラウンドやダンスミュージックの音箱です。新しいお店を作る時、大抵は新しいスタッフを雇うことにしているんですが、コンタクトの場合はイエローやイレブンの者に手伝ってもらいましたし。—どちらもファッションイベントが頻繁に開催されていたことを例に、クラブとファッションという2つのカルチャーのハブのような場所だったと思います。このように、他のカルチャーとのミックスは意図的に狙っていましたか？　ファッションでいうと、考えるというよりも若い頃から遊んでいた仲間たちに著名なデザイナーが多いので、あまり区切りを意識したことはありませんね。私が21歳で立ち上げたピカソ（*1985～1989年まで西麻布にあったクラブ、キャパは約150人）では、ヒロシ君（藤原ヒロシ）も滝沢君（ネイバーフッド滝沢伸介）もジョニオ君（アンダーカバー高橋盾）もNIGO®︎君も、裏原系と呼ばれるデザイナーたちがDJしていましたから、今は自分たちが楽しみたいことをやって、私のクラブを使ってくれるという自然なことです。—12月にオープンしたエンターの構想はいつからありましたか？　2021年の早い段階でビル側からお誘いがあり、内容が最終的に決まったのはオープンの半年ほど前です。もっと早く開けようと思えばできたんですが、ビジョンもコンタクトも営業していたので、両クラブのスタッフにそのまま働いてもらうためにも閉店まで待つ必要がありました。エンターはクラブの基本に立ち返り、もう一度さまざまな点で見直しを行い足元を固めて、若い世代の才能を活かせる場にしたいと思っています。—名前の由来は？　「アーティストにとってやりたいことや行きたい世界の入り口になってくれれば良い」という思いを込めています。 エンターのオープニングパーティー—エンターが目指すクラブは？　いわゆる音箱と呼ばれるクラブです。小さいクラブだとそれに準じたサイズのサウンドシステムになるケースが多いんですが、それでは次の世代の人に大箱でプレイする感覚を教えてあげられないし、百戦錬磨のレジェンドたちも感覚を失ってしまう。だから、エンターではコンタクトのメインフロアにあったサウンドシステムをそのまま置いていて、クオリティーもコンタクト以上です。フロアの真ん中にDJブースを設置し、アーティストと来場者をサウンドシステムで囲うようにすることで、音の中にいるような錯覚に陥る空間に仕上げました。“訪れた人たちが元気になって帰っていく”、そんなクラブになってほしいです。　あとは、音楽の聴き方と受け取る情報量が膨大になったことで、音楽だけに集中して聴く時間は少なくなりましたよね。だからこそ、エンターでは音楽と向き合える側面を強くしたかったんです。若い人たちは、聴く耳も感性も持っているけれど、実際に素晴らしい音を体感できる場が無く、音楽に感動する経験が希薄だから、その機会を出来る限り与えたいと思っています。今の20代前半の世代は、特に優秀だし面白い子が多いんですよ。自分が若かった時に近いというか、バランスを取るのが下手だけど自由な感じがして、溜まっているものを吐き出したい、何かを表現したい子たちが増えているような気がします。しかも、私の世代はDJをやりたかったらDJ1本でしたが、今はDJもやるけど写真も撮るみたいな、ひとつに囚われない自分の活かし方の幅が広いですし。 コンタクトのメインフロアにあったスピーカー—パンデミックによる影響は？　何が本当に大事かを見抜けたと思います。良かったことだけを言うと、オリンピックに向けてとにかく走っていた中で強制的に足踏みしたことで、走っていると見えなかったことが見えた。例えば、2019年に新宿にDJバーを出したんですけど、急ぎ足で作ったから新宿という街をよく理解できていなかった。パンデミックを経たことによって街の知見が増え、それからの方が営業形態やコンセプトがはっきりと見えてきました。あとは、個人がバラバラにされたことで自分は何ができて何をしたいのかを見つめ直す時期にもなった気がします。—新宿と渋谷は、地理的には近いですがクラブシーンは全く違いますよね。　遊び方の価値観が少し違って、代々木辺りを境に渋谷が新宿を下に見ているような感じはありますよね（笑）。新宿の方が、格好付けずに単純に音楽とお酒を楽しみたいという気持ちが強いと思います。新宿にも才能がある人は多いですしタイプが少し違うだけなので、街単位で区切る感覚が無くなれば嬉しいですが、日本は職人気質なので自分の縄張りを作りがちなんです。海外では、DJにしてもアーティストにしても助け合わないと広い大陸で生きていけないから、連携と信頼し合うことを大切にしています。どんぐりの背比べをせず、本当の意味で助け合っていける場面を作っていきたいと思います。—最後に、最前線で渋谷のクラブカルチャーを見てきた村田さんにとって、この10年の変化をどのように総括していますか？　EDMやハウス、テクノ、ヒップホップなど旬なジャンルは時期によって入れ替わり、メジャーとアンダーグラウンドの均衡のバランスは変わり続けていると思いますが、ダンスミュージックの中心はそんなに変わっていないんじゃないですかね。それよりも、音楽の楽しみ方が変わっていると思います。音楽を聴くために数千円のレコードを買っていた時代は、“クラブに来ないと聴けない音楽と時間”がありました。海外から来たDJが流す音楽が初めての音楽との出会いの連続で、それに感動して集まる時代だったんです。でも今は、“皆とその時間を体感したい”、“好きなアーティストを実際に見て思い出に残したい”という思考がより強くなっていると感じます。実体験や共感を求めていて、実は生きていくうえで一番大事なのって思い出なんですよ。思い出が無くたって死にはしないけど、思い出があるからこそ人は生きていける。クラブは、そういった機会を作る場所になっていると思います。

VISIONとContactの閉店背景と新クラブにかける思いは？日本クラブシーンの重要人、村田大造に聞く

ランウェイのサウンドトラックがきっかけに　ホウティンは「プラスティックマン（Plastikman）」の別名義でも知られ、DJやプロデューサーとして世界的に活躍。「プラス8（Plus 8）」「マイナス（M_nus）」といったレーベルを主宰し、多くのアーティストたちの才能を発掘してきた。プラダのラフ・シモンズ（Raf Simons）とは旧知の仲であり、近年のランウェイのサウンドトラックを手掛けていたことから、今回のコラボレーションが実現したという。　PRADA EXTENDS TOKYOは、プラダ MIYASHITA PARK店でのトークイベントと、寺田倉庫で開催されるパーティーの2部で構成された。夜の招待制パーティーには、韓国のプロデューサーおよびビートメーカー・アーティストであるLionclad、東京を拠点とするアーティストmachìna、日本のプロデューサーおよびエレクトロニック・ミュージシャンであるYuri UranoがDJとして登場。ホウティンもDJブースに登場し、フロアを熱く盛り上げた。同年代のラフ・シモンズとはクラブで出会った　ダンスフロアは、ホウティンにとって何よりも重要な場所。イベント前のプレスカンファレンスでは、プラダとの関係性やクラブシーンへの思い入れを語った。「90年代に、プラスティックマンとしてベルギーのクラブで6～7時間、DJをしていたことがあった。その全てのセットを聞いていた男性がラフ・シモンズだったんだよ。彼はエレクトロニックミュージックに大きな情熱を傾けてくれる人。だからラフからコラボレーションの話が来たときに、ごく自然に『これは自分がやるべきプロジェクトだ』と感じた」。　ブランドとの親和性については「私の音楽はミニマル。ミニマルとは、いかに無駄を削ぎ落として、自分の頭の中にあるイメージをピュアな形でオーディエンスに伝えられるか、ということ。プラダのデザインと私の音楽に共通した価値観は、細部へのこだわりだと思う」と説明した。「普段、みなさんはプラダを視覚で感じている。今回のPRADA EXTENDS TOKYOでは目を閉じて、その中でイメージするデザインやディテールを感じてほしい。私はそれをソニック・プレゼンテーション（音によるプレゼンテーション）と呼んでいる」。「友情」と「競争」を生むダンスフロア　PRADA EXTENDSはローカルシーンに着目し、まさにホウティンとラフのような強い繋がりを生み出すことを目的としている。「異なる分野のアーティスト、クリエイターたちが出会い、互いに切磋琢磨する場を与えたい。ただ仲良くするだけではなく、競争意識も生まれるだろう。自分がこれまで体験したきたことを若いクリエイターたちにも体験してもらいたくて、こういう場を作ったんだ」。人生をハッピーにさせるものは？　ホウティンは25年以上もの間、日本の音楽と文化に深く関わってきた。日本酒ソムリエの資格も有し、今回のイベントでも彼の愛する日本酒が用意された。「私は様々な感覚を繋ぐということに興味がある。例えば洋服や音楽やお酒をミックスすることで、フィール・グッドな感覚が生まれる。人生っていうのは、自分にとってどの要素を混ぜたら気持ち良くなるかを探求すること。さらにそれを人と分かち合うことでハピネスが生まれるんじゃないかな」　パンデミックの影響を受け、2年の準備期間を経て開催に至ったという今回のイベント。ゲストには、日本でプラダのアンバサダーを務める水川あさみ、永野芽郁、坂口健太郎に加え、  三浦翔平、北村匠海、森星、トリンドル玲奈、SKY-HI、MIYAVIら、豪華な顔ぶれが一夜限りのイベントを楽しんだ。ホウティンが語る「人々が共にセレブレートし、コラボレートし、クリエイトすることの重要さ」を改めて思い出させてくれる、特別な機会となったようだ。

PRADA

RAF SIMONS

プラダとリッチー・ホウティンが若き才能をインキュベートする音楽イベント　東京初開催

UNITED ARROWS

【STAY HOMEで買ったモノ】地元札幌の老舗クラブのTシャツ -小木"Poggy"基史-

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