インサイド

三宅一生が“最も長く構想した”フレグランスが誕生　テーマは「塩」 　イッセイ ミヤケ パルファムの誕生は、1992年に登場した「ロードゥ イッセイ」に遡る。“イッセイの水”と名付けられたピュアでフレッシュなフレグランスは、生命の源で無限の可能性を秘めた素材である「水」にフォーカスを当てた。「生命の源」は三宅氏のフレグランスにおいて常にインスピレーションの根底にあり、美しい香りの数々を生み出してきた。ロードゥ イッセイの登場から2年後の1994年には「ロードゥ イッセイ プールオム」が誕生。澄んだ透明感と気品を宿す不朽の名香として、今もなお世界中で人気を集めている。  　名香の誕生から30年ーー。現代のマスキュリニティを揺さぶり、大地や生命のエレメントを感じさせる新たな香り「ル セルドゥ イッセイ」のテーマは、水と同じく人の生命に欠かせない「塩」。実は三宅氏は1990年代から、「塩」をテーマにした香りの構想を持っていたそうだ。2022年に惜しまれながら逝去した、稀代のデザイナー 三宅一生が“最も長く構想した”フレグランスと言える。 　本来匂いのない塩に香りを与えたのは、調香師 カンタン・ビシュ氏。三宅氏が遺した塩というテーマを彼が独自に解釈し、大地に残された水の記憶や、刻印のように堆積した塩がインスピレーションとなったという。「『波が大地を覆い、そして引いていく瞬間』を香りに閉じ込めた」と話す。海を表現するのは天然由来のマリン シーウィードとオークモス。そして大地のエネルギーを思わせるジンジャーや、多彩でパワフルなミネラル感を醸し出すベチバー、アップサイクルされたシダーウッドが織り重なり、海と大地の邂逅（かいこう）が、生き生きとした生命力を感じさせる香りへと仕上げられた。 　ボトルデザインを手掛けた吉岡氏は、30年以上イッセイ ミヤケのプロジェクトに携わり、さまざまなプロダクトや空間デザインを生み出してきたが、イッセイ ミヤケのフレグランスボトルをデザインするのは今回が初めて。吉岡氏は、塩というテーマを光で表現するため、ガラスという素材で、シャープな直線から楕円へと流れるようなラインと彫刻的なフォルムを生み出した。ボトルの底にデザインされたガラスの塊の中の水滴。そこから、力強い重厚感と、生命のエネルギーを象徴するような光を放つボトルが生まれた。  ル セルドゥ イッセイ香りのベールをくぐり、“塩”のイマジネーションを表す展覧会　イッセイ ミヤケと吉岡氏の関係性は、多くの人が知るところ。インスタレーションもさまざまなテーマで制作してきた。そんな吉岡氏が今回表現するのが、香りの世界。展覧会ではボトルデザインに込めた発想を起点に、感覚を呼び覚ますダイナミックな体験に挑戦した。　エントランスでは、ル セルドゥ イッセイの香りがするミストがゲストを出迎え、インスタレーション会場へと誘う。吉岡氏のシンプリシティの美学を体現するかのようなガラスの球体のオブジェは、開けると香りが広がる仕組みに。フレグランスボトルは実物の塩の結晶とともに展示し、無機質なマテリアルと自然のマテリアルを同居させた。　また彫刻的なフォルムのボトルデザインが生み出されるまでのプロセス、および試作品を公開。会場限定の映像作品は、香りを手掛けたカンタン氏のインタビューや、過去に写真家のアーヴィング・ペン（Irving Penn）が撮影したイッセイ ミヤケ パルファムのヴィジュアルなどを限定で公開。そのほか三宅氏をはじめ、吉岡氏やカンタン氏、ヴィジュアルイメージを手掛けたマーカス・トムリンソン氏のバイオグラフィーとともに、各人が担当したパートへの想いが記されたパネルも用意されている。■ISSEY MIYAKE LE SEL D’ISSEY: Imagination of Salt会期：8月28日（水）〜9月8日（日）※会期中無休会場：21_21 DESIGN SIGHTギャラリー3開館時間：10:00〜19:00入場料：無料VIEW MOREInterview with 吉岡徳仁：三宅一生との香りの対話、ボトルデザインと香りの関係、香りのインスタレーションで描くもの⎯⎯吉岡氏は三宅氏とは長きに渡ってコラボレーションされてきましたが、三宅氏とはどんな人物でしょうか？　一言ではとても難しいですが、ずっと思っていたのは「モノづくりに一生を捧げた人」だということ。これまでにない、新しいものを生み出す喜びを純粋に楽しんでいらっしゃる人で、一緒に仕事をすると私もその喜びを共有させていただける。もちろん大変な部分もたくさんありましたが、振り返ると面白いプロジェクトばかりでしたね。⎯⎯三宅氏と「香り」について何か対話をしたことはありますか？　直接何か語り合ったようなことはありませんでした。ロードゥ イッセイを発売した当時の多くのフレグランスは、セクシーやラグジュアリーというイメージが強く、そういうフレグランスが人気を集めていましたが、この香りはいわゆるトレンドとは一線を画しピュアで透明感があり、ボトルのデザインもシンプルで美しいという全く新しいアプローチだったと思います。香りのプロダクトであっても、一生さんらしい新しいものへの挑戦が詰め込まれたものなんだと感じていました。⎯⎯今回のル セルドゥ イッセイのプロジェクトについて、生前の一生さんとはどんなお話を交わしたのでしょうか。　プロジェクトが本格的に始まる前、2020年に一生さんに電話した時に「塩の香りを創ろうと思っている」と仰っていたんです。僕は率直に「塩からインスパイアされた香りってどんなものだろう」と思ったのですが、お聞きするタイミングを逃してしまって…。今度会ったら打ち合わせをしようと話していた矢先に訃報を受け取りました。この時の電話が一生さんとの最後の会話でした。⎯⎯長年のコラボレーションの中で、意外にもフレグランスボトルのデザインを手掛けるのは初めてだとお聞きしました。　まずはフレグランスというプロダクトについて、業界の基本的なことなどをリサーチするところから始めました。新しいカテゴリーという意味で、これまでご一緒させていただいたコラボレーションにはないプロセスがあり新鮮でした。とはいえ、イッセイ ミヤケとのコラボレーションの根底にある「新しいものを創る」という考えは今回も変わらずに常に念頭にありましたが。⎯⎯「塩の香り」をフレグランスボトルにどうやって落とし込んだのでしょうか。　まずは僕なりに、「一生さんのインスピレーションになった塩」とはどんなものだろうかと解釈を深めていきました。塩と聞いて、まずは食べ物や海の塩（潮）が思い浮かびましたが、日本人にとっては神事に扱われるように神聖なイメージもある。そんなふうに、塩の多面性とその魅力を表現できないかと。視覚的な要素というよりは、塩が持つ輝きや光そのもの、そして大地の力強さをボトルに落とし込み、この光を表現するため、ガラスと光沢のあるメタリック素材を組み合わせています。そして力強さや、より「放たれる光」を感じられるように、水滴のようなくりぬきを施しました。⎯⎯デザイン面で難しかった点は？　フレグランスのボトルデザインは、ブランドが最初の香り（ロードゥ イッセイ）を発売した30年以上前と比べてあらゆるものが生み出されていて、「新しいものを作る」というアプローチが非常に難しいものでもありました。ですが、だからこそ、変わった形状にするのではなく、「一見シンプルなのにどこか違う」と感じられるようなデザインに挑戦したいと考えたのです。正面から見ると長方形ですが、近づいて触れてみると楕円形のことが分かるという風に。インスタレーション会場にはいくつかデザインプロセスを展示していますが、これはほんの一部。実際は展示している倍以上のテストやサンプルを重ねています。ガラスのくりぬき部分も、さまざまな丸みや大きさで試行錯誤を重ね、3Dのデモンストレーションでも何パターンも光の反射具合などをテストしてみました。グラフィックも、中身のフレグランスとボトルデザインが際立つように細かく調整しました。⎯⎯今回のインスタレーションのテーマは“目には見えない”香りです。ボトルのデザインから発想し、どのように展示や空間デザインを考えましたか？　これまでの空間デザインと大きく異なる「香りを可視化する」ために、もっとも重要視したのは「体験」です。香りを体験して、といっても、いわゆる鼻で香りを嗅ぐだけではなく、全身で感じて、その体験を持ち帰っていただけるようなインスタレーションにしたかったのです。香りは記憶と深く結びつくものだと言われていますが、このインスタレーションから何か新しい香りの体験を記憶として持ち帰っていただけたらという思いでデザインしました。そして、僕がインスタレーションなどを作るときにいつも念頭にあるのは、「空気感」や「何もしない空間」を、「いかにつくらずして生み出すか」ということ。特に今回のような香りとボトルデザインにおいては、シンプルに美しさが際立つものにしたかった。会場の「21_21 DESIGN SIGHTギャラリー3」は少し変わった形のスペースで、映像が展示してある中央の空間は、あえてゆとりを持たせた展示スペースをデザインしました。⎯⎯吉岡さんの視点で、本展の見どころを教えてください。　まずは入り口のミストはぜひ体験していただきたいです。それからボトルと一緒に展示している塩の結晶は本物を用意しました。自然の産物なので個体差があり、「これだ」というものを見つけるのが予想以上に難しかった。構想段階では、巨大な結晶を置くことも考えていたんです。よく見てみると表面の光の反射や透明感が一つずつ異なるので、塩が持つ光の要素をより体感できるのではないかと思います。香りを試すコーナーもマテリアルにこだわりました。ムエットやガラスの漏斗で香りを試すことが多いと思いますが、今回はガラスの球体のフタを開けることで、ル セルドゥ イッセイの香りが広がる仕組みになっています。⎯⎯三宅氏がこのインスタレーションを見たら、何と声をかけると思いますか？　いつも僕が携わらせていただいたコラボレーションやデザインが完成しても、特に自分から報告をするようなことはしていませんでした。周りの方々が、それとなくどんな反応だったかを教えてくれるという感じでしょうか。でも、「いいんじゃないかな」と言ってくれたら嬉しいですね。■吉岡徳仁1967年生まれ。倉俣史朗、三宅一生のもとでデザインを学び、2000年に吉岡徳仁デザイン事務所を設立。デザイン、建築、現代美術の領域において活動し、国際的に高く評価されている。代表先は東京2020オリンピックトーチのほか、パリ・オルセー美術館に常設展示されているガラスのベンチ「Water Block」、結晶の椅子「VENUS」など。

ISSEY MIYAKE

Beauty

「イッセイ ミヤケ パルファム」が描く“塩の香り”の世界　新作フレグランスのインスタレーション会場をレポート

クリエイターと直接繋がる場所として機能するギャラリー　写場は、2023年7月に神楽坂にオープンした気鋭のギャラリー。製本会社の代表を務める江本さんを発起人として、YouTubeチャンネル「THE FIRST TAKE」の撮影を手掛けていることでも知られる写真家の長山一樹さんをディレクター、同プロジェクトの監督を務める清水恵介さんをクリエイティブディレクターとして迎え、製本・印刷を通じて新たなアート体験ができる場所として誕生した。　「製本の仕事を待つだけではなく、自らが企画して仕事を生み出すような事業をしていきたいと考えた時に、望月製本所が倉庫として使用していたこの場所を活用して、何か新しいことができないかと感じたのがきっかけです。色々な情報に晒される毎日の中で、何か一つのことに向き合う時間が作れる場所を提供したいと考え、印刷会社の知人に相談したところ、清水さんと長山さんを紹介してもらい、一緒にギャラリーを作っていくことになりました。二人も同じようにクリエイターの内面を表現できる場を作りたいと考えていたようで、意気投合したのが最初です」と江本さんは語る。　製本所の業務を通じて、クリエイターや作り手と直接つながることはないという。クリエイターは印刷会社に行き、印刷会社から製本所へと持ち込まれ、作品が完成する。よって製本所は、どのクリエイターの作品を制作したのか知っているが、クリエイター自身はどこで製本されているのかを知らないまま、作品が世に出されている。直接的なやり取りができないことによって、クリエイターは少ない選択肢の中からでしか表現方法を選択することができず、また製本所としても、製本の技術やスキルに注目されないことから、お互いにとって不遇の状況だったという。この状況を打破したいと江本さんは考え、写場を立ち上げた。 　展示期間中には、クリエイターと共に作品集を作り、それに関わる写真や作品を展示する。展示の内容はもちろんのこと、作品集の完成度の高さも見応えの一つだ。「クリエイターの"作りたい"という気持ちには出来るだけ応えるように尽力しています。今まで作ってきた作品集についても、難しいデザインや特殊な製本の仕方を採用するなど、直接製本所が関わっているという利点を活かした、完成度の高い作品だと。紙で作られたものは作品や物質として手元に残るものであり、所有する喜びや自分の触感を使って作品を感じることの良さを再認識してもらうことも、ギャラリーを立ち上げた目的の一つです」　ギャラリーがオープンしてから今までに2回ほど展示を行なった。どちらの展示も業界内外からの反響もあり、盛況だったという。「1回目はキュレーターを務める長山さんと、2回目は雑誌や広告を中心に活躍している写真家の花盛友里さんと共に展示会を行い、有り難いことにどちらもたくさんの方にご来場いただき、好評のうちに幕を閉じました。今は3回目の展示に向けて、フォトグラファーの高木康行さんと一緒に写真集を作っている最中です。展示は写真集の中に収められたビルの作品が大きなパネルに貼られ、写真の世界観を体験できるような展示を検討しています。現状取り組みがあるのは写真家が中心ですが、出会いがあれば他の領域の方とも作品作りをしていきたいです」と江本さんは話す。　ギャラリー内は、真っ白に塗られた壁と退廃的な雰囲気の床とのコントラストが特徴的なミニマルな空間が広がる。あくまでも作品ファーストな空間であることを感じさせるストイックな仕上がりが特徴だ。ホワイトボックスの空間には、アンティークのデスクとスツール、展示を行った作家の作品など、こだわりと意図を持ってセレクトされたアイテムが並ぶ。一切の無駄がなく統率された空間は、自然と背筋が伸びるような、少しの緊張感が感じられる空間だ。美しく洗練されたものが並べられている空間で、クリエイターの本質を映し出す場所として写場は機能する。　「"色がなく、何色にも染まらない"や"デザインが施されていないデザイン"は、ギャラリーのデザインを担当していただいたsimoneの稲垣直秀さんと共有していたコンセプトです。照明もスポットライトではなく蛍光灯を採用し、陰影がなく均一的な印象を受ける、精悍な空間を目指してギャラリーを作っていきました。何もないと無機質で冷たい印象を受けるかもしれませんが、ここにクリエイターの作品が並ぶと均衡が保たれる感覚があり、ちょうど良いバランスの空間が作れたと思っています。什器についても同様に時間をかけて選定し、展示や空間に馴染むものを選びました。どんなに空間が綺麗に作れたとしても、什器ひとつで全体の印象が大きく左右されてしまうので、ギャラリーとして見せていきたい精悍な世界観や美意識まで反映してくれるアイテムをセレクトし並べています」プリアチェアの魅力について主張が少なく、凛とした美しい佇まい　オープンに向けて什器を選ぶうえで、いくつか候補があった中から、稲垣さんと相談しプリアチェアをセレクトしたという。「プリアチェアの魅力は"ちょうど良いところ"だと思います。良い意味で簡素で主張も少ないけれど、どこか違和感を感じさせるデザインで、座り心地も良く、椅子としての役割を十分に担保してくれています。シンプルかつ簡素という視点だけで選べば、他の椅子もあったと思いますが、全体的なバランスの良さで絞り込み、最終的にこの椅子に辿りつきました。一歩引いたようなお淑やかさを感じるデザインですが、この椅子にしかない凛とした美しい佇まいがあり、ミニマルなギャラリーとの相性の良さを感じています」ヴィンテージとも相性が良い、普遍的なデザイン　余白のあるデザインは、レイアウトする際にも役に立つ。新品だけではなく年季の入ったものとも違和感なく並べられるのも、プリアチェアの魅力だ。「オーソドックスかつ普遍的なデザインなので、ヴィンテージの什器とも並べても喧嘩をすることなく、レイアウトできます。奇を衒っていないデザインなので、飽きが来ず長く使えそうです。トークイベントの時は客席として、展示の際は荷物置きや腰掛けとして使用しています。座面がクリアなので圧迫感がなく、たくさん並べても重たい印象にならず、ギャラリーを広く見せられるのも嬉しいポイントです」 コンパクトかつスマートに収納できる機能性　このほか、機能性についても触れており、「使わない時には折り畳んで収納できるので、狭いバックヤードでも嵩張ることなく収納できます。立ち上げた状態でもスタッキングできるのも便利な仕様で、すぐ使いたい時は重ねて収納するなどの使い分けも。デザイン性はもちろん、機能面も十分に考えられているところにも惹かれます」と話す。　プリアチェアは、空間に馴染む懐の深さとバランスの良さ、それに加え機能性も優れた、まさに三拍子揃った一脚。モノクロのモダンな部屋にも、アンティークやヴィンテージが並ぶ部屋にも馴染んでくれる不朽の名作であり、一脚は持っておきたいマストハブのアイテムです。皆さんも是非迎えてみてはいかがでしょうか。＞＞F/STOREではこのほかのカラーラインナップも販売中。プリアチェアの商品一覧ページはこちら

ANONIMA CASTELLI

Metropolitan Gallery Selection

お買いモノ

洗練された空間に並ぶ「プリアチェア」、気鋭ギャラリーとの蜜月の関係について

タイ出身のアオフ・スミスとは　現在のタイは、美術市場が盛り上がりを見せていると言う。若手作家の台頭、若者文化の輸出などで国際的に注目を集める国になっており、欧米の文化を吸収しながら、独自の進化を遂げてきたアジアの作家の筆頭として、アオフ・スミスの注目度は高まっていると荻田氏は話す。「当然、日本人が描く絵とも異なるし、だからと言ってアメリカナイズされているわけでも、アジアっぽいわけでもなく、独自性がある」とした上で「彼の父が美術教師だからか絵の具の扱い方も上手く、絵画のテクニックもある」と評価した。アオフ・スミスが取り扱うテーマは「環境問題」。今回の個展では「人間が作ったものが将来、地球上にどのように残っていくか」ということを中核に置き、ここ数年一貫して描いているウサギと犬をミックスした独自のキャラクターと共に表現している。　元々は、数年前にメグミオギタギャラリーで個展を開催する予定だったが、コロナ禍で延期。その間に、アオフ氏はアメリカ・ロサンゼルスに位置するギャラリー「Thinkspace Projects」で、個展「Irrepressible Summer Melody」を開催し、評価を高めると同時に作品価格も高騰し始めた。事実、アオフ氏は現在、様々な地域のギャラリーから個展のオファーを受けており、次に日本国内で展覧会を開くとしても4年後になるそうだ。　また、荻田氏はアオフ氏が生まれ育ったタイ特有の個性にも触れ「タイ人のコレクターは面白い」と続ける。「個人的な感覚ですが、一般的には『おもちゃみたいな見た目だけど、結構な値段がする』というような『こんなもの売れるの？』と思われそうな作品を、購入する傾向にあるのがタイ人コレクターだと感じています。他の人の評価や価格ではなく、独自の視点や審美眼が豊かで、自分が良いと思い、その値段に納得さえすれば購入する。アジアの中でもタイ人コレクターの感覚は、ギャラリストとしても興味深いものがあります」（荻田徳稔）。国際的な注目を集めるタイのアート市場　アオフ氏やコレクターなど、「独自性」が注目されているタイのアートマーケットだが、実際にどのような盛り上がりを見せているのか。アオフ氏によると、その高まりはパンデミック以降顕著に感じているそうだ。「教科書的な『アート』だけではなく、学生や若い人たちがアートに触れる機会が増えたように思います。アートというジャンルそのものへの興味が高まり、実際にアーティストを志す人も増えただけではなく、タイ国内でのオークションが始まったり、新たなギャラリーがオープンしたりしています」（アオフ・スミス）。　アオフ氏は続けて「タイのアート市場の高まりに注目した、海外の投資家からの出資も相まって盛り上がっている」と話し、「投資目的の若いコレクターもいる。10年前は、すでに有名なアーティストの作品を探している人が多かったが、今は『ネクストブレイク』を探す人が増えた」と説明した。そもそもギャラリーの仕事とは？プライマリーとセカンダリーの違い　そもそも、アートマーケットは「プライマリー市場」と「セカンダリー市場」の2つの販売形式で成り立っている。プライマリー市場とは、アーティストから直接作品を入手したギャラリーが、適正価格をつけてコレクターに販売する形式であり、作品の価値を最初に定めるのがギャラリスト（ギャラリー）ということになる。この値付けは、ギャラリストの経験に委ねられており、今回のアオフ・スミスの作品で言うと「昨年、アメリカでの展覧会が大きな話題を集め、すでに実績があったこと」がプライマリー価格を定める上で基準となったそうだ。「プライマリー市場ではいくらだったのか、と言うのはネットで調べたり、ギャラリーに問い合わせたら簡単に分かります。なので、例えば『アオフ・スミスはまだ国内で話題になっていないから』という理由で、日本のプライマリー市場でだけ価格を下げて販売するということはできません。プライマリー価格が、安くなったり高くなったりしてしまうと、ギャラリーの信頼も無くなってしまいますし、作家の評価も安定しません。言うなれば、ギャラリーとはアーティストにとっての事務所のような存在だ、と言い換えることもできます」（荻田徳稔）。　一方、セカンダリー市場とは、購入顧客の手元にあった作品をオークションなどで二次販売することを指す。大方、作品の高額落札で話題に上がるのはセカンダリーであり、ギャラリーやコレクターの中にはこの「セカンダリー」を見据えて作品を保持している人も少なくはない。特に、近年はSNSの発達によりギャラリーを通さず、アーティストとコレクターが直接連絡を取り合い、プライマリー価格を定める例も増えてきた。荻田氏は「それもやり方の一つ」と容認した上で「価格を釣り上げるための動きがあっていいとは思うが、作品価格や作家価値が崩壊してしまうようなやり方は危険。価格が高騰することで、話題になり、注目されれば人気が出る場合もあるが、刹那的なものだったら意味がない」と警鐘を鳴らす。　事実、オークションでも、その道のプロであるギャラリストですら「あまりよく知らないアーティスト」の価格が高騰している例を見かけることが増えてきたそうだ。「少し前に有名だった作家の作品は想定内の値段に収まりますが、聞いたこともないようなアーティストであればあるほど、価格が高騰している印象があります」（荻田徳稔）。無名のアーティストがなぜセカンダリーで価格が高騰するのか　無名アーティストの価格高騰には2つの理由が考えられるそうだ。一つは、純粋に支持者がいること。「新鮮なものを見つけたい、という気持ちが強いコレクターの存在が理由の一つです。当然ですが、高い価格が付くということは、誰も知らないという訳では無く、一部の人たちに熱狂的な人気がある可能性があります」（荻田徳稔）。　もう一つは“仕組まれている”可能性だ。「昔から『日本国内のアート市場は数億円あれば思うがままにできる』と言われています」（荻田徳稔）。　例えば、ある作家の作品を複数保有しているコレクターが数点をオークションに出し、それを自らの資金で高額落札すると、当然、高額落札された作品は注目の的になる。他にも同作家の作品を複数所持していれば、次回からのオークションでは異なるコレクターから高い価格で落札される可能性もあるだろう。荻田氏は「今のマーケットは、ある程度の資金がある人であればそういうことができてしまう状況にある」とし「作品の高騰が自然発生的なものなのか、人工的なものなのかは正直分かりづらいのが現状」と説明。作為的なセカンダリー市場の作品価格変動について「良い作家なので、注目さえされれば軌道に乗るはずだ、と話題作りで『価格を吊り上げる』という選択肢はあり得る」とした上で、「しかし、それが継続的な人気のためではないのであれば、非常に危うい状況だ」と危機感を示した。セカンダリーでの価格高騰で一度弾けたアートバブル　荻田氏は続けて「セカンダリー市場で高騰した作品価格に合わせて、その作家の作品をプライマリー市場でも値上げするのは危険」だと話す。「作家はその一瞬だけ作家なのではなく、ずっと作家であり続けることが大切です。セカンダリーの価格に合わせてしまうと一時的なブームになりかねません。何故なら、いつか『その値段で誰も買わなくなる』日がきてしまう可能性が極めて高くなるからです」（荻田徳稔）。　事実、2000年代初頭、韓国や台湾の富裕層を中心に、日本人アーティストの作品は人気を博し、コンテンポラリーアートのギャラリーは個展を開けば作品は即完売、セカンダリー市場でも価格が高騰した。当時、日本国内のコレクターは興味を示さず、多くの作品は日本を場外するアジア諸外国で取引をされた。しかし、2008年にリーマンショックが訪れると、それまで所謂“売れっ子”だった作家の作品たちはぴたりと売れなくなってしまったという。これが、2000年代初頭に起こったアートバブルの終焉だった。「値が付くからどんどん価格が高くなっていき、その値段で売り続けたらバブルが弾けてしまった。当時の見方としては、国内ギャラリストが、コントロールできないところで作品価格がどんどん吊り上がってしまったことが原因とされています」（荻田徳稔）。　加えて、荻田氏は「アート作品に『流行り』はない」と断言する。「『流行る』ではなく、『知られる』と言う言葉の方がしっくりきます。知られることで、末長く支持されるものになればそれが一番良い状態。逆に、みんなが殺到してしまうようなものは『流行り』であり、消費されかねません」（荻田徳稔）。投資目的で作品を購入されることへの作家の本音　アオフ氏に「投資目的で作品を購入するコレクターがいることについてどう思うか」と尋ねたところ以下のような回答が返ってきた。「もちろん自分の作品を、素直な気持ちで『好き』と言ってくれる人の方がありがたい。一方で、投資する人がこの業界の潤滑油であることもわかっています。自分が、アート業界でアーティストとしてやっていく上で不可避なことだし、自分にできることと言えば作品のクオリティをあげることだけですから、それに集中するしかありません」（アオフ・スミス）。　アオフ氏は、自分が予期せぬ影響を受けてしまわないよう、コレクターや顧客との会話を一切絶っているという。そのためにコレクターとアーティストの間に立つギャラリーという立場は重要だと話す。「基本的にギャラリーが彼らとの関係を築いてくれれば、自分の作品がどのような層に購入されているのかを知らずに済むし、僕はそれを知る必要がありません。個人的には、ギャラリーとだけ関係を築いているのが一番ヘルシーに作家活動を続けることができるんです」（アオフ・スミス）。　荻田氏はアオフ氏のコメントを受けて「ギャラリーはアートという概念を守る場所」と続けた。「今はマーケット主義で、人気があるから買う・人気があるものだけを追いかけていく、という傾向が強いと実感しています。もちろんそれも否定はしません。しかし、アートは本来『人気商品』ではないですし、消費されるようなものでも無いはずです。『持ち続けていることが幸せ』と言うと大袈裟かもしれませんが、そんな思いを抱くことができるのがアートであり、アートをアートらしく継続的に大事に扱っていく場所がギャラリーだと思っています」（荻田徳稔）。

投資目的のアート作品購入はアリか、ナシか　ギャラリストとアーティストの本心

■菅野裕樹幼少期より画家である叔母の絵画教室に通い、水彩画、造形デザインを学ぶ。大学では主に少数民族の伝統芸術（特にインドネシアのろうけつ染め）を研究。在学中にワーキングホリデーでオーストラリアに1年滞在。世界の物産（エスニック系の衣料、雑貨、家具、コーヒー豆など）を取り扱う専門商社に入社。エリアマネージャーとして、店舗運営、新店開発、デザイン、イベント立案などを担当。その後、生活雑貨を取り扱う商社に入社、100円均一ショップ部門のバイヤーに。老舗バッグブランドを運営する企業に入社、主に国内外の生産管理を担当。2016年waji設立、代表としてデザイン及び生産管理を担う。大阪阿倍野区に工房兼ギャラリーを、東京・清澄白河にストア兼プレスルームを開設。ーなぜ100円ショップのバイヤーになったのですか？　率直にモノ作りを通して海外でのビジネス経験を積みたかったというのが動機です。そう思っていた時に、求人サイトで「出入国スタンプで一杯になった写真が目に入って憧れを抱いたこと、そして『世界中のモノ作りの現場に直接赴き、自分で商品デザインから貿易まで携われる』」といった謳い文句に、「ここしかない！」と転職を決意しました。その求人サイトでは100円ショップというのは伏せられていたので何のバイヤーかは知らなかったのですが（笑）。その言葉に惹かれました。ーバイヤーから、モノ作りに興味を持った理由は？　叔母が画家だった影響もあり、3歳の時から絵を書くなどアートに興味を持っていました。叔母の描く色彩や形などが面白くて…、ちょっとぶっとんだ叔母でした（笑）。でも本当に尊敬していて。そんな思いを持ちながら、バイヤーの仕事で国内外問わず多くの生産現場に携わる中で、生み出す側に立ちたいと思ったんです。バイヤー時代も時間を見つけては、あらゆるジャンルのモノ作りについて、書籍や現地に足を運ぶことで学んだり、特に興味のあった草木染めに関しては染色教室「tezomeya」に通ったりしていました。ーwajiを作るまでに行ったことは？　100円ショップの会社を退社後、商品デザインと職人技術に定評のあるバッグの老舗ブランドに転職しました。より深く関わっていくためにも、面接時には「将来的に独立も視野に入れているので、人の2倍学び、働きます」と意気込みを語りました。「そこが気に入り採用した」と、のちのち教えてくださりました。そこでは前職のスキルを活かし資材調達を見直し、約20％の仕入れコスト削減することで実績を作って、念願だった生産現場での研修を通じ、職人と作業する機会をいただきました。ーバッグや靴といった職人はとても減ってきていると聞きます。そしてやはり頑固なイメージもありますが。　職人と言えども十人十色で、一定の製作ルールはある中でも、製作における思想や得意技術は異なります。おっしゃるように、頑固と思われがちな世界ですが、口ではなく手を動かす仕事なので、言葉はなくとも同じ環境で仕事をすればその人、その人の熱い職人魂に触れることができました。今の自分にとって本当に有意義な時間でした。勤め人として倒産を経験、無力さを実感ー当時の苦労した点や嬉しかったことを教えてください。　実は入社1年で会社が倒産したんです。倒産について当日まで聞かされておらず、まさに寝耳に水でした。そこからは取引先からの問い合わせ、従業員への説明や相談など、生きた心地がしない数日を過ごしました。経営の恐ろしさはもちろん、将来的に独立しようと考えていた当時の自分がいかに無力であるかを思い知らされました。その後、別会社に事業譲渡されほぼ変わらない体制で事業継続ができることになりましたが、この出来事を機に2度とこんな悔しい思いをしない、関わる人にさせない、と決心しました。独立に向けて、自分に足りないことを洗い出し資金計画も明確にすることで具体的に動き始めました。　嬉しかったことは当時の職人たちが今もサポートしてくれているということです。独立を実現する上での最重要と考えていたのが、自身のモノ作りを具現化する職人の採用です。前職で知り合った職人の中で最も理想的な方にダメもとでお願いしたところ、「自分で良ければ」と言ってくださったときは、言葉にならないほど嬉しかったです。その後も、前職で繋がった2人の職人と、1人の営業マンがwajiのメンバーとなり、今も活躍してくれてます。ーレザーシザーケースなどを展開する美容師向けブランド「aruci」を立ち上げています。どんなブランドですか？　モノ作りのメーカーとして独立するにあたり、資金力も後ろ盾もない無名であることを理解した上で、当時の自分でも勝負できるアイテムとフィールドを模索していました。そんな時、美容師さんとの何気ない会話で「シザーケースの選択肢が少なく迷っている」と聞き、流れでオーダメイドでお受けすることになったんです。一般的にはあくまで道具入れとしてのシザーケースを、道具としての機能を損なうことなく、ファッションアイテムとして通用するモノであること、そしてこだわりの強い美容師さんが妥協なく満足できるケースにすること。これを目指し、機能とデザインをカスタマイズできるシザーケースをテーマに試作を繰り返し、「職人による職人のためのものづくり」がコンセプトの「aruci」が誕生しました。ー「ジャンル無き展覧会　– waji exhibit store -」を立ち上げた理由は？　この日本で独自のモノ作りを確立し、いずれ世界へ売り込むためです（wajiという社名の由来である「和（wa）の地（ji）から我（wa）の路（ji）を築く」に繋がります）。加えて、ジャンルや有名無名を問わず日本の職人、クリエイター、アーティストが集うことのできる、技術の共有ができるプラットフォーム（クリエイターズヴィレッジ）を作るためです。その空論を具現化するために「ジャンル無き展覧会　– waji exhibit store -」をオープンしました。ここには、「aruci」をはじめ、プライベートブランドの保護ネコプロジェクトブランドの「aoneco」や、硝子メーカーの富硝子とコラボし本革を融合したブランド「havito」のほか、ステーショナリーメーカー河内屋の「KUNISAWA」や堺市の包丁メーカーのカネシゲ刃物、一筆書きアーティストのminaco sakamotoなど、ブランドやクリエイター、アーティストのアイテムをジャンルを問わず展開しています。商談スタイルは「鉄は燃えているうちに打て」ー今の仕事に100円ショップのバイヤー経験が生かされていることはありますか？　100円ショップのバイヤーは、単に100円で販売できるものを買い付けるわけではありません。「良い商品」としてお客様に受け入れられやすいのは、「これが100円で買えるの？という商品」です。お客様は本当にシビアです。「100円だからいっか」は通用しません。それらを具現化するには、単に発注ロットを多くするだけの交渉では実現することはできません。100円ショップ・バイヤーで重要なこと・ジャンルを問わず最新のトレンドを常に把握・原料価格、為替などの情報・商品材料、梱包資材、製法、貿易テクニックに関する知識・企画から販売までのスピードと行動力・語学力に加え、各国の文化に馴染み信頼を得るコミュニケーション能力　この5つを重要と捉え、オンオフ問わず鍛え抜いてきました。そして、その習慣は現在も続けています。生かされているのは「具現化までのスピード」。商談時、会話の中で生まれたアイデアはその場で絵に描き起こし、そのアイデアの見積もりが必要であればその場で伝えます。基本的に話を持ち帰ることはありません。　「鉄は熱いうちに打て」ではなく「鉄は燃えているうちに打て」が当時から貫き通す商談スタイルです。ータカラベルモントをはじめ、多くの企業と協業しています。多くはSDGsに関連した取り組みです。その内容は？　タカラベルモントさんとは、美容師向けブランド「aruci」の展示会開催時に、親しいプレスの方からご紹介をいただいたことがきっかけです。当初は「将来的に何か協業できたら良いですね」と話していたのですが、出会いから約1年後にはタカラベルモント100周年記念のノベルティーを作らせていただきました。このノベルティは、タカラベルモントさんがプロフェッショナル用の理美容椅子製造過程からでる廃棄レザーを活用したネームホルダーで、タカラベルモントの国内外スタッフに配られました。ほか、大阪堺市のSDGsプロジェクトでも協業し、当社はデザイン全般（プロダクト・空間）やPRなど、オーガナイザーとして関わっています。堺市とは弊社の保護ネコ支援ブランド「aoneco」とコラボし、児童養護施設への支援にも広げる予定です。ー今後の展望を教えてください。　まず短・中期では大きく分けて2つあります。ひとつは「他業種とのコラボレーションで類を見ないものづくり」をすることです。私たちの代表作である本物のガラスと革を融合させた「glart」は、不可能と言われながらも、硝子メーカー富硝子と共に諦めず探究心を持ち続け完成させたことが、現時点での最高傑作と言えるシリーズに成長しました。また、タカラベルモントさんとの協業は私たちにとって、何もかも新鮮で学びが多く、職人技術の向上にも繋がる有意義なプロジェクトでした。　2つ目は、「買うことに特定の意義を持たせた相互扶助のものづくり」です。商品代金の約10％が保護ネコ支援に繋がり、支援先を自身で選択し寄付する「aoneco」が具体例になります。販売から約8ヶ月経過した時点で取引先は100店舗を超えました。このような取り組みは、職人のモチベーションにも繋がっています。　長期的目標として、設立時からの思いですが、自分たちのものづくりを世界へ売り込むことです。「MADE IN JAPAN」であることに誇りを持つ一方で、それを謳う責任も抱きながら、自分たちの信じる道をこれからも一歩ずつ歩んでいきます。（聞き手：福崎明子）

Lifestyle

100円ショップバイヤーからモノ作り集団に転身　菅野waji代表の挑戦

YUKI FUJISAWA

writtenafterwards

「ノンリスクだと面白いことができない」——パスポート制のアートスペースWHITEHOUSEは鑑賞者と共犯関係を結ぶ

イサム・ノグチの大規模回顧展、「彫刻とは何か」がテーマ　日本人の父とアメリカ人の母の元に生まれ自身のアイデンティティに葛藤しながらも独自の彫刻哲学を打ち立てた20世紀彫刻の巨人、イサム・ノグチ。和紙を用いた光の彫刻「あかり」など、没後33年たった今でもイサム・ノグチが手掛けたプロダクトは愛され続け、現在も多くのアーティストから支持を集めています。　そんなイサム・ノグチに迫る大規模回顧展「イサム・ノグチ　発見の道」が、2021年4月24日から東京都美術館で開催中。同展は3章で構成され、「あかり」を150灯使用したインスタレーション「AKARI CLOUD」をはじめ、国内外の多数の大型作品を含む約90点の作品が展示されています。丹下健三や三宅一生、磯崎新など、多くのアーティストからリスペクトされているノグチが追求した「彫刻とは何か」をぜひ自分の目で確かめてみては？■イサム・ノグチ 発見の道会期：2021年4月24日（土）～8月29日（日）※6月1日（火）より営業再開。チケットの予約／購入は、展覧会公式ウェブサイトから。住所：東京都台東区上野公園8-36公式サイト森美術館リニューアル後の初展覧会は、70代から105歳までの女性アーティストに焦点　六本木に位置する森美術館が、約3ヶ月間の改修工事期間を経て4月22日にリニューアルオープンしました。リニューアル後初となる展覧会は「アナザーエナジー展：挑戦しつづける力 ― 世界の女性アーティスト16人」。世界14ヶ国から集結した、50年以上のキャリアを持つ71歳から105歳までの現役女性アーティストの作品で構成された少し変わった企画展です。　同展は、ジェンダーや人種、民族、アイデンティティの尊重など、ダイバーシティを重視する動きが世界各地に拡大し、現代アート界においても長年活動を続けている女性アーティストに注目が集まっていることを受けて企画されたそう。各アーティストの活動やこれまで歩んできた人生の軌跡、異なる背景を持つアーティストたちの作品に見られる共通点などもあわせて紹介されています。休日に、作品を通してフェミニズムや移民の歴史、美術史の解釈などを考えてみるのはどうでしょうか？■アナザーエナジー展：挑戦しつづける力 ― 世界の女性アーティスト16人会期：2021年4月22日（木）〜2021年9月26日（日）※緊急事態宣言の発令により4月25日から当面の間臨時休館住所：東京都港区六本木6丁目10−1 六本木ヒルズ森タワー53階開館時間：4月22日から5月11日までの間は、10:00〜20:00※最終入館は閉館の30分前まで　※火曜日のみ17:00まで　※会期中無休入館料：【平日】一般 2000円（1800円）、高校・大学生 1300円（1200円）、4歳～中学生 700円（600円）、65歳以上 1700円（1500円）【土・日・祝日】一般 2200円（2000円）、高校・大学生 1400円（1300円）、4歳～中学生 800円（700円）、65歳以上 1900円（1700円）　※専用オンラインサイトでチケットを購入すると（ ）の料金が適用問い合わせ：03-5777-8600公式サイト25歳で早逝した画家、中園孔二の個展がANB Tokyoで開催　昨年の10月に六本木に新たに登場したアートコンプレックス「ANB Tokyo」で、ペインターの中園孔二の3年ぶり5度⽬の個展「すべての⾯がこっちを向いている」が開催中です。　中園孔二は1989年、神奈川県生まれ。東京藝術大学美術学部絵画科油画専攻を卒業し、鮮やかな色彩や緻密な構図、一貫した独自の世界観などで新進気鋭の若手作家として注目を集めていた矢先、2015年に25歳の若さで逝去しました。　中園は急逝するまでに絵画作品を中心に彫刻やインスタレーション作品など、700点以上にもわたる作品を制作。「すべての⾯がこっちを向いている」では未発表作品約50点が展示され、そのほか中園の友⼈で、アーティストの中村⼟光の映像作品「誰かの CV 2014」より、中園のインタビュー抜粋した特別映像が上映されています。中園孔⼆ 個展「すべての⾯がこっちを向いている」会期：2021年4⽉24⽇〜5⽉23⽇住所：東京都港区六本⽊5-2-4開館時間：12:00〜18:00 （⾦⼟〜20:00）　休館日：⽉・⽕　料金：一般 1000円 / 中・⾼校⽣無料　※オンライン事前予約制。公式サイト作品を懐中電灯で照らしながら見る展覧会、ライアン・ガンダーがキュレーター　イギリスを代表するアーティスト ライアン・ガンダー（Ryan Gander）がキュレーションを手掛ける異例の企画、東京オペラシティ アートギャラリーで開催中です。「ライアン・ガンダーが選ぶ収蔵品展」は、新型コロナウイルス感染拡大によるロックダウンにより、本来開催される予定であった個展形式での展覧会延期を受けて「この状況で僕にできることはないだろうか」というガンダー自身の申し出により実現。古今東西の美術作品や、日常生活で気に留めることのない物事をモチーフにするコンセプチュアルアートの新騎手として国際的に評価のされているガンダーが、東京オペラシティアートギャラリーの約4000点の収蔵品を用いてキュレーションする機会は、ある意味もう二度と見ることができない展示かもしれません。　同展は3階と4階の2フロアでそれぞれテーマを分けて展示。4階で展示されている「色を想像する」では、同館収蔵品が、東京オペラシティ街区の地権者 寺田小太郎のプライベート・アイ・コレクション（個人の視点で集められたもの）であるという成り立ちを踏まえた展示空間。寺田の収集テーマであった「ブラック＆ホワイト」に呼応し、展示空間は黒と白の作品のみ！　3階の展示空間は「ストーリーはいつも不完全......」と銘打たれ、うす明かりの展示室内を懐中電灯で照らしながら作品を鑑賞する少し変わったスタイル。来場者の「見たい」という気持ちを再確認するこの仕掛けは、照明で照らされた展示では見逃してしまうような物事への注目や、全体をもっとよく見たいという好奇心など、各々が作品と一対一で向き合える一助を担うのではないでしょうか。　「見る」「想像する」ことを意識させる同展。困難な状況でも冷静に考え、発想の転換でよりよいものにしようとするガンダーの姿勢は、私たちの作品鑑賞だけではなく日常生活に新しい視点をもたらしてくれるはずです。■ライアン・ガンダーが選ぶ収蔵品展会期：2021年4月17日（土）〜6月20日（火）※緊急事態宣言の発令により4月25日から当面の間臨時休館住所：東京都新宿区西新宿3-20-2 東京オペラシティタワー開館時間：11:00〜19:00休館日：月　※5月3日は開館料金：一般 1000円、大学・高校生 600円公式サイト村上春樹作品の装丁を手掛けたイラストレーター安西水丸の回顧展　村上春樹作品の装丁を手掛けたことでも知られている、イラストレーターの安西水丸に焦点を当てた回顧展が世田谷文学館で開催。　安西水丸は1942年、東京生まれ。日本大学芸術学部美術学科造形コースを卒業後、電通や平凡社などでアートディレクターを務め、その後フリーのイラストレーターに転身。村上春樹作品をはじめ、和田誠や嵐山光三郎とタッグを組み、絵本や装丁など幅広く活動しました。　同展は全4部構成。村上春樹共著「ランゲルハンス島の午後」の装丁原画など、初披露作品を含む関連資料約500点以上が披露されています。会場で販売されているオリジナルTシャツやポストカード、クリアファイル、マグカップなどのグッズもぜひゲットしたいところです。■イラストレーター 安西水丸展会場：世田谷文学館 2階展示室会期：2021年4月24日（土）～8月31日（火）※緊急事態宣言の発令により4月25日〜5月31日は臨時休館住所：東京都世田谷区南烏山1-10-10開館時間：10:00～18:00　※展覧会入場、ミュージアムショップの営業は17:30まで休館日：毎週月曜日　※5月3日、8月9日は開館、5月6日、8月10日は休館観覧料：一般 900（720）円／65 歳以上・大学・高校生 600（480）円／中学生以下 300（240）円／障害者手帳をお持ちの方 400（320）円　※大学生以下は無料　※（ ）内は20名以上の団体割引料金及び「せたがやアーツカード」割引料金公式サイト国内初個展が開催、マーク・マンダースとは何者？　触れると崩れそうな彫像。いつどこで作られたのか判然としないオブジェ。人の立ち去った気配が残るスタジオ。暗く長い廊下……。静寂と不穏が混合する不思議な世界を作り上げるアーティスト マーク・マンダース（Mark Manders）の国内初となる個展「マーク・マンダース ―マーク・マンダースの不在」が、東京都現代美術館で開催中です。　マーク・マンダースは1968年、オランダ生まれ。自身が架空の芸術家として名付けた「マーク・マンダース」という人物のポートレートを「建築」の枠組みを用いて構築する「建物としての自画像」という独自のコンセプトを元に、架空の新聞や、部屋に置かれる彫刻やオブジェをなどのインスタレーション作品を発表しています。　展示されている彫刻作品は、美術史や私的な記憶に基づくイメージ、言葉、家具など様々なオブジェが組み合わせられており、鑑賞者は複雑な感情や、不思議な時間感覚を覚えるはず。同展は、展示全体を1つの作品に見立てた「想像の建物のインスタレーション」として構成されており、虚構的な枠組みをベースにした独創的な世界に彫刻の概念を掘り上げる彫刻作品が設置されています。　時間が止まっているかのように感じる、作家であるマンダース本人と架空の芸術家マンダースの「自画像」が混交する虚実の作品世界は要チェックです。■マーク・マンダース ―マーク・マンダースの不在会期：2021年3月20日（土）〜2021年6月22日（火）※6月1日（火）より完全予約制で営業を再開。チケットの予約／購入は、展覧会公式ウェブサイトから。住所：東京都江東区三好4丁目1番1号開館時間：10:00〜18:00　※展示室入場は閉館の30分前まで休館日：会期中無休観覧料：一般 1500円、大学生・専門学校生・65 歳以上 1000 円、中高生 600 円、小学生以下無料公式サイト歴代のレアコラボが集結、ルイ・ヴィトンの大規模展覧会　3月19日から原宿駅前の「ジング（jing）」で開催中のエキシビション「ルイ・ヴィトン ＆（LOUIS VUITTON &）」はもう観ましたか？5月19日までと、会期終了が迫ってきました。　同展では、これまでに発表されてきた「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」とのコラボレーションが一堂に会し、それぞれの作品やブランドのサヴォアフェール（匠の技）、ブランドと日本の結びつきにフィーチャーしています。展示会場は10の没入型スペースから構成され、今となっては実物を見ることが難しいファン垂涎のレアなコレクションの数々が披露されています。■ 「LOUIS VUITTON &」会期：2021年3月19日（金）〜 5月16日（日）開館時間：10:00〜 19:00（最終入場 18:00）無休住所：東京都渋谷区神宮前 6-35-6 jing電話番号：0120-00-1854入場無料ルイ ･ ヴィトン 公式サイトより要予約

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