インサイド

── 2025年春夏の東コレを見ての率直な感想は？── 今季見た中で特に印象に残ったブランドや、注目のブランドは？ ── 日本の若いブランドが世界のマーケットに進出していくためには、何が必要でしょうか？

BALMUNG

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KAMIYA

Fashion

海外のファッション業界人に聞く、「東京ブランド」の今

　90年代後半の原宿は、ギャルやデコラ、ヴィヴィ子、サイバー系など、大人の認知が及ばない特殊なカルチャーが醸成される場として注目された。大人や当時のメディアは、理解が及ばない原宿を「若者の街」と形容した。翻れば「若者の街」と例えることで、一定の距離を保ち、それ以上知ることを放棄したようにも感じる。2020年に開業したMIYASHITA PARKに対して、一部の人たちが抱いた嫌悪感の正体は、街が変わることへの単純な憂いではなく、「長年『若者の街』と例え、見て見ぬふりを続けていたのに、ラグジュアリーブランドなどが象徴する『大人』や『社会』が原宿に流れ込んできたこと」への拒否反応だったのではないだろうか。　バルムング デザイナーハチが、方々で「2000年代にファッションにおける青春みたいなものを、原宿で吸収してきた」と話すように同ブランドと原宿の親和性は高い。ハチは「原宿と呼んでいた場所を表参道と呼び始めた」と憂い「原宿は規格外のものであったはず」と心情を吐露した。　原宿の変化に対する憂慮の中「最近、原宿的なものに対してさらに執着するようになった」と話すハチが、2024年春夏コレクションの会場に、原宿ではなく、大久保駅からほど近い、新宿区百人町に位置するアートスペース「ホワイトハウス（WHITEHOUSE）」を選んだことが不思議だった。しかし、かつて原宿の街が担っていた「大人の理解が及ばない街＝若者の街」は、いまや「トー横キッズ」に代表される新宿歌舞伎町や、韓国アイドルブームで話題を集めている大久保駅周辺に遷移されたことを考えると、腑に落ちるものがある。　ハチの原宿に対する異様とも言える執着は、モデルの足元に巻きつけられたカラビナを連ねた鎖のようなディテールからも感じ取れる。鎖は、何かを繋ぎ止めるものとして機能する。会場の立地を加味すれば、さまざまな事情で行き場をなくし、そこにとどまるざるを得ないトー横キッズと、かつての原宿にこだわるハチは、どちらも同じく「街に鎖で繋がれている者」と言い換えることもできるだろう。モデルが歩くたびに静寂の会場の響く鎖がぶつかる音は、そこにとどまるざるを得ないこと／執着していることを周囲に対して強烈に意識させる。　ホワイトハウスが、完全会員制のギャラリーであり「部分的に必ず閉じていることが保証されている空間」ということを考えれば、狭い空間に詰め込まれた約15人の観客は「街に鎖で繋がれている者」にとって招かれざる客であり、その構図は「若者の街」と形容して遠ざけてきた大人やメディア側の立場を浮き彫りにしているようにも感じた。　スウェット素材を中心に構成されたー体のモデルもまた、新宿や大久保にたむろする若者のナードなスタイルを思わせる。大袈裟なほど大きいアイテムは、原宿を「規格外」と表現したハチの心情の吐露なのだろうか。ハチは「ユース感やロジックなど、いくつかの根拠が絡み合った上での素材選び」とし「パリの展示会を控えていることもあり、トレンド感を意識しつつ、ブランドの元祖とも言えるスウェット素材を中心に製作した」とコメントした。　近年、バルムングが行う新作コレクションの発表形式は、新宿歌舞伎町の美術ギャラリー＆バーデカメロンで数時間にわたってモデルが周辺を歩くインスタレーションショーなど、特殊なものが多い。ハチの奇抜な試みを「バルムングらしい」と思考を止めてしまうのはあまりにも単純で危うく、まさに、原宿の街を「若者の街」と単純に表現した状況に近しくなってしまう。　昨今では「若者の街」という形容は「多様性」という言葉に置き換えられ始めた。ハチがどこまで、多様性や若者の街という言葉に意識的だったのかはわからないが、「多様性」「若者の街」などのわかりやすい言葉がむしろ社会を単純化させていることを自覚し、複雑なものが理解されなくなってきている現状に危機感を抱いての近年のショー形式なのだろうか。

原宿、トー横、大久保　「バルムング」は“若者の街”と形容されることに反抗する

　パンデミックにより、国外での発表中止を余儀なくされる一方、前回シーズンに比べて徐々にショーを開催するブランド数が増え、ブランドを支援するプロジェクト「by R」によって国内への熱気を取り戻そうとする流れも漂っていた。　そして、その国内で熱気を熟成していく姿勢は他国でも起きている。　例えば、中国であれば昨年10月に若手ブランド支援のコンテスト「YU PRIZE」*を設立。スポンサーには、FarfetchやDidiなど業界外の企業も参加し、パートナーシップにはTHE METやBRITISH FASHION COUNCILなどが並ぶ。受賞者には、15万ドルの賞金とともにハロッズでの販売が約束されるそうだ。　一方、韓国はそのようなインスティチュートを中心とせず、やはりK-POPをはじめとするカルチャーが母国のファッションシーンを国外へ紹介する力を近年ますます発揮しているように感じる。VOGUE CHINAの編集長に27歳のマーガレット・チャン（Margaret Zhang）が就任したことをはじめ、20〜30代の感覚や価値観が未来への舵取りを担いはじめているのは確かだ。 KEISUKEYOSHIDA 2021年秋冬コレクション Image by: FASHIONSNAP.COM　珍しく爽やかな自然光に照らされながらショーを開催した「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」は、間違いなくそういった次の世代へファッションの希望を示していた。　パンデミック後、21S/Sコレクションよりグッとパーソナルな記憶に焦点を当て、未来へのまなざしを提示するブランドを散見するようになったが、デザイナー・吉田もまた21S/Sコレクションでは、生まれ故郷に由来した荒川河川敷での野外ショーで彼の心情をオーディエンスの心に投影させた。そのショーから、どことなくデザイナー自身がデビュー当時の雰囲気に再び向き合いはじめているようだった。　そうして今回のコレクションでは、より具体的なモチーフとして学生服、日本独特のじめじめとした儚さ、教室に差し込む光がショー会場に混在する。光があれば必ず影もある、影があるから光も感じることができる、そしていずれ光で導くこともできる、そういったブランドの原点に回帰しつつも、更新する姿がそこには映っていた。　俯きながら歩くモデルたち、彼らの首を重心として前に垂れ下がるカットソーやロングコート、外の明るさとは対照的に滴る雨の音。デザイナー自身の学生時代を反映したそれらの光景には、「冴えない姿こそ希望のメタファーになりうる」という逆説的な言葉が込められている。それは、葛藤を抱く学生のみ共感するものではなく、いま在る複雑な心情も受け止めながらも前向きに進む現代社会にも重なるようだった。　デザインプロセスの出発点にもなったという「俯く」人の姿は、単純に鬱々とした学生の姿にとどまらず、わたしたちの日常の光景に置き換えれば、携帯に没入する現代の人々のシルエットにも見える。この「俯き」の佇まいは、これまで90年代であれば「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」　、近年であれば「バレンシアガ（BALENCIAGA）」が時代に沿って更新してきた新しい身体のかたちに延長する近未来の人間像さえも予兆したように感じた。　都心から少し外れた馬喰町でショーを開催した「バルムング（BALMUNG）」も、また然り原点を更新するようなインスタレーションを発表した。　会場に無造作に置かれるダンボールたち。静かに出てきたモデルたちの手により、たちまち本来のかたちや機能、力から逸脱し、歪なものとして浮かび上がる。　彫刻家・鈴木操によるソフト・スカルプチャが立ち上がるまでのその一連の行為は、ここ近年ヨーロッパのデザイナーたちが描いてきたクリーチャーやメタモルフォーゼとは異なり、「物事に垣根はなく、グラデーションが存在するのみ」というデザイナーの言葉のとおり、可逆性もありうる曖昧さを含んでいた。 BALMUNG 2021年秋冬コレクション Image by: FASHIONSNAP.COM（Ippei Saito）　いまでは当たり前となった、ファッションにおけるデザイナー専制的な時代からストリートが主体となった時代への変化は、デザイナーのハチが青春時代を過ごした原宿のストリート文化に根強く関係している。原宿のストリート文化で巻き起こった現象は　―ブランドの服が持つ記号を自らの手で取り外し、カスタマイズしていく― "そうであったもの"を"そうではないもの"へ変化させ続けることで違和感が強調・肯定されるようなものだった。　そういったデザイナー自身が身体的に体感してきた服の作用が、今までグラフィックデザインと服のフォルムで表現されていたが、今回はテキスト、音楽、インスタレーションによってより一層立体的に立ち上がる。　特にショーの後半に登場してきた、変形的でアルミやキルティングなどの様々なマテリアルを組み合わせた立体的なビッグウォーマーやトップスは、モデルの身体から動的に飛び出てきた一瞬を捉えたようなフォルムにも見える。それは、流動的に動き続けるものの一瞬を捉えていく"ファッション"そのものもあらわしているようだった。　そして東京ファッションウィークのトリを飾った「リコール（Re:quaL≡）」もまた、過去の蓄積から未来へのエネルギッシュなまなざしを提示する若手ブランドのひとつ。　前回のデビューショーでは、すでに存在するものを再びなぞり、その痕跡に想いを馳せるという意味で「retrace」をテーマに掲げた。「時間の単位に常に等しく」というブランドのコンセプトのとおり、そこにはあらゆる時代の背景を持っている人、シルエットやユニフォームのような記号がデザイナーの手によって、同じ時間の中に盛りだくさんに詰め込まれていた。　ロンドンのファッションショーを彷彿とさせるような演劇チックなショーは、今回も健在。"refrppie"というテーマのもと、幼少期に訪れたアメリカでの景色をきっかけに、モード史の都でもあるパリの伝統―フレンチスタイルーとヒッピーを掛け合わせ、未来の人間像を描くとコレクションノートに記してある。　資本主義が加速したいま、人々はつかの間の休息を求め、「消費」だけでは満たされない幸福感を「時間」「無駄なもの」を通して探し求めているように思う。パンデミック以前から始まっていたそのような人間が欲する価値観の変化は、往々にしてヒッピー文化と重ねあわされ、具体的にわたしたちの生活スタイルにも影響を与えつつある。　そうした現代の時代背景に直球で挑む姿は、果敢かつ清々しい。そして大きなストロークで壮大な装いの歴史をランウェイの一瞬にぎゅっと刻み込む技は、相当のファッションオタクではないとなし得ないことであると理解しつつも、同時に具体的な記号に対しての足し引きがあることも今後期待してしまう。　現代社会の人々の佇まいやよく使う身体の箇所の変化に伴って、2015年以降、身体と衣服の重心点、隠す/顕す部分もさまざまな解釈が更新されはじめた。それは90年代後半〜2000年代初頭に起きた衣服による身体の伸縮への問いかけに似ているようで異なり、デジタルネイティブな世代を中心に起こる加工文化や画面上に広大に映る世界などの複雑さも多重に交差している。　そう一辺倒にはいかない絡み合った新たな感覚や価値観。その中にあるいくつもの歴史、社会、人々、心情、現実とファンタジーをひとつずつ紐解き、再構築していくブランドが未来を担っていくのではないだろうか。（文責：Yoshiko Kurata）*YU PRIZE

KEISUKEYOSHIDA

BALENCIAGA

RequaL

次の時代のデザイナーに求められるものは？ - 東コレ21AW -

　会場は雑居ビルの6階。30人程度の収容がやっとのスペースに入ると、そこには無造作に置かれた「取扱注意」のシールが貼られた段ボールの数々。段ボールの中には、トラックロープ1本と大きさの異なる布が詰め込まれた圧縮袋が複数梱包されていた。ショーが始まると段ボールの中身は、モデルたちの手によってソフト・スカルプチュアへと変貌。鈴木操が手掛けたという彫刻作品は、埴輪のような人の形にも、未知の植物のようにも見える。圧縮袋の中身は生活用品が包まれている布だと、デザイナーHachiは説明する。　「段ボールというモチーフは『解体』『組み立て』という動作を経て『輸送』という形に辿り着きます。輸送された段ボールはその後再び解体され、組み立て直し、新たな場所に輸送する可能性を孕んでいます。段ボールにまつわる一連の動作はすべて地続きでグラデーションの様に感じませんか？僕は、自分が所属しているコミュニティやジャンル、肩書きなどの隔たりもなければ、衣服と身体の間に垣根はないと考えています、既存のモノを規格外の形や、歪なスカルプチャーに変形させることで『物事には垣根ではなくグラデーションが存在するのみ』ということが表現できればと思いました」（Hachi）　今回のショーBGMは「ルヌルヌ（runurunu）」のデザイナー 川邊靖芳が担当。会場にはTwitterのスワイプ音や、iPhoneのビデオ録画音、SMSの受信音など、スマートフォンにまつわる効果音がリミックスされた音楽が鳴り響いた。　鈴木は「ファッションの様相についての覚書、BALMUNGからはじまる」で、『ファッションには「概念のファッション」と「着衣のファッション」が存在し、着衣のファッションは「身体的な着衣」と「彫刻的な着衣」に更に細分化される』と定義。「彫刻的な着衣」を製作したデザイナーの代表例として、フセイン・チャラヤン（Hussein Chalayan）や、アレキサンダー・マックイーン（Alexander McQueen）、川久保玲、山本耀司らの名前を挙げ『与えられた身体性を排除して製作されたモノが「彫刻的な着衣」である』と結論づけている。ここからは筆者の解釈に過ぎないが、デザイナーが作り出した彫刻的な衣服はデザイナー主導のモノであることに変わりはなく、消費者（着用者）は「デザイナーが考えた最強のデザイン」をただ着させられているに過ぎなかった。そんな中、ストリートスナップの聖地として原宿の街がフォーカスされたのは90年代後半のこと。原宿文化は、スナップやカスタマイズに代表される様な、デザイナーではなく着用者が主体となる実験の場として機能した。消費者が着用したいように服を着ることで、彫刻的な服はデザイナーにも着用者にも従属しない半彫刻的で曖昧な「Greyの衣服（質量としての衣服）」へと変化したのだろう。　バルムング デザイナーのHachi自身は「2000年代のファッション青春感覚みたいなものを、原宿中心に吸収してきた」と自認するように、バルムングと原宿文化の親和性は高い。繰り返しになるが、原宿文化が可能にしたのは、身体的な着衣と彫刻的な着衣の二項対立からの脱却である。その先には「Greyの衣服」が存在するのみ。今回発表されたバルムングの新作は、鍋つかみを彷彿とさせるキルティング素材のグローブや、白いキャンバスの様な装飾品がデザインされたトップスをはじめ、ショートパンツに付属するポケットやリュックなど、モデルの身体からはみ出した大きなアイテムが目立った。圧縮袋で組み立てられたスカルプチャーと、極端なほど大きいアイテムの数々の対比は、ファッションにおける身体性と彫刻性の二項対立や、規定概念からはみ出そうとする意思表明の様にも感じる。　「コンセプトを自分自身で明確に自覚したシーズンになった」と話すHachi。コラージュという手法を用いて圧縮と拡張を繰り返し続けたバルムングは、各シーズンごとに異なるテーマとしてではなく、「Greyの衣服」というブランドとしてのスタイルを積み上げ始めている。

BODYSONG.


「ファッションの純化」の終焉、バルムングが表現する着衣の意味

ー桑沢デザイン研究所出身なんですね。　グラフィックデザイナーになりたくて入学しました。中退後はデザイン事務所に入社しました。ー在学中から写真を？　当時は写真を仕事にしていこうとは全く考えておらず、1年生のときに授業で少し習ったくらいです。ただ、広告デザインの授業ではよく自分で写真を撮って課題の制作をしていました。あとは学校の図書室で写真集を見るのが好きでした。ー写真を撮るようになったきっかけは？　高校生の頃から毎年友達と2人でディズニーランドに行っていたんですが、ハタチになった頃から急につまらなく感じはじめて。それでなんとか楽しもうとディズニーランドを出てすぐのニューデイズで「写ルンです」を買って、周りの人たちが楽しんでいる中で自分たちがつまらなそうにしている様子を撮り始めたのがきっかけです。ーディズニーランドがなぜ急につまらなくなったのでしょう？　年はとっていくのに成長がないようにみえる自分の状況に、大きな焦りがあったからだと思います。帰りのことや仕事のことを考えてしまい集中できなかったり、遊ぶことに罪悪感があったり。ずっと現実逃避をしていたから、もう現実逃避が出来ないところまで来ていたんだと思います。あとは夜、ロマンチックな空間の中で幸せそうな恋人たちと共に過ごすのがちょっと辛くなってしまって。(笑) ーデザイン事務所在籍中にコンペティション「1_WALL」でグランプリを受賞。　周りの人がやりたいことをやって成果を出していく中、自分は良いのかどうかわからないものを毎日寝不足になりながら制作することに虚無感を感じて。本音を隠して話したりと、当時は本当に死んでいるみたいに生きていました。これまでの人生ずっと「ずば抜けてコレ」という特技もなかったので闇雲ではあったんですけど、もうこのまま生きていきたくない、という限界が来て「1_WALL」に応募しました。ー写真部門に応募した理由は？　直接的なきっかけは「写真面白いから出してみたらいいんじゃない？」と、信頼しているデザイナーの先輩が言ってくれたことです。そして当時は本当は何がしたいのか、自分は何が好きなのかを考えることが多かったので、無意識にデザインの本より写真集を多く観ていたことや、写真にまつわることをしているときは楽しかったな、ということに気づいたこともあって、写真部門への応募を決めました。ただそのときは「写真家になろう！」という具体的な展望はなく、とにかく「今いる環境から抜け出さないと多分本当に死ぬ、何もない自分に何でもいいから目に見える結果をくれ」と思っていたのが正直なところです（笑）。ーグランプリ受賞後、写真家としてのキャリアをスタート。　グランプリ受賞者の個展の開催が決まったタイミングで、今所属している事務所の方から写真雑誌のインタビューを受けたんです。その時は今後について、「デザインの仕事をしながらなんとか写真も続けていきたい」と答えたのですが、その数日後に事務所の方から「フォトグラファーのエージェンシーはやったことがないけど、実験的に一緒にやってみないか」とお声掛けいただき、そのまま所属して、写真の仕事を生業にしていこう、ということになりました。ー直近の仕事は？　書籍や雑誌、あとは広告や写真集など。人物を撮ることが一番好きなのでそういったお仕事をいただくことが多いです。ーインスピレーションはどこから？　媒体に関わらずかなり多様なものから影響を受けていると思います。実体験はもちろん、昔からネットサーフィンが好きで、写真に限らず好きな画像を集めたりしています。ー好きな写真家は？　好きな写真はたくさんありますが、はじめて好きになった写真家は原久路さんです。元々画家のバルテュスが好きで、原さんが「バルテュス絵画の考察」というシリーズを制作なさっていたことで学生の頃に知りました。実体はあるけど掴みきれないものになぜかとても惹かれるところがあり、原さんの写真は何か刺さる感覚があるんです。ー佐藤さんの作品は日常を切り撮ったものが多いですね。　自分では日常という認識はないのですが、個人制作のものは、自分が生きていて実際に感じたことしか責任を持って人に発信することはできないと思っているので。必然的に普段の生活範囲を写したものが多くなっているかもしれません。ー作品からはどこか鬱々とした印象を受けます。　自身のマイナス感情を起点に撮っているからかもしれません。そういう世界が感覚としてしっくりくるというところもあります。でも、自分では笑えるものとして作っているものもあるんです（笑）。ーネガティブな内面を出すことに躊躇いは？　話は少しズレますが、高校生のときまでは第一印象を守ろうと、必死に自分を隠していました。そのほうが大人からの評判も良いしモテるので（笑）。多分、本当の自分の価値観を晒して人に受け入れられないのが怖かったんだと思います。でも自分で守ろうとしていたとはいえ、勝手なイメージを持たれることを楽しめなくなって、今は逆にさらけ出すことの方が楽になりました。例えば私はアダルトコンテンツが昔から好きですが、それを恥ずかしがることに違和感を感じたり。人によってバランスがあるとは思うのですが、自分の場合は正直にすべてを、特に写真では出すようにしています。ー作品はどういうフローで作っているんですか？　少しではありますがデザイナーをしていた経験からか、絵コンテから作る方法が自分にはしっくりくる感覚があって。一番最初に、その時の自分の気持ちや感覚をある程度はっきりさせるためにキーワードを書き出し、その後簡単な絵を描いてどんなものを撮りたいのかを考えます。撮影場所のモノの配置など、時間があるときは事前に構図を細かく決めることも多いです。もちろん即興で撮ることもありますが。ー毎日写真を撮っている？　スマートフォンでは大体毎日撮ります。以前、渋谷PARCOの企画で参加させてもらった「apartment」というブックに載っている写真は全てスマートフォンで撮影したものです。ー今はフィルムが多いですか？　元々はいつの時代かをわかりづらくしたいという目的があったためフィルムしか使っていませんでしたが、最近はフィルム自体が割と主流になったので、逆にデジタルも積極的に使うようになりました。ー機材へのこだわりは？　特にないです。個人的な制作では、デジタルはNIKON D3100という古い入門機を使っています。フィルムは制作でも仕事でもペンタックスの中判を主に使用しています。ー中判フィルムを使う理由は？　きっかけは事務所の方に「仕事で撮るなら中判がいい」と言われたからですが、自分はどちらかといえばセットアップの写真が多いので、肌に合っている感覚もあって中判を使い続けるに至っています。▶︎次のページ　人物写真、セルフポートレートを撮る理由。良い写真の定義とは？ー人物写真が多い理由は？　人間はいびつで、掴みきれないから興味があるんだと思います。大人数の中で即座に関係性をつくることはあまり得意ではないですが、お互いの価値観や考え、好きなものについて話したり、人を知るということはとても好きです。パーソナルな関係性を写したほうが良い場合のときは、できるだけ少人数、もしくは可能であれば1対1の環境をつくってもらうようにしています。ーセルフポートレートを撮る理由は？　自分の男女観はねじれてしまっているところがあるので、人に消費されるくらいなら自分のことは自分で好きなように消費してやる、というような感覚があるからです。本当は別に消費ではないのですが（笑）。撮り始めたきっかけは、はじめての個展のときに撮りたかった写真に、パンツ一丁になるシチュエーションがあったんですが（「まだ若い身体です」2017年）、それを頼める友人がいなかったのと、テーマ的に自分を被写体にしたほうが良いと思ったからで。最初はセルフポートレートを撮ることで「"女性写真家"はセルフポートレートを撮る」という風に、女性性として括られるのが怖くて抵抗がありました。でも最近は自分が女性性であることをやっと受け入れられるようになってきて、「セルフポートレートを撮りたいときは撮るしそれは自分にとって必要なこと、わたしは女だ、まだぎりぎり若い、だからなんだ」というような気持ちになって、抵抗なく撮れるようになりました。ーセルフポートレートには自虐的な意味合いも？　これまでの社会の男女観で育ってきた家庭環境の影響もあって、価値観がねじれてしまっているところはあると思います。でも自虐という感覚は全く無いです。私は個人的な感情や感覚をそのまま切り撮った写真を人に観てもらうのは抵抗があって、自分から感情は切り離しています。演劇をつくるように、デフォルメやフェイクも含む演出とカメラというフィルターを通して表現したいんです。自分からも人からも少し距離があり、笑えるのか怖いのか、なにがしかの鑑賞物にすることを試みているというか。いずれにしても自己承認欲求はすごくあると思います（笑）。ー良い写真の定義とは？　自分の場合は、どれだけ正直に嘘をつかず撮れているか、のような気がします。何かしらの誠実さがあるときの写真は、そうでないときに撮った写真に比べて、確実にエネルギーを感じますし、それが人にも伝わる。美術館に行って、作家のことを何も知らなかったとしても作品に対面しただけでなにか圧倒されてしまうことがあるように、自分の写真にも自分なりのやり方でそういった念のようなものを写すことができれば、と思っています。ー人生のモットーは？　人生なるべく何事も1回は経験してみたいと思っています。楽しめないかもという予感があっても、好奇心が勝つ場合は可能な限り食わず嫌いをしないようにしています。愚者は経験に学び、賢者は歴史に学ぶという言葉がありますが、それでいうと完全に愚者。 触れたことがないものを知った気になるのは怖いですし、つまらなくて耐えられないです。ー写真で生計を立てる難しさはあると思いますが。　そうですね。作家として活動するにも写真集を売るか、プリントを売るかしないのが現状ですが、日本では作品を買うという文化はあまり無いので、近い将来は海外でも活動したいと考えています。ー昨今は動画の需要が高まっています。　実は少しですがやっています。動画を撮り、画面内で再撮影をする感覚でスクリーンショットを撮り紙面にし、その動画で告知動画をつくったり。実際に撮るかはわからないですけれど、いつか映画も撮ってみたいです。　あと最近は高額なカメラだと撮影した動画を大広告としても使えるサイズの解像度で出せるようになってきているので、写真の定義の議論はあると思いますが、個人的には写真表現の幅が広くなりとても面白いなと思っています。そう遠くない将来、商業写真は一部のキャンペーンなど以外は、ロボット（AI）が撮って、必要とされる撮影者は減るのではないか。だからこそ商業写真でもエネルギーのある写真を撮れるかどうかがより重要になってくるのではないかと考えています。ー今年の予定は？　写真集を出す予定はあるんですが、全然進められていないので集中して取り組みたいです。撮影の仕事もどんどん増やして成長していきたい。やりたいことは他にもたくさんあります。2021年の6月後半から3人で展示会をやる予定なので、その準備もしています。ー将来の目標は？　木村伊兵衛写真賞が欲しいです。海外でも仕事ができるようになりたい、いつかはプリント売って暮らせるようになりたい、と言葉にすると逃げられない感じがして、いいですね（笑）。Mayuko Sato（佐藤 麻優子）1993年3月7日 東京生まれ、埼玉県育ち。専門学校 桑沢デザイン研究所中退。第14回写真「1_WALL」グランプリ個展「ようかいよくまみれ」開催代官山フォトフェア2017に参加個展「生きる女」開催QUIET NOISE arts and break、flotsam booksによるグループ展dix vol.3に参加個展「繋がってください」開催個展「私達1」開催オフィシャルサイト= Self-Portrait For FASHIONSNAP =■【連載】若き写真家の肖像一覧ページ

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