インサイド

機屋展示会「WARP & WEFT 展」　フジ テキスタイル ウィーク 2021のメインエリアは本町通りの商店街に広がっている。かつて銀行が入っていた建築物や喫茶店の跡地など、使われていない建物を活用しており、レトロな雰囲気も味わうことができる。旧スルガ銀行ビルでは、機屋展示会「WARP & WEFT 展」を開催。富士吉田市の16の機屋がそれぞれ持つ特性を生かした生地やファクトリーブランドのプロダクトを紹介した。（2021年12月12日で終了）出展機屋：エルトップ、オヤマダ、滝口織物、田辺織物、テンジンファクトリー、羽田忠織物、光織物、フジチギラ、前田源商店、槙田商店、武藤、宮下織物、渡明織物、Watanabe Textile。　宮下織物は、小泉智貴による「トモ コイズミ（TOMO KOIZUMI）」と協業したドレスを披露。京都府内のラメ糸を使って宮下織物が織り上げたテキスタイル「エタンセル（Etincelle）」をベースに、小泉デザイナーと共同で糸の色作りや柄選びを行い、1着を仕立てた。アート展「Textile & Art 展」　富士吉田市の機屋と10組のアーティストが共同制作した作品を展示するアート展「Textile & Art 展」を開催している。テキスタイルとアートの役割や機能を問いながら、新たな可能性を探る。（2022年1月9日まで開催）参加アーティスト：今井俊介、大巻伸嗣、奥中章人、郡裕美、児玉麻緒、高須賀活良、髙畠依子、手塚愛子、西尾美也、maison 2,3機屋見学　「フジ テキスタイル ウィーク 2021」では機屋見学のツアーも実施。イベント終了後でも毎月第3土曜日に機屋見学をすることが可能で、見学や手作り体験、ファクトリーショップでの買い物などを楽しむことができる。（要予約）

Fashion

「フジ テキスタイル ウィーク 2021」が初開催　富士山を望む産地イベント

ーランコムでは、これまでも様々な支援活動を行っている。　ブランドのミッションに「ポジティブビューティ」を掲げていて、より多くの女性が自信を持ち幸せな未来を切り拓いていくことをサポートしている。東日本大震災後は石巻市で女性による起業などの自立を促したり、コロナ禍では医療従事者の方々に製品を寄付したりと、困難に見舞われた人たちのサポートに取り組んできた。一過性のものではなく、持続可能性というのも理念の一つ。未来につながる支援の方法を模索してきた。ー今回のプロジェクトが始動した経緯は？　今年3月から、グローバルでサステナビリティプログラム ｢Caring Together for a Happier Tomorrow（より幸せな明日へ共にケアを）」を推進しており、大きなテーマとして「幸福で、かつ持続可能な未来を目指す」のが目標だ。WHFもこのプログラムの一環で、グローバルでは2017年に始まった。日本においては女性のデジタルスキル不足という社会課題に注目し、日本の女性が自信を持って前向きに未来へ向き合えるよう支援するプロジェクトとして、今年の9月に日本版WHFをスタートさせた。ー日本ではデジタルスキルに特化したプログラムを推進する。　日本では識字率は高い水準にあるため、そこから一歩踏み込み、デジタルスキルにフォーカスすることにした。これはグローバルの中でも唯一の取り組みだ。IT関連産業は今後需要が高まるとされているが、現時点で就業している女性の比率は13%（「IT 人材白書 2017」独立行政法人情報処理推進機構）しかいない。さらに、日本全体においてはデジタル競争力が主要64ヶ国中28位（世界デジタル競争力ランキング 2021 IMD）と高い水準ではないということが分かる。Z世代（18〜26歳）の400人を対象にしたランコム独自の調査では、デジタルリテラシーについて「自信がない」人が65％だった一方で、「学びたい」と考える人は71％もいた。デジタルネイティブと呼ばれる世代でさえ、デジタルスキルに興味はあるものの現状では学びに踏み込めていないということが分かった。デジタルの知見を身につけることで、女性たちの将来の可能性が広がると考え、プログラムの主題とした。ー今回、女子学生の創造力やリーダーシップの育成を支援するNPO法人「ハナラボ」をプロジェクトパートナーに選んだ。協業の決め手は？　日本でのWHFがデジタルリテラシーの方向で動き出したタイミングで、パートナー団体を探していた。ブランドが単独で動くよりも、多くの方に発信し、尚且つスキルの向上に繋がるコンテンツを一緒に考える必要があった。未来の担い手である女子学生たちが社会でより力を発揮できる機会を提供しているハナラボさんとWHFの理念が一致したため、協力いただくことになった。ー第1回ではモデル／クリエイター伊原葵さん（9月8日）、第2回では実業家のハヤカワ五味さん（11月24日）をゲストに迎えたトークセッションを実施。スキル習得の具体的なセミナーやスクールではなく、トークセッションにした理由は？　先ほどの調査結果でもあったように、身近に思えるデジタルツールでも、「スキル」と捉えると自信がないという回答が多数だった。まずは、身近なデジタルツールをどうやって仕事に活かせるのか、一歩踏み出すためのきっかけを与える必要があった。そこで、デジタルを駆使してリアルに活躍する方々のスキルの身につけ方や向き合い方を、経験談を踏まえてお話しいただくことにした。また、多くの人に気軽に見てもらうため、講演会形式ではなくランコム公式のTwitterとYouTubeで配信。年明け以降も1月と3月にトークセッションを行う予定だ。ートークセッションに続いて、より深く学べるコンテンツも計画している？　デジタル×クリエイティブのワークショップを12月19日に実施する。業界で実際に活躍するゲストとして、富士通の村瀬周子サービスデザイナーにもお話しいただく。また、ハナラボでは、LINEで1対1でキャリアについて相談できる「1on1 Talk Room」も用意。トークセッションを通じて実際にスキルを身につけたいと考えた方の次のステップも支えられるようなコンテンツも、今後はもっと提供していきたい。ー来年以降もプロジェクトは継続するのか。　実は、今年プロジェクトをローンチした9月8日は「国際識字デー（International Literacy Day）」。そこから1年を第1期とし、来年の9月8日には第2期をスタートさせる計画だ。第1期は一歩踏み出すための後押しとして「気づき」を与えるプログラムをメインにしていたが、第2期では具体的なスキルの習得、さらには就業面のサポートも見据えて動きたいと考えている。パートナーの選定も含めて、あらゆる可能性を踏まえて検討している最中。ーユーザーの背中を押すようなプロジェクトについて、ブランド内ではどんな意見が交わされている？　ランコムは日本ロレアルのブランドポートフォリオの中でも早期にデジタルツールを取り入れ、OMOを推進してきたため、今回WHFがデジタルスキルにフォーカスした点について、社内での理解が深く、ランコムならではという考えで進められている。WHFはランコムの美容部員を支援するようなプログラムも行っている。ー美容部員向けのキャリア支援とは？　コロナ禍でオンラインカウンセリングサービス「eBA」を始めた。美容部員はお客様と一番に接するため、店頭と同様、またはそれ以上の満足度を与えられるよう、デジタルならではのツールの活用や接客について教育プログラムを実施している。受講した美容部員たちはオンラインカウンセリングだけではなく、ライブ配信のような発信にも多大に貢献してくれていて、店頭だけではない新たな活躍の場となっている。ーWHFも含め、今後のキャリア支援のヴィジョンは？　今後オンライン上でも活躍できる美容部員を増やすことを目的としたトレーニングコンテンツを作成している。ランコムの美容部員向けWHFを通じて、より多く方が活躍の場を広げるように、ブランドとして最大限の支援していく。また、そこにスキンケアやメイクアップといった美容の観点も忘れずに、業界とデジタルスキルを持った女性たちを結びつけるような支援をしていきたい。（聞き手：平原麻菜実）

Beauty

ビューティ業界が女性たちのためにできることは？　「ランコム」がデジタルスキル向上のプログラムを開始

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人気のメンズスニーカーは？レアモデル60足を一覧で紹介

シャネル N°5とは？　創業者のガブリエル・シャネル（Gabrielle Chanel）が、初代専属調香師のエルネスト・ボーに「女性そのものを感じさせる、女性のための香水」と依頼したことで1921年に誕生。ローズやジャスミン、イランイランといった天然香料に、合成香料のアルデヒドを組み合わせ、80種類以上のエッセンスを絶妙なバランスで配合したことで、複雑で魅力的な香りに仕上げています。当時、一般的なフレグランスはひとつの香料にフォーカスした”わかりやすい”が主流だったため、N°5のミステリアスな雰囲気はセンセーショナルだったそう。100周年を締めくくる体験イベント　いざ、会場に到着！　そんなN°5が今年で100周年。そのフィナーレを飾るイベントが「N°5 THE RIGHT NUMBER」です。会場のオオサカホイールは全高123メートルで、ゴンドラ（スペースシップ）に乗り”月に最も近い場所”に行くことができます。観覧車の下、会場の入り口ではトレーラーがお出迎え。　ギフトラッピングで彩られたN°5や、ミューズのマリオン・コティヤール（Marion Cotillard）が出演するフィルムを放映するディスプレイを乗せ、クリスマスのソリのように、ホリデームードを運んできます。辺りが暗くなるとともにライトアップされ、煌々と輝くトレーラーの前でまずは1枚記念写真を撮るのがおすすめです。観覧車へと誘う”月への道”を見逃さないで　トレーラーを通り過ぎると、足元に観覧車への誘導マークが。N°5のモチーフやロゴのほか、「5」にちなんだメッセージがデザイン。誘導マークを香水のカラーを彷彿とさせるゴールドカラーのライティングポールが照らし、月の近くまで運んでくれる観覧車への道を示してくれます。星屑とN°5が輝くトンネルで乗車前のムードは最骨頂に　”月への道”がたどり着くのは、プラネタリウムのように輝く夜空が広がるトンネル。一足踏み入れると、今年のホリデーキャンペーンの世界観とマッチする宇宙に包み込まれるような空間が広がります。煌く星々に目を凝らすと、ミニサイズのCCロゴやN°5のボトル、シャネルのラッキーナンバー5のモチーフが散りばめられています。ゴンドラに乗る直前、ホリデームードが一気に高まります。ついに乗車！　”月に最も近い場所”でN°5を体感　ゴンドラに乗る直前、N°5を吹き付けたムエットが手渡されます。ふんわりとN°5の香りに包まれながら約20分間の”月への旅”へ、いざ、出発！　ゴンドラは、CCロゴとキャンペーンのキーワード「ASK FOR THE MOON」のメッセージでデコレーション。設置されたディスプレイでは、頂上に向かうとともに徐々に月に近づいていくアニメーションを放映しています。この時期、スペースシップに乗車する頃には日が落ちているので、大阪の夜景も一緒に楽しむことができます。　頂上に到着すると、ディスプレイにはキャンペーンフィルムが流れ、月面を軽やかなステップで踊るマリオンの姿に酔いしれること間違いなし。キャビネットを開けるとミニギフトのサプライズも。イベント限定アイテムなどのセットが入っていて、心がふわっと踊りました。　ゴンドラは通常バージョンのほか、スペシャルバージョンが紛れ込んでいます。N°5のビッグボトルのモチーフやロゴをあしらったリッチな内装で、ギフトもスペシャルバージョンだそうです。当たった人、ラッキーですね。　シャネルの商品は手に取るだけでも気持ちが上がりますが、商品を買うのとはまた一味違った、N°5の世界観に陶酔する体験イベントに足を運んでみてはいかがでしょうか？

CHANEL

【大解剖】「シャネル N°5」の100周年を祝福　巨大観覧車を使った体験イベントの全貌は？

Billie Eilish in Oscar de la Renta　共同ホストの1人であるビリー・アイリッシュは「オスカー・デ・ラ・レンタ」のガウンを着用。オスカー・デ・ラ・レンタのクリエイティブディレクターを務めるローラ・キムとフェルナンド・ガルシアは、ハリウッドの名優をガウンのインスピレーション源としたそう。その姿は「まさにマリリン・モンローのよう！」とSNSで注目を集めました。イヤリングやブレスレットなどのアクセサリーはすべて「カルティエ」から。Timothée Chalamet in HAIDER ACKERMANN & CONVERSE　同じく共同ホストを務めたティモシー・シャラメは、「ハイダー アッカーマン」の白を基調としたスーツと、テーマにちなんでアメリカのマサチューセッツ州で創業した「コンバース」のシューズをチョイス。スーツとスニーカーを組み合わせた上級者コーディネートを披露しました。腰に着けたブローチはヴィンテージの「カルティエ」。ROSÉ in SAINT LAURENT　　BLACKPINKのロゼは、自身初となるメットガラで「サンローラン」のドレスを着用。同ブランドのクリエイティブディレクターを務めるアンソニー・ヴァカレロと登場しました。足元を飾ったのは黒のハイヒール。豪華なチョーカーやイヤリングも印象的でした。Grimes in Iris Van Herpen　剣を携えて会場に現れたのはグライムス。「イリス ヴァン ヘルペン」のドレスを着用しました。シルバーのマスクが目を引きます。Lil Nas X in VERSACE　リル・ナズ・Xは、「ヴェルサーチェ」のゴールドの衣装を着用して登場。ケープ姿から甲冑、さらにジャンプスーツへと3度の衣装チェンジを披露しました。Gabrielle Union in Iris Van Herpen　ガブリエル・ユニオンのドレスは「イリス ヴァン ヘルペン」が制作。立体感のあるデザインは他の参加者の衣装と一線を画した迫力がありました。Tom Daley in MOSCHINO　東京オリンピックでは編み物をする姿で注目を集めたイギリスのトーマス・デーリー選手。黒を基調とした「モスキーノ」のスーツには、編み上げのディテールが施されています。Lili Reinhart in Christian Siriano　リリ・ラインハートは、「クリスチャン シリアーノ」のドレスを着用。胸元から裾にかけて衣装全体にアメリカ合衆国の50の州花をあしらい、今年のテーマを体現したデザインに仕上げました。Whoopi Goldberg in VALENTINO　女優のウーピー・ゴールドバーグが着用したドレスは、「ヴァレンティノ」によるもの。紫×緑のフリルドレスを着こなす姿は圧巻でした。ウーピー・ゴールドバーグのインスタグラムには、ヴァレンティノを牽引するデザイナー ピエール パオロ・ピッチョーリとの写真が投稿されています。CL in alexanderwang　K-POP界から降臨したのはCL。「アレキサンダーワン」のデニムドレスからアンダーウェアを覗かせた着こなしを披露しました。今年のカーペットに登場したBLACKPINKのロゼとCLは、メットガラに参加した初のK-POPの女性アーティストとしてSNSを沸かせました。Kim Kardashian West in BALENCIAGA　キム・カーダシアン・ウェストは、なんと顔まで覆った全身真っ黒の“黒子ルック”で登場。衣装は「バレンシアガ」が手掛けました。会場には“もう一人の黒子”とともに来場。その正体は離婚調停中の夫カニエ・ウェスト？とSNSでも話題に。Emma Chamberlain in LOUIS VUITTON　エマ･チェンバレンはスパンコールとラインストーンをデザインした「ルイ・ヴィトン」のアシンメトリードレスを着用。このほか、ハイジュエリーコレクション「ライダーズ･オブ･ザ･ナイツ」から、ゴールドにダイヤモンドをあしらったイヤリングをコーディネートに取り入れました。Dev Hynes in LOUIS VUITTON　デヴ・ハインズが着用したストライプスーツは「ルイ・ヴィトン」によるもの。フロントに配したユニークなモチーフが印象的です。Carey Mulligan in VALENTINO　キャリー・マリガンは「ヴァレンティノ」の2021-22年秋冬オートクチュールコレクションのガウンで登場。鮮やかなピンクを着こなす姿が魅力的でした。

VERSACE

Alexander Wang

BALENCIAGA

VALENTINO

HAIDER ACKERMANN

セレブたちは何を着た？「メットガラ 2021」の注目衣装

ーまずは、オノデラユキさん選出による「2021年度 写真新世紀」佳作入選おめでとうございます。　ありがとうございます。実は、コンペで何か結果を残したのは初めてで。高校生の頃から知っている賞で何か結果が残せたことは、素直に嬉しいです。一方で「優秀賞ではない」という部分で、悔しい気持ちもありますね。ー写真を撮り始めたきっかけは？　今思えば、中学生の時におばあちゃんがデジカメを買ってくれたことかな。当時は、友達をずっと撮っていましたね。ー遠藤さんは、東京藝術大学大学院美術学部デザイン科を修了。学部生時代はグラフィックデザインを勉強していたと聞きました。　写真を撮ることも好きでしたが、絵を描くことも同じくらい好きだったんです。そもそも美大を受験しようと思ったのも、友達が美術予備校の講習に誘ってくれたのがきっかけ。絵を描くのは好きだけど、勉強が好きじゃない私にとっては天国のような環境だったんです（笑）。それに、東日本大震災があった年だったからか、他の受講生が全然いなくて。友達と2人っきりで何週間も絵を描くことができたんですよね。最初からあまり人と比べることなく伸び伸びと制作できたことは、私の性格を考えるととても良いことだったのかもしれません。ー藝大には写真を学ぶことができる美術学部先端芸術表現科もあります。なぜ、美術学部デザイン科への進学を決めたのでしょうか？　最終的な決め手は「デザイン科なら最初に決めずとも、在籍中になんでも出来るだろう」と思えたこと。それでも大学院での修了制作で写真に向き合うまでは、引け目を感じていました。ー何に対する引け目ですか？　「美大生ではあるけど、芸術をやっているわけではない」と自分に対して思ってしまう部分がありました。何をしているのかが、自分でもずっとわからない。「美術と呼べるようなことをやっている」という意識が持てずにいたんです。「グラフィックの方が仕事には困らないだろう」と思いながら制作をしている一方で、「もしもグラフィックが仕事になった時、細かな業務や、やりとりが必要になってくるクライアントワークは私には向いていないだろうな」と思っている自分がいる。だからといって、写真でクライアントワークをしたいわけでもないし、純粋な作品として写真を撮っているわけでもなかった。ークライアントワークになりやすいグラフィックや写真と、美術作品としての写真の間で揺れていた、と。　客観的に見ても、ふわふわしている状態だったと思います。様々な方法で美術や芸術に真剣に取り組んでいる人が多い中で、同じように「作品」として発表することに引け目があったのかもしれません。ー写真と向き合うきっかけは何かありましたか？　休学をしていた時期に、グラフィックデザイナーの田中義久さんに「本を作ってあげるよ」と言われたのがきっかけだと思っています。元々、学部生の頃から田中さんがアートディレクターを務める「サイン計画」には携わっていたのですが、田中さんからの一言でTOKYO ART BOOK FAIRに本を出す側として関わるようになりました。写真を撮っては、田中さんに見せに行くを繰り返していたんですが、なかなか上手くいかなかった。サイン計画　TOKYO ART BOOK FAIRとして複数会場で行われる企画を、目印を用いて連動させるプロジェクトー上手くいかなかったとは？　それまで一つの作品を作る意識で写真を撮ったことがなかった私は、田中さんも、撮っている私自身も納得がいくようなものが撮れずにいたんです。そこから1年間ぐらい「作品としての写真を撮る」ということに取り組んでいたと思います。ー数年後、遠藤さんは大学院の修了制作として写真作品の展示を行いました。　それまでの写真は「素材としての写真」という感覚が強くて「写真作品」ではないと感じていました。「本のために撮る」「ページを埋めるために撮る」という感じで、写真1枚1枚に意識が行き届かないと言いますか……。順番が逆になってしまう感覚があったんですよね。ー遠藤さんの展示空間は、それぞれの作品をパズルのように組み合わせることで、大きな1つの作品を作り上げているような印象を覚えました。　たしかにそういう感覚はあります。修了制作展と、2回の個展を通して思ったことは「展示するということは、構成をすることなのだな」ということ。画面の中はもちろんですが、展示空間全体をどうやって組み立てるのかはすごく考えます。ー「構図」という点では、グラフィックデザインの観点を写真でも活かせる気がします。　それは修了制作展を通して初めて気がつきました。舵を切るまでに時間がとてもかかりましたが、最後に写真で修了制作を作ってよかった。　ある日、友達が「自分が好きなこととか、やりたいことに対して失礼がないようにしなさい」と言ってくれたことがあって、その言葉がずっと心に残っています。「結局、自分が好きなものしか真剣に取り組めないなら、学生生活の最後にずっとやっていた写真と向き合おう」と思わせてくれた友達には、本当に感謝しています。ー写真を作品としてアウトプットするために、誰かに指導を受けたことは？　特別、誰かに長年教わったりはしていないんですよ。でも、写真集を見るのはすごく好きでした。ー中でも一番好きな写真集は？　荒木経惟さんの「花曲」でしょうか。古本屋を巡っている中で出会って。初めてアート写真をみて感激したことを覚えています。なぜ感動したのかを説明することは難しいんですけど、対象にギュッと寄ってしまう所とかは、影響を受けている気がします。　画家だとサイ・トゥオンブリー（Cy Twombly）が好きです。最初の頃に撮っていた、花の写真はトゥオンブリーからの影響が大きいんじゃないかな。結局、グラフィカルなものが好きなんだな、と。上手に説明出来ないんですが、やっぱり自分が見てきたものの影響は少なからずありますよね。ー遠藤さんの作品は、パッと見た時「絵画のようだな」と思う人も多い気がします。　「現実離れをしている作品を作ろう」という意識はすごいあります。ストロボを用いた撮影をよくするのですが、それは実際に見える景色と一番違って見えるから。写真の面白いところは、実際に見ているものとは違うものに見えるという点。だから、画面の中では現実とは少し違う世界観になったらいいな、と。ー遠藤さんの作品が現実離れをしているように感じる理由の一つは、写真を撮る時にどうしても現れてしまうはずの奥行きや、距離感が掴めないからだと思いました。写真を撮る時に遠近や奥行きへの意識はあるんでしょうか？　「平面のようにノッペリと見せたい」という気持ちは無意識にあるのかもしれませんね。たしかに絵画を作っているような感覚はあって、撮った後にデジタル加工で色を調整したりしています。「現実離れ」を突き詰めていくと、レタッチやデジタル加工になるんですよね。ー写真のデジタル加工は賛否が分かれる部分ですよね。　写真を撮っている人は、現像するプロセスの中で大なり小なり加工をするものだと思うんですけど、「加工をしている」と言い過ぎるのも自分の中では最近違和感が出てきていて。ーどのような違和感ですか？　私がなぜ加工を施すのかと言うと、自然に対して、人間や、神様のような「どうしようもない大いなる力」の介入を考えているから。例えば、動物や森林を見て、人は自分とは関係のないもののように「自然物」と思うかもしれません。でも、実際にここに写っている動物は家畜だったり、ペットだったりと人間が世話をして生きているものです。大きな山も、人間が山を保とうと思って保たれているものだったりします。何が言いたいのかと言うと、全ての自然には何かが介入しているし、自然と人工物の境界線は実は曖昧なのでは、と。ー遠藤さんの作品から感じる、被写体である動物たちはとは違う何か別の存在の予感や、違和感を覚える理由が分かった気がします。　「加工を用いて曖昧な境界を作っていく」ということを私はやっているつもりです。でも「何かが介入しているかもしれないし、手付かずのものかも知れない」という曖昧な境界についてを「加工」と言う言葉で説明してしまうのは、何か違う気がしてしまう。曖昧さが消えてしまう、とでも言えばいいんでしょうかね。ー個展の名前は「カムィ・モシㇼ（Kamuy Mosir）」。アイヌ語で「神々の住まう地」という意味があります。　私は、手を動かしてようやく思考がどうにか追いつくタイプなので、最初からテーマがあって撮っていたわけではないんです。私が表現したかったことを表してくれる言葉はないかと撮影をしている最中に、「カムイ」という考え方を知りました。本当にたまたまなんですが、撮影しながら登った北海道の雌阿寒岳の近くには、アイヌコタン（アイヌ民族が住む集落）があったそうで、何か繋がったなぁ、と。ーアイヌの人々は、全てのものには「カムイ（神）」が宿っており、熊などの動物に化けて人間界に遊びに来ている、という考えを持っていました。　「道具や家、災害、岩など、世の中にある全てのものには神が宿る」ということは、頭では理解しているんですが、都市部にいるとなかなか感じることができなかった。私が実際にそれを実感することができた対象が、まずは自然だったんですよね。 　コロナ禍や、BLMなど世の中で大々的に取り上げられるニュースだけではなく、大抵の問題は「目の前の他者というものに対して、どのように向き合うのか」ということに行き着く気がします。身近な自然や動物に対して、感情や精神も含めて同じ生命だという意識を持つことも、他者への向き合い方の一つかな、と。その向き合い方を知るための他者が、私はたまたま、山や自然だった。ー今後、取り組んでみたいことはありますか？　少しずつ変えてはいるんですが、修了制作展を含めた3回の展示は、すべて同じ作品を発表していて、「何回同じ作品を展示するねん」というツッコミが自分自身にあります（笑）。次どこかで何かができるなら、もう少しこのシリーズを増やして、また本を作りたいですね。一方で、今までとは全く違う作品をアングラな場所で展示したいな、とも考えています。嫌というわけではないんですが、「植物や動物の写真＝遠藤文香」になりたいわけじゃない。このシリーズしか受け入れられなくなるのではなく、今はまだもがいていたいです。（聞き手：古堅明日香）

藝大デザイン科卒の写真家 遠藤文香が表現するもの

【対談】佐藤卓×吉本天地が構築するジブリ作品の世界――自然とクリエイティブの関係性

ジブリの幻燈楼　1つ目の展示室に入ると、まず目に飛び込んでくるのが巨大なガラス作品と、色とりどりのイメージが壁に映し出された幻想的な空間。スタジオジブリと富山ガラス工房、富山ガラス造形研究所が共同制作し、2018年に富山会場限定で公開された作品です。「天空の城ラピュタ」の「君をのせて」や、「ハウルの動く城」のメインテーマ「人生のメリーゴーランド」などの音楽にあわせて、ジブリ作品の登場キャラクターたちが投影されています。ポスタールーム　映画宣伝の過程にフォーカスした同フロアでは、1984年公開の「風の谷のナウシカ」から2021年8月27日公開予定の「劇場版 アーヤと魔女」まで、スタジオジブリの作品の映画ポスターが一 堂に会します。ポスターの他、キャッチコピーのメモや、ポスター用原案、タイトルロゴ案、鈴木敏夫プロデューサーから糸井重里へ宛てた書簡など、これまで一般に公開されてこなかった貴重な資料が壁一面に並びます。　次のフロアでは「映画プロデューサーの仕事」にフォーカス。「製作」「宣伝」「配給」「興行」といった膨大な仕事を、1997年公開の「もののけ姫」を例に紹介しています。ロケハンの工程表や、制作管理のスケジュールなど、映画制作の裏側が知れる資料を展示。作品が世に送り出されるまでの過程において、膨大な時間と多くの人々が関わっていることが伝わる展示内容になっています。ジブリの倉庫　さらに進むと、歴代作品のグッズや非売品、関連書籍などの膨大な展示物で埋め尽くされた空間が出現。チラシ、前売り券、パンフレット、紙袋、CD・レコード、協賛グッズ、マスコミ向け資料、映画関係者に配布された腕時計等の非売品、劇場・書店に設置されるディスプレイなど、数え切れない程の資料が所狭しと並んでいます。作中に登場するヴィジュアルとは少し異なる最初期に作られたトトロのぬいぐるみや、スタジオジブリ社屋内に掲示される告知や行事の貼り紙といったユニークな資料も。スタジオジブリ 空とぶ機械達展　2016年の東京会場で登場し、話題を集めた展示が愛知県に初上陸。スタジオジブリの作品を象徴する様々な空飛ぶ機械に焦点を当て、「紅の豚」や「風立ちぬ」に登場する飛行機の設定資料などを公開しています。目玉は「天空の城ラピュタ」のオープニングシーンに登場する「空とぶ巨大な船」の動く大型模型。天井から吊り下げられた巨大な船が、無数のプロペラを回しながら動く様子は圧巻です。風の谷のナウシカ　王蟲の世界　「風の谷のナウシカ」に登場する王蟲や蟲たちが住む「腐海の世界」を表現した神秘的な雰囲気が漂うエリア。2019年の福岡会場で公開されたもので、今回のためにリニューアルして登場。「シン・ゴジラ」のキャラクターデザインや、「巨神兵東京に現る」で巨神兵の雛形デザインなどを手掛けた造形家 竹谷隆之が制作した、腐海の生物たちの立体作品が展示されています。妖しげに目玉が光る巨大な王蟲は、今にも動き出しそうなリアリティと迫力があります。ネコバスアトリエ　「となりのトトロ」の「ネコバス」をモチーフにした大博覧会初登場の新展示企画。「デザインあ展」のディレクションや、21_21 DESIGN SIGHT館長を務めるなど、多岐にわたり活躍するグラフィックデザイナー 佐藤卓が企画監修を担当しました。動物の「ネコ」と乗り物の「バス」といった全く関係がない2つのものが合体した「ネコバス」をインスピレーション源に、様々な組み合わせによる「アイデア」にフォーカスした展示構成となっています。　「組合せの部屋」では、世の中にある合体した"組み合わせ"の実例を紹介。古い農具などの道具・民具をはじめ、妖怪・幻獣を題材とした絵画、ネコバスのように動物の姿を物体に落とし込んだ木魚や豚の貯金箱など、「モノとモノ」「動物と動物」「モノと動物」といった組み合わせた"もの"を体系的に展示しています。一部の展示作品は南山大学人類学博物館が協力しており、言語学・文化人類学者の故・西江雅之氏が世界各地を旅して蒐集したコレクションとなっています。　「ネコバスアトリエ」エリアの最後のフロアでは、愛知県美術館の収蔵作品を中心に公開。「組み合わせ」「アニミズム」「メタモルフォーゼ」を切り口に作品を選定し、ステファニー・クエール（Stephanie Quayle）が制作した生と死を司る生物 シシガミの塑像などが並びます。展示装飾は「アマチ（amachi.）」を手掛けるデザイナー吉本天地が、「アニミズム」をテーマに糸や布で装飾。展示ケースや作品に植物が生い茂ったような装飾を施し、作品の周りに自然石と、それらを模したフェルト製のピースが配置されています。展示作品と会場の境界が曖昧となり、自然に浸食されたような没入感のある空間を演出しています。　このほか、サツキとメイの父親で考古学者の草壁タツオ（声:糸井重里）の書斎を表現した「草壁タツオの書斎」や「ネコバス」を紹介するスペースを展開しています。　「ネコバスアトリエ」鑑賞後、子どもたちが自由な発想で絵を描けるよう特設サイトから用紙がダウンロードできるようになっています。ジブリパークコーナー　愛知県長久手市にある愛・地球博記念公園内にオープンするジブリパークは、「猫の恩返し」に登場する「猫の事務所」や「耳をすませば」の「地球屋」を再現した建物が並ぶメインゲート「青春の丘エリア」、ジブリ作品の展示室やカフェテリアを設けた「ジブリの大倉庫エリア」、「となりのトトロ」のサツキとメイの家を中心とした自然空間「どんどこ森エリア」といった3エリアが2022年秋に先行で開業予定。2023年度には、「もののけ姫」のタタラ場や炭焼き小屋で構成される「もののけの里エリア」、「ハウルの動く城」のハウルの城や「魔女の宅急便」の主人公キキの実家 オキノ邸などをイメージした建物が立ち並ぶ「魔女の谷エリア」が加わり、グランドオープンを迎えます。　大博覧会初登場のジブリパークコーナーでは、「魔女の谷エリア」に誕生する「ハウルの城」にフォーカス。建築模型を初めて一般公開します。一足先にジブリパークの雰囲気を感じることができます。スタジオジブリへようこそ！／ネコバス　スタジオジブリ内にある打ち合わせ兼休憩スペースを再現した「トトロ・バー」。展示室の外には大きなトトロや、ネコバスが展示されています。特設ショップ　会場内の特設ショップでは、ここでしか買えない展覧会オリジナルグッズを多数用意。「バルス！」「ここで働かせて下さい。」「生きろ。そなたは美しい。」といった象徴的なセリフを大胆にプリントしたTシャツや、　アートポスターのデザインをあしらったトートバッグ、ポストカード、ジグソーパズルなど様々なアイテムをラインナップしています。このほか、ジブリ公認の店舗「白髭のシュークリーム工房」による「トトロのクッキーBOX」が大博覧会の会場初登場。なお、帰りの荷物が気になるという人は、来場者のみ利用できるオンラインショップも開設しているので、帰宅後にゆっくりとショッピングを楽しむこともできます。

【レポート】「ジブリの大博覧会」開幕、佐藤卓監修の新展示「ネコバスアトリエ」など公開

What's ファクトリー 5 コレクシオン🤔？　マリリン・モンローをはじめ時代を超えて様々なミューズたちに愛されてきた名香「シャネル N°5」。グラース産のジャスミンやローズ ドゥ メなどの豊かなフローラルブーケの香りと合成香アルデヒドの組み合わせで、上品な甘さと華やかさ、そしてミステリアスな雰囲気を演出します。　そんなシャネル N°5の香りをボディクリームや石鹸、シャワージェル、バスタブレット、ボディオイルといったライフスタイルプロダクトに落とし込んだ新作が「ファクトリー 5 コレクシオン」。ラインナップは全17種類。コレクションのパッケージは、ペンキ缶や絵具のチューブ、靴のクリーム缶、キッチン製剤ボトルなど、工具や日用品をイメージした特別仕様となっています。Editor's MEMO　100年の時を超えても色褪せない「シャネル N°5」の香りは唯一無二。ファクトリー 5 コレクシオンはバスアイテムやボディケアアイテムなど普段使いしやすいアイテムを多数ラインナップしているので、日頃香水をあまり使わない人もシャネル N°5の香りを取り入れやすいと思います。特に気になったのは「ザ スパークリング ボディ ジェル」。ゴールドのラメ入りで、デコルテなどに塗ればサマーシーズンの肌見せスタイルがワンランクアップするはず。名香から限定コレクションを作るファクトリー「CHANEL FACTORY 5」 　CHANEL FACTORY 5はシャネル N°5の香りが限定コレクションに生まれ変わる工場をイメージ。什器も工具箱のモチーフとなっており、遊び心のあるデザインに。会場内はシャネル N°5のアイデンティティである白と黒で統一。大型ディスプレイでは、ブルーやグリーン、イエロー、レッド、ピンクの5色をテーマにしたイメージムービーを放映しています。イベント入場チケットでシャネル N°5について学ぶ👀　入場チケットは会場入り口で発券。シャネル N°5にまつわる年号などの数字が表面にプリントされ、裏面には数字ごとの説明が明記されます。数字は全部で45種類。シャネルにとって特別な意味を持つ「5」が出ると大当たりで、会場内全てのディスプレイに特別映像が流れます。Editor's MEMO　ユニセックスフレグランスの提案はここ最近よく聞くようになりましたが、シャネル N°5の広告キャンペーンに男性が登場したのは2012年のこと（まさかのブラット・ピットを起用！）。入場チケットにはシャネル N°5に関するこのような豆知識をプリントしており、運試しがてら名香について学ぶことができます。全商品を自由にタッチアップ＆フォトスポット📸　会場中央のワークステーションではファクトリー 5 コレクシオンの全アイテムを自由にタッチアップすることができます。全アイテムが揃うのはCHANEL FACTORY 5の会場だけ。　会場の両サイドに展開しているクイックカウンセリングエリアには、ファクトリー 5 コレクシオンのアイテムを模したフォトジェニックなクッション付きのソファー席を設置。香りを楽しみながらくつろいだり、写真撮影が楽しめます。  限定コレクションの最終工程を実演　ロボットにはお茶目な一面も？　会場奥のファクトリーエリアでは、シャネル N°5とファクトリー 5 コレクシオンが流れるベルトコンベア型のインスタレーションを展開。シャネル N°5がボックスをくぐるとファクトリー 5 コレクシオンのアイテムに変身し、名香が生まれ変わる様子を表現しています。　ベルトコンベアの手前にはラベルのロゴを手掛けるタイポグラファーの姿が。隣には作業をサポートするロボットアームを設置しており、タイポグラファーとロボットアームがロゴを仕上げる様子を常時実演しています。Editor's MEMO　タイポグラファーとロボットアームの阿吽の呼吸による作業は見応え抜群...と思いきや、掃除好きなロボットアームが毛ばたきでタイポグラファーまで叩いてしまうお茶目なシーンも。コミカルなヴィジュアルムービーのような内容で、動画映えすること間違いなし。豪華ゲストもファクトリー 5 コレクシオンを堪能　一般公開に先駆けて、豪華ゲストがポップアップイベントに来場。シャネルのビューティアンバサダーを務めるバレエダンサーの飯島望未さんをはじめ、女優の平手友梨奈さんやモデルで俳優の宮沢氷魚さん、モデルの大屋夏南さん、モデルで女優の夏子さん、モデル兼クリエイターの伊原葵さんが、CHANEL FACTORY 5のコンテンツを体験しながらファクトリー 5 コレクシオンのアイテムを楽しみました。　平手さんは「お風呂に入るのがとても好きなので、バスタブレットが欲しくなりました。仕事を頑張った日やちょっとしたご褒美として入れて、リラックスしたいです」とコメント。宮沢さんは「シャネル N°5は上品で少し爽やかさもある香りなので男性がつけても素敵だと思います。ファクトリー 5 コレクシオンは工具風のデザインが面白いですよね。今までシャネルにはクラシカルなイメージがあったのでポップな雰囲気が新鮮でした」と製品について感想を教えてくれました。　名香と呼ばれるシャネル N°5の貴重な節目に、特別な空間で香りを体験できるのはここだけ。気軽に取り入れられる限定アイテムで、シャネル N°5の香りに挑戦してみてはいかがでしょうか。

”シャネル N°5のファクトリー”が出現　限定コレクションが揃う「CHANEL FACTORY 5」をレポート

ー既に会期が始まってから数週間経ちました。どのような感想が届いていますか？　好意的な感想が多く寄せられていて、まずは一安心です。会場設営をしてくれた施工会社の方に「懐かしいですね」と声をかけてもらう回数が多かったことも嬉しかった。それぞれの人が持つ、自分史に引っかかる展示になればな、と思っています。ーコロナ禍によるオリンピックの延期に伴って、同展も会期が延期になりました。　当初は、東京オリンピックの開催に合わせて2020年6月3日から国立新美術館で、2020年9月19日から島根県立石見美術館で開催予定でした。企画立案は4年前。当時の館長が「海外からのお客さんがたくさん来る時期。日本の文化として思い浮かぶのは漫画やアニメ、建築、そしてファッションだろう」ということで、国内の漫画やアニメに着目した展示と、ファッションにフォーカスした同展の二本立てを用意することになりました。ー「ファッション分野に興味があった」とのことですが、学校で専門的に学ばれていたんですか？　専門的に学ぶ機会はなかったです。学問的に学んだことはないのですが、消費者として「着る」ということをとても楽しんでいたんですよね。ー延期を経て無事に開催されたことについて、担当学芸員として率直な気持ちを教えてください。　「去年やりたかった」という気持ちがないと言ったら嘘になります。山本寛斎さんからも、この企画のお話をした時とても賛同してくださったと聞いています。ベテランデザイナーが亡くなってしまったことは、1年間のロスにおける最も残念な部分。一方で、コロナ禍があり、様々な事象を自分の問題として捉えざるを得なくなっている昨今。日常と密接に関わる「ファッション」を通して、現在に至るまでのこれまで歴史を振り返り、現在の立ち位置を知る良い機会になるといいな、と思っています。ー今回の展示のキュレーションは、本橋さん1人で担当したんですか？　全部で4人の学芸員で企画しました。今回の展示は10年単位で日本のファッションを振り返る内容となっていますが、年代ごとに分担してキュレーションを行いました。私は主に、70〜80年代を担当しています。ー同展を作り上げた4人の学芸員の方は、全員国立新美術館に所属している人ですか？　国立新美術館からは2人。残りの2人は島根県立石見美術館の学芸員という構成です。ー島根県立石見美術館では地方巡回展も行われました。協業のきっかけは？　石見美術館は、デザイナー 森英恵さんの出身地ということもあり、美術展だけではなく「ファッション」にフォーカスした展示を積極的に行っている美術館なんですよ。そこでお声がけをしたところ企画に賛同してくださったのがきっかけです。石見美術館さんが1960年代までの展示前半を、70年代以降の後半を新美術館が担当しました。 ーこれまでの展覧会で「ファッション史」を振り返る時、アメリカやイギリスなどの西洋文化を含めて振り返ることが多かったと思います。同展があくまでも「日本のファッション史」にこだわった理由は？　きっかけは、「日本人はいつから『洋』服を着るのが当たり前になったんだろう」という素朴な疑問からです。仕事でミャンマーやベトナムなどの東南アジアに行くことがあったんですが、彼らの装いというのはまだまだ民族衣装が主流。ミャンマーに関してだけ言えば、イギリス領であった過去もあるので「洋服」がもう少し市民権を得てもいいはずなのにな、と思ったんですよね。そういう素朴な疑問を解消するために勉強をしている時に「こんなに面白いなら皆さんにも見てもらいたいな」と。ファッションの歴史についてある程度学んでからは、国内外で行われている様々なファッション展において、日本のファッション史がいつも70年代から語られることを個人的に残念に思うようになりました。だからこそ、今回は戦後である45年から現代までを網羅する展示空間にしました。ー「黒の衝撃」とも評される「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」のコレクションが置かれている台座を見た時、「この時、時代は動いたんだな」と感じました。私自身がそう感じた理由は「デザイナーたちが幼少期にどのような流行と社会を経てきたのか」というのを展示空間を通して見ることができたからだと思います。　観賞者であるお客さんがそうやって感じてくれるのはありがたいです。デザイナーに限らず、自分自身の家系を辿っていくと、どこかで洋裁学校に行っていたとか型紙を作っていたとか言う人がいると思うんです。ー洋裁文化は1950〜60年代の社会現象と言ってもいいムーブメントだったんですね。　例えば「自分の祖母がワンピースを作っていた」とか、日本人のほぼ全員に「洋裁をしている家族」という記憶はあるんじゃないかなと思うんですよね。その現象が実際、何だったのかというのを見てもらいたかった。今の日本人がファッションに対して情熱がある背景には、50〜60年代にあった「洋裁ブーム」が必要不可欠だったと思っています。これは今回の展覧会の趣旨でもあるかもしれませんね。ー展示の副題は「流行と社会」。この副題は展示する服が決まってから付けられたのでしょうか？　企画が立ち上がり始めた初期の段階でもう決めていました。副題と合わせて決めていた方針が2つあります。1つは、戦争をきっかけとした国民服やもんぺを原点に、和洋折衷だったものが「洋服」になっていった、という過去と今を1本の線で結びつけるという方針。もう1つは「作り手と受け手と発信者の3つが揃って初めて、ファッションやカルチャーが醸造される」ということを示すこと。満遍なく触れることはできなかったのですが、「しっかり時代ごとにその3者の関係性を見ていく」というのが2つ目の方針でした。ー確かに同展の特徴は「ファッション」と謳いながらもメディアにもスポットを当てている点だと思いました。　服をみて「綺麗だな」と思うだけではもったいない気がしたんですよね。「ものづくりが美しい」というのも、もちろんあると思います。でも受け手である私たちが「見て／着てみる」ことで新たな付加価値がついて「現象」になっていく。例えそれがデザイナーにとって違う意図だったとしても、広まってはじめて「ファッション」になるな、と。 ー美術館で「ファッション」を取り扱うことは難しいという見方もありますよね。　アートとファッションの関係性は様々なところで議論されていますよね。私が近年調べている田中千代さんは1930年代から既に「服飾は芸術的な美と、実用的な美を両方兼ね備えたもの。個人的ではなく時代が作っていく」みたいなことを書いていて。先人たちは「洋服（ファッション）」が日本に入ってきた時から、ファッションと美の関係性をわかっていたんだなといつもハッとさせられます。ー展示空間はどちらかと言えば、一つの服（作品）をスポット的に見せる博物館風の展示方法だなと思いました。　「流行と社会」という副題を付けたくらいなので、当時の社会をしっかりと見ることが出来るようにしたいと思いました。「ファッション」という概念を定義付けるような展示ではなく、当時の社会現象を「装うこと」から見る。やはり真摯にものづくりをしていた熱量というか、社会に新しい価値観をもたらそうと必死に活動してきた人たちの作品を取り上げられたらな、という想いがあったんですよね。だからこそ、まずは資料として「こんなものが残っていて、当時はこのような時代背景でした」という説明をきちんとしたかった。そのため、白い壁に白い30センチの台座、マネキンもなるべく白で統一して展示デザイン自体もフラットに見えるような展示になっています。服という作品そのものが持つ美術的な要素だけを見てさえもらえれば、我々がアレンジを加えなくても作品が語ってくれるだろう、と。ーメディアにフォーカスされているのと同じように、ストリートスナップにもスポットが当たっている点が興味深かったです。　ストリートスナップは、西洋ファッション誌と日本ファッション誌を比較した時、大きな分かれ道かなと思っています。西洋のファッション誌ではあまり見かけないのではないでしょうか。そのため、「日本のファッション史」を振り返る上でストリートスナップは欠かせないな、と。ストリートスナップは日本のファッションの独自性だと思っています。ー本橋さんが、一番思い入れの深い展示ブースはありますか？　田中千代さんのパジャマドレスを見つけた時はすごく嬉しかったです。いかんせん戦前の洋服なので全然残っていないだろうと思っていたんです。洋服のデザインとしても、シルクを使用したとてもモダンなもので。ーパジャマドレスはどこで見つかったんですか？　「渋谷ファッションアンドアート専門学校（旧田中千代学園）」です。1991年に展覧会があったので、再製作されたものがあるということは知っていたんですが、掘り起こしたら1930年代のものも見つかったんですよね。しかもそれがただのスカートではなく、パンツスーツだったというのもかっこいいな、と。もんぺもそうですが、おしゃれしたいという女性の気持ちにすごい感動したんですよね。ー1940年代から2000年代まではあくまでも「過去」として振り返る展示だったと思います。2010年代以降の展示は、過去を経たこれからも続くものであるという意味で、他の展示空間と一線を画していると感じました。　一番最後の展示空間である第8章は「未来へ向けられたファッション」というタイトルが付けられています。10年ごとに時代を区切って辿ってきた最後に、今のブランドを示すということで「今だって可能性を持っているし、ここからさらに発展していって欲しい」という願いを込めて締めくくったつもりです。ファッションは地続きです。商品としての「服」ではなく、「我々はこれから、どうやって装っていくべきなのか」と皆さんに問いかける展示になっていればいいな、と思っています。（聞き手：古堅明日香）

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