インサイド

1. プロ野球選手の息子として原宿に生まれる―華やかなファッションを30年にわたり提案してきた敬太さん。どのような子ども時代だったのでしょう。　父がプロ野球選手（ヤクルトスワローズの丸山完二選手）だったので、どちらかというと体育会系の家庭でした。「神宮球場が近い」という理由で原宿に住んでいて、球場にもよく連れていかれましたが、僕自身は野球に興味がなく。子どもの頃は花や蝶々、子鹿、お姫様などの絵をのびのびと描いていました。親が心配するくらいガーリーな子どもだったんです（笑）。―動物や植物のモチーフは、今のクリエイションにもつながりますね。　好きなものの軸はずっとブレずに変わりません。でもそれがやがてコンプレックスにもなって、無理して車や飛行機の絵を描いていた時期もあります。親の心配を察して、子ども心に気を遣っていたのかもしれませんね。―ファッションに興味を持ったきっかけは？　小学生の時に見た「資生堂」のCMをきっかけに、山口小夜子さんを好きになりました。当時、実家の近くに山本寛斎さんのブティックがあって、そこでも小夜子さんの写真を見掛けることがあったんです。当時小夜子さんは世界を席巻するトップモデル。小夜子さんが載っている輸入雑誌をラフォーレで買いあさって、パリのデザイナーやブランドのことを知りました。自分にとってはミューズの一人。小夜子さんに出演してもらった1998年秋冬のショーは、僕の中で宝物です。2. 「ケンゾー」のショーを見てデザイナーの道へ―ファッションデザイナーで憧れた人はいましたか？　子どもの頃に賢三さん（KENZOの創設者 髙田賢三）のショーをTVのワイドショーで見て「こういう仕事がしたい！」と強く思いました。彼の作る服は華やかで、多様性そのもの。直線的なカッティングで、様々なサイズや人種の人が着られるデザインでした。楽しさと明るさにあふれるクリエイションからは「人生を彩るものがファッションだ」ということを一番に教えてもらった気がします。僕は人生をエンジョイする「JOY（喜び）」という言葉が好きなんです。―大学を一年で退学し、賢三さんの出身校でもある文化服装学院に進みました。　学校で服作りを習って、自分の作った服を着てクラブなどにも行きました。夜遊びしているうちに「面白いね」と声をかけられたり、大人の知り合いが増えていくと、そのうち衣装制作を頼まれるようになりました。小泉今日子さんや浅香唯さん、CMの衣装など、学生ながら「いい仕事」をたくさんさせていただいたと思います。まだ日本が裕福で「バブル」と言われた時代で、社会もおおらかだったんですね。3. ドリカムの衣装デザイナーになる！ という夢―学生時代に衣装デザイナーとしてキャリアが始まったんですね。　卒業後、一度パリに賢三さんに会いに行った後も、「アツキ オオニシ（ATSUKI ONISHI）」というブランドで働きながら内緒で衣装制作を続けていました。終電まで会社で働いて、それから朝まで寝ずに衣装を作る、という日々の繰り返し。その当時、僕が大好きだったのは、デビューしたばかりのドリームズ・カム・トゥルー（DREAMS COME TRUE、以下ドリカム）。「彼らの衣装をやりたい！」とあちこちで言い回って、彼らの来る店に自分のポートフォリオを預けていたら、ついにつながることができて。「ワンダーランド（1991年から4年に一度に行われている史上最強の遊園地 DREAMS COME TRUE WONDERLAND）」という大きなライブの第1回目から関わらせていただくことになりました。―そこから敬太さんとドリカムの蜜月が始まるんですね。　ボーカルの吉田美和さんはよくライブで「今日の衣装は、ケイタ パリス」という言い方をしてくれていました。僕が会社を辞めてブランドを立ち上げようとしているときも、よくアトリエで相談に乗ってもらっていて、「もうケイタ マルヤマ トウキョウ パリスでよくない？」という彼女の一言でブランド名が決まりました。パリなんて当時、夢のまた夢だったのに……（笑）。4. デビューコレクションで生み出した自分の武器―衣装デザイナーをそのまま続けることは考えなかったのでしょうか。　僕は賢三さんに憧れていたし、「このままだと自分がなりたかったファッションデザイナーになれないんじゃないか」と思ったんです。今の若い子たちは違うかもしれませんが、僕は「自分の名前でブランドをやって、パリでショーをやって、最終的には世界中で自分の名前の香水が売られる」みたいな成功イメージを考える最後の世代で……（笑）。「花椿」の編集長だった平山景子さんに相談したら、「どんなにいいアイデアでも、長く出さずに持ち続けていると腐っちゃうから何かやりなさい」と言っていただいて「よし、やろう！」と思ったのが1994年のことです。―夢への一歩を踏み出した瞬間ですね。　何もわからない中で、手探りのスタートでした。僕は物語が好きで、世界観やムードを大事にするタイプ。当初から「かわいいこと、楽しいこと」をストレートに表現したいと考えていました。まだオリジナルの生地など作る余裕もなく、生地問屋で仕入れたテキスタイルだと自分の望む「かわいさ」が出せないな、と思って編み出したのがパッチワークやアップリケという方法。それがやがて自分の武器にもなりました。5. ファンシーじゃない独特の“かわいさ”を表現―子どもの頃から愛するかわいいものが形になっていきました。　昔、どなたかが「ケイタマルヤマの作る“かわいい”には品格がある」と言ってくださって、すごくうれしかったんです。“かわいい”という言葉に込められている毒だったり、「ファンシー（※日本では“少女趣味”という意味で使われることが多い）」とは異なる独特の意味合いみたいなものを感じてくださって。“かわいい”と評されるのが嫌だった時期もありましたが、今は褒め言葉だと思っています。 6. たった6ヶ月で「素人」から「プロ」へ成長―このデビューショーは敬太さんの人生においてどんな出来事でしたか。　まさに青春。若いモデルやクリエイターたちと一緒にムーブメントを作っていく感覚が楽しかったし、良いスタートを切らせてもらったと思います。やっぱりがむしゃらな時期は、すごく大事。デビュー当時のモデルたちとはずっとお付き合いがあるし、いまだに一緒に物作りをしている仲間もたくさんいます。ドリカムのメンバーも出演してくれて、当時大きな話題になりました。―順風満帆のスタートでしたね。　でも、量産のことなど何も考えていなかったのにブレイクしてしまったから、その後は地獄でしたね……（苦笑）。お金も無くなって、ビジネスパートナーを見つけてそこから立て直す必要があり、「素人」から「プロ」へと一気に意識が変わりました。2シーズン目（1995年春夏）のショーまでわずか半年ですが、ものすごく濃厚な期間でした。7. ついに誕生したオリジナルテキスタイル―ケイタマルヤマといえば、華やかな柄や刺しゅう。オリジナルテキスタイルはどのように生まれたのでしょうか。　この2シーズン目で、アツキオオニシに在籍していた頃に一緒にやっていたテキスタイルデザイナーの田中良枝さんに頼んで、ダリアの柄を描いてもらいました。テキスタイルが完成したときは、一人前のデザイナーになれたみたいですごくうれしかった！ それ以降ずっと同じ方とテキスタイルデザインを作り続けていて、今や膨大な量の原画があります。アーカイヴとして残していきたいですし、将来的にその柄をもっとたくさんの人たちに使ってもらえたらいいな、と思っています。8. 和の要素を取り入れた服とパリコレクション―オリエンタルテイストも、代名詞の一つとなっています。　ブランド初期の、和にフォーカスしたコレクションで注目されるようになりましたね。洋服に下駄を合わせるスタイルが流行り、当時の新聞に「ケイタマルヤマ現象」と書かれたほど。やはり僕の中で賢三さんの存在が大きく「賢三さんとは違う、和の表現の仕方をしたい」という気持ちもありましたし、「早くパリで発表したい」という思いも背景にありました。―1997年からパリコレクションに進出しました。印象的だったシーズンは？　2000年秋冬の「FUNNY FACE」は、50年代のフレンチシックに憧れた日本の女の子たちの模倣とかわいらしさ、というのがコンセプトでした。それがどう伝わるのかと不安だったのですが、パリのジャーナリストやPRの方々が「日本のおもちゃ箱」「すごく日本的」と表現してくださって「ああ、何をやってもちゃんと僕らしさを感じてもらえるんだ」と、肩の力が抜けたのを覚えています。　このスカートは、アップリケの手法でパリと東京の夜景を対比するように描きました。ちょっとした装飾もかぎ針編みだったり本当に細かい手仕事で、「なんでここまでしたんだろう？」と過去の自分に驚くこともあります（笑）。 9. 人生に寄り添い、何世代も受け継がれる服―オリジナリティあふれるアーカイヴは今見ても新鮮ですね。　うちのお客様が以前こんなふうにおっしゃいました。「敬太さんの服って骨とう品と同じだと思っているの。今はもう着なくなった服も、大事にとっておいて次の世代に渡したいのよ」と。それはすごく素敵な考え方だな、とありがたく思っています。僕が作った服が誰かの人生と重なり合ったとき、物語が生まれます。なんでも簡単に捨てられてしまう時代ですが、その物語が語り継がれ、服がさらに次の世代へと渡っていってくれたらうれしいです。―服が紡ぐストーリーは、人の一生より長いのかもしれません。　いつか自分の人生が終わってしまっても、どこかで物語が続いていってほしいですね。昔、占いで「大丈夫、あなたのブランドは200年続く」と言われたので、僕はそれを信じています（笑）。―あらためて敬太さんのファッション哲学とは。　僕自身は「だれかの人生に寄り添いたい。それが幸せな瞬間だったり、幸せな思い出だったりしたらいいな」と思って物作りをしてきました。30年やっていると、そういうご褒美みたいな瞬間が本当にあるんです。ファッションは「刹那的だからいい」という側面もあり、資本主義の象徴とも思われがちですが、僕はもっと心に寄り添う瞬間が作れたらと思います。10. 「ケイタマルヤマ遊覧会」で伝えたいDNA―30年目のアニバーサリーイベントは原宿をメインに開催されますね。　「原宿」というのを一つのキーワードにしたのは、僕がこの街で生まれ育ち、同時にこの街もファッションと密に関わり合いながら育ってきたと思うから。最近は冗談で「僕はシティボーイなので」なんて言っていますけど（笑）。やはり自分のアイデンティティの一つとして、この街でやりたいと思いました。―どんな思いを込めて企画されたのでしょうか。　僕が上の世代から見せてもらったものや、たくさんの人に携わってもらいながら創ってきたものが、次の時代に渡っていってくれたらいいな、という思いです。僕のDNAが世代や時空を超えていく30周年にしたいと思っています。―キュレーターは山口小夜子さんの展覧会も担当された、東京都現代美術館の藪前知子さんですね。2会場それぞれのテーマは？　ラフォーレ原宿では「コスチューム」をテーマに展示します。衣装制作はクライアントワーク。アーティストが何を考えて、どういう表現がしたいか、というところをサポートするチームの一員としてデザインします。僕はこれまで千本ノックのように様々なコスチュームを作ってきて、改めて自分の原点だなと思いました。もちろんドリカムの衣装も展示します。「神は細部に宿る」と言いますし、ディテールなども近くで見ていただきたいです。　もう一つの表参道ヒルズでは「ファッション」をテーマに、僕自身の物作りにフォーカスします。アトリエを再現して、インスピレーション源やデザイン画などを展示するほか、テキスタイルの原画やパターンのトワルなども並びます。その先にはそれを着てくださった人たちの写真を飾る予定。やっぱり30年って長いじゃないですか。そんな長い間、大切にされてきた服があるとするならば、その物語を書けるのは僕しかいない。「ケイタマルヤマの服がどう旅していったか」をたどる展覧会にしたいと思います。 ―最後に若きクリエイターたちへのメッセージをお願いします。　僕は物作りをする際、自分の好きなものや、自分の心の声に対して素直でありたいと思っています。そうしていれば絶対に答えが見えてきますし、そういう物作りはやはり人を感動させると思うので。「だれかのために」「何かのために」という目的をちゃんと持ちつつ、自分のやりたいことを重ね合わせる物作りができれば、世の中は美しくなるんじゃないでしょうか。　あとは諦めない、妥協しない。「こうじゃなきゃファッションじゃない」なんてものはありません。様々な表現があっていいし、「好きなものを好きなように、形にしていくのが正解」ということを次世代の方に伝えられたらうれしいです。

KEITA MARUYAMA

Fashion

「ケイタマルヤマ」30周年　デザイナー丸山敬太が明かす、ブランドの礎となった10のエピソード

デザインに存在感が宿らない巨匠の凄み——イヴ・サンローランの時を超えた「スタイル」の在処

ーパリ装飾芸術美術館での「クリスチャン・ディオール、夢のクチュリエ」展はどのような経緯で開催に至ったのでしょうか？　ディオール（DIOR）の創設70周年を記念する形で企画され、パリ装飾芸術美術館の展示スペース全体を使って作品が展示、披露されました。展示作品はドレスや写真、文書、映像など300点以上です。パリではかつてないほど熱狂的に受け入れられ、約80万人が来場しました。中には数時間並んだ人もいたとか。ー同展はその後、ロンドンのヴィクトリア&アルバート美術館やニューヨークのブルックリン美術館のほか、上海やドーハーなど世界各国を巡回しています。キュレーションをする上で意識したことは？　ディオールには、1957年に亡くなった創設者クリスチャン・ディオール氏（以下、ディオール氏）だけではなく、その後60年間ブランドを牽引してきたクリエイティブディレクターたちがいます。彼らもまた、ディオール氏と同じように、喜びと快活さで人生を彩る信念を貫いてきた人物であり、普遍的でタイムレスなメッセージを発信してきました。この事実こそが「クリスチャン・ディオール、夢のクチュリエ」展の中核となるコンセプトであり、2017年の企画以来、来場者を魅了し続けている理由でもあります。ー同展では、ディオール氏だけではなく、彼の精神を受け継ぐデザイナーたちの系譜を俯瞰することができる、と。　その通りです。現在のメゾンとスタイルが、ディオール氏の精神を忠実に受け継ぐデザイナーたちのおかげで、現在まで続いていることを理解することができます。ーディオールの歴史を年表などの資料ではなく、ドレスや服、クリエイションと関連付けて展示されるオブジェや絵画などの芸術作品で説明するキュレーションが印象的でした。　展示される作品とその源泉を説明するような演出を意識しました。同展においての“源泉”とは、東京都現代美術館が所蔵する多彩な芸術作品です。絵画などを代表とする美術史を通すことで、インスピレーションをわかりやすく説明できているのでは、と思っています。来場者は、会場に足を踏み入れるだけで「ディオールが一時的なファッションストーリーではなく、ディオール氏の考えをそのまま反映したものである」ということを理解するはずです。ー貴重な作品も数多く展示されているのではないでしょうか。　そうですね。今回の展示がまたとない体験になるもう一つの理由は、展示アイテムの多くは生地が傷みやすいため、再び展示されることがないということです。会期終了後、展示アイテムは光を避けるために、アーカイヴとして“避難”することが決まっています。ー東京都現代美術館で開催されている同展はどのように構想しましたか？　今回の展覧会は、ディオール氏と日本を結ぶ固い絆に敬意を表し、特別に再考されたものです。ー具体的に、ディオール氏と日本はどのように密接な関係性を築いていたのでしょうか？　幼少期のディオール氏は、自宅の天井に描かれた浮世絵のようなフレスコ画をみて、はじめて芸術作品に感動を覚えたそうです。その後、ディオール氏はパリのロワイヤル通りに構えた最初の住まいの居間を、日本的な生地で飾っていますし、鐘紡や大丸、龍村など、日本の一流繊維企業と提携する契約を結んだファッション史上初のクチュリエでもあります。これらのエピソードから、ディオール氏が生涯を通して日本文化に魅了されていたことが見てとれると思います。　何よりもメゾンにとって最高の栄誉は、1959年の皇太子殿下と美智子様の結婚式で、美智子様がディオールのドレスを着用したことでしょう。ディオール氏以降のクリエイティブ・ディレクターたちも、創設者にインスピレーションを与えた日本文化への憧れを維持し、日本の装飾芸術、 庭園、演劇、織物、染物技術に敬意を表したコレクションを生み出し続けています。ーディオールと日本の密接な関係は、展覧会の中でどのように表現されていますか？　鐘紡や大丸、 龍村のアーカイブから文書や布地、写真、デッサン、パターン、 オブジェなど、特別に貸し出されたアイテムが初めて披露されています。これらの品々から、ディオールと日本の有名企業とのコラボレーションの歴史における知られざる側面が明らかになるでしょう。　また、注目すべきは最初の展示室で紹介される「ニュールック」です。オートクチュールや展示ケース、ディオールと日本の関係を探るドキュメンタリーフィルムを通し、1部屋全体を使い「ニュールック」についてをより具体的に取り上げています。ー同展の空間演出には、OMAのパートナー及びニューヨーク事務所代表を務める建築家 重松象平氏が参加しています。　「ディオールと日本の関係性」というコンセプトは、展示作品はもちろん、重松象平さんによる空間演出で、展覧会の中に繰り返し現れます。日本以外で開催された2つのディオール展でも、重松さんとコラボレーションをする機会に恵まれました。彼はオートクチュールを深く理解し、日本に生まれ育っているからこそ、ディオールの日本に対する情熱を繊細に表現する方法を知っています。会場の中で多く登場する、曲がりくねった有機的なボリュームは彼が手掛けたものです。曲線的な建築は、ディオールのスタイルや、日本の建築、装飾美術の現代的な表現との対話を作りあげていますよね。ー日本で開催するにあたり、展示内容やキュレーションに変化を加えましたか？　諸外国で出展されなかったアイテムや文書を展示しています。特に文書資料は、ディオールと企業のコラボレーションを詳細に知ることができ、歴史的観点からもこれほど包括的な方法で提示される初めての機会になります。ーディオール氏が、世界中の人を魅了する理由はどこにあると考えていますか？　ディオール氏が「世界を変えられる現象としての芸術」と「ファッションの力」をよく理解していたことが一番の大きな理由でしょう。伝説的な「ニュールック」の美しさとスタイルによって、第二次世界大戦で荒廃した世界に幸福と繁栄を取り戻す明るい見通しをもたらしました。それは彼が「女性をさらに美しくするだけでなく、さらに幸せにすること」を望んでいたからにほかなりません。　彼の生涯は、その生き様も仕事も見事です。起伏に富んだその軌跡は驚きに満ちています。裕福な家庭に生まれ、1929年に始まった大恐慌で貧しくなったディオール氏には、自己を革新する能力がありました。才能あるクチュリエになったばかりか、世界で最も有名なフランス人になったのです。ーディオール氏を語る上では、第二次世界大戦とその後の世界を語るのは避けては通れない、と。　そうですね。フランスと同じく日本も戦争で壊滅的な被害を受け、新しい強固な地盤に国を再建するためには、よりよい未来を楽観し、信じる必要がありました。ディオール氏の功績は、再建を特徴とする当時の特異性の中で、大胆にも戦後ファッションの基準を見直したことにあります。彼は勇気をもってよりよい世界を信じ、そのスタイルによって、美しく輝かしい女性らしさの再建、幸せとジョワ ドゥ ヴィーヴル（生きる喜び）への回帰を提案しました。事実、ディオール氏がブランドを創設した1946年は、まだ多くの人々が家もなく食料配給手帳に頼って貧しい暮らしをしていたそうです。そのような中でディオールのスタイルは「優雅な装いは着る人が誇りを持ち、未来を信じる助けになる」ということを教えました。ー最後に、展覧会を楽しみにしている人に一言お願いします。　「どのように装うか」は「自分がどのような人間か」「自分を取り巻く世界でどのように生きるのか」を明らかにする展覧会だと考えています。また、装飾品が芸術の真の形であることを理解するまたとない機会を提供するでしょう。ディオール氏のクリエイションを通して、美しく装うことへの志向を改めてかき立て、ファッションに新たな弾みを与えられればと思っています。（聞き手：古堅明日香）

DIOR

【インタビュー】モードを復活させたクチュリエ、クリスチャン・ディオールという伝説

文化服装学院卒のアーティスト 鈴木操による「ゲルハルト・リヒター展」1万字評：時間感覚についてのノート、《ビルケナウ》へ応答する

イサム・ノグチの大規模回顧展、「彫刻とは何か」がテーマ　日本人の父とアメリカ人の母の元に生まれ自身のアイデンティティに葛藤しながらも独自の彫刻哲学を打ち立てた20世紀彫刻の巨人、イサム・ノグチ。和紙を用いた光の彫刻「あかり」など、没後33年たった今でもイサム・ノグチが手掛けたプロダクトは愛され続け、現在も多くのアーティストから支持を集めています。　そんなイサム・ノグチに迫る大規模回顧展「イサム・ノグチ　発見の道」が、2021年4月24日から東京都美術館で開催中。同展は3章で構成され、「あかり」を150灯使用したインスタレーション「AKARI CLOUD」をはじめ、国内外の多数の大型作品を含む約90点の作品が展示されています。丹下健三や三宅一生、磯崎新など、多くのアーティストからリスペクトされているノグチが追求した「彫刻とは何か」をぜひ自分の目で確かめてみては？■イサム・ノグチ 発見の道会期：2021年4月24日（土）～8月29日（日）※6月1日（火）より営業再開。チケットの予約／購入は、展覧会公式ウェブサイトから。住所：東京都台東区上野公園8-36公式サイト森美術館リニューアル後の初展覧会は、70代から105歳までの女性アーティストに焦点　六本木に位置する森美術館が、約3ヶ月間の改修工事期間を経て4月22日にリニューアルオープンしました。リニューアル後初となる展覧会は「アナザーエナジー展：挑戦しつづける力 ― 世界の女性アーティスト16人」。世界14ヶ国から集結した、50年以上のキャリアを持つ71歳から105歳までの現役女性アーティストの作品で構成された少し変わった企画展です。　同展は、ジェンダーや人種、民族、アイデンティティの尊重など、ダイバーシティを重視する動きが世界各地に拡大し、現代アート界においても長年活動を続けている女性アーティストに注目が集まっていることを受けて企画されたそう。各アーティストの活動やこれまで歩んできた人生の軌跡、異なる背景を持つアーティストたちの作品に見られる共通点などもあわせて紹介されています。休日に、作品を通してフェミニズムや移民の歴史、美術史の解釈などを考えてみるのはどうでしょうか？■アナザーエナジー展：挑戦しつづける力 ― 世界の女性アーティスト16人会期：2021年4月22日（木）〜2021年9月26日（日）※緊急事態宣言の発令により4月25日から当面の間臨時休館住所：東京都港区六本木6丁目10−1 六本木ヒルズ森タワー53階開館時間：4月22日から5月11日までの間は、10:00〜20:00※最終入館は閉館の30分前まで　※火曜日のみ17:00まで　※会期中無休入館料：【平日】一般 2000円（1800円）、高校・大学生 1300円（1200円）、4歳～中学生 700円（600円）、65歳以上 1700円（1500円）【土・日・祝日】一般 2200円（2000円）、高校・大学生 1400円（1300円）、4歳～中学生 800円（700円）、65歳以上 1900円（1700円）　※専用オンラインサイトでチケットを購入すると（ ）の料金が適用問い合わせ：03-5777-8600公式サイト25歳で早逝した画家、中園孔二の個展がANB Tokyoで開催　昨年の10月に六本木に新たに登場したアートコンプレックス「ANB Tokyo」で、ペインターの中園孔二の3年ぶり5度⽬の個展「すべての⾯がこっちを向いている」が開催中です。　中園孔二は1989年、神奈川県生まれ。東京藝術大学美術学部絵画科油画専攻を卒業し、鮮やかな色彩や緻密な構図、一貫した独自の世界観などで新進気鋭の若手作家として注目を集めていた矢先、2015年に25歳の若さで逝去しました。　中園は急逝するまでに絵画作品を中心に彫刻やインスタレーション作品など、700点以上にもわたる作品を制作。「すべての⾯がこっちを向いている」では未発表作品約50点が展示され、そのほか中園の友⼈で、アーティストの中村⼟光の映像作品「誰かの CV 2014」より、中園のインタビュー抜粋した特別映像が上映されています。中園孔⼆ 個展「すべての⾯がこっちを向いている」会期：2021年4⽉24⽇〜5⽉23⽇住所：東京都港区六本⽊5-2-4開館時間：12:00〜18:00 （⾦⼟〜20:00）　休館日：⽉・⽕　料金：一般 1000円 / 中・⾼校⽣無料　※オンライン事前予約制。公式サイト作品を懐中電灯で照らしながら見る展覧会、ライアン・ガンダーがキュレーター　イギリスを代表するアーティスト ライアン・ガンダー（Ryan Gander）がキュレーションを手掛ける異例の企画、東京オペラシティ アートギャラリーで開催中です。「ライアン・ガンダーが選ぶ収蔵品展」は、新型コロナウイルス感染拡大によるロックダウンにより、本来開催される予定であった個展形式での展覧会延期を受けて「この状況で僕にできることはないだろうか」というガンダー自身の申し出により実現。古今東西の美術作品や、日常生活で気に留めることのない物事をモチーフにするコンセプチュアルアートの新騎手として国際的に評価のされているガンダーが、東京オペラシティアートギャラリーの約4000点の収蔵品を用いてキュレーションする機会は、ある意味もう二度と見ることができない展示かもしれません。　同展は3階と4階の2フロアでそれぞれテーマを分けて展示。4階で展示されている「色を想像する」では、同館収蔵品が、東京オペラシティ街区の地権者 寺田小太郎のプライベート・アイ・コレクション（個人の視点で集められたもの）であるという成り立ちを踏まえた展示空間。寺田の収集テーマであった「ブラック＆ホワイト」に呼応し、展示空間は黒と白の作品のみ！　3階の展示空間は「ストーリーはいつも不完全......」と銘打たれ、うす明かりの展示室内を懐中電灯で照らしながら作品を鑑賞する少し変わったスタイル。来場者の「見たい」という気持ちを再確認するこの仕掛けは、照明で照らされた展示では見逃してしまうような物事への注目や、全体をもっとよく見たいという好奇心など、各々が作品と一対一で向き合える一助を担うのではないでしょうか。　「見る」「想像する」ことを意識させる同展。困難な状況でも冷静に考え、発想の転換でよりよいものにしようとするガンダーの姿勢は、私たちの作品鑑賞だけではなく日常生活に新しい視点をもたらしてくれるはずです。■ライアン・ガンダーが選ぶ収蔵品展会期：2021年4月17日（土）〜6月20日（火）※緊急事態宣言の発令により4月25日から当面の間臨時休館住所：東京都新宿区西新宿3-20-2 東京オペラシティタワー開館時間：11:00〜19:00休館日：月　※5月3日は開館料金：一般 1000円、大学・高校生 600円公式サイト村上春樹作品の装丁を手掛けたイラストレーター安西水丸の回顧展　村上春樹作品の装丁を手掛けたことでも知られている、イラストレーターの安西水丸に焦点を当てた回顧展が世田谷文学館で開催。　安西水丸は1942年、東京生まれ。日本大学芸術学部美術学科造形コースを卒業後、電通や平凡社などでアートディレクターを務め、その後フリーのイラストレーターに転身。村上春樹作品をはじめ、和田誠や嵐山光三郎とタッグを組み、絵本や装丁など幅広く活動しました。　同展は全4部構成。村上春樹共著「ランゲルハンス島の午後」の装丁原画など、初披露作品を含む関連資料約500点以上が披露されています。会場で販売されているオリジナルTシャツやポストカード、クリアファイル、マグカップなどのグッズもぜひゲットしたいところです。■イラストレーター 安西水丸展会場：世田谷文学館 2階展示室会期：2021年4月24日（土）～8月31日（火）※緊急事態宣言の発令により4月25日〜5月31日は臨時休館住所：東京都世田谷区南烏山1-10-10開館時間：10:00～18:00　※展覧会入場、ミュージアムショップの営業は17:30まで休館日：毎週月曜日　※5月3日、8月9日は開館、5月6日、8月10日は休館観覧料：一般 900（720）円／65 歳以上・大学・高校生 600（480）円／中学生以下 300（240）円／障害者手帳をお持ちの方 400（320）円　※大学生以下は無料　※（ ）内は20名以上の団体割引料金及び「せたがやアーツカード」割引料金公式サイト国内初個展が開催、マーク・マンダースとは何者？　触れると崩れそうな彫像。いつどこで作られたのか判然としないオブジェ。人の立ち去った気配が残るスタジオ。暗く長い廊下……。静寂と不穏が混合する不思議な世界を作り上げるアーティスト マーク・マンダース（Mark Manders）の国内初となる個展「マーク・マンダース ―マーク・マンダースの不在」が、東京都現代美術館で開催中です。　マーク・マンダースは1968年、オランダ生まれ。自身が架空の芸術家として名付けた「マーク・マンダース」という人物のポートレートを「建築」の枠組みを用いて構築する「建物としての自画像」という独自のコンセプトを元に、架空の新聞や、部屋に置かれる彫刻やオブジェをなどのインスタレーション作品を発表しています。　展示されている彫刻作品は、美術史や私的な記憶に基づくイメージ、言葉、家具など様々なオブジェが組み合わせられており、鑑賞者は複雑な感情や、不思議な時間感覚を覚えるはず。同展は、展示全体を1つの作品に見立てた「想像の建物のインスタレーション」として構成されており、虚構的な枠組みをベースにした独創的な世界に彫刻の概念を掘り上げる彫刻作品が設置されています。　時間が止まっているかのように感じる、作家であるマンダース本人と架空の芸術家マンダースの「自画像」が混交する虚実の作品世界は要チェックです。■マーク・マンダース ―マーク・マンダースの不在会期：2021年3月20日（土）〜2021年6月22日（火）※6月1日（火）より完全予約制で営業を再開。チケットの予約／購入は、展覧会公式ウェブサイトから。住所：東京都江東区三好4丁目1番1号開館時間：10:00〜18:00　※展示室入場は閉館の30分前まで休館日：会期中無休観覧料：一般 1500円、大学生・専門学校生・65 歳以上 1000 円、中高生 600 円、小学生以下無料公式サイト歴代のレアコラボが集結、ルイ・ヴィトンの大規模展覧会　3月19日から原宿駅前の「ジング（jing）」で開催中のエキシビション「ルイ・ヴィトン ＆（LOUIS VUITTON &）」はもう観ましたか？5月19日までと、会期終了が迫ってきました。　同展では、これまでに発表されてきた「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」とのコラボレーションが一堂に会し、それぞれの作品やブランドのサヴォアフェール（匠の技）、ブランドと日本の結びつきにフィーチャーしています。展示会場は10の没入型スペースから構成され、今となっては実物を見ることが難しいファン垂涎のレアなコレクションの数々が披露されています。■ 「LOUIS VUITTON &」会期：2021年3月19日（金）〜 5月16日（日）開館時間：10:00〜 19:00（最終入場 18:00）無休住所：東京都渋谷区神宮前 6-35-6 jing電話番号：0120-00-1854入場無料ルイ ･ ヴィトン 公式サイトより要予約

イサム・ノグチ展から懐中電灯で観る展覧会まで、次の休日に観に行きたい都内注目の展覧会7選

【インタビュー】血が、汗が、涙が、デザインできるか——"コラボレーション"の生みの親 石岡瑛子が貫いた「集団での強い女性像」

PUGMENT

東京都現代美術館で「パグメント」がショー　服が持つ過去と今のストーリーを重ねた新作発表

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