インサイド

「西洋的アウトローファッション」に物申す　“日本の漢”を表現した2023年秋冬コレクション　昨年3月に発表された2023年秋冬コレクションのテーマは「FINAL HOMME 2」。「最期の男」と名づけられたコレクションは、大月が学生時代に製作した服であり、葬式をテーマにした「FINAL HOMME」の続編と言えるものだった。　まずは、コレクションのテーマから言及するのではなく、2023年秋冬シーズン当時の状況を踏まえることから始めていこう。　各都市で発表された2023年秋冬シーズンは、黒い服を発表するブランドが多かった。ストリートウェアの登場、コロナ禍以降に浸透したリラックスウェアなどカジュアル化へのカウンターと呼べる現象であり、クールなブラックウェアは2023年秋冬シーズンの注目スタイルとして浮上していた。　ファッションでは、必修科目のように各ブランドが共通して取り組むトレンドが忽然と現れる。ミニマリズムがトレンドになったなら、デザイナーたちの創造的解釈によるミニマルな服が発表され、究極にシンプルでクリーンな服の進化が図られていく。このように様々な“実験”の繰り返しがファッションの歴史を作り、現代に繋がっていると言える。　急遽モードシーンに浮上した黒い服に対し、「ソウシオオツキ」のブラックスーツには日本文化によって更新される新鮮な価値があった。コレクションの核を成していたのはアウトローなムード、日本的に言えば「ヤクザ」である。　白いシャツに細く黒いネクタイを巻き、はためくブラックジャケットの裾には、葬儀へ参列するヤクザたちを彷彿とさせるアウトローな男たちの空気が滲む。　黒いスーツには危険な男たちの正装とも言えるイメージが付随している。『ゴッドファーザー』、『レザボア・ドッグス』、『ワンス・アポン・ア・タイム・イン・アメリカ』。マフィアやギャングがテーマの名作映画に登場する男たちは黒いスーツを着用していることが多く、それが黒いスーツにアウトローなイメージを染み込ませる要因となっていた。　イメージの転用がデザイン手法の一つであるファッションでは、マフィアスタイルがテーマになることは珍しくない。その際、多く見られるのはイタリアやアメリカのマフィアといった西洋のアウトローファッションからの発想だ。しかし「ソウシオオツキ」はそれとは一線を画す。　コレクションには数珠と家紋が何度も登場し、日本文化からの着想であることが読み取れる。また、2023年秋冬コレクションはアジア系モデルが数多く起用されていることもポイントだった。坊主頭や短い髪をきっちりと撫でつけた癖のある男性モデルの姿からは、ある日本人映画監督の任侠映画が浮かび上がってきた。　その映画とは、北野武による『アウトレイジ』。第1作が2010年に公開され、全3本のシリーズとなっているこの作品は「全員悪人」というキャッチコピーが示すとおり、登場する男たちすべてが“悪”であるバイオレンス作品に仕上がっている。　登場人物の中で印象的だったのは、加瀬亮が演じる石原だ。映画では壮年の武闘派ヤクザが多い中、石原は黒い髪の毛を綺麗にきっちりと撫で付け、組の金庫番を任され、株取引などの活動で稼ぐ。他の人物に比べて年齢も若く、知的な印象のヤクザだった。　日本のアウトローファッションの文脈で見た時、成熟した年齢の渋いヤクザや、真逆となる若いヤンキーのスタイルを目にするケースが多い。だが、「ソウシオオツキ」のランウェイを歩くモデルたちは、両者の狭間にいる若さと危うさを兼ね備えていた。　2023年秋冬シーズンに現れたブラックウェアという傾向に対し、「ソウシオオツキ」が発表した葬式をテーマにする黒いテーラリングは、3つの意味を含んでいた。最後に、そのことを改めて整理したい。　1つ目はアウトロー。様々な解釈ができるブラックウェアの領域で、「ソウシオオツキ」は野生味あふれるメンズファッションをアンサーとして提示した。　2つ目は日本のヤクザ的装いである。モードシーンではアウトローをテーマにした際に、西洋のマフィアスタイルが目立つ中、数珠や家紋といった日本文化の象徴を取り入れ、北野武の映画に登場するヤクザたちを連想させる「日本のアウトローファッション」として、世界の流れにカウンターを打ち込んだ。　そして3つ目は、若いヤクザという文脈である。拳銃よりも経営に関心が向くような、成熟した理知的なスタイルで、「ソウシオオツキ」は日本のアウトローファッションの中でも特別な存在感を示した。　もし、上記3つの意味のうち1つだけを含んだコレクションだったなら、このシーズンの「ソウシオオツキ」に今ほどのインパクトを感じなかったかもしれない。3段階の重層性を持つブラックウェアだったからこそ、一目見て引き寄せられるパワーがあったのだ。　日本ブランドが海外で勝負する際、日本独自の要素を打ち出すことがある。その際、着物や日本の伝統技術、素材を基盤にするアプローチもあるが、「ソウシオオツキ」は2023年秋冬コレクションを通して、日本の服装文化の可能性を示してくれた。1980年代の昭和バブルスタイルに価値を見出したテーラリング　青年期や幼少期を1980年代に過ごした者なら、ルックを見た瞬間に懐かしさと新しさを感じるメンズテーラリング。今年7月に発表された「ソウシオオツキ」2025年春夏コレクションは、バブル時代の男性から着想されたコレクションである。　デザイナーの大月が注目したスーツは、1980年代から90年代にかけての「ジョルジオ アルマーニ（GIORGIO ARMANI）」。「モードの帝王」と呼ばれるデザイナーが手掛けたスーツを収集し、分析することからコレクション製作は始まった。　幅広のピークドラペル、低いボタン位置、裾にクッションを起こすタックパンツ。日本経済が栄華を誇った時代を生きた男たちの正装が、ルックには写し出されていた。特筆すべきはシルエットで、昭和スーツの空気を見事に表している。　現代から見れば、洗練されているとは言い難いシルエットだろう。体のラインを隠すジャケットとパンツはオーバーサイズとも言えるが、決してそんなモダンな響きは似合わない。体を誇張し、大きく見せるスーツ。それが、マネーがパワーを発揮したバブル時代の正解だった。　このコレクションのスーツは見れば見るほど、心憎いほど“昭和”に仕立てられている。上記右のルックを拡大して見てみよう。　モデルの肩幅よりも広いショルダーライン、ポケットに挿したペンが哀愁を誘う。シャツの上にカーディガンを合わせるスタイリングも的確だ。色気も派手さも無縁な色のジャケットに、渋いブラウンのニットウェアを合わせるコンビネーションが過去のスタイルを甦らせている。　スカーフをツイストしたこの着こなしは、俳優の中尾彬を彷彿させた。また、癖の強い爬虫類的な生地柄も装飾と華美にあふれた1980年代にふさわしいものだ。　バブルファッションの高い再現性に驚くが、当時のメンズファッションとは異なるデザイン性も見て取れる。　三つボタンジャケットは1990年代から主流になったもの。クラシックな上着と軽快なハーフパンツを組み合わせたスタイリングも、文脈の異なる服をセットにしたギャップで個性を生み出す、現代的なアプローチが感じられる。　ウエストでフィットさせるワイドな身幅のブルゾンは、高倉健が着用していた「バラクータG9」と近しい雰囲気だ。しかし、ブルゾンは左右の身頃が重なってレディースライクなドレープを引き起こし、昭和ダンディズムの象徴だったはずのアイテムはドレスアップされた。一つのアイテムに、異なるカテゴリーの服からディテールやテクニックを引っ張ってきてミックスする手法は非常にモダンだと言えるだろう。　先に言及した2023年秋冬コレクションに比べて2025年春夏コレクションは、デザインの重層性という意味では劣るかもしれない。2023年秋冬コレクションから感じられたアウトロースタイルは、ファッションにおいては珍しいスタイルではないが、そこに「フレッシュなヤクザスタイル」という2重3重の意味を持つ仕掛けがあったことで、普遍的なテーマのスタイルに独自性が生まれていた。　一方、2025年春夏コレクションはデザインのレイヤーこそ薄いものの、モードシーンでフォーカスされることが珍しい、1980年代の日本のバブルをテーマにした着眼点そのものが独創的だった。　しかも、バブルスーツを再現するだけでなく、1980年代当時のメンズファッションとは異なる現代的なデザインもミックスしたことで、「令和の視点が入った昭和スーツ」という新しさも生み出している。　2000年代の人気スタイルが2020年代に再び人気となるように、トレンドが回帰するのがファッションだ。しかし、歴史の流れで埋もれてしまい、光がなかなか当たらないファッションがあるのも事実。歴史の狭間に落ちていたスタイルを発見し、現代に提示する。これもファッションデザインと言えるだろう。2025年春夏コレクションは、非常に大きな文脈的価値を持つコレクションだった。日本のファッション文化に潜む可能性を見落としていないか？　先述したとおり、日本文化から新しいファッションを発想する際は、着物や日本伝統の技術、伝統素材からのデザインや、「侘び寂び」に通じる簡素なデザインが代表的なものとして挙げられる。だが、日本の歴史を振り返った時、日本のファッションにはスタイルそのものが独自性を帯びたものがある。　『東京ラブストーリー』、『101回目のプロポーズ』など、「トレンディドラマ」という言葉が本当にトレンドだった1990年代の日本にも大きな可能性があるように思う。ニューヨークを拠点にする「コミッション（Commission）」は、1990年代のアジアをテーマに、現代化したコレクションを発表するブランドだが、日本を軸にして1990年代のアジアを読み解き、発展させたファッションをもっと見てみたい。　ここで述べてきたことは、デザイナーの大月の意図と違うことがきっとあるに違いない。それでも「ソウシオオツキ」のスーツを第3者の視点から見た時に感じた、ファッションの文脈的価値を述べたいと考え、今回のテーマとした。　「ソウシオオツキ」は保守的な傾向があるメンズスーツの中で、挑戦的なコレクションを発表してくれた。ファッションデザインの概念的な部分から、新しくする試みさえあったように思えるのだ。過去の日本のファッションに、今こそスポットライトを当ててみないか。未来を切り拓くヒントは過去に潜む。 AFFECTUS （AFFECTUS）  2016年より新井茂晃が「ファッションを読む」をコンセプトにスタート。ウェブサイト「アフェクトゥス（AFFECTUS）」を中心に、モードファッションをテーマにした文章を発表する。複数のメディアでデザイナーへのインタビューや記事を執筆し、ファッションブランドのコンテンツ、カナダ・モントリオールのオンラインセレクトストア「エッセンス（SSENSE）」の日本語コンテンツなど、様々なコピーライティングも行う。“affectus”とはラテン語で「感情」を意味する。

SOSHIOTSUKI

Fashion

日本文化に潜むファッションの可能性　「ソウシオオツキ」がスーツで示す、新時代のダンディズム

　会場は、明治14年に日本初の迎賓館（当時の赤坂仮皇居の御会食所）として建てられた明治記念館。東京・原宿のパレ・フランスにオープンした第一号店の近隣エリアで、伝統とモダンの調和を感じる空間は東京都指定有形文化財にも指定されている。中村アン、杉野遥亮、中条あやみ、南沙良という4名のセレブリティがこの会場で、創造性あふれるカルティエのハイジュエリーイベントをナビゲートしてくれた。SPECIAL MOVIE 　4名のセレブリティがハイジュエリーイベントの煌びやかな会場内を巡りながら、「Essence」のキーワードにまつわるパーソナルなエピソードを明かしたスペシャルムービーを公開。MOVEMENT——躍動感あふれるデザイン　まず会場内の一つ目のエリア「MOVEMENT＜動き＞」では、メゾンの象徴である「パンテール（フランス語でヒョウの意味）」の優雅な動きや、しなやかな曲線からインスパイアされたハイジュエリーを展示。動植物のモチーフや、ダイナミックな動きを感じさせるデザインをフィーチャーした。アジアに生息する闘魚からインスパイアされたネックレス「SPLENDENS」は、計125.46カラットのスピネルとダイヤモンド、ホワイトゴールドを使用した華やかなデザイン。また、新作の「PANTHÈRE DE CARTIER」リングは、パヴェダイヤモンドのボディにホワイトゴールドの斑点を取り入れ、ヒョウの毛並みをリアルに表現している。 着用ジュエリー中村アンが着用したのは、イタリア語で摩天楼を意味する「GRATTACIELO」。幾何学的な形のダイヤモンドとエメラルドを組み合わせたグラフィカルなデザインは、神々しくそびえ建つ建築のよう。ネックレスは内側と外側で取り外しができ、それぞれ別々に身につけたり、センターモチーフのストーンを付け替えたりと、様々なアレンジが可能。変幻自在なジュエリーはカルティエが誇る伝統の一つだ。LIGHT——まばゆい光を放つダイヤモンド　「LIGHT＜光＞」のエリアではダイヤモンドを中心に、ストーンから解き放たれる光にフォーカス。ストーンのカッティングやハイジュエリーのラインを彷ふつとさせる什器に作品が展示され、幻想的な光のダンスが表現された。中でも注目は、ヒンズー教の雨の神様の名前に由来する「PARAJANYA」のネックレス。雨が滴るようなリズミカルなデザインで、ストーンが持つ輝きと魅力を最大限に引き出している。また、新作の「COUSSIN DE CARTIER」のブレスレットは、立体的なラウンドフォルムが特徴。ダイヤモンドのパヴェセッティングを施した編み込み式のメッシュ構造は、身につける人の肌の上で優しく弾む。 着用ジュエリー中条あやみが着用したのは、カルティエの卓越したサヴォアフェールを感じさせるホワイトゴールド×ダイヤモンドのネックレス、ブレスレット、リング、そしてイヤリング。ペアシェイプ、バゲットカット、ブリリアントカットなど様々な形のダイヤモンドを組み合わせ、それぞれの個性を引き立てている。花のようなモチーフと繊細なダイヤモンドラインが上品に輝く。COLORS——鮮やかなカラーハーモニー　「COLORS＜色＞」のエリアでは、花鳥模様が目を引く「金鶏の間」の色調を反映したウォールに、カラーが際立つクリエイションを展示。厳選されたストーンの色味や、カルティエならではの巧みな色使いが高揚感をもたらす。アクアマリンにオパールとダイヤモンドを組み合わせたネックレスは、雪の結晶からインスパイアされたデザイン。同系色ながら、質感の異なるストーンが神秘的なムードを生み出す。また、コーラルとダイヤモンド×ゴールドのチェーンを編み上げたような「TRESSAGE」リングは、かつてのクリエイティブディレクター ジャンヌ・トゥーサンの精神を反映するユニークな逸品。ゴールドの加工や立体感、コントラストの効果が引き立つ。 着用ジュエリー南沙良が着用したのは、コーヒー豆をモチーフにした「GRAIN DE CAFÉ」のネックレスとリング。1950〜60年代に人気を博し、グレース・ケリーも魅了したこのデザインは、思いがけないところに美を見いだすカルティエならでは。ゴールドビーズを重ねた上に、コーヒー豆のモチーフと甘い果実のようなルベライト、ダイヤモンドをあしらってチョーカーに仕上げた。SHAPES——独自性を生み出すフォルム　「SHAPES＜フォルム＞」のエリアではカルティエ ウォッチの形状にフォーカスし、その精巧なクラフトマンシップを間近で見られるようオープンディスプレイで展示した。常にデザインを起点にシルエットが形作られるため、いずれのピースも一目でカルティエ製と分かるフォルムを併せ持つ。特に「BALLON BLEU DE CARTIER」ウォッチは、バロン（風船）のように軽やかなフォルムに青いカボションを閉じ込めた大胆なデザイン。ホワイトゴールドのケースとブレスレットに1221個、ダイヤルに476個ものブリリアントカット ダイヤモンドをちりばめた。少しの振動でダイヤルのダイヤモンドが揺れ、きらめきを放つ「セルティ ビブラン」モデルだ。 着用ジュエリー杉野遥亮が着用したのは、飛行士 アルベルト・サントス＝デュモンのために作られた世界初の実用的腕時計「SANTOS DE CARTIER」のスケルトンウォッチ。角に丸みを持たせたダイヤルや曲線を描くラグなどが、カルティエ ウォッチならではのフォルムの概念、ミニマリズムの追求、完璧なプロポーション、そしてディテールへのこだわりを感じさせる。ケースにバゲットダイヤモンド126個をあしらった本品は世界で100個の限定生産。カルティエの象徴、パンテールのタイピンとカフリンクスを合わせて。CURIOSITY——好奇心を掻き立てる名品　「CURIOSITY＜好奇心＞」のエリアで紹介されたのは、メゾンの貴重な過去作品を修復して販売する「カルティエ トラディション」コレクション。長い歴史の中で制作されたクリエイションは、アーカイヴに収蔵された資料に基づいて鑑定され、専門職人によって丁寧に修復されている。時を経ても色あせることのないクリエイティビティは世界中のコレクターを魅了しており、なかなか国内で鑑賞できる機会はない。今回のラインナップの中で一番古いのは、1905年に発売されたペンダントウォッチ。ダイヤモンド×ベビーパール×プラチナを組み合わせたペンダントにライトブルーのトップが付いており、裏返すと時計の文字盤が現れるデザインだ。　メゾンの真髄とも言える美的要素と、日本文化や芸術からインスパイアされたクリエイションが披露された同イベント。カルティエの日本上陸50周年にふさわしい貴重なウォッチ＆ハイジュエリーが来場者たちを魅了した。

Cartier

中村アン、杉野遥亮、中条あやみ、南沙良が来場

カルティエ ジャパン50周年を記念したハイジュエリーイベント　4名のセレブリティがナビゲート

Architecture：館の構造を活かした2部構成　展覧会の会場となったのは100年以上の歴史を持つ表慶館。明治末期、建築家・片山東熊により建てられたネオバロック様式の歴史的建造物は、国の重要文化財にも指定されています。展覧会は館の特徴でもある左右対称の構造を活かし、建物右側に位置する第一部では、「カルティエと日本」、左側の第二部では「カルティエ現代美術財団と日本のアーティスト」を紐解く二部構成で、メゾンと日本を結ぶさまざまなストーリーを多面的に伝えます。内装は世界中の美術館や展覧会のデザインを手掛けてきた「スタジオ アドリアン ガルデール（Studio Adrien Gardère）」が担当。日本文化と美学に対する敬意と、表慶館の伝統的な意匠への称賛を反映させ、セクションテーマに沿う素材選びやデザインで、一つ一つの展示作品を際立たせています。Right Wing：日本がカルティエにもたらした影響Room 1 　正面右のセクションでは「カルティエと日本」をテーマに、アーカイヴピースや文献を通して、伝統的な形状や紋様といった物質的なモチーフから、日本人に根付く精神性まで、日本がいかにカルティエのクリエイションに影響を与えてきたかを浮かび上がらせます。　最初の部屋では1898年からメゾンの事業経営に参画し、美術品のコレクターとしての一面も持ち合わせていたルイ・カルティエが収集した200点以上に及ぶ日本美術のコレクションから着想を得て制作されたピースを展示。そのなかには神社の建築を想起させるミステリークロックをはじめ、印籠の形をしたヴァニティケース、結び目や染めに用いる際の型紙の波模様や鱗模様のブローチといった貴重なコレクションから、小紋柄をフェイス部分にあしらった今年発表されたばかりの新作ウォッチまで、100年以上前から日本の伝統的なモチーフがカルティエのクリエイションに影響をもたらし続けていることがわかります。Room 2　カルティエの重要なインスピレーション源の一つでもある動植物。メゾンが独自に生み出してきたフォルムの探究は、自然を賛美する日本の美学からの影響が大いにあるといいます。亀や鳥、トンボや蝶、そして日本古来の藤の花においてはメゾンのレパートリーとして繰り返し登場するモチーフです。ここでは杉本博司の「春日大社藤棚図屏風」（2022年）を囲うように、自然界から着想を得たジュエリーが展示されています。Room 3 　階段を上がった2階の部屋では、これまでカルティエが5度にわたり日本で開催してきた展覧会を遡りながら、メゾンと日本の関係性を掘り下げています。1988年、表参道のスパイラルホールで行われた展覧会を皮切りに、1995年の東京都庭園美術館、2004年の京都・醍醐寺に続き、2009年は同じく表慶館で「Story
of... カルティエ クリエイション～めぐり逢う美の記憶」展が開催。さらには2019年、国立新美術館での「カルティエ、時の結晶」展も記憶に新しく、その時代に沿うコンセプトや展示方法で多くの人にメゾンの魅力を伝えてきました。ここでは、それぞれの展覧会を象徴する「カルティエ コレクション」所蔵の貴重なピースが日本に再集結しています。Room 4　右セクション最後の部屋では、原宿のパレ・フランスに日本初のブティックをオープンした1974年から、カルティエの日本での歩みを当時の出版物やキーパーソンへのインタビュー動画、メゾンのアイコンジュエリーやウォッチを題材にした日本人アーティストたちとの協業作品、日本独自のプロジェクトを振り返ります。なかには、2017年にタンク ウォッチ100周年記念で香取慎吾が描き下ろしたアート作品や、2022年に「サカイ（sacai）」の阿部千登勢によって新たに解釈された「トリニティ」コレクションなども見ることができます。Left Wing：カルティエ財団により広がるアーティストコミュニティの輪Rotunda 2F　2階の右側と左側を繋ぐブリッヂ部分には、画家の横尾忠則が日本人アーティストを中心に描いた20点のポートレートシリーズが展示。カルティエ現代美術財団（以下、カルティエ財団）が長年にわたりコラボレーションしてきたアーティストたちを横尾独自の視点で描き上げています。2014年から続くプロジェクトに今回新たに3点の作品が加わり、カルティエ財団が日本人アーティストと築いてきた"コミュニティ"の広がりそのものを表しています。　1984年に非営利団体として設立されたカルティエ財団は、アーティストの発掘・再発見を目的にこれまで数々の日本人アーティストの発表の場と機会を提供してきました。駆け出し時や国外で活動したことのないアーティストの作品、すでに名の知れたアーティストの新たな一面を紹介し、展覧会の支援、コミッションワークの制作依頼、作品の購入といった、アートとアーティストの価値を高め、社会と繋げるプラットフォームとしての役割を担ってきました。Room 5　カルティエ財団が考える芸術分野は多岐にわたり、写真、絵画、建築、彫刻、映像といった作品のほか、ファッションの領域にも広がりを見せます。1998年にカルティエ財団によりパリで開催されたデザイナー三宅一生の「Making Things」展では、衣服のフォルムがいかに刷新・再発明されるかという視点を提示し、脚光を浴びました。ここでは「一枚の布」という「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」の服づくりのコンセプトを表現したインスタレーションや、「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ（PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE）」のデビューシーズンとなった1994年春夏コレクションのピースが並びます。Room 6　写真にフィーチャーした部屋では、カルティエ財団と継続的な関係を築いてきた日本写真界の巨匠である荒木経惟、森山大道、杉本博司の3名の作品をはじめ、川内倫子の232枚の写真を組み合わせたスライドショーや巨匠 ウィリアム・エグルストンが切り取った京都の風景などの写真作品が展示。1階と2階を繋ぐ左右の階段にはそれぞれ、現代美術家 束芋によるビデオインスタレーションが映し出されています。 Room 7　北野武もカルティエ財団と縁の深い現代アーティストの一人。自由な概念により生み出されるカラフルで独創的な作品からは、芸人や映画監督など多彩な分野で活躍してきた北野武のアーティストとしての一面を垣間見ることができます。ここでは新作を含む2018年から2023年に制作された絵画が展示。　また、左右の小部屋では、1から9の数字が回転しながら暗闇の中に浮かび上がり時間と無限空間を表現した宮島達男のインスタレーションや、森山大道のモノクロ作品を2冊の本に見立てたスライドショーが没入感のある展示方法で公開されています。Room 8　幅広い芸術表現を持つ北野武の創作対象は絵画だけに留まらず、彫刻オブジェや、分野を越え、数学ゲームを考案するといったユニークなアイデアまで広がります。その多くがカルティエ財団とのプロジェクトの中で生み出された作品であり、創作の自由を提供するカルティエ財団とその機会を忌憚なく活用する芸術家が育んできた絆の深さを物語っているかのよう。　カルティエ財団では北野武のほか、現代アーティストの村上隆や松井えり菜、建築家 石上純也の個展開催や、書籍の出版といった芸術家に必要な活動を支援してきました。展示棚に並べられた作品や書籍は、カルティエ財団とアーティストとの尽きることないクリエイティブな対話がこれからも継続的に続いていくことを示唆しています。Rotunda 1F　展覧会の入り口でもあり、出口でもある左右を繋ぐ円形広間の一面に展示されているのは、本展のために制作された現代アーティスト澁谷翔の作品「日本五十空景」。彼もまたカルティエ財団のコミュニティに今回新たに加わったアーティストの一人。カルティエ財団との出会いのきっかけはインスタグラムだったという澁谷は、今回の制作にあたり、歌川広重の「東海道五十三次之内」を着想源に、変わりゆく時代のなかで今も昔も共通する「空の景色」に着目します。広間を飾る50点からなる一連の作品は、約1か月にわたって訪れた47都道府県の空の景色を描き出したもの。それを1点ずつ各地方新聞の一面に掲出するという壮大なプロジェクトは、朝昼晩と過ぎゆく時間の移ろいを儚い色彩で描き出し、過去、現在、未来といった展覧会のテーマにも通づる連続性を表現。本展を構成する2つの並行するストーリーを「結ぶ」役割を果たしています。ここでしか手に入らない限定グッズも　ミュージアムショップでは、展覧会を記念した特別グッズが登場。澁谷翔による淡いピンクとブルーのグラデーションをバックに、グラフィックデザイナー野間真吾が手掛けた「結」のタイポグラフフィーがモダンにデザインされた展覧会のメインヴィジュアルがプリントされたトートバッグ（3960円）をはじめ、ノートブック（1650円）やポストカード（220円）、図録（5000円／いずれも税込）などが販売され、展覧会の余韻に浸ることができます。　そして会期中、入り口付近では祝休日限定で「カルティエ ワゴン」が登場。「YOUR STORY with Cartier」の取り組みのひとつとして、ご自身とカルティエにまつわるエピソードを投稿すると、絆の証をして花が贈呈される特別なイベントを開催しています。カルティエの輝きに身を包んだ豪華ゲストたち　約1ヶ月にわたる展覧会の開幕に先立ち、6月10日にオープニングイベントが開催されました。会場には北野武、松嶋菜々子、香取慎吾、鈴木保奈美、江口洋介、戸田恵梨香、賀来賢人といったカルティエと縁のあるセレブリティや参加アーティストなどが、華やかなメゾンのウォッチやジュエリーをまとって来場。展覧会の開催を祝いました。

カルティエと日本が歩んできた50年の軌跡、『結 MUSUBI』展 完全ガイド

コム デ ギャルソンとの出会いから独立までーファッションに興味を持ったきっかけは？　小学生くらいの頃から身の回りのものを自分で選ぶようになって、その中で一番心を惹きつけられたのがファッションでした。出身が千葉県の木更津市なんですが、何もない場所だったので、中学・高校生になってからは毎月のように東京に服を見に行っていましたね。バイトをしてお金を貯めて、足繁く通っていました。ー具体的にファッションの道に進もうと思ったのはいつ頃だったのでしょうか。　はっきり「ここだ！」というのはないんですが、直接的な契機となったのはコム デ ギャルソンを知ったことですね。高校時代のバイト先の後輩がすごくファッションが好きで、コム デ ギャルソンや「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」を紹介してもらったんです。その時にコム デ ギャルソンを目にした時の衝撃が未だに自分の中に残っていて。全体的に白いコレクションの時で、2012年春夏コレクションだったと思います。それから次第に「自分も人の心を動かせる服を作りたい」と思うようになって、本気でファッションの道に進むことを決めました。ーやはりコム デ ギャルソンで働くことが目標でしたか？　そうですね、働くのはコム デ ギャルソンしかないと思っていました。ただ新卒で入社できたわけではなくて、企業のブランドを転々としながらパターン技術を磨いて、ようやく入ることができました。コム デ ギャルソンでの3年間は、今思うと修行僧のような日々でしたが、かなり鍛えられましたね。ー目標だったコム デ ギャルソンは今年退社し、独立しました。　元来独立心がすごく強くて、いつかはファッションブランドを持ちたいという思いがありました。コム デ ギャルソンでパタンナーとして服の構造を突き詰めていくうちにデザインの方にも興味が湧くようになって、自分のブランドをやってみたいという気持ちが更に強くなったので決断しました。ーコム デ ギャルソンでの経験を経て、今も息づいていることは？　一見派手に見えるデザインを手掛ける時でもベースを丁寧に作り込む、というのがコム デ ギャルソンでの教訓です。複雑なアレンジは、基礎がしっかりしていてこそ映えるものだと思うので、その点は今でも心に留めています。デザインやパターンの技術はもちろんですが、なによりも川久保さん（川久保玲）がクリエイションに対して常に新しいことを追求する姿勢を肌で感じることができたのは大きかったですね。コレクション製作は自分のルーツを知る旅ーマヒト モトヨシのデビューコレクションでは日本と中国の文化を着想源にしたそうですね。　今でこそ海外の文化を取り入れた服を作っていますが、僕は元々日本文化に傾倒していたんです。自分たちが育ってきた環境って、大体西洋文化に影響を受けているじゃないですか。通っていた専門学校でも西洋服装史は勉強しても日本服装史は勉強しなかったので、自主的に日本美術を勉強していたら、狩野永徳の作品「檜図屏風」を見つけました。それまでは日本文化の「静」の部分にばかり目がいっていたのですが、この作品の力強く豪快なタッチに圧倒され、色々と文献を読み漁りました。でも日本文化の原流を調べてみると、大体中国の方に起源があるんです。中国から更に遡ってみると本当は別の国が起源だったり。そんな感じで調べていくうちに徐々に日本から海外、特に東洋に興味関心が移っていきました。ー2023年春夏コレクションの中で、正倉院に収められている生地の柄を起こしたアイテムがありましたよね。　この柄は唐花紋といって、仏教で多く使われてる柄なんですが、実は名前や形を変えて、世界各地で見られるものなんです。日本では唐花紋として伝わっているけど、源流を辿るとエジプトに起源があったり。 この柄に限った話ではなく、世界の文化は全て繋がっていて、見た目は全然違うように見えても根っこの部分にあるものは同じだと僕は思っています。だから、ブランドコンセプトである「文化が交差する服」を作ることで国と国との文化的な分断を少しでもなくしていけたらと考えています。ーファッションだからこそ表現できることですね。　この考えに至ったきっかけとしてはロシアのウクライナ侵攻があって、自分たちの民族だけが優れているという考えはすごく恐ろしいなと思ったんです。同時期に日本と中国の交わりを描いた歴史小説「天平の甍」を読んでいたこともあり、1つの文化だけではなくて、他国の文化を知る重要性に気付かされました。もちろん愛国心は素晴らしいものだと思いますが、一歩間違えると恐ろしい凶器に変わることもある。日本文化に傾倒していた時期がある僕だからこそ、服を通して伝えられるメッセージがあると思っています。ー今後のクリエイションに取り入れたいものは？　 今興味があるのは、チベットの宗教観ですね。死生観や信仰心などが独特で興味深いです。宗教は間違った方向に作用すると危険だと思いますが、純粋な信仰心であれば、すごく強くて美しいものだと常々感じていて。2023年秋冬コレクションでは、チベットの文化をテーマにしたアイテムを作るつもりでいます。ー西洋への憧れは？　今のところ西洋の方には、 自分の興味は向いていないです。ウィーンにオペラを観に行った時、クリムトをはじめとする世紀末ウィーンの美術を見たんですが、その時の僕にはなぜかあまり心に響いてこなかったんですよね。その後出会った狩野永徳の作品が持つ日本美術特有の力強さに感動して「ああ、やっぱり自分は日本人なんだな」と感じました。今は海外、特に東洋に目を向けてコレクション製作を行っていますが、日本人である自分にとっては「ルーツを探る旅」という感じですね。モード復権のチャンスと捉えるーデビューシーズンの手応えは？　発表前はもしかしたら一つもオーダーされないんじゃないかという怖さもあったんですが、ありがたいことに多方面からお声がけをいただいて、手応えはありました。セレクトショップからは別注もいただけたりして、自分がやってきたことが認められた嬉しさ、ほっとした感覚がありましたね。今は卸がメインですが、今後は直営でECでも展開していきたいと思っています。ー今後の目標は？　いずれはランウェイショーを開催したいと思ってるんですが、まずは地盤を固めるのが最優先だと思っています。お世話になっている生地屋や工場の皆さん、デビューシーズンにも関わらず取り扱いを決めてくれたお店など、日頃サポートしてくれる方々にどんな形であれ恩返しできるブランドに成長させたいっていう気持ちが大きいですね。ーファッションを取り巻く状況は変化しています。最近のファッション市場をどのように見ていますか？　僕がファッションに興味を持ったきっかけがコム デ ギャルソンやヨウジヤマモトのクリエイションだったのですが、最近はいわゆるモード系のカテゴリーが少しだけ元気がないように感じています。僕が高校生くらいの頃にストリート・カジュアルブームのはしりとも言えそうな「シュプリーム（Supreme）」やカニエ・ウェスト（Kanye West／現在はYe）のトレンドがきて、そろそろ10年くらい経ちます。最近は徐々にストリートやカジュアルの人気が落ち着いてきた印象があるので、モード復権のチャンスだと考えていますが、まだまだこれからといった感じですね。ートレンドに合わせて「売れるデザイン」を意識することもありますか？　それはないですね。変に売れ筋を意識して自分が納得のいかないものを作るよりは、自分が作りたいものを作って失敗した方がいいです。そうでないと自分のブランドをやる意味はないと思うので。まだまだデビューしたばかりですが、これからのモード復権の一助になればと思ってブランドを続けていきます。ー最近はロゴを打ち出した記号消費的なモノづくりが目立つように感じます。　それに関しては本当に否定的です。品質やデザインではなく、ブランドロゴで服が選ばれるとしたら寂しいことですよね。実は、記号消費へのアンチテーゼの意味合いも込めてロゴを真っ白にしたんですよ。ロゴやブランド名を大きく打ち出すのではなく、あくまで主役は服。ネームは控えめで良いと思って、このロゴにしています。ー最後に、本吉さんにとってファッションとはどんな存在ですか？　その質問の答えは結構考えたんですけど、まだ自分が答えるのは早いと思っています。答えが分からないからこそ、服作りを続けられてるというのもあると思いますね。今のところ言えるのは、憂鬱な気分の時に、自分が気に入った服を着て、少しだけ頑張ろうと思える。本当に些細なことなんですけど、そういったことがファッションの素晴らしさだと思います。本当の答えはこれからの人生で見つけていきたいですね。（聞き手：村田太一）

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