インサイド

1. ブドワールのムード　「ブドワール（Boudoir）」とは、女性の寝室または私室を指すフランス語。今シーズンはそんなプライベートな空間で女性がまとうような、シアー素材やランジェリーライクなアイテムがランウェイに数多く登場した「グッチ（GUCCI）」は深紅のキーカラー、アンコーラ・ロッソのランジェリー風ドレスにレザーアイテムでハードさをプラス。「フェンディ（FENDI）」はビジューやビーズが施されたオーガンザのスリップドレスで、軽やかなリズムを生み出した。「クロエ（Chloé）」はチュールやレースをたっぷりと使い、ドロワーズなどをロマンチックなデイウェアとして提案。「サンローラン（SAINT LAURENT）」はレースを多用し、スカートの裾からシュミーズをのぞかせるようなセンシュアルな装いを作り上げた。「バレンシアガ（BALENCIAGA）」はブラジャーを織り込んだボディタイツや、タイツとショーツが一体化したパンタシューズで、アンダーウェアの概念を覆している。単純なセックスアピールとしてではない、新たなランジェリーの取り入れ方に注目したい。2. ユーティリティ＆エレガンス　機能性を意味する「ユーティリティ」も、今シーズン欠かせない要素の一つ。ミリタリーやワークウェア、サファリルックなどに見られる実用的なディテールや素材を用いつつ、女性らしさを引き立てるルックが今シーズンの特徴。「ブドワール」の項目でも登場したシアー素材がカギとなり、「エルメス（HERMÈS）」はフラップポケットやジッパーを取り入れながらも、トップス、スカート共に軽やかな透け感が印象的。「ディオール（DIOR）」は1962年の「ディオール スポーツ」ラインをヒントに、パフォーマンスとエレガンスを融合させた。「マックイーン（McQueen）」はミリタリーの要素を取り入れつつも、ウエストを絞ったシルエットでコントラストを生み出した。「サカイ（sacai）」はアーミーグリーンのコートをシアー素材とミックスしてドレス風に。「ミュグレー（MUGLER）」は肩を強調したXLサイズのジャケットにウルトラミニのスカートと合わせるなど、無骨なイメージをシックに昇華したユーティリティウェアを提案した。3. 大胆なフリンジ使い 　裾で軽やかに揺れるフリンジといえば春夏シーズンでおなじみの装飾だが、今シーズンは目を引くアクセントとして大活躍。「ディオール」は、古代ギリシャ神話に登場する女戦士アマゾーン風の女性像をダイナミックに表現。たすき掛けにしたフリンジが力強さを演出した。「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」ではレザーフリンジのヘッドピースが登場し、ブランドが得意とするレザー加工のテクニックをアピール。「グッチ」のコートは、オリーブグリーンのフリンジがあしらわれ、まるでオーロラのようなグラデーションを作り出す。「ステラ マッカートニー（STELLA McCARTNEY）」はメタリックに輝くフリンジをトップスにアレンジし、肌を軽やかに露出させた。「マックイーン」は頭から爪先まで全てをシルバーのスパングルやビジューで覆い尽くす、ゴージャスなドレススタイルを披露。アイルランドに伝わる妖精"バンシー"をミステリアスに表現した。4. 彫刻的シルエット　バルーンシルエットといった立体的な構造も、今シーズンの特徴。「ロエベ（LOEWE）」はクリノリン（1800年代に流行した、スカートを大きく広げるために着用する下着）に着目し、輪状のワイヤーで形作ったドレスを発表。まるで宙に浮かび上がるような軽さと独特のフォルムが斬新だ。「ステラ マッカートニー」は綿菓子のようなボリュームトップスをラフなデニムと合わせ、絶妙なバランスを生み出した。「ボッテガ・ヴェネタ」は生地を何重にも重ねたプリーツスカートとトップスのドレープがコントラストを描く。「バリー（BALLY）」はペプラムジャケットやスカート、カウベルのシェイプを模したコクーンスカートなどを提案。グッゲンハイム美術館でショーを開催した「アライア（ALAÏA）」は起毛素材で身体をスパイラルに包み込むコートを発表。いずれも彫刻や建築のような独特の形状で身体を包み、固定観念に捉われない服作りへのアプローチを示した。5. ストライプの主張　さわやかでプレッピーなストライプ柄は春夏の定番だが、今シーズンはストライプを主役にしたルックが数多く見られた。「シャネル（CHANEL）」はストライプのシャツワンピースにカーディガンをレイヤード。パステルブルーがどこかレトロな味わいで、カメリアのコサージュがアクセントをプラスする。「ソフトパワー」をテーマに掲げた「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」は、大きく膨らませたパフスリーブのストライプシャツがインパクト大。「プラダ（PRADA）」は白いボーダーを縫い付けたマリン風ニットにストライプサンダルを合わせ、直線使いが印象的なスタイリングとなっている。「ディオール」はワンショルダーのレオタードにカジュアルなグラディエーターサンダルを合わせ、アスリートのようなたたずまい。「サカイ」はガーリーなミニ丈のワンピースを発表。シアー素材を襟元にあしらい、意外性のあるルックへと仕立てた。

Alexander McQueen

PRADA

GUCCI

sacai

BOTTEGA VENETA

LOEWE

HERMÈS

BALLY

FENDI

Chloé

BALENCIAGA

STELLA McCARTNEY

DIOR

CHANEL

LOUIS VUITTON

SAINT LAURENT

MUGLER

ALAÏA

Fashion

2025年春夏シーズンの5大トレンド　ランジェリーや装飾性、機能美がカギに

Architecture：館の構造を活かした2部構成　展覧会の会場となったのは100年以上の歴史を持つ表慶館。明治末期、建築家・片山東熊により建てられたネオバロック様式の歴史的建造物は、国の重要文化財にも指定されています。展覧会は館の特徴でもある左右対称の構造を活かし、建物右側に位置する第一部では、「カルティエと日本」、左側の第二部では「カルティエ現代美術財団と日本のアーティスト」を紐解く二部構成で、メゾンと日本を結ぶさまざまなストーリーを多面的に伝えます。内装は世界中の美術館や展覧会のデザインを手掛けてきた「スタジオ アドリアン ガルデール（Studio Adrien Gardère）」が担当。日本文化と美学に対する敬意と、表慶館の伝統的な意匠への称賛を反映させ、セクションテーマに沿う素材選びやデザインで、一つ一つの展示作品を際立たせています。Right Wing：日本がカルティエにもたらした影響Room 1 　正面右のセクションでは「カルティエと日本」をテーマに、アーカイヴピースや文献を通して、伝統的な形状や紋様といった物質的なモチーフから、日本人に根付く精神性まで、日本がいかにカルティエのクリエイションに影響を与えてきたかを浮かび上がらせます。　最初の部屋では1898年からメゾンの事業経営に参画し、美術品のコレクターとしての一面も持ち合わせていたルイ・カルティエが収集した200点以上に及ぶ日本美術のコレクションから着想を得て制作されたピースを展示。そのなかには神社の建築を想起させるミステリークロックをはじめ、印籠の形をしたヴァニティケース、結び目や染めに用いる際の型紙の波模様や鱗模様のブローチといった貴重なコレクションから、小紋柄をフェイス部分にあしらった今年発表されたばかりの新作ウォッチまで、100年以上前から日本の伝統的なモチーフがカルティエのクリエイションに影響をもたらし続けていることがわかります。Room 2　カルティエの重要なインスピレーション源の一つでもある動植物。メゾンが独自に生み出してきたフォルムの探究は、自然を賛美する日本の美学からの影響が大いにあるといいます。亀や鳥、トンボや蝶、そして日本古来の藤の花においてはメゾンのレパートリーとして繰り返し登場するモチーフです。ここでは杉本博司の「春日大社藤棚図屏風」（2022年）を囲うように、自然界から着想を得たジュエリーが展示されています。Room 3 　階段を上がった2階の部屋では、これまでカルティエが5度にわたり日本で開催してきた展覧会を遡りながら、メゾンと日本の関係性を掘り下げています。1988年、表参道のスパイラルホールで行われた展覧会を皮切りに、1995年の東京都庭園美術館、2004年の京都・醍醐寺に続き、2009年は同じく表慶館で「Story
of... カルティエ クリエイション～めぐり逢う美の記憶」展が開催。さらには2019年、国立新美術館での「カルティエ、時の結晶」展も記憶に新しく、その時代に沿うコンセプトや展示方法で多くの人にメゾンの魅力を伝えてきました。ここでは、それぞれの展覧会を象徴する「カルティエ コレクション」所蔵の貴重なピースが日本に再集結しています。Room 4　右セクション最後の部屋では、原宿のパレ・フランスに日本初のブティックをオープンした1974年から、カルティエの日本での歩みを当時の出版物やキーパーソンへのインタビュー動画、メゾンのアイコンジュエリーやウォッチを題材にした日本人アーティストたちとの協業作品、日本独自のプロジェクトを振り返ります。なかには、2017年にタンク ウォッチ100周年記念で香取慎吾が描き下ろしたアート作品や、2022年に「サカイ（sacai）」の阿部千登勢によって新たに解釈された「トリニティ」コレクションなども見ることができます。Left Wing：カルティエ財団により広がるアーティストコミュニティの輪Rotunda 2F　2階の右側と左側を繋ぐブリッヂ部分には、画家の横尾忠則が日本人アーティストを中心に描いた20点のポートレートシリーズが展示。カルティエ現代美術財団（以下、カルティエ財団）が長年にわたりコラボレーションしてきたアーティストたちを横尾独自の視点で描き上げています。2014年から続くプロジェクトに今回新たに3点の作品が加わり、カルティエ財団が日本人アーティストと築いてきた"コミュニティ"の広がりそのものを表しています。　1984年に非営利団体として設立されたカルティエ財団は、アーティストの発掘・再発見を目的にこれまで数々の日本人アーティストの発表の場と機会を提供してきました。駆け出し時や国外で活動したことのないアーティストの作品、すでに名の知れたアーティストの新たな一面を紹介し、展覧会の支援、コミッションワークの制作依頼、作品の購入といった、アートとアーティストの価値を高め、社会と繋げるプラットフォームとしての役割を担ってきました。Room 5　カルティエ財団が考える芸術分野は多岐にわたり、写真、絵画、建築、彫刻、映像といった作品のほか、ファッションの領域にも広がりを見せます。1998年にカルティエ財団によりパリで開催されたデザイナー三宅一生の「Making Things」展では、衣服のフォルムがいかに刷新・再発明されるかという視点を提示し、脚光を浴びました。ここでは「一枚の布」という「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」の服づくりのコンセプトを表現したインスタレーションや、「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ（PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE）」のデビューシーズンとなった1994年春夏コレクションのピースが並びます。Room 6　写真にフィーチャーした部屋では、カルティエ財団と継続的な関係を築いてきた日本写真界の巨匠である荒木経惟、森山大道、杉本博司の3名の作品をはじめ、川内倫子の232枚の写真を組み合わせたスライドショーや巨匠 ウィリアム・エグルストンが切り取った京都の風景などの写真作品が展示。1階と2階を繋ぐ左右の階段にはそれぞれ、現代美術家 束芋によるビデオインスタレーションが映し出されています。 Room 7　北野武もカルティエ財団と縁の深い現代アーティストの一人。自由な概念により生み出されるカラフルで独創的な作品からは、芸人や映画監督など多彩な分野で活躍してきた北野武のアーティストとしての一面を垣間見ることができます。ここでは新作を含む2018年から2023年に制作された絵画が展示。　また、左右の小部屋では、1から9の数字が回転しながら暗闇の中に浮かび上がり時間と無限空間を表現した宮島達男のインスタレーションや、森山大道のモノクロ作品を2冊の本に見立てたスライドショーが没入感のある展示方法で公開されています。Room 8　幅広い芸術表現を持つ北野武の創作対象は絵画だけに留まらず、彫刻オブジェや、分野を越え、数学ゲームを考案するといったユニークなアイデアまで広がります。その多くがカルティエ財団とのプロジェクトの中で生み出された作品であり、創作の自由を提供するカルティエ財団とその機会を忌憚なく活用する芸術家が育んできた絆の深さを物語っているかのよう。　カルティエ財団では北野武のほか、現代アーティストの村上隆や松井えり菜、建築家 石上純也の個展開催や、書籍の出版といった芸術家に必要な活動を支援してきました。展示棚に並べられた作品や書籍は、カルティエ財団とアーティストとの尽きることないクリエイティブな対話がこれからも継続的に続いていくことを示唆しています。Rotunda 1F　展覧会の入り口でもあり、出口でもある左右を繋ぐ円形広間の一面に展示されているのは、本展のために制作された現代アーティスト澁谷翔の作品「日本五十空景」。彼もまたカルティエ財団のコミュニティに今回新たに加わったアーティストの一人。カルティエ財団との出会いのきっかけはインスタグラムだったという澁谷は、今回の制作にあたり、歌川広重の「東海道五十三次之内」を着想源に、変わりゆく時代のなかで今も昔も共通する「空の景色」に着目します。広間を飾る50点からなる一連の作品は、約1か月にわたって訪れた47都道府県の空の景色を描き出したもの。それを1点ずつ各地方新聞の一面に掲出するという壮大なプロジェクトは、朝昼晩と過ぎゆく時間の移ろいを儚い色彩で描き出し、過去、現在、未来といった展覧会のテーマにも通づる連続性を表現。本展を構成する2つの並行するストーリーを「結ぶ」役割を果たしています。ここでしか手に入らない限定グッズも　ミュージアムショップでは、展覧会を記念した特別グッズが登場。澁谷翔による淡いピンクとブルーのグラデーションをバックに、グラフィックデザイナー野間真吾が手掛けた「結」のタイポグラフフィーがモダンにデザインされた展覧会のメインヴィジュアルがプリントされたトートバッグ（3960円）をはじめ、ノートブック（1650円）やポストカード（220円）、図録（5000円／いずれも税込）などが販売され、展覧会の余韻に浸ることができます。　そして会期中、入り口付近では祝休日限定で「カルティエ ワゴン」が登場。「YOUR STORY with Cartier」の取り組みのひとつとして、ご自身とカルティエにまつわるエピソードを投稿すると、絆の証をして花が贈呈される特別なイベントを開催しています。カルティエの輝きに身を包んだ豪華ゲストたち　約1ヶ月にわたる展覧会の開幕に先立ち、6月10日にオープニングイベントが開催されました。会場には北野武、松嶋菜々子、香取慎吾、鈴木保奈美、江口洋介、戸田恵梨香、賀来賢人といったカルティエと縁のあるセレブリティや参加アーティストなどが、華やかなメゾンのウォッチやジュエリーをまとって来場。展覧会の開催を祝いました。

カルティエと日本が歩んできた50年の軌跡、『結 MUSUBI』展 完全ガイド

　「自分の言語を通して仕事をするということは、世界から自分を切り離すということではなく、異なる、より開かれた、より自由な道を創造することを意味する。　本コレクションは、ヨウジヤマモトの特徴の多くを結集している——仕立ての伝統、形の変容、生地の精巧な分解と再構築、ドレスの複雑さ、芸術作品の自己主張など。それはまた、デザイナーの視点と技術の結晶であり、どのように服を着こなすかという先鋭的で先進的な提案でもある」（コレクションノートより）キュビズム——彫刻のような黒　ショーの序盤に登場したのは、ヨウジヤマモトの芸術性と技術が注ぎ込まれた、黒一色のドレスとテーラード。ボディから突出した立体物が異形のシルエットを描いている。しかし単に立体を縫い付けているのではなく、複雑なカッティングにより身頃と突出部分が一続きで作られているため、有機的なフォルムが際立つ。　ウールとレザーを掛け合わせた2トーンのシリーズ、また中盤に登場したクラシック素材をミックスしたシリーズもまた、伝統的な仕立てを解体し、三次元の彫刻のごとく仕上げた。　特筆すべき造形と世界観について、ヨウジヤマモトの視覚言語として長きにわたり役割を果たしてきたという「キュビズム」が重なる。　パブロ・ピカソに代表されるキュビズムは、物体を二次元的に描いたり、三次元的に彫刻することにより、"関係の狭間"を探求してきた。その狭間を広げ、可視化し、居住可能にすることを目指したのが今回のコレクションだという。　「独自のカッティングや服の構造は、生地やクチュールの歴史など、これまで探究してきた様々な分野の融合が生み出す賜物である——全ての作品が、それを作り出す本質と着る者との出逢いそのものなのである」（コレクションノートより）人生を開花させるドレス　後半の特徴的な2体は、分解されたピースを紐でつなげる形で構築。隙間からインナーが見え隠れする様は、2024年春夏コレクションのリボンでピースをつなげたドレスと通ずる。フィッシュネット付きの帽子と相まって、危うさを醸し出していた。　ムードを変えたのは、ショーのラストを飾ったグレーの5体。無駄を排したテーラリングがベースとなり、尖った肩先と、19世紀のバッスルスタイル風に腰の後ろにボリュームを持たせたシルエットが、アンドロジナスの雰囲気をまとった。　腰の装飾が徐々にボリュームを増していく様は、まるで大輪の花が開いていくかのよう。「Yohji Yamamoto by RIEFE」の黒をベースとしたジュエリーが控えめな輝きを添える。　「それらは詩の断片であり、新たな美の中で先鋭的で本質的な人生への道を切り開く」（コレクションノートより）

Yohji Yamamoto

2024-25年秋冬コレクション

「ヨウジヤマモト」の芸術的視点をコレクションノートから紐解く

「明るく輝く未来を期待したい」　会場は質素な設えで、ランウェイは灰色の板。ショーの始まりを告げたのは、悲鳴とも取れる甲高い声だった。アンビエントなショーミュージックとともに動物の鳴き声のように響き渡り、会場に不穏な空気を漂わせる。「気が滅入るようなグルーミーな状況の中、明るく輝く未来を期待したいという気持ちをコレクションで表したいと思いました」　ショーの後に送られてきたコレクションテーマに、川久保玲の思いを示す一文があった。その言葉のとおり、ランウェイのグルーミー（＝憂鬱、陰気）な空気を切り裂くように、色鮮やかなルックがゆっくりと現れた。クラッシュする色柄と形　ファーストルックは、テキスタイルを細かく切り刻み、シャーリングを寄せたりプリーツ状に折って縫い合わせ、丸みのあるフォルムに仕立てられたドレス。よく見ると花柄のプリントだということは認識できるが、モチーフの全貌はわからない。　古典的な西洋絵画を想起させる子どもの顔、幾何学模様、ドットやチェックといった柄にはじまり、後半はレースやチュール、ラメといった異なるテクスチャーが一体の中で混ざり合っていく。シグネチャーの黒がランウェイピースにほとんど使われていなかったのも今シーズンの特徴だ。　形についても常識を逸脱している。アシンメトリーをはじめ、身頃のパーツのアウトラインを残したままランダムにはぎ合わせたり、チューブ状のパーツをぐるぐると巻きつけたり、衣服のあるべき形を極限まで壊す。まるで立体造形だが、デフォルメされた襟やリボン、ベルトといったディテールによって、ドレスとしての存在が保たれている。ビジューが輝くスニーカーとブーツ　モチーフをクラッシュさせるアプローチは、足元にも見られた。これまでも継続して協業してきた「サロモン（Salomon）」のスニーカーは、マルチカラーに彩られ、さらにランダムなビジューが全体を覆っているデザイン。2023年春夏コレクションで登場したSR811がベースとなっている。　同じくビジューで覆われたブーツは、メンズに引き続き、山本真太郎が手掛けるシューズブランド「キッズ ラブ ゲイト（KIDS LOVE GAITE）」とコラボ。　なお翌日から開催された展示会では、ビジュー付きのミニバッグや、マルチカラーのスニーカーとブーツも披露されていた。　さらに、ランウェイでは登場しなかったが、サロモンとのコラボスニーカーの新型も登場。プラットフォームの厚底ラバーソールは継続しつつアッパーが一新し、ホワイトとブラックが展開される。色の洪水となったフィナーレ　ショーの冒頭で悲鳴のように違和感を感じさせた声は、徐々に音楽と馴染み、コーラス風の歌声に変わっていった。そして特筆すべきはラストシーンだ。　コム デ ギャルソンのショーは、ラストルックが舞台裏に消えると同時に音楽がプツリと途切れ、照明が落ちることで終わりを告げることが多い。しかし今回はその続きがあり、再び全モデルが一気に飛び出してきた。まるで色と柄の洪水のようにランウェイを埋め尽くしたのだ。観客らは意表を突かれながらも、希望を感じさせる美しいフィナーレに大きな拍手と歓声を送った。

COMME des GARÇONS

「明るく輝く未来を期待したい」コム デ ギャルソンが色と柄で描いた美しい世界

　ランコムの2023年ホリデーは、ルーヴル美術館とコラボレーションした「ルーヴル コレクシオン」です。「BEAUTY IS A LIVING ART 美は生きた芸術」をテーマに、美しい彫刻が描かれたアイパレットやリップが揃いました。ブランドを象徴する「ジェニフィック」や「ラプソリュ ルージュ」も限定パッケージに身を包んで登場します。ランコム 2023年クリスマスコフレ 発売情報 ＜ルーブル コレクシオン＞店頭予約開始日：2023年9月29日（金）公式オンラインショップ予約開始日：2023年10月6日（金）伊勢丹新宿店 先行発売日：2023年10月11日（水）全国発売日：2023年10月13日（金）取り扱い店舗：直営店、百貨店、公式オンラインショップなど ＜ホリデーキット＞公式オンラインショップ先行発売日：2023年10月6日（金）全国発売日：2023年10月13日（金）取り扱い店舗：直営店、百貨店、公式オンラインショップなど ※「アプソリュ ソフトクリーム コフレ」のみ発売中＜ホリデーキット第2弾＞公式オンラインショップ先行発売日：2023年11月24日（金）全国発売日：2023年12月1日（金）ルーヴル コレクシオン　彫像のような限定アイテムは、ルーヴル美術館に展示される彫刻作品の女神たちから着想を得ています。作品が持つ力強いストーリーだけでなく、なめらかな大理石の質感や細部に至るまで、芸術作品としての魅力を再解釈して取り入れたコレクションです。アイ＆フェイスパレット　ギリシャの詩人「コリンヌ」の彫刻が描かれた、アートピースのようなアイ・フェイスパレットです。メイクアップ クリエイティブディレクターのリサ・エルドリッジが監修した5色は、リシュリュー翼や美術館周辺の名所から着想を得ています。ハイライターのピンクは「パレ・ロワイヤル」、ペリドットグリーンは「ピュジェの中庭」、ライトアップされた「クールカレ」を表現したコッパー、彫刻が置かれた「マルリーの中庭」の大理石カラー。力強く輝く洗練された美と、自分だけの芸術を表現してくれます。■リシュリュー ウィング パレット（限定品、税込1万2980円）リップスティック：ラプソリュ ルージュ　アイコンリップ「ラプソリュ ルージュ」が限定パッケージで登場。「ニンフとさそり」や「眠るヘルマフロディトス」などの作品をモチーフにしたパッケージに、ルーヴル宮殿の建築美が刻まれたリップを配しました。限定色は、大人っぽくも愛らしいブラウンレッドの「#200 フレンチ ドラマ」と、自分らしさを引き出してくれるくすみレッドの「#105 セレスティアル ローズ」の2色です。■ラプソリュ ルージュ ドラママット ルーブル コレクシオン（限定パッケージ4色 うち限定2色、各税込5830円）・#196 フレンチ タッチ「ニンフとさそり」・#200 フレンチ ドラマ「眠るヘルマフロディトス」（限定色）・#105 セレスティアル ローズ「ニンフのエコー」（限定色）・#274 フレンチティー「ギャビーのディアナ」美容液：ジェニフィック　ランコムを象徴する美容液「ジェニフィック」には、健康の女神「ヒュギエイア」のブロンズ像がデザインされています。フレンチシックな洗練美を表現。独自の複合成分を配合した日本処方のフォーミュラで、強く輝く揺るぎない肌が目指せます。■ジェニフィック アドバンスト N（限定品、50mL 税込1万6940円）ホリデーキット　人気のジェニフィックから新作アイテムまで、ランコムのスキンケアを存分に楽しめるビューティボックスや、限定のアイ＆フェイスパレット、人気スキンケアシリーズのコフレが豊富に揃います。ビューティ ボックス　これひとつで至福のスキンケアとメイクアップを叶えてくれるスペシャルなキットです。ジェニフィックの美容液をはじめ、「クラリフィック」の人気ローションや美白美容液などをぜいたくにラインナップ。アイシャドウとフェイスカラー全11色の限定アイ＆フェイスパレットで、ホリデー気分が高まるフレンチシックなメイクが完成します。■ビューティーボックス（限定品、税込2万6950円）・ジェニフィック アドバンスト N 30mL（美容液、現品）・ジェニフィック アドバンスト N 7mL（美容液、試供品）・ジェニフィック アドバンスト ライトパール 5mL（目元美容液、試供品）・クラリフィック デュアル エッセンス ローション 50mL（美容化粧水、試供品）・クラリフィック ブライトニング セラム 7mL（医薬部外品 美白美容液、試供品）・レネルジー HPN クリーム 5mL（クリーム、試供品）・グランディオーズ 01（マスカラ、現品）・アイ アンド フェイス パレット 2023（アイ＆フェイスパレット、現品）・UV エクスペール トーン アップ ローズ 10mL（日焼け止め用乳液 メイクアップベース、試供品）・ラプソリュ ルージュ クリーム 274（口紅、試供用サイズ）・ランコム オリジナル ヴァニティスキンケアコフレ：レネルジー　「レネルジー」の、スキンケアルーティンが完成するコフレです。300種類のペプチドの恵みが配合された「レネルジー HPN クリーム」の現品サイズのキットと、乾燥やハリのなさなどのエイジングサインにアプローチする美容液「レネルジー HCP トリプルセラム」のキットで、肌も心も“上を向く”ようなスキンケアが楽しめます。■レネルジー HPN クリームキット（限定品、税込1万9800円）・レネルジー HPN クリーム 50mL（美容液、現品）・ジェニフィック アドバンスト N 7mL（美容液、試供品）・レネルジー M メモリーシェイプローション 50mL（ジェル状化粧水、試供品）■レネルジー トリプルセラム クリスマス コフレ（限定品、税込2万4200円）・レネルジー HCP トリプルセラム 50mL（美容液、現品）・ジェニフィック アドバンスト アイクリーム 5mL（目元用クリーム、試供品）・レネルジー HPN クリーム 15mL（クリーム、試供品）スキンケアコフレ：クラリフィック　うるおいを補給してくれる美白美容液「クラリフィック」（医薬部外品）を、サイズ違いで選べるコフレです。ジェニフィックとクラリフィックも付いて、きらめく夜空のような透明感のある肌に導いてくれます。■クラリフィック クリスマス コフレ 30mL（限定品、税込1万6500円）・クラリフィック ブライトニング セラム 30mL（医薬部外品 美白美容液、現品）・ジェニフィック アドバンスト N 7mL（美容液、試供品）・クラリフィック デュアル エッセンス ローション 10mL（美容化粧水、試供品）■クラリフィック クリスマス コフレ 50mL（限定品、税込2万3100円）・クラリフィック ブライトニング セラム 50mL（医薬部外品 美白美容液、現品）・ジェニフィック アドバンスト N 7mL（美容液、試供品）・クラリフィック デュアル エッセンス ローション 10mL（美容化粧水、試供品）・クラリフィック プランプ ミルキークリーム n 15mL（クリーム、試供品）スキンケアコフレ：ジェニフィック　人気スキンケア ジェニフィックからも、サイズ違いの美容液が選べるコフレがお目見え。肌を整えてくれるエイジングケアクリームと同シリーズの化粧水がセットになって、みずみずしくハリ感のある肌へ。揺るぎない肌へ導くスキンケアルーティンを叶えてくれます。■ジェニフィック クリスマス コフレ 30mL（限定品、税込1万1990円）・ジェニフィック アドバンスト N 30mL（美容液、現品）・レネルジー M メモリーシェイプ ローション 50mL（ジェル状化粧水、試供品）・レネルジー HPN クリーム 5mL（クリーム、試供品）■ジェニフィック クリスマス コフレ 50mL（限定品、税込1万6940円）・ジェニフィック アドバンスト N 50mL（美容液、現品）・レネルジー M メモリーシェイプ ローション 50mL（ジェル状化粧水、試供品）・レネルジー HPN クリーム 5mL（クリーム、試供品）・レネルジー M FS アイクリーム 5mL（アイクリーム、試供品）スキンケアコフレ：アプソリュ　ローズの恵みのスキンケアシリーズ「ラプソリュ」からは、ふっくらとしたハリと弾力のある肌へ導いてくれる「アプソリュ ソフトクリーム」と美容液が体感できるコフレが登場。ミニサイズのクリームと洗顔料とともに、明るい印象の目元を叶えてくれる「アプソリュ アイクリーム」を堪能できるコフレも揃います。■アプソリュ ソフトクリーム コフレ（限定品、税込4万8400円）・アプソリュ ソフトクリーム 60mL（クリーム、現品）・アプソリュ インテンシブエッセンス 15mL（美容液、試供品）・アプソリュ アイクリーム 5mL（アイクリーム、試供品）・アプソリュ ソフトクリーム 15mL（クリーム、試供品）■アプソリュ アイクリーム コフレ（限定品、税込2万7940円）・アプソリュ アイクリーム 20mL（アイクリーム、現品）・アプソリュ ソフトクリーム 15mL（クリーム、試供品）・アプソリュ リッチクリーム 15mL（クリーム、試供品）・アプソリュ ジェル ウォッシュ 15mL（洗顔料、試供品）ホリデーキット第2弾　ホリデーキットの第2弾は、フレグランス「イドル」と「ミ・ラ・ク」のコフレがお目見え。ランコムの人気フレグランスをまとって、輝くホリデーを楽しんでみては？フレグランスコフレ：イドル　自分だけの強さと美しさを引き出してくれるような、フレッシュフローラルの「イドル」からクリスマスコフレが登場。​爽やかなシプレーアコードが、凛としたローズとジャスミンを包み込むように香ります。​​オードゥ パルファンの現品サイズとミニサイズ、日本では未発売処方のマスカラのミニサイズが一緒になっています。■イドル クリスマス コフレ（限定品、税込）・イドル オー ドゥ パルファン 25mL ・イドル オー ドゥ パルファン 10mL ・ラッシュ イドルフレグランスコフレ：ミ・ラ・ク　奇跡を意味する名前のフレグランス「ミ・ラ・ク」のコフレです。オードゥ パルファンの現品サイズとシャワージェル、ボディローションのミニサイズがセットに。チャーミングで前向きな、現代を生きる人がイメージされたスパイシーな香りです。夜明けを彷彿とさせるピオニーとライチの香りに、ピンクペッパーのスパイシーな個性が調和するように香ります。■ミ・ラ・ク クリスマス コフレ（限定品、税込7920円）・ミ・ラ・ク オー ドゥ パルファン 30mL・ミ・ラ・ク シャワー ジェル 50mL・ミ・ラ・ク ボディ ローション 50mL

LANCÔME

Beauty

【2023年クリスマスコフレ】ランコム：ルーヴル美術館とコラボ　彫刻作品モチーフのパレットやリップなど

伊藤博敏1958年長野県松本市生まれ。東京藝術大学工芸科金属工芸専攻を卒業。アトリエヌーボーコンペ審査員賞、第2回トリックアートコンペ優秀賞など数多くの賞を受賞。 ニューヨーク、ボストン、シカゴ、オーストラリアなど世界各地で個展を開催し、高く評価されている。公式サイト／公式インスタグラムー伊藤さんは彫刻家として作品を発表する傍ら、家業である伊藤石材店を営んでいます。　普段は墓石や、室内装飾を手掛けています。松本市は工芸が盛んで、石屋も多いです。組合に所属している石屋が25軒、組合に入っていない石屋も含めると30軒以上あります。ーなぜ、松本市には石屋が多いんでしょうか？　今から約500年前に築城された松本城が大きなきっかけです。当時は、現在の長野県伊那市高遠町から城を建てるために石屋が派遣されたそうです。でも、城を建て終わったから終わりというわけではなく、結局そこで暮らすようになったり、その土地の人と結婚したり、子どもができたり、まちづくりや河川工事に携わったりした。そうやって人々は定着し、今の松本が出来上がった。私の先祖も明治12年に伊那から松本に来て、私で5代目です。石屋だけではなく、大工や医者など、様々な業種の人がいろいろな土地で同じような過程を踏んできています。そういう時代だったんです。ー石屋の後を継ぐ以外の選択肢はありませんでしたか？　なかったですね。小さい頃から「石屋になるんだろうな」と。ただ、僕はどちらかと言えば平面作品を制作する方が好きだったから、「デザインの仕事もいいな」と学生の時にぼんやり考えたんですけど、自分の能力の中では限度があることを知ったんです。ー限度、というのは？　うまくは言えないけど、オリジナルのことがあまり浮かばなかったんですよね。ーやっぱり作品である以上はオリジナリティが大事だ、と。　そうですね、僕はそう思う。ー立体の方が、限度がない？　少し話は脱線しますが、魅力ある輸出品目育成を目的として政府主導で開催された「内国勧業博覧会」で、箪笥や清水焼が“絵画”として選出されました。絵画と聞くと、筆と絵の具を使った平面作品を思い浮かべますが、当時の人たちは「絵が焼き付けられているなら、工芸品でも『美術』『絵画』として取り扱っていいじゃん」と考えたそうです。日本人にはそういう感覚があり、僕もその考えが自然な感覚としてありました。ー工芸や彫刻、美術に明確なジャンル分けはない、と。　ジャンル分けというか、日本は土着的に「見立ての文化」が脈々と語り継がれているんですよね。枯山水などは最たる例です。石に線を描いて「水です」と言われると水に見える。そういうDNAが日本人には流れているんですよね。　僕の作品も、石ころだと誰が見てもわかるけどファスナーがついているだけでそれが袋に見える。そういうことをやっている彫刻家がまだ世の中にはいなさそうだったので、取り組んでみることにしました。ー何故石にファスナーを付けようと思ったんですか？　「ファスナーって現代人にしかわからないパーツだな」と思ったからです（笑）。石は古代からあるものだけど、古代人がファスナーを見ても金属が並んでいる線にしか見えず、柔らかいものを想起しないかもしれない、と。「現代美術ってこういうことかな」と勝手に思っただけです（笑）。ー大学では何を学んでいたんですか？　東京藝術大学の美術学部工藝科で、金属加工について学びました。ー石屋になることがわかっていながら、なぜ金属加工を学ぼうと思ったんですか？　石と金属ならどこかで組み合わせることができるかな、と。当時、自分の頭で考えられたのはその程度でした。最初の頃は石と金属をミックスした作品も作っていたんですけど、無理矢理感がどうしても拭えなくて止めたんです。そういうことよりも、石という素材が異素材に見える遊びの方が楽しくなっちゃった。ー「無理矢理感」というと？　石は曲がりませんが、金属は曲がります。溶けるといった面白さもあります。でも石は曲がらないですよね。もっと言えば、石は自然物だけど金属は人工物なのでもうそこで根本的に違うんですよね。ー石屋の家業を継ぐということは石に細工をする職人になることを意味すると思います。伊藤さんは、「職人」とはどういうものだと考えていますか？　職人という言葉は、江戸時代から使われている言葉ですね。逆に、「彫刻」「技術」「文化」「芸術」といった言葉は全て明治以降に生まれたものだそうです。　個人的な考えで言えば、職人には2種類あると思っています。一つは親方が言う通り働いて給料をもらう人。もう一つははクリエイションができるクリエイターとしての職人。これは蛇足だけど、江戸時代では陰陽師ですら「職人」と呼ばれていたらしい。陰陽師が職人と呼ばれていたなら、例え技術職じゃなくても職人じゃない人なんていないんじゃないか、とすら思いますよね。編集者も、デザイナーも、お父さんも、お母さんも、幼い子ども、もみんな職人なんじゃないかな。ー彫石は、日本よりもヨーロッパの方がその歴史は深く長いですよね。　そうですね。アーチを作る＝アーキテクト（建築）という言葉が生まれるくらい、一番大変だったのは石でアーチを作る技術。数千年前の石工の親方は、その技術を一番弟子にしか教えなかったと聞いたことがあります。つまり、親方の言われた通りに石を彫っていけば、立派な建物や教会ができていく。でも、一番弟子で職人たるものただ言われたことをやるのではなく「俺ならこれをどうやって建てるのか」という発想が重要視されるはずです。だから、僕にとって職人は「親方の言う通り働く人」と「自分で頭を働かせて何かを生み出せる人」の2種類だと思っている。　僕が、職人になってわかったことがひとつあります。それは「答えを早く出せ」ということです。どんな職人にも締め切りがある。締め切りは、言い換えれば「それまでに答えを出す」という意味だと思うんです。締め切りとお客さんからのオーダーの中で、それをどう裏切って、楽しく良い方にプラスしていけるのかを考えるべきなんだな、と。僕の師匠でもある親父からは「仕事というのは、早く、かつ相手が想像するよりも良いものを作ること」の癖を付けさせられましたね。ー相手も考えていることがあるだろうけど「それよりもこっちの方が面白いですよ」と提示できるのが、伊藤さんの考える理想の職人？　そうですね。職人の世界はそれの繰り返し。だから、僕は作品作りもものすごい早いんですよ。たまに「すごい技術ですね！」と言われることもあるんですけど、何年もやっていれば技術は自然と身に付きます。60歳を過ぎたおっさんに「技術がすごいですね！」って馬鹿にしてるのか！と思っちゃうよ（笑）。ー（笑）。制作期間はどれくらいなんですか？　掛かっても一週間かな。職人の仕事は、基本的に日当計算です。例えば、日当2万5000円もらえるのに、作品制作で二日間働けなかったらそれだけで、その作品は5万円の価値がないと元が取れないんです。二日間休んでまで、作品を作るのかという問いかけが常にある。ーそこまでして作品制作をするのはなぜなんでしょうか？　純粋に石の魅力を知ってほしいというのが一番かな。ー近年、石をコレクションしている人も多いですが、伊藤さんの思う石の魅力とは？　僕は、宝石には興味がありません。なぜなら、自分で加工ができないから。インスタグラムのフォロワーさんにも石が好きな人もいて、たまに彼らの投稿を見たりもするんですが、光や角度によっての変化が好きだと書いている人は多い。でも僕は、石ころに物語を見出せるところが最大の魅力だと思っています。ー「石ころに物語を見出す」とは？　簡単に言ってしまえば、この石は僕の手元に何故この形で辿り着いたかに興味があるんです。僕が作品に使う石は、梓川という上高地から松本市街地まで流れている川の河原から拾ってきたものが多いんですが、河原に並んでいる石は水圧で削れ、将棋倒しになっています。どのように石が倒れているかで、川そのもののストーリーも感じることができるんですよね。河川工事が行われれば、石の表情も全く異なります。　人と同じで、それぞれが違う人生を送っていることが石の形をみて知れることが楽しんです。「ほうほう、そうかい、そうかい」と勝手に石の話を聞いているんです。「ここをいじられるとあんたは嫌だよね」とかね（笑）。石の物語の話と、作品にファスナーをつけたことも少し関連があって、「石のファスナーを上げる」と言う動作で、中か違う物語を紡ごうかなと思ったんです。「作品になったらそれでおしまい」ではなく、石の物語をさらに蓄積させるイメージですね。ー作品を制作するときに一番意識していることは？　基本的には見てくれる人が少しでも笑顔になってくれればいいな、と。でも、ただ面白いのではなく、毒っ気を入れたい。「毒とユーモア」というのはずっとテーマとしてあります。ー「毒」というと？　石に歯や目を付けたものはその最たる例ですよね。一目見て「気持ち悪いな」と言われるようなことも所々で狙って入れるようにしています。あるいは、ジョークや皮肉と言い換えても良いです。　普通じゃないものを作るためには、普通でいなきゃならないんです。町内会や石材組合に所属する中で、人同士のお付き合いもあります。そういう少し面倒臭いことをしないと、普通じゃないことを感知しきれないと勝手に思っているんですよね。ー伊藤さんは硬質で質量のある石で、縛られた布、溶けるアイス、伸びるお餅といった、まったく相対する物質を表現していながらも、目視で「これは石だ」とぎりぎり認識できるような作品が多いと感じました。　それはすごく大事にしているところです。石で作っている以上は、石に見えるべきなのでね。石に見えるべきなのに「石には見えない！」と言われることが多く、それは狙い通りです。「触ったら石だった」という段階を踏んでもらうことが重要なんですよね。ー石の形を損ねるような過度な加工を施していないのもそのためでしょうか。　その通りです。石ころとして完結していることが大切だと思っています。例えば石が歪に割れていたら、石そのものが持っていた物語が途切れてしまい、石が持つ性格みたいなものが内包されていない感じがするんです。だから石を選ぶ時は、必ず一塊になっていて、どこを表面にしても良いようなものを選んでいます。ーでは、石を石たらしめている「石らしさ」とは何なんでしょうか？　不均一な色と、傷じゃないでしょうか。つまり、ある石が「その形になる前」を想像できたらそれは石らしい石だと思います。作品を発表し始めた当初インターネットに掲載されている私の作品を見て「これはCGですか？」と聞かれたことがあって。「それではダメだな」と。それで、できるだけ石らしい石というか、傷や模様が局部的に出ている石を積極的に使うようになりました。　これは余談ですが、趣味でガラスや粘土など他の素材を石に見立てた作品も少しずつ集めていて。柄が均一な、例えば花崗岩などの石はフェイクが作りやすいんだな、と勉強になりました。ー折り畳まれたTシャツを石で表現した作品が印象的でした。伊藤さんは、布というマテリアルをどのように捉えていますか？　布がもつ柔らかさは「途中」を表現するのに向いている素材だと思っています。大学に在籍していた頃、動画部に所属していてアニメーションを作っていたんです。アニメーションは動きを切り取ることと言い換えることもできると思うんですが、「ing形で作ると動きが出るよ」ということを教わって、妙に納得したんです。完結している良さもあるとは思うんですが、僕は、現在進行形で未完であることの面白さの方に共感した。ーだから伊藤さんの作品の多くはファスナーが途中まで開いているんですね。　その通りです。全部は開けない。見る人によっては「このファスナーを締めたい」という人もいるかもしれないし「開けたい」と思う人もいるかもしれない。起承転結の転で止めることで、ストーリーの結末を委ねることができるんです。なので僕にとって布が持つ柔らかさは、他のマテリアルでは得難い重要な要素だと感じています。ー石を石らしく見せないことで生まれる違和感は、どのような事象を生み出すと考えていますか？　例えば「美術館で作品を見た感想を述べろ」と言われると困っちゃう人ってとても多いと思うんです。何か、気の利いたことを言わなければならないと思ってしまうだろうし、そういうところから、美術離れが進んでいるような気もしています。以前、うちの工房は2階で常時作品の展示をしていたんですけど「よかったら、見て行きますか？」と声をかけると、やっぱりみんな「あー」と切れ味の悪い返事が返ってくる（笑）。でも、実際に見たら親父ギャグみたいなくだらない作品ばかりが並んでいるからなのか、みなさん結構感想を言ってくれるんですよ。僕自身もそういう空気感の方が楽しいし好きです。ー遊び心があれば、作品や美術、芸術も少しだけ身近なものに感じる？　元々「工芸」と呼ばれているものは遊びの要素が多く、漆や陶磁器、金属を扱った工芸品はユーモアをふんだんに取り入れています。例えば、お月様をテーマにした桂離宮などの建物は、襖ひとつをとってもお月様の格好にしつらえていたりします、遊び心というのは、江戸時代よりも前から日本人に染み付いているものなんだと思います。そして、その遊び心は、主人と顧客の暗黙の了解の中で出来上がっている。そういう作品の感性に憧れたんです。なぜなら、遊び心の共有は知識がないとできないから。だから僕は、食べ物や服などの身近なものを石で表現しているんです。現代における、遊び心の共有は「日常」という共通のテーマだと思うから。（聞き手：古堅明日香）（撮影：小澤広征）

普通じゃないものを作るためには普通でいなきゃならないーー“藝大卒の石屋の親父”が硬い石で柔らかい服を作るワケ

「未来派」の彫刻家のシルエット　会場には古代ローマの「走る人」のブロンズ像（紀元前1年）、そしてボッチョーニ（Umberto Boccioni）による未来派の作品「空間における連続性の唯一の形態」（1913年）が置かれており、まるで美術館の中のような雰囲気。“ボッチョーニ”シルエットを生み出すカッティングはブレイジーのデビューコレクション（2022年ウィンター）から継続し、今回さらに発展させたもの。変幻自在に動き回り、日常から非日常へと旅する、変身中の登場人物の原型を表しているという。 日常から非日常のパレードへ転換　「着替える、変身する」というアイデアを探求した今回のコレクション。ショーは、朝の支度をイメージさせるシュミーズとベッドソックスを組み合わせたルックでスタート。ピンストライプのナイトシャツをまとった女性や、グレーフランネルに見せかけたナッパレザー製のパジャマをまとった「おしゃれにこだわる実業家」も登場し、現代の日常風景を思わせる。　後半はより幻想的に、絵画の登場人物やクリーチャーたちがランウェイを闊歩。司祭やプレイボーイ、夢遊病者、街角の娼婦、銀幕の美女、古代の海のセイレーンなどが行き来し、ドレスアップの楽しさをアピールする。ボッティチェリ（Sandro Botticelli）の名画「プリマヴェーラ」（1482年）に描かれた春の女神フローラと大地の女神クロリスのルックなども登場し、イタリアの芸術文化とクラフトマンシップを称えた。個性あふれるキャラクターたちが集う　ブレイジーは「誰に出会うだろう？ 角を曲がったところには何がある？ あなたを驚かせるのは誰だろう？ その出会いの驚きこそが重要」と語り、「イタリアのパレードというアイデアがとても気に入った。行列や摩訶不思議なカーニバル。どこからともなくたくさんの人たちがやって来て、どういうわけか皆その場に収まり、同じ方向へと向かっていく。階級に関係なく、誰もが参加できる場所に人々が集まるのはなぜなのか、見つめたいと思った」とその意図を説明する。巧みなレザーワークと新作バッグ　また、ボッテガ・ヴェネタならではのラグジュアリーなレザーグッズも存在感を放つ。彫刻的なハンドルを持つ「サーディン バッグ」は、半透明のムラーノガラスを採用した新作がラインナップに加わった。また、造形的なフォルムのバッグや、鮮やかな色合いのサイハイブーツも装いにモダンなアクセントをプラスする。「イタリア」三部作を完結させ、新たなチャプターの始まりをも予感させるコレクションとなった。  　会場にはBTSのRM、女優のサルマ・ハエック（Salma Hayek）など、豪華な顔ぶれが来場。セレブリティを一目見ようと、会場周辺には多くのファンたちが集まった。

「イタリア」三部作のラストを飾る「ボッテガ・ヴェネタ」2023年ウィンター

■原始的なムードを演出する巨大カボチャ　会場には、酒袋からインスパイアされた土色のカーペットが敷かれ、巨大なカボチャが床にめり込むような形で横たわっている。これはイギリス人アーティスト、アンセア・ハミルトン（Anthea Hamilton）による彫刻作品。ハミルトンは、2016年にターナー賞（英国の現代美術賞）にもノミネートされた注目株で、ロエベとはこれまでもコラボレーションを実現させてきた。今回の作品はレザー製で、ブランドと共同制作したものだという。■違和感を味方につけた巧みなクリエイション　コレクションもカボチャのオブジェと同様に、思わず触りたくなるようなフォルムや素材使いが目を引いた。「リアクションを呼ぶファッション」とブランドが説明したとおり、ドレープをモールド成形したレザードレスや車をかたどったドレスなど、観衆をあっと驚かせる作品が続く。どれほどウェアラブルなのかは不明だが、ロエベが得意とする「芸術的なクラフト」のさらなる進化を印象付けた。■「現実を超えた現実」をファッションで追求　キーワードとなったのはシュールレアリスム（超現実主義。20世紀を代表する文学・芸術運動の一つ）。大きな唇の胸当てやハイヒールを布地の間に挟んだドレスは、マン・レイ（Man Ray）の世界観を彷彿とさせる。　また、エルザ・スキャパレリ（Elsa Schiaparelli）風のトロンプルイユ（だまし絵）ドレスも、倒錯的ながらユーモアを感じさせる仕上がりに。今にも割れそうな風船のモチーフは、スリリングなアクセントとなっていた。■人気のアイコンバッグが変容　ロエベのアイコンバッグも変容を遂げている。「フラメンコ」「ゴヤ」といった人気のバッグが膨張したシルエットで登場。「パズル」はステッチやチェーンでアレンジが加わった。　足元には、「フラメンコ」をそのまま履いたかのようなボリューミーなシューズをスタイリング。銀色の大きなリボンをあしらったサンダルも、違和感を与えながらも不思議なバランスを完成させていた。■アンダーソンが注目する京都在住のアーティスト　彫刻的なバッグやバングルなどを手がけたのは、京都在住の石塚源太。漆塗りの質感と触感を追求し、「薄膜の周辺にあるもの」をテーマに作品を制作している。ロエベ財団クラフトプライズにもノミネートされたアーティストだが、あらためてその才能に注目が集まりそうだ。

触感を刺激する、シュールレアリスム——「ロエベ」2022年秋冬ウィメンズコレクション

　日本の代表的なインダストリアルデザイナーの柳宗理のカトラリー。オールステンレスでマットな質感が特徴で、丸みを帯びたフォルムは食事の一連の動作をスムーズに行えるようにデザインされたものです。柳宗理のデザインは世界でも認められルーブル美術館やニューヨーク現代美術館などにも作品が保存されており、デザインだけではなく機能性にもこだわった名作です。Amazon で購入する　北欧・フィンランドのインテリアデザインブランド「イッタラ（iittala）」から発売されているアイノ・アアルトシリーズ。建築家のアルヴァ・アアルトを夫に持つ彼女の作品は、ミラノ・トリエンナーレ展で金賞をとったことがきっかけで有名になりました。リング状のデザインは、水の波紋をイメージしていて心に安らぎを与えてくれます。Amazon で購入する　彫刻家イサムノグチが手掛けた照明彫刻。竹ひごと和紙を用いて一つ一つ熟練の職人が制作しています。一見すると和の印象を与えるこの作品ですが、洋式空間でも馴染みやすく、美術館やオフィスなどにも置かれていたりも。イサムノグチの鋭い芸術的感覚と日本の伝統工芸が融合した作品で、家に置いたら映えること間違いなし。Amazon で購入する　プロダクトデザイナーのアイリーン・グレイ（Eileen Gray）が手掛けたアイテム。彼女が設計した小さな別荘E1027の寝室のためにデザインされました。ステンレスのフレームとガラスで構成されたこのサイドテーブルは無機質でモダンな印象を与えてくれます。また、高さを自由に調節できるので機能性にも優れ、用途に合わせて様々なシーンで使うことが出来ます。Amazon で購入する　兄の黒川紀章が建築設計のスペシャリストであったのに対し、弟の黒川雅之はプロダクトデザインのスペシャリストです。この花瓶は富山県高岡市で職人によって鋳造されたもの。高岡市は全国の銅器の80％のシェアを誇り、その始まりは今から400年ほど前だとも言われています。重厚感のあるこの花瓶をテーブルに置けば、部屋全体がたちまち上品な空間にアップグレードしそう。Amazon で購入する　デザイン、建築、アート様々な領域で活躍している吉岡徳仁のスツール。最近では東京オリンピックの聖火リレートーチもデザインしています。透明のガラスによる光を用いた作品が得意とし、このスツールも光の屈折で美しく輝くクリスタルを樹脂で表現しています。また、表面は天蓋になっているので中に物を収納することもできます。Amazon で購入する　デンマークデザインの父と呼ばれた建築家兼デザイナー、アルネ・ヤコブセン（Arne Jacobsen）の壁掛け時計。この時計はヤコブセンの最高傑作と言われているデンマーク国立銀行の設計時にデザインされました。細長い棒は12個のブロックで構成されていて各数字に対応。西欧で始まったモダニズムを北欧風に解釈したミニマルなデザインが特徴で、どんな空間でも馴染むような配色やグラフィックは、ヤコブセンの意匠が感じられる逸品です。Amazon で購入する

INTERIOR

お買いモノ

日常生活に彩りを、ちょっと贅沢なインテリアグッズ

1. WHAT IS OLYMPIA BAG？　オリンピアバッグを語る上で欠かせないのが、ハンドルからボディへと流れるような美しい曲線フォルム。これはチーフクリエイティブオフィサーのリカルド・ティッシ（Riccardo Tisci）が思い描く「完璧なシルエットのハンドバッグ」を具現化したものだそう。バッグは初披露となった2020年秋冬コレクションのショー会場であるロンドン・オリンピア展示場の屋根の形からインスパイアされ、クレッセント（三日月）の曲線を取り入れたミニマルでかっちりとしたシルエットは、身につけると身体にぴったりとフィットして唯一無二の存在感を放ちます。2. 理想の形ができるまで　ティッシの理想のバッグは、高品質な素材とブランドの高いクラフトマンシップがあってこそ完成したもの。バッグの製作プロセスは、熟練した職人がレザーを20ほどのパーツにカットするところから始まります。カーブしたシルエットは特殊な木製ブロックを使い、職人の手作業で成形されており、ミディアムとスモールサイズではボディのフロントフラップに1枚皮のレザーを使用することで、つなぎ目のない美しい形状に。また、コバには塗料を3回コーティングすることで耐久性と見た目の美しさを高めています。伊勢丹新宿店のザ・ステージでは、型紙や裁断されたレザーパーツ、工具や木型などがディスプレイされており、職人の息吹を感じることができます。3. 女神を召喚できる！？ARの仕掛けも　フォルムの美しさやカラーの鮮やかさが引き立つオールホワイトのポップアップストアの会場には、古代ギリシャを彷彿とさせる巨大な女神がずらり。3Dプリンターで製作されたというインパクトのある女神たちは、オリンピアバッグにも通ずるクラシシズムへの現代的なアプローチを反映しています。　また、会場内のQRをスマートフォンで読み取るとARアプリが立ち上がり、画面上に出現した女神を写真やムービーで収めることができるインタラクティブな仕掛けも。会場内ではもちろん、アプリを起動させれば、街中やデスクの上など、どこにでも女神を"召喚"することができます。こちらにゆっくりと歩いてくる姿はどこかシュールで、試してみる価値アリ。女神が出現するARを体験する4.ここだけの「オリンピアバッグ」　これからの季節にぴったりなマリーゴールド、ブルートパーズ、マーシュグリーンは今回のポップアップストア限定カラー。スモールサイズは伊勢丹新宿店と福岡岩田屋本店でのみ展開し、ドレッシーな印象のチェーンストラップのミニサイズはすべてのポップアップストア限定で登場します。ポップで鮮やかなカラーはシンプルなコーディネートにもマッチしながら、スタイルをクラスアップしてくれそう。そのほか、「ポケットバッグ」
や「TB バッグ」などティッシが手掛けたバーバリーのアイコニックなモデルもラインナップしています。 　＜SPECIAL NOVELTY＞ 　期間中、ポップアップストアでオリンピアバッグを購入するとノベルティとしてトートバッグをプレゼント。ファッションフォトグラファー・デュオ、イネス&ヴィノード撮り下しのキャンペーンイメージを使用したオリジナルデザインです。アーティスティックなヴィジュアルがプリントされたトートをこの機会にゲットして。5. お気に入りのスタイルは？セレブのコーデをチェック　持ち手の長さによってハンドバッグやショルダーバッグ、ボディバッグやクラッチバッグとマルチに変化し、異なる表情を楽しめるのもオリンピアバッグの特徴。スッキリとしたシンプルなフォルムは、男性と女性、どちらのスタイルにもマッチするので、ジェンダーレスに楽しめます。日本初のブランドアンバサダーに就任した池田エライザさんをはじめ、伊勢丹新宿店本館 1階 ザ・ステージのポップアップに来場したセレブリティーの着こなしをチェックしてみましょう。

BURBERRY

リカルド・ティッシが思い描く"完璧なシルエット"  バーバリーの「オリンピアバッグ」とは？

　パリ北西のニュータウンの一つであるセルジー=ポントワーズに位置し、カラヴァンが美しいユートピアとして構想したというアックス・マジャール（Axe Majeur）。環境と人の融合を図るため1980年にスタートしたというプロジェクトで、遠く離れたパリの中心部に向かって続くように作られた一本の軸線と景観を、大都市軸と位置付けている。　ジェスキエールは「私にはこの軸線が、別の場所に繋がる連続した扉のように見え、他の時代や場所への入口のように感じます」と捉える。 　2022年クルーズコレクションのファーストルックは、アックス・マジャールの象徴的な歩道橋に用いられている色と連動するレッドのコート。序盤は、スカートや肩などが丸みを帯びた彫刻のようなフォルムとスポーティーなディテールが組み合わされ、どこか近未来のムード。ブルー、グリーン、イエローといった鮮やかなカラーが続いた。　中盤に登場したのは、トップスをキャンバスのようにしてSFと日常の世界を組み合わせた絵柄のプリント。抽象的な柄のジャカード素材、マーチングバンドのユニフォームを連想させるデザインも目を引いた。ビジューを全面に施したセットアップや、鮮やかなファー、リボンやカラフルなチェーンのモチーフといった、楽観的なミックススタイルが特徴だ。　バッグの新作は、鮮やかなチェーンストラップがポイントのツイストバッグやトランククラッチ、SINCE 1854のビッグショルダー、マルチカラーのレザーを編み込んだデザインなど。足元もカラフルなブーツが多く提案された。　約7分半のショー映像には、水面を歩くようなギミックが挟み込まれたり、鏡張りの地面に青空が映る舞台を歩くといった超現実的な演出も。ラストシーンでは、一人のモデルが一直線に伸びる道の遥か彼方の景色に眼差しを向ける。壮大なランドスケープと調和したショーについて、コレクションノートの最後には以下の一文が綴られていた。この旅に必要なのは、最も美しいパスポート──これまで同様に、制約とは無縁の自由なクリエイションです。

ルイ・ヴィトンの新作2022年クルーズコレクション　パリ郊外のユートピア「アックス・マジャール」が舞台に

■静寂のルーブルに響くダフトパンク　フィルムの冒頭、クリエイティブディレクター ニコラ・ジェスキエール（Nicolas Ghesquière）によるグリーティングメッセージが流れ、ショーがスタート。会場となったのは、普段であれば、毎年世界中から1000万人ほどの来場客で溢れる、ルーヴル美術館だ。　現在、フランス政府の感染症対策で閉館を余儀なくされ、静まり返った館内。そこにビートが響き、絵画や彫刻など数ある美術品が展示された部屋の廊下を1人のモデルがウォーキングする。目の前に開けたのは、かの有名な「サモトラケのニケ」が展示されているダリュの階段踊り場。ここからミケランジェロ・ギャラリーまでのエリアが今回のランウェイとなった。　ギリシャ、エトルリア、ローマ彫刻といった美術品のノーブルな雰囲気とは対照的な電子的でポップなBGMはダフトパンクのヒット曲「Around the World」。その中で登場するピースはどれもパワフルでフューチャリスティックなムードが満載だ。■ボリューム×ボリューム　ファーストルックはイエローのテクニカルなジャケットに、スカイブルーの膝丈のチュールスカートとゆったりとしたシルエットのブーツをスタイリング。首からかけられたスポーティーなゴーグルと、まるでホイルをくしゃくしゃにしたような質感のジャケットの裏地がスペースチックで、どれもオーバーサイズでボリュームのあるアイテムを組み合わせている。　そのほかも、ツイードジャケットやボンバージャケット、ライダースなどのアウター類はショルダーパッドが入った強いフィルムや、バルーンのように円形に膨らんだボリュームのあるシルエットが目立つ。  　腰下までの長さのトップスに5分丈ほどのボトムスと、ファスナーを開け放しにしたルーズなレザーブーツと合わせることで生まれるのは、プレイフルかつ重量感のある独特なプロポーションだ。■ポケットが生み出すポージング　そして今回、多数のピースに取り付けられた（または切り抜かれてできた）ポケットはデザイン的な特徴でもあり、モデルたちのポージングにも大きく影響している。実際にショーでは、ポケットに手を入れてウォーキングをしていたモデルが大半を占めた。 　このようなルーズなシルエットやラフなポージングは、紀元前から"理想的で完璧な身体"を具現したものと捉えられてきた「彫刻」や、コントラポスト（人が美しく見えると言われる片足に比重をかけたポーズ）といったポージングと対比することで、さらにリアルにかつ自由さを増す。■「フォルナセッティ」から学ぶ歴史の引用法　現代的で独創的なコレクションの中で、ルーブル美術館という特別な空間と対話する要素として重要な役目を担っているのが、イタリアのデザインアトリエ「フォルナセッティ（FORNASETTI）」とのコラボレーションだ。1940年にピエロ・フォルナセッティ（Piero Fornasetti）により設立されたミラノを拠点とするアトリエは、伝統的ながらもシュールで繊細なタッチの描画が特徴で、これまでにも絵画からインテリアなどのライフスタイルプロダクトまで多岐にわたり手掛けてきた。　コレクションではニコラとフォルナセッティのアーティスティックディレクター バルナバ・フォルナセッティ（Barnaba Fornasetti）との話し合いの中で、1万3000点に及ぶアーカイヴからセレクトされたアートワークにフィーチャー。それらがジャカード織りや刺繍、レーザープリンティングなどで表現され、トップスやジャケット、「アルマ」や「ドーフィーヌ」「スピーディ」「プティット・マル」といったバッグなどに落とし込まれている。  　ニコラは「（フォルナセッティ作品は）目覚ましい手描き技法と魔術的世界観の実現であり、フォルナセッティが古典主義や古代ローマの遺産を再探求・再加工して歴史的画像に新たな引用法を加える手法」に強く惹かれたといい、今回のコラボレーションが実現。コレクションで発表されたアイテム以外にも、建物、錠前、鍵やポートレートをモチーフにしたカプセル･コレクションが幅広いラインナップで展開されるという。■戦士と勝利の女神が意味すること　フィナーレを飾ったのは、古代彫刻のグラフィックがパネルのようにあしらわれたスパルタン風ドレス。グラディエーターサンダルと合わせ、戦士を連想させるルックをまとったモデルが見つめる先は、頭部と両腕を失ってもなお躍動的な姿態のサモトラケのニケ。大きな翼で空からこの世に降り立ったニケは、勝利の女神としても知られている。混沌とする世界に希望をもたらすシンボル——。ニコラはこの描写に何を思ったのだろう。

ルイ・ヴィトンがルーブル美術館内でショー、「フォルナセッティ」とのコラボも

　JW アンダーソン2021年秋冬ウィメンズのコレクション発表の前日、編集部に巨大な筒状の箱が届いた。今回も「collection in a box」の形式で、中に入っていたのは両面印刷された19枚のB1サイズのポスター。裏面までびっしりと文字が詰まったジョナサンからのパーソナルレターも添えられていた。　手紙には今回のコレクションのインスピレーションとなった2人のコラボレーター、マグダレン・オドゥンド（Dame Magdalene Odundo）とシャワンダ・コーベット（Shawanda Corbett）との出会いが綴られている。 　　陶芸家であるマグダレンとは2017年にジョナサン自身がキュレーターとして携わった展覧会「Disobedient Bodies」をきっかけに親交を深め、体が不自由ながらも独創的な作品を生み出す彫刻家兼パフォーマンスアーティストのシャワンダはコロナ禍でのロックダウンの合間に行われた展覧会でその存在を知ることになった。両者共に体と物質の関係性や、器を物的な媒体とする概念を探究するアーティストという側面に魅かれてコラボレーションが実現したという。　コレクションでは2人との対話や作品を通して体と曲線の関係性を模索。玉ねぎのようなシルエットのボリューミーなニットドレスや、布の重なりがショルダーから前見頃にかけて美しい曲線を描くケープコート、薬玉のように巨大なボンボンのバッグなど実験的なフォルムのピースが並ぶ。それらはユルゲン・テラー（Juergen Teller）によるフォトシューティングによって瞬間的に切り取られ、一つのプロジェクトとして完成する。発表直後、オンラインインタビューに応じたジョナサンは「デザイナーとしてのキャリアの上でも大いに影響を受け、僕自身も収集するほど好きな『陶器』という接点から2人にフォーカスしたかった。ファッションと陶器の関係性を通してボディを語るということを試みたんだ」と話す。　世界的なパンデミックによる行動の制限はジョナサンのようなデザイナーにとって致命的な出来事だった。「僕はこれまで、旅行やレストランやバー、ギャラリーなどの場所を訪れて人に会うことでインスピレーションを得てきた。だから人々の着こなしだったりあらゆる情報源がなくなってしまって、全く違う方法でリサーチしなくてはならなかったのは劇的な変化と言えるだろうね」。　クリエイターとして厳しい状況下でどのようにファッションへの熱を持ち続けていたのかと尋ねると、「新しい人になかなか会う機会がない分、今まで知っている人をより知っていくことであったり、これまで忙しすぎてできなかった読書をしたり。なにせ、ずっと家にいるからね。これまでに知っていたモノやコト、ヒトをさらに研究することで、何かしらの対象に関心を持ち続けていた気がする」と語り、そんな中でジョナサン曰く「最もパーソナルなプロジェクト」となったのが、今回のコレクションだった。　「いつも以上に時間をかけたし、僕だけではなく今はみんながとてもエモーショナルな時間を過ごしていて、日記を見返すようなセルフリフレクションの日々だった。僕が夢中になっていることを形にしたからとても正直なものでもある。もちろん物理的な意味でもコレクションを作るのが難しかったからね。そういった意味でも思い入れが強いパーソナルなコレクションになったんだと思う」。　最後にステイホームでのお気に入りの過ごし方を聞くと「キッチンに座って馬鹿げた突拍子もないリサーチで時間を潰して迷子になることかな（笑）。例えばイギリスのカントリーハウスで、人々がどうやって家の中にステータスを持っているのか、家具職人や煙突職人、大工についてとか......。この数週間で40冊近い本を買っちゃって本のパイルに囲まれて今日も朝を過ごしたよ。何かのクリエイティブに繋がれば良いけど、そうでないかもしれない。過去7年間の僕のスケジュールはクレイジーなほど忙しかったけど、今はまた別の忙しさを経験しているってわけさ。いつもとは違う方法で自分を満たしているよ」と茶目っ気を交えて話してくれた。このキッチンテーブルで生まれたアイデアが形になり、日の目を浴びる日は遠くないかもしれない。

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