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ファッション批評の勃興と衰退　現れては消える、幽かで、妖怪の様なファッション【山縣良和×椹木野衣の談義　3時間目】

自然災害の多い日本における「いまここ（流行）」の現在地ー山縣さんは「ここ」という表現をよく使われます。それは「個々」「此処」と、様々な漢字を当てはめることができますが、時制はすべて「今、この瞬間」を表す“現在を生きる私とその場所”だと思います。一方で、椹木さんは著書「日本・現代・美術」※の中で「悪い場所」※という言葉を用いながら「自然災害が多発する日本という国土は、どんな土壌も根こそぎ水に流されるために“今、ここ”が築きづらい」と論じられていますよね。椹木：山縣さんと話していて思ったのですが、もしかすると僕は「アートをファッション的に見ている」のかもしれないですね。山縣：西欧のアートの見方には、永続性や普遍性のあるものをヒエラルキーの上位概念として置いてきた歴史がありますよね。でも、僕が日本で育ったからか、僕自身は、人間の永続性や普遍だけではなく、「変化」に価値を見出しています。だから椹木さんのアートの眼差しというのは、とても親近感を覚えるんですよね。椹木：「平成美術」展の副題に「うたかたと瓦礫（デブリ）」と付けたんですが、この「うたかた」というのは、鴨長明の『方丈記』が由来です。『方丈記』というのは、都では竜巻や疫病、飢饉、地震などが立て続けに起きてひとときも心が休まらない。もう、立派な家は建てても虚しいだけだから、建て替え可能で移動もできる仮設住宅を作り、そこに引き篭もろう、という話なんです。要するに、いずれ全ては泡に帰すので、最低限の暮らしができればそれでよいと説く。だから『方丈記』の書き出しは、そうした諸行無常を川の流れに例えて「ゆく河の流れは絶えずして、しかももとの水にあらず」（川を見ると、同じ水流であることはひとときもなく、常に流れていく）と綴られています。※「日本・現代・美術」：1998年に刊行された美術批評史に残る椹木の著書。日本の戦後美術の歴史を時系列に沿って記述するのではなく、現在の視点から過去に向けて遡行することによって逆説的にその全体像を捉えた。※「悪い場所」：上記著作品の中で触れられる90年代後半以後の現代アートの批評的なトピックの中心的な概念。日本の戦後美術は、西洋美術に倣いながら絶えず同じ問題が反復されるが故に、その歴史を「通史」としてまとめることが難しく、この閉ざされた円環の非歴史性を、椹木は「悪い場所」と呼んだ。山縣：すごくファッション的＝流行ですね。椹木：でも、その川の流れを止めようとすると、今度は水が淀んで腐る。従来の美術というのは、どちらかといえば、後者の方なんですね。美術というのは「時の流れに逆らって作品を保存し、後世に伝える」ということなので、燻蒸もそうですが、命という現象を止めることによって成り立ちます。ところが、川は流れているからこそ命の源なので、「流れ行く（アート）」と「流行（ファッション）」には非常に近いものを感じます。「うたかたと瓦礫」というのは英語で言えば「バブルとデブリ」です。あぶくと破片というのも、考えてみれば「今、ここにしか生命が宿らない」という点で、とてもファッション的かもしれませんね。山縣：諸行無常（万物はいつも流転し、変化・消滅が絶えない）や諸法無我（すべての存在や事象は独立した永続的な自我を持たない）の概念は、とてもファッションの本質を言い表していると思うし、その概念が長い歴史の中で根付き、熟成された日本という場所では、西洋と違ったファッション表現への向き合い方ができるのではと思っています。椹木：日本列島というのは大陸と比べると若い国土で、火山の隆起によって列島の大半が形成された過去を持ち、根底ではいつもプレートが動いているから陸と海とを問わず地震が頻発する。南北に弓状に弧を描き、山脈に沿って気圧の谷があるために、集中豪雨も起きるし台風もやってくる。ここまでの自然災害の多様性は、西欧には無いわけですが、西洋の美術史が説く永続性や普遍性というのは、そもそも大地が安定していないと成り立たないんです。西洋において、最も文化財が離散するのは自然ではなく戦争です。だから、戦争に備えて壁を分厚くして要塞のようになるのが西洋の美術館の原型ですね。でも、大地震のような自然災害に対する対策はほとんどなされていない。一方、日本は明治になってから自然災害のほとんどない西洋の美術館を規範に美術館を作っているから、自然災害に対して脆弱な部分が残ってしまった。そうなると、いくら美術館として「文化財の保存」というミッションを徹底しても、燃えたり、破損したり、最悪の場合には水没したりする。椹木：近年、僕が最も衝撃を受けたのは、2019年に関東地方を縦断した台風19号によって地下の収蔵庫が浸水し、収蔵品の大規模な被害が確認された川崎市市民ミュージアムの事例です。そういう緊急時に備えて、ポンプで水をかき出す機能も備えていたらしいのですが、電源室も地下にあり、電源喪失してしまった。危機管理の観点から言えば電源室は上階に設けるべきなのでしょうが、なかなかそうはいかない。信じられないような話ですが、こういったことは日本のどの美術館でも起こりうることなんです。椹木：つまり、西洋の美術館が成り立つ風土と、自然災害が繰り返される日本のような風土で成り立つ、それぞれに適した形があるんじゃないかということなんです。山縣：逆を言えば、近代以前の日本はずっと自然災害が繰り返される風土に対応する方法をとってきたわけですよね。伊勢神宮でさえ、式年遷宮をして建て替えるのが普通になっているので。椹木：『方丈記』ではありませんが、美術も、西洋の様に永遠に保存し続けるというのは、どこかですごい無理がある。風土に合った表現というのを見据えれば、自ずと万物を受け入れる、植物の種や土、虫など全ての命を受け入れ、展示を成り立たせていく美術館があってよい気がします。日本各地の風土や暮らしの違いを食文化などと一緒に受け入れる「芸術祭」が日本で盛り上がるのにも、理由があるのだと思います。土壌の安定しない日本ほど「ファッション」に適している土地はないーアートもファッションも歴史を紐解けば西洋からの輸入品ですが、「ファッション＝流れゆくもの」として考えれば、土壌の安定しない日本ほど「ファッション」に適している土地はないのかも知れないですね。山縣：先ほど「諸行無常」の話が出ましたが、日本にこの概念が受け入れられたというのは、やはり国の風土が関係あると僕も思っているし、そうであれば、「流れ行くもの」であるファッションも日本人にとっては、精神的に受け入れやすい感覚なはずです。でも、「ファッション」そのものが西欧からやってきた舶来物感が今だ拭えていない。概念としては軽薄なものとして扱われ、戦後80年が経とうとしている現在の日本でも、ファッションは独自に熟成しきれていない環境が続いています。山縣：僕自身もセントマ（セントラル・セント・マーチンズ）を卒業しているからか「ここのがっこうというのは、セントマ的なことをやっているんでしょ？」みたいな言われ方もする。もちろん影響は受けていますが、僕の意識では、核の部分では違うものとして認識しています。セントマや海外での具体的な経験と感覚で言えば、西欧はキリスト教の価値観に大きく影響を受けているので、普遍的で絶対的なものを上位とするアートヒエラルキーの歴史があり、その中におけるファッション表現というのは「普遍性のない」下位のものとして潜在的に位置付けられることがとても多かったな、と。環境そのものや、美術大学というアカデミックな機関においてアートとファッションの距離が近く、影響し合っているのは、日本も見習うべきだと思いつつ、そのようなヒエラルキーを前提とした価値観にすっぽり入ることには賛同していません。だからこそ、ここのがっこうでは、一方向からのヒエラルキーだけがある世界観ではなく、変幻自在性に価値観のある世界に軸足を置いています。山縣：例えば、僕は着物を見ると「あの極端にシンプルな形は、どうして1000年以上もほとんど変化せず続いたんだろう」と考えてしまいます。おそらく、着物は変幻自在性が肝で、衣服そのものが衣服ではないものになり得る典型的な例なんですよね。着物を衣紋掛けに吊るしたら、絵や掛け軸のような機能を持つし、大人が着ていた着物をバラバラにして、子どもの着物やおしめや、風呂敷に変えたり。日本の伝統的な衣装にその変幻自在性が宿っているのは、自然災害が頻発する風土のうつろいやすさにも絶対に繋がっていると思います。僕は、物事への見方、価値観そのものが変幻自在性を持つものだと考えているし、一つの信念や一方通行な価値観にどうしても違和感を持ってしまいます。ファッションも変幻自在なものとして捉えているし、だからアートにもなり得るし、それ以外にも変容する可能性を有すると。日本の「ボロ」から紐解くファッションの本質椹木：そのあたりについて山縣さんにお聞きしたいんですが、ロンドンに行くと、ヴィクトリア&アルバート博物館などで、権力者たちの代々受け継がれてきた歴史的な衣服が保存されていますよね。一方で、庶民が着ていた服は残されていたりするんですか？山縣：僕も以前同じような疑問を持ったことがあります。実際に庶民が着ていた衣服が無いわけではないけど、少ないと思います。庶民の装いは、基本的には権力者が着ていた服を簡略化した様なものが多いです。保存が少ない理由も、先に述べたヒエラルキー構造と関係しているのではないかと。山縣：ちょっと面白い話なんですけど、日本の刺し子が施された通称「ボロ」と呼ばれているものがあるじゃないですか。ここ10年くらいで世界的な言葉になっていて、海外でも「BORO」で通じるようになっているんですよ。日本では100年以上前の庶民が使っていたボロきれ、ボロ布、つぎはぎされて縫いあわされた衣服などが世界と比べ圧倒的に沢山残っています。つぎはぎの服というのは海外でももちろんありますが、日本ほどではない。ー全てが水に流され、うつろいやすい日本であるはずなのに、ボロだけは残っている。山縣：一般的に世界ではツギハギ＝貧しさの象徴なんですが、日本では貧しさだけではなく「様々なものには生命が宿る」という考えが浸透しています。ハギレのひとつひとつを慈しむ精神性にも繋がっているし、着なくなった衣服を別のモノに変容させ、可能性を保持していた。椹木：西洋美術史を見ても、庶民はほとんど描かれていません。19世紀になると、クールベやマネ、ミレーなどのリアリズムの流れで、ようやく農民や村びと、都市の労働者たちが出てきますが、それ以前は、絵の題材として扱われていない。神話の登場人物や王族貴族ばかりで、どういう服を着てどういう姿をしていたいのかが浮かんでこない。今みたいに写真もありませんしね。山縣：確かに、浮世絵などの日本画では、庶民の姿がよく描かれていますが、18世紀以前の西洋美術史ではほとんど思い浮かびませんね。王族の王冠などは、代々受け継がれないとならないものだし、権威を纏うものとして乱れてはいけないし、装飾金属などがあしらわれていることから、美術館での保存対象になったんだと思いますが、災害が多い日本の土壌では、権力や富の象徴である以前に、衣服などは庶民の蘇生術としてのファッションが必要とされたのかもしれません。椹木：庶民にとっては権威の誇示などよりも、まず第一に生き延びることが何より大事ですからね。日本みたいに震災はないかもしれないけど、戦乱や疫病、飢饉など、絶えず命の危機に接したはずなので。先ほどの話では、そういう人たちはやはり、色々なものに転用できる“ボロ”みたいなものを、日本のそれとは多少素材や形状が違うにせよ、着ていたのかな、と。西洋や日本に限らず、そこに移り行くファッションの原型を見るならば、山縣さんのファッションと僕のアートの間には「アンフォルム」という共通点があるのかもしれません。山縣：民族研究や人類学など、庶民研究みたいなところも、日本はとても盛んですよね。椹木：西洋の場合、口伝で残すよりもやはり文献が重んじられている。日本でも歴史研究の基盤は文献ですが、この国では形のない、それこそアンフォルムな伝承や言い伝えのように、身体を通して何代も伝わってきたものの存在は無視できないし、ボロのようなものとの関係性もある気がします。山縣：それも「逃げるときはこちら側に逃げるべし」といったように、自然災害においては口伝が便利だったからなのでは、と考えてしまいますね。ものは流れて無くるけど、口承は流れて無くならないのが日本なのかもしれません。（聞き手：古堅明日香）【目次】本音談義、山縣良和×椹木野衣1時間目：美術批評家の目にうつるファッション　「制度」を打破しうるもの2時間目：ファッション（流行）に適した「いま此処」がうつろう日本の土壌3時間目：ファッションとは儀式で呪術で祝祭である、岡本太郎を例に

ファッション（流行）に適した「いま此処」がうつろう日本の土壌【山縣良和×椹木野衣の談義　2時間目】

美術批評家の目にうつるファッション　「制度」を打破しうるもの【山縣良和×椹木野衣の談義　1時間目】

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「ファッションとは何か」を問い続けた山縣良和の17年の軌跡

山縣良和と堀内太郎が対談

日本はファッション産業後進国、そんな日本で新たな才能を生むために

作業場のような展示室　ものづくりの現場を“縫い合わせる”　1978年の開館当時から、画家のジャン=フランソワ・ミレー（Jean-François Millet）の作品を継続的に収集している山梨県立美術館の開館45周年を記念して開催されている同展では、同館が所有するミレーの作品と併せて、それらに呼応した4人の作家たちが作品を発表している。4章に渡る展示空間の1章目「移動、創作」は、「リトゥンアフターワーズ（writtenafterwards）」のデザイナーであり、ファッション表現の学びの場「ここのがっこう（coconogacco）」を主催する山縣良和が手掛けた。　展示会場に入ると、そこには一般的に想像される、整然とした空間に絵画が並んでいる「ミレー展」とは異なる空間が広がっていた。壁面に飾られたミレーの絵画の周りには、ミレーの作品と同じような構図と色調で撮影された写真家の田附勝による小値賀島の写真作品や、実際に機屋から搬入した家具とリトゥンアフターワーズの作品を組み合わせたインスタレーションが展開されている。点在するマネキンたちは、掃除や機屋仕事をして働いているようなポーズで配置され、空間の中央には舟久保織物の大きな織機を設置。展示期間中をかけて1枚の布が織り上げられていく様子も含めて、展示空間全体は大きな作業場のようだ。 　この展示空間は「Field Patch Work つくりはかたり、かたりはつくり」と題され、各地でのフィールドワークがパッチワークのように組み合わせられている。山縣はこの様子のことを「小値賀島と富士吉田の思い出や良かったものが集まって引っ越してきたイメージ」と称する。展示空間の最後のエリアには、「ここのがっこう」出身の「ビオトープ（BIOTOPE）」の作品や現在在籍している学生たちの作品とともに、ミレーの無名時代のスケッチなどの初期作品が並べられている。3年間のフィールドワークの中で出会った、様々なクリエイターや職人たちの制作の現場とクリエイションのインスピレーションが生まれる現場を継ぎ合わせ表現されている。 コロナ禍を経て、美術館は「地域とクリエイションを繋ぐ場」に　同館の青柳正規 館長は、同展を「コロナを経験した私たちにとって意味のある画期的な展覧会だ」と語る。コロナ禍以前の日本では、海外の有名美術館から作品を借りて展覧会を開催することが優位とされ、そこにかかる莫大な費用を担保できるだけの集客が見込める都心の美術館と、経済的に力の弱い地方の美術館との間には大きな格差があったという。しかし、「コロナ禍で美術品の国外への運搬が困難になったことで、各美術館が所有する作品がその地域でいかに愛され関心を持たれているのかに価値を見出す動きが世界的に広がっている」とし、今回の取り組みが日本美術界全体にとっても大きな意味があると力強く述べた。日本の山梨県に位置しながら、ミレーの作品を所有する同館は、同展でミレーを解釈する4人の作家を通して「山梨にあるミレー」の意味を見直す。　世界をパンデミックが襲った3年前から、山縣は東京を離れ、山梨県富士吉田市や長崎県五島列島の小値賀島など、都心から離れた地域で活発にフィールドワークに取り組んできた。その姿は、1849年にパリを襲ったコレラのパンデミックを機にバルビゾン村に移り、生涯の制作の拠点としたミレーに重ねられる。加えて、同展には山梨県立美術館の、「美術館を“美術”の枠組みだけに留めず、地域の職人たちにも光を当て、地域と関わりを持たせていきたい」という意志や、美術館を美術品保護の場としてだけでなく、作品を活用し新たな発見を生む「変化する展示を作りたい」という想いが込められている。この姿勢は、王族や貴族しか描かれてこなかった西洋絵画史の中で、農民が働く姿を描き印象派に影響を与えたミレー、ひいてはファッション表現の領域を広く拓き、地域の職人とのコラボレーションを積極的に行い山梨と東京の学生を繋ぐ山縣の姿に重ねられている。フィールドワークの先に見えた、「生き方」と「創作」　「僕の活動は『半育半創』と言えるかもしれない」。山縣が自身の生活をそう称したのは、山梨県富士吉田市の機屋が、年の半分を農業、残りを機織り仕事をして暮らす「半農半機」の生活が古くから営まれていたこと、五島列島の1つである小値賀島では、仕事のため島外へ行き来きしなければならず、島の暮らしのほかに複数のコミュニティや環境に属する生活が当たり前だったことを知ったためだ。自分の専門領域を絞り込むべきという周囲の声や、ファッション業界の既存の枠組みに対して自分らしいあり方を模索してきた山縣にとって、複数の生活や仕事を両立しながらプロフェッショナルであり続けることが当たり前に成立する例が古くから存在したことは、自身の生き方を肯定する一助になったのかもしれない。　今回の展示をこの3年間にわたるフィールドワークの一旦の集大成とすると語る山縣は、今後注力したい領域を「環境とものづくり」だと語る。「小値賀島の環境は、戦後の近代化の影響で、都心も地方も同じように均一化された風景を持つ日本の中で、小値賀島は近代化の波を受けず、空間や町の歴史が古くから断絶されずに地続きに繋がっている稀なエリア」とし、クリエイションと地域性の関係が希薄になりがちな日本の中で、小値賀島で生まれるものが土地の歴史や文化を反映している様子に、西洋諸国のものづくりと通じるものを感じたという。　それらを踏まえ山縣は、貿易などを通じて自然と西洋の感覚が流入し、時間の経過に伴い馴染んでいくように西洋化を遂げた小値賀島に学びながら、今後もファッションをファッション単体ではなく空間などを含めて発表していきたいと意気込みを語った。富士吉田では、職人技術に感銘を受け、日本の職人技術が世界と比較してもとても希少で価値があるということを世界に向けてしっかりと発信し、歴史に接続しながらも昔にはなかったものを制作していきたいと述べ、同展示の中でもフィールドワークを通じて出会った職人や作家たちと共に新作の2024年春夏コレクションを制作している過程を展示。会期中に徐々に作品が出来上がっていく「生きた展示」に仕立てた。　「今回の展示は僕1人のものではない」という言葉の通り、会場には彼を師事する学生たちや協業する職人たちが集い、展示室の最後には、同展に関わった人物全員の名前が書かれたスタッフリストが掲示されている。迷いを取り払い前進する今の山縣を作り上げたのは、彼を支える多くの人と積み上げた時間であることを強く感じさせた。また、年内にリトゥンアフターワーズとここのがっこうの活動を複合的に発展させるため、山縣の活動全般を包括的に運営する新会社「本屋」を設立するという。ハードソフトともに山縣の創作を加速させる環境が整いつつあることに、同氏の創作活動を楽しみにする鑑賞者も安心感を覚えるだろう。

山縣良和がコロナ禍で出会った「自分らしい創作」と山梨県立美術館の挑戦

■カオス・ゾルディック　1994年11月生まれ。数年勤めていた正看護師を辞め、リュック一つで家出。上京後、文化服装学院に通いながら独学の手刺繍作家として活動を始める。2022年3月に「ペイデフェ（pays des fées）」2022年秋冬コレクションでコラボ作品を発表。2022年6月には、造形作家の糖衣華とブランド「妙珍奇凛（ミョウチキリン）」を立ち上げた。公式インスタグラム／公式ツイッター■東京サイコパス　「令和のパンクアイコン」を作ると称して行われたオーディションで選ばれた4人による、皆殺しPプロデュースの最狂パンクアイドル。メンバーは、カオス・ゾルディック、白亜御前、女郎蜘蛛、をに@ぐんそー。全員がタトゥー入り、喫煙者、ピアス、派手髪、独自の強烈なファッションセンスの持ち主で、従来のアイドルとは一線を画すアイドルとして活動している。公式サイトーカオス・ゾルディックという名前は、自分でつけたんですか？　そうです。混沌とした日々で、1週間先の人生もどうなるかわからない。良いことも、悪いことも同時に起こるので「カオスちゃん」と自然に名乗っていた気がします。「ゾルディック」というのは、漫画「ハンター×ハンター（HUNTER×HUNTER）」から拝借しました。家出をして上京した年に、1人で年越しを迎えた時に読んでいたのがハンター×ハンターで、キルア・ゾルディック※が自分の育った環境下に似ているな、と感じたことから厨二心で勝手に一員になっています（笑）。※キルア・ゾルデック：冨樫義博の漫画「HUNTER×HUNTER」に登場する架空のキャラクター。暗殺者一家の三男で、ゾルディック家の後継者として認められているが、キルアは家族に対し、母を鬱陶しく感じ、長男に畏怖の感情を抱き、次男を軽蔑し、妹を愛し、祖父には甘え、父を尊敬している。ー今日は私服で来てもらいました。自分のスタイリングにこだわりは？　今は、安く、たくさんの服をどこでも買えると思うんですけど、個人的には、人がちゃんと愛を持って作っていたり、物語のある服を着たいんですよね。例えば今日着てきたアウターは、友だちが私のために選んでくれたモッズコート。帽子は作家の友人が作ってくれたものです。ーメイクも気になります。　意外に思われるんですけど、15分くらいで終わるんです。私にとって白マスカラは必須で、人間ならざるものになる感じが好き。でも最近、巷で流行ってきている気がしていて少し気持ちが萎えています（笑）。だから、今は違うメイクを模索中。ー自身にとってのファッションアイコンは？　「系統」で括られるのも好きじゃないし、「誰かに似ているね」と言われることも二番煎じみたいですごく嫌なんです。だから、参考にしている人はいないけど、ブライスドールやリビングデッド・ドールズなどの人形に影響は受けているかも。ー今のスタイルが確立されたのは？　2年前ですかね。当時はしんどいことが重なって、人格崩壊したというか「誰にもわかってたまるか、話しかけてくるな」という気持ちでした。毒蛇や毒蛙のように有害な動物って、派手じゃないですか。だから自分もその類になれば、みんな危険だと思って放っといてくれるかなと思ったんですけど、逆に放っておかれなくなっちゃって今に至ります（笑）。ーしんどかったこと、というのを具体的に教えてもらうことはできますか？　簡単に言えば家庭崩壊ですね。妹は引きこもりになっちゃって。私も同世代のみんなより早く就職したので、友人と連絡もあんまり取れなかったし。孤独でしたね。そんな中で、大好きだったおばあちゃんを亡くしたりして。本当に“カオス”でした。ー上京する前までは地元で看護師をやっていた？　はい。2年半くらい働いて、学費を貯めつつ勝手に自己推薦で受験をして、家出同然で文化服装学院の夜間部に入学しました。親の理想や期待を投げ捨て、友だちにも何も言わず、平成最後の冬にリュック一つで上京しました。 ーなぜ、看護師を辞めて文化服装学院に進学しようと思ったんですか？　妹のこともあったから、引きこもりの女の子が外に出たいと思えるような服を作りたいな、と。元々服飾学校や、美大には興味があったし、この際、親の理想や期待を全部投げ捨てたくなったというか。極論、人生をリセットしたくなったんだと思います。でも、意を決して上京したはずなのに罪悪感もあって。上京したてほやほやの時は、虚無感の塊で抜け殻みたいだったと思います。ー世の中には様々なジャンルがありますが、自分のスタイリングにあえて名前をつけるとしたらどうしますか？　リビングデッド系ですかね。生きた死体というか、 一旦「看護師」という生きるべき道を外してから、このスタイルに行き着いたので。ーインスタグラムのプロフィール欄には「毎日写実化」と書いてあります。　毎日、「自分」という存在でいたいんです。だからバービー人形のように着せ替えたとしても、それは「カオス・ゾルディック」に変わりがない。そういう意味では、実写化しているようなものかな、と思っています。ーカオスさんにとってファッションというのはどういう役割がありますか？　呼吸するための膜。装っていることで人と対話ができるというか、自分の装いである種の選別をしているんでしょうね。「こんな見た目ですけど、関わりますか？関わりませんか？」と。基本的に世の中に対して喧嘩腰なんだと思います（笑）。ー「誰にもわかってたまるか、話しかけてくるな」と思っていたはずなのに、常に誰かから注目をされているようにも見えます。　恥ずかしいんですけど、放っておいといて欲しい割に、見つけてもらえるとやっぱり嬉しい。話は少し脱線するんですけど、私はティックトック（TikTok）とか、所謂“バズる”ツールを使っていないんです。だから「そんな中で私を見つけてくれてありがとうございます」という気持ちになるんですよね。ーインスタグラムアカウントの投稿もどちらかといえば日記っぽい印象を受けます。　見た目のせいで信じてもらえないかもしれないけど、別に「目立ちたい」と思って生きてないし、「見られたいから」と言う理由でオシャレをしているわけでもないんです。今のSNS時代はそれが逆転していて「バズりたいから、派手で少し変な服を着る」という風潮があるけど、私は「好きでやっているから、見たいならどうぞ」というスタンスです。多分、この考えは、私が「ジッパー（Zipper）」「フルーツ（FRUiTS）」などのストリートスナップ全盛期の高揚感を知っているから。雑誌に掲載されている人たちは、おそらく、目立ちたくてあの格好で街を歩いていたわけではなくて、偶然見つかって、写真を撮られていたと思うんですよね。ーカオスさんには、刺繍作家としての側面もあります。　看護師の時から、言葉にできない感情や人間関係の逃げ場として刺繍をしていました。同級生よりも早く就職したし、秘匿義務があったから、仕事の話を相談できるような友人もいない。おまけに、家に帰ると自分の部屋まで家族が喧嘩している声が聞こえてくる。だから、イヤホンで好きな音楽を聞きながら、「縫う」という作業であれこれ考えてしまう気持ちを昇華させていました。ーでは、文化服装学院の夜間部に入学する前から刺繍は経験していて、その技術は独学だった？　そうです。でも、現実逃避の回数＝刺繍作品なのでかなりの作品数にもなっていたし、クオリティもどんどん上がって（笑）。「ネット販売してみませんか？」と声をかけていただく機会に恵まれました。今でも時々、デザイナーの朝藤りむさんが手掛ける「ペイデフェ（pays des fées）」のコレクションをお手伝いしたり、バンドの衣装を提供させていただいたり、ラフォーレ原宿で展示販売をしたりと製作活動は続けています。 ーインスタグラムのフィード投稿でピン留めされている作品は一際目を引き、額縁に模られた自分の顔は禍々しくもある一方で、祭壇のようだなとも感じます。　あれ3日で縫ったんですよ（笑）。製作背景も恥ずかしいといえば恥ずかしくて、「これからもずっと一緒かな？」と思っていた人と別れて、泣き腫らしていた時に友人が「今のその顔、模った方がいいよ」と提案してくれたことがきっかけです。数日後に自分の誕生日だったこともあり、今までの過去も全て埋葬するような気持ちでシリコンに顔を浸し、新しい自分を迎えに行く気持ちで今までに作った刺繍作品や、看護師時代の葛藤、「当時、本当はこういうことがしたかったのに我慢していたんだぞ」という気持ちや思い出を全て縫い付けたので「禍々しい祭壇」というのはあながち間違っていないです。　現に、あの作品が完成したら憑き物が落ちたと言うか、妙にスッキリした自分もいて。なぜなら、それまではどこか「自分の辛い思い出を呼び起こして縫う」「抉り出したものを縫い付ける」という作業だったんです。でも、それを一生やり続けるか、と問われたらそれは自傷行為に近いですよね。もう、そういうことはしなくてもいいくらい、この作品には全てを詰め込めました。だから、この作品を作って以来、生まれ変わったような気持ちなんです。それで「ここが人生の区切りかも。製作してスッキリもしたし、髪もいっとくか」というノリで髪の毛も剃りました。「尼さん？」「出家？」と言われましたけど、それくらい気持ちもリセットしているから、これも例えとしては間違っていないですね（笑）。  ーカオスさんは完全受注制のアクセサリーブランド「妙珍奇凛（ミョウチキリン）」も手掛けています。　糖衣華ちゃんという造形作家の友人と一緒に運営していて、本格的に活動し始めたのは1年ほど前から。奇妙で可愛い、あるようでなかった一点物にこだわってひとつひとつ手作りで作っています。華ちゃんの作る造形と、私の装飾の相性が良くて。おかしな例え話ですが「お互いの癖のぶつかり稽古」の結晶が妙珍奇凛だと思っています（笑）。ー作品やアイテムを作る上で意識していることはありますか？　綺麗、気持ち悪い、グロい、可愛い、カッコいい、ダサいは全部紙一重だと思っているんです。それでも、見ず知らずの通行人を5秒止めることができたら一流だ、というのが持論です。それくらいインパクトのあるものってなんだろうというのは常に考えています。あとは、黒色を使わずに、絶望や苦悩を表現して、誰かの御守りになればいいなと思っています。お母さんが縫って作ってくれた、ボロボロの体育着入れやぬいぐるみを一生涯大事にしたくなる気持ちと同じ感覚です。それでしんどい日をちょっとでも乗り越えられれば、自発的に動き出す時の一押しになれるかな、と。極論をいえば「執念とも取れるような強い気持ちがアイテムに宿っているから、簡単にメルカリには出品できない／しづらいアイテム」を作りたいです。それは、別に服じゃなくてもいい。そういう新しい「何か」を世の中に生み出したいです。　看護師をしていた時、一分一秒を争う生死の世界で「生きる」というハードルが高いことを実感したんです。そんな中でコロナ禍があり、閉塞的なのにも関わらず、SNSで自分が欲していない情報まで入ってくると「自分らしさをブレずに保つというのは、肉体的な生を保つのと同じくらい難しいことだな」と感じました。だから「自分の信じる軸を、ブラさずに生き抜こうね」と、私を応援してくれてる人たちも、自分自身も鼓舞するようなものが、いつか作れたらいいな。（聞き手：古堅明日香）

見た目とは裏腹な明晰さで辛酸をファッションに

元看護師、最狂パンクアイドルで刺繍家の「カオス・ゾルディック」の生態

　「リトゥンアフターワーズ（writtenafterwards）」と「リトゥン バイ（written by）」は、長崎県の五島列島の北部に位置する小値賀島で開催された同コレクションの展示会から1週間後の1月27日に、杉並区に位置する古民家いせやほりで東京展を開催。今回のコレクションは、小値賀島および隣島である無人島の野崎島、ブランドの拠点 東京・谷根千エリアを結ぶプロジェクト「記憶の島 T-shirts Project」の成果として発表され、東京展では、現地リサーチやワークショップの様子がスライドショー形式で報告された。コレクションルックは現存する五島列島の廃墟で撮影したという。　新作コレクションでは、島で得たインスピレーションや、日本の伝統文化を感じさせるアイテムを数多く展開。山縣は「五島列島でインスピレーションを受けつつ、同時並行で作ったのが今回のコレクション」と説明した。既製服の概念に捉われず表現することに特化した実験的なもの作りが特徴的なリトゥンアフターワーズからは、綿麻に畳を模した柄をプリント素材と布ガムテープをギャザーフリルのように縫い寄せた蓑に似たドレスなどを披露。リトゥンバイからは、ジャケットやパンツのアパレルアイテムをはじめ、スカーフや靴下などの小物アイテムも含む33型が発表された。リトゥンバイの新作アイテムにも、無人島や日本の伝統文化を感じさせるデザインを随所に散りばめており、シルクスクリーンを用いてガムテープを表現したTシャツや、広げると暖簾のような形に変化するトップスなどのアパレルアイテムのほか、錆染が施されたストールや、山縣が骨董屋で見つけたという年代物のレースと新聞紙を実寸代でスキャンしてそのままプリントしたスカーフ、破れた障子を画像として取り込みプリントしたスカーフなどの小物アイテムも展開。破れた障子をプリントしたスカーフは、任意で穴を開け着用することもできる。一方で、黒と白を基調としたシンプルなアイテムも継続して用意。綿生地に和紙をプリントさせたシャツやコートのほか、昨年好評だったつなぎからは、オリジナルのヘリボーン生地を用いた新作などを発表した。　山縣が魅了されている小値賀島は、五島列島北部に位置する人口2000人ほどの小さな島であり、その周辺に位置する野崎島は隠れキリシタンが移り住んだ歴史を持つ。また、中国大陸に最も近い貿易ルートの一つとして、古くは遣唐使の時代から貿易の要として栄えたことから、海のシルクロードとも言われている。山縣は小値賀島をはじめとする諸島を「小さな島々に住む島民の素朴な生活や振る舞いと、群島と本州との交友や西欧と東洋の精神的な対峙と融合からなる壮大な歴史を体験できる場所は世界にも類を見ない」と形容し、「300年後も残る文化や歴史を持つこの群島は、世界遺産として世界的なメッセージを伝えることができる」と話した。　山縣が“世界的なメッセージ”という広義かつ大きな対象へと伝えたいこととは何か。それは「ファッションデザインと治癒の関係性」である。山縣は以前から「ファッションには人間の心を癒す力があると思っている」と方々で話しており、今回のプロジェクトもその信念に基づいた長期的なプロジェクトであると説明した。「群島の中には、自治体の中で貧困に喘ぐ人を近くの小さな島に移り住ませ、非課税対象にする仕組みが約300年近く続いていたそうです。民俗学者の柳田國男はそれを『自立更生の島』と名付けました。コロナ禍もあり、心がダウンする人が周りにも多くなりました。隠れキリシタンの移住の地でもあり、貿易の要として謂わば『日本のファッションのスタート地点』とも呼べる、自立更生のこの島々だらからこそできる、ファッションデザインと治癒を組み合わせた何かがあるんじゃないか、と。まれびとのような立場で、島に行き、帰り、時には移り住むような服を絡めた壮大なプロジェクトを考えています」（山縣良和）。　小値賀島の歴史や環境と対峙することによって、装いの創造と可能性を引き出し、新たな活動のスタート拠点となることが今から楽しみだ。

リトゥンアフターワーズ 山縣良和はなぜ長崎の群島にこだわるのか、長期プロジェクトを始動

■計良宏文（けら・ひろふみ）資生堂トップヘアメイクアップアーティスト/SABFA校長。1992年資生堂入社。パリコレなどのファッションショーや広告のヘアメイクを多く手掛ける。2019年に公立美術館において日本初のヘアメイクアーティストによる個展を開催。東京2020パラリンピック開会式ヘアメイクも担当。SABFA：公式HP SABFA：Instagram 計良宏文 ：Instagram感性を養える10代に「美しさ」を考えるー学校を運営しながら、なぜGAKUの講師を引き受けたのでしょうか？　SABFAは、将来の美容業界をリードするプロのヘアメイクアップアーティストを育成することを目的としています。ですが、SABFAで学ぶ以前の10代の多感な、感性を養える時期に、メイクアップを通して「美しさ」について考える、そういう時間を作ってあげられたらと思っていました。そんな時に、武田さん（GAKUを運営するログズ代表取締役CEOの武田悠太氏）からお声がけいただき、GAKUの「10代の若者と本物のクリエイターがともに考え、試行錯誤しながらクリエーションに向き合う授業を提供する」といった考えにとても共感しました。ー先ほど少し授業を見学させていただきました。ヘアメイクアップアーティストである計良さんが講義するというと、メイクアップを教えるのかと思いましたが違いましたね。　観ていただいた授業は全11回の1回目。「美しさの個人史」をテーマに、そもそも「美しさとは何か？」「美しさはどのような時に感じるものか？」を講義しました。各人が好きなモノ、美しいと思うモノを披露して説明することで、美の原点を探るというものです。ーなぜ第1回目で、自分が感じる「美しさ」を発表するのでしょうか？　ヘアやメイクを学ぶことは、美容学校から始まり、その後のアシスタント時代など長い期間を費やして習得していく“修行”でもあります。ただメイクは多くの人が毎日するもので、10代の若い人たちの中には興味はあるけど、まだしたことがないという人も大勢いると思います。そういったある種の“修行”以前の入口で、メイクアップの技術的な基礎から教えると、もしかしたら拒否反応が出てしまうかもしれません。だから、興味がある、もっと自由な発想、「自分らしさ」「自己表現」から始めることで、自然とメイクにも興味が沸くのではと考えています。今後も、自由な発想で「自分の顔にメイクしてみましょう」といったスタイルで進めていくつもりです。自分を表現することは恥ずかしい、でもとっても大切ー授業では、生徒たちが芸術を分かっているような発言をしていましたね。大人になるにつれ、そういった発言は恥ずかしいと思ってしまいます。　自分を表現することは、自分を曝け出すことなので、恥ずかしいですよね。自分の美意識や価値観、あるいは自己表現とか…。しかし、クリエーションにはそれがとっても大切なんです。メイクアップでも、作品を表現する、オリジナリティを出すことは、自分の考えを出すことなので実は結構恥ずかしい。でもそこに向き合うことが、オリジナリティに発展することなので、この時期（10代）にそれを表現しておくことは大事なことだと思います。ーこのGAKUのプログラムは、10代の子たちが持っている感性と、さまざまな業界のプロが向き合います。そういった環境はこれまでになかった体験ですね。　業界のプロが、自分たちの専門分野を10代の子どもたちに真剣に教え、取り組む。こういうところは本当に面白いですよね。ーでも残念ながら、ここで講義を受けられるのはほんのひと握りです。資生堂SABFAとして、10代へのコミットは考えますか？　われわれも10代の感性に刺激を与えることはとても大切だと考えています。実は先日、SABFAとして特別セミナー「creative SHOWER～美と、感性を、あびる時間～」を開催しました。セミナーはさまざまなゲストをお呼びしてトークセッションを行うのですが、第1回目はアートディレクター/ グラフィックデザイナーの吉田ユニ氏を迎え、吉田氏の発想の源をひも解きました。吉田さんの技術的なことではなく、美意識や美的感覚をお聞きしながら、自分の感覚との共感性を持って、新しい感覚を拡張していくというものです。ー10代も参加できるのですか？　10代〜大人まで、美容関係者だけでなく、一般の方も参加できます。セミナーは今後も継続していく予定ですので、ゲストの人の感覚的なところを、「それってどうなんだろう？」「なんなんだろう？」と思ってくれる人たちが集まってくれたらと思います。葛藤しながら自分らしく表現することーGAKUの「我美と作美」プログラムは、今年1〜3月に開催し、今回で2回目です。こういった講義から、計良さんが気づいたことは？　10代後半はもう子どもではありません。彼ら、彼女たちが、さまざまなことに興味を持ち、素敵な価値観や感受性を持っている。そのことを改めて分かったことが嬉しかったですね。ここに来る子たちは、もしかしたらとっても純粋なのかもしれませんが、単純に外見じゃない美しさにしっかりと気づいている。一方で、世の中のギャップというか、生きづらさを感じている子たちもいます。世の中は、こういった美しさが求められているけれど、自分の価値観とは違う…。マイノリティな存在であることに葛藤し、どうやったら自分らしく表現できるのか、発信できるのか、と悩んでいる子たちもいるのだと。 ー今回の授業を重ねていくことで、そういった葛藤などが作品に現れたり、心で感じる変化が現れたりするのでしょうか？　初回の授業で、自分の好きなもの、美しいと思うものを発表する過程において、自己を見つめ直すことになり、自分の好きなことを再確認します。そこから講義を重ねていくことで、最後には一つ作品を作ることになるのですが、この初回で出してくれたアイデアが、授業を進めた先に「ああ、だからこういう作品になったんだね」と分かるようになる。この子はやっぱりこういうのが好きだった、または知らなかった好きを発見したんだなと思う。それはとても面白いですよ。ーここで学ぶ子たちがどうなってほしいですか？　ここに来る子たちは、何かしらクリエーターになりたいという人たちが多いと思います。美容に限らずですが、クリエイティブな世界に進む人たちが出てきたら嬉しいですね。さらにクリエーターとして有名になれたらいいですね。たとえそうじゃなくても、自分の発信する表現方法を見つけられたと感じてもらえたらいいと思います。

Beauty

10代のクリエーションに向き合う理由　資生堂SABFA・計良校長が学び舎「GAKU」で講義

WATARU TOMINAGA

富永航が感じる"不満"とは？河野富広、山縣良和と語る表現におけるモチベーションについて

池上高志1984年東京大学理学部物理学科卒業、1989年同大学院理学系研究科博士課程修了。1990年神戸大学大学院自然科学研究科助手。1994年東京大学大学院総合文化研究科広域科学専攻助教授に。2008年より現職。理学博士。複雑系と人工生命をテーマに研究を続けるかたわら、アートとサイエンスの領域をつなぐ活動も精力的に行う。著書に「生命のサンドウィッチ理論」、「動きが生命をつくる―生命と意識への構成論的アプローチ」、「人間と機械のあいだ」（共著）など。ーはじめに、池上さんがどんな活動をしているのか教えてください。　複雑系科学の研究者として人工生命（アーティフィシャルライフ）を研究しています。それに加えて、近年はアートやファッション関連のプロジェクトに関わることもあります。ファッションでは、デザイナーの坂部三樹郎さんと山縣良和さんがプロデュースした展覧会「絶・絶命展～ ファッションとの遭遇」に作品を出展し、アートでは渋谷慶一郎さんたちと行った「アンドロイド・オペラ」のほか、去年ヒカリエではアンドロイドの「オルタ3」と能楽師の安田登さんらとアートパフォーマンス「傀儡神楽」を開催したりしています。ー日本最大のファッションコンペ「big design award」第2回の応募が始まっていますが、池上さんはヴェロニク・ブランキーノ（Veronique Branquinho）や、「メゾン ミハラヤスヒロ（Maison MIHARA YASUHIRO）」デザイナーの三原康裕さんと共にコンペの審査員を務めます。　東京農工大学大学院言語文化科学部門の教授 宇野良子さんが良く「ファッションは言語だ」と言っていてそれは面白い考えだなと。宇野さんの論文を読んで、その中にあったアイデアを自分なりに考えてみたくなったのと、坂部三樹郎さんと山縣良和さんが絶命展を開催したときに、「フレッシュなファッション」という話をしていてそれも面白いと思いました。ファッションでは生き生きとした「鮮度」が大事で、それは生命にも言えること。人工生命を研究していますが、そうした発想はこれまでしてこなかったので感銘を受け、ファッションに興味を持つようになったんです。それで依頼があった第1回から審査員を務めています。ー第1回の「big design award」では、「アントワープシックス」の一人で、アントワープ王立芸術アカデミーの学長でもあるウォルター・ヴァン・ベイレンドンク（Walter Van Beirendonck）と一緒に審査を行っていましたね。　ユナイテッドアローズが好きで良く行くんですけど、そこでサイケデリックな背広を買って「big design award」の時に着て行ったんですよね。普段からブランド名をあまり見ずに買ったりしているんですが、そうしたらウォルターさんがデザインしたものだったんですよ。審査会の時に、ここぞとばかりサインしてもらいましたね（笑）。ー審査をする際、どういったところを見ているんですか？　「ここのがっこう」に何度か講評で伺ったことがあるんですが、学生たちは僕の想像を遥かに超えた服を作っていて。本当にトラウマを抱えたような人が「ここのがっこう」には多く、しかしトラウマ的経験がこんな素晴らしい服に結びつくんだという驚きがありました。心の傷がポジティブに表現できるのはファッションの力だと思いますし、いかに心から服へとトランスフォームしているかは、評価するポイントの1つですね。　あと心理学で箱庭療法という、庭のセットをどういうふうに配置するかで自分の心を整理して落ち着かせる療法がありますが、それとファッションデザインはちょっと似てるんじゃないかと思うんです。服を作っていく過程というのは精神療法にすごく近いんじゃないかなと。それもあって、ファッションデザインの中には知性や心の形が現れると考えていて、そこも評価の対象としています。ーどういうものに面白さを感じるんですか？　端的に言えば違和感があるものですかね。「ザラ（ZARA）」に行って違和感を感じるものがあるかと言えばないわけで。売れる服は、あまり自分にはひっかからないというか、退屈するんですよね。エッジが効いていてびっくりするものは面白いし見飽きることもありませんから。ー違和感を構成する要素は何だと思いますか？　やっぱり大事なのは鮮度なんでしょうね。実は人工生命を作っても鮮度を担保できるものってなかなかないんですよ。100年経っても変わらないものはできるかもしれませんが、鮮度、賞味期限があるものを作ることは逆にとても難しい。プログラムでもできないと思いますね。ーファッションは鮮度をお金に変える業界と言えます。　もちろんここで言う鮮度は流行り廃りだけじゃないですけどね。それこそこの間「アメリカン・ユートピア」を観てきたんですけど、デヴィッド・バーンが所属していたロックバンド「トーキング・ヘッズ」のファンということもあるんですが、楽曲を今聞いても懐かしいというよりは、生き生きしていて面白いと思えるんですよね。それはデヴィッド・バーンが今の人じゃなくて未来の人に向かって作っていたからだと勝手に解釈しています。だから未来に向けてファッションを作るという姿勢でいると、鮮度を持ち込めるんじゃないかなと。ー人工生命に鮮度を担保させようとするとどうなりますかね？　まだ見たこともない生命を作ったほうが鮮度を感じるんじゃないかなと思います。それはファッションデザイナーの人も同じだと思いますね。　あと生命について考えると必然的に生と死の問題になりますが、死ぬことと鮮度も関係がありますよね。エイジング問題とか。最近の研究の話ですが、ゾウリムシを1匹から2匹、4匹、8匹と増やしたとします。もちろんみんな同じ遺伝子を持っているわけですが、最初から16個同じ遺伝子を持っている個体を入れて集団を作り、運動パターンを見てみるとみんな同じ遺伝子を持っているにも関わらずとても元気な集団とおとなしい集団が生まれるんですよね。同じ遺伝子でも、集団の組み方によって全体の鮮度が違ってくるわけです。単細胞生物ですらそうなんですから、僕らみたいな多細胞生物の場合、属している集団で元気かそうじゃないかが如実に変わってくるのではないか、鮮度も集団に関係しているんじゃないか、と思うわけです。そこから僕の研究でも「集団の元気さ」は何が決めているのか、ということを考えたりしているんですよ。ー「集団の元気さ」の定義も、ただ動いているだけなのか、暴動しているのか、仲良く踊っているのかでまた見方も変わってきそうですね。　そうそう。集団の構造は色々なものが絡み合っているのでね。ー池上さんは今、個よりも集団を研究対象にしている？　そうですね。例えば、人間の子どもが生まれた時は心がないだろうと。親と接していくうちに心が形成されてくるという仮説ですね。狼に育てられた少女の心が狼になるとかがあるわけで、生まれてきた時は何もないけど相互作用で心が生まれるとするなら人と接触させ、真似させることが心の形成に繋がっているのではないか。ただ、ずっと人の真似をしている人なんていないわけで、そこから個別性を獲得するにはどんな過程があるのか。どうやって個性が進化していくのかを考えています。ー「ここのがっこう」では個性を伸ばす教育をしていると思いますが、池上さんは講評に行ってどんなアドバイスをしたんですか？　大したことは話していませんよ。門外漢なのでね。ただ、あまり勉強しないことが大事とは話しました。勉強すればするほど似通ってしまうので。ー縫製やパターンを学ぶ必要はない？　先ほどもお伝えしましたが、大事なのは箱庭療法と同じで服を作ることで何かが整理されていく過程だと思います。もちろん、整理すべきものがない人は表層的に技術を学べばいいですが、大事なのは箱庭に現れる形で、そこに触れないとファッションというのは生まれないと思うわけです。　人と話すと自分の心と相手の心がどんどん似てくると感じることがありますよね？恋人や夫婦が似てきたりと、心のエクスチェンジが起こる。僕はそういうことがとても大事だと考えています。「ここのがっこう」は深いところでコミュニケーションをとるからその分疲れると思うんですが、素晴らしいカリキュラムだなと。ー東京大学大学院でも同じように学生とコミュニケーションを？　そうですね。研究テーマが決まっていれば良いんですけどそんな事はほとんどなくて、まず何が悩みなのかってところから始まります。そこは「ここのがっこう」と同じですね。ー個性の獲得はAI（人工知能）でも難しいですか？　AIが一番苦労するとしたらそこですね。ただ渋谷慶一郎さんが「スーパーエンジェル（Super Angels）」という子どもたちとアンドロイドが創る新しいオペラを上演するんですが、そこでアンドロイドの「オルタ3」に喋らせてくれと言われています。GPT-3という言語生成の深層学習を使って作ったのですが、人間よりも遥かにリッチな言葉を操るんですよ。とてもエモーショナルなこととか。それから人間のエモーションも、膨大なデータの流れの中でも存在し得るかもしれないなと感じるようになって。僕はそういうことがファッションにも起こりえると思うから面白いなと考えているわけです。ーそういうことというのは？　過去の自分から染み出してくるものでファッションを作るのではなくて、後付け的に与えられた膨大なデータによって人間の持っているもの以上に複雑なファッション表現が可能であるならそれはすごく素晴らしいし、見てみたいと思うんです。個人が作ったものなんてたかが知れています。それを凌駕するのが科学で、ファッションでもできることだと思っているんです。ー膨大なデータ、池上さんが提唱したマッシブデータフロー（Massive Data Flow）のことですね。　マッシブデータフローから生み出されるフェイクな心の先に、新しいアートやファッションが待っているんじゃないかという期待感があります。ーむしろそこに心の本質があったり。　かもしれないですね。少なくとも僕や渋谷慶一郎さんはそう思っています。ービッグデータの活用はファッション業界でも注目を集めていますが、まだまだ発展途上な印象があります。　たとえば世界中のありとあらゆる国民や民族のファッションを圧縮してプログラミングし、そこから未来の服を作ることは今もできます。自然言語処理モデルGPT−3が、5兆個のコーパスと1950億個のパラメーターを使ってリッチな文章を作りだすように、新しいファッションを作ることは難しくはないんじゃないですかね。もちろん資金の問題はあると思いますが。ー第1回の「big design award」では、ビッグデータを活用した作品もあったと聞きました。　ディープラーニングを使ってデザインしてきました、という人がいましたね。その人はマテリアルやパターンが良かったんですが、全体的なセンスはあまりで落選となってしまいましたが。でもそうした取り組みは素晴らしいと思います。一人の人間が考えたデザインだと、あまりにその人の認知的バイアスに絡み取られてしまいますし、自由なファッションは生まれてこないだろうなと。もはや全く自由なデザインというのは、人間には作れないんじゃないかとさえ思ってしまいます。ーたらればの話にはなりますが、ファッションコンペの審査員をしている中で仮に同じ精度のディープラーニングを使ったデザインが複数出てきた場合、どう優劣をつけるんですか？マッシブデータフローにより、人智を超えた判断が求められるようになると思うんですが。　おっしゃる通り、厳密には審査できないでしょうね。そのため現状は違和感の多さを基準に選ぶことになるんでしょうね。人間に理解できない人智を超えたものなら、人間には理解出来ないことだと思うので、「分からない」ってことが評価基準になるはずです。　話が少しずれますが、化学の世界もオートメーション化しようという研究が進んでいます。例を挙げれば、新薬の実験をロボットにやらせようって話しで。機械化でありとあらゆるところまで自動でやれるようになりましたが、これまで自動化できずにいた、結果を見て試薬を変えたり仮説を変えたりするという役割までもオートメーション化しようとしています。単純労働を頑張っている方をアダム、仮説のアップデートを担う方をイヴだとすると、アダムとイヴで作っているシステムは人間の化学学者と変わらないわけです。この状況は、ファッション業界に訪れるのもそう遠い未来ではないと思いますよ。ー今回コンペに参加するデザイナーたちにはどんなことを期待しますか？　サステナブルやLGBTQについての言及は期待したい。ロンドンでパブリックトークをしたんですが、「サステナブルやLGBTQについて倫理的にどう考えてんだ」という質問が飛び交いましてね。日本はまだまだ緩い部分がありますが、グローバルで見るとそうはいかない。それこそそうした課題について真摯に向き合っていないと、投資家からお金を集めることはできませんよ。ー社会的な問題にもしっかりコミットしていく必要がある。　そうすることでファッションの意味は強くなるし、社会的意味も変わってくると思います。ファッションは、こういうかっこいいものがあるぞっていう単一的な見方と多様性原理の見方で乖離がありますが、若い人にどういう形でメッセージを届けるかと考えた時、現代は多様性原理の方が共感を生むと思います。未来のファッションは多様性原理でしかないからこそ、しっかり伝えていかないといけないんじゃないでしょうか。ーファッション業界を担う次世代にアドバイスはありますか？　また「ここのがっこう」の話ですが、コンプレックスをアドバンテージにしているのはすごいですよね。クリエイターになりたいなら、コンプレックスを言語化することが大事だと思います。ーちなみに人工生命にコンプレックスを注入することってできるんですか？　おもしろい質問ですね。考えたことなかったですがどうなんでしょう。コンプレックスというのは比較、対比から生まれるところがありますからね。ちょっと話がずれるかもしませんが、進化アルゴリズムというのがありまして。自然淘汰、適者生存といった進化の仕組みに着想を得たものなんですが、それを用いてどのような強さで自然淘汰、適者生存を進めるかの判断って相当難しいんですよ。強い淘汰をかけすぎるとアルゴリズムが停止してしまったりするんです。計算量もかかるためコストとの戦いになるんですが、やはり多様性を残すことはアルゴリズム的にも大事で。人工生命にコンプレックスを、となると恐らくそうした多様性とアルゴリズムの関係について考えないといけないのかなと思います。（聞き手：芳之内史也）

東京大学大学院教授、池上高志はなぜファッションコンペの審査員になったのか？

ショー直前3月16日 18:50〜　バックステージは慌ただしくなってきました。モデルとして登場するBiSHのアイナ・ジ・エンド、セントチヒロ・チッチ、モモコグミカンパニー、ハシヤスメ・アツコ、リンリン、アユニ・Dも準備を進めます。ショー本番3月16日 19:10〜　いよいよ本番。19時開始予定でしたが、10分ほど遅れてショーがスタートしました。会場には山縣良和氏による合掌造りのオブジェ5体と、堆肥を調合した土の上に置かれたウェアが入ったショーケースが配置されました。フィナーレ3月16日 19:30〜　ついにフィナーレ。バックステージにモデルたちが戻ってくると、スタッフから拍手が起きます。　デザイナーの2人はすぐに囲み取材へ。そこには、セントチヒロ・チッチとリンリンが記者に扮して取材を敢行。彼女たちが持っているGoProは「BiSH eye」としてBASEのプラットフォームに配信されました。　囲み取材の後は、そのままデジタルアフターパーティー「打ち上げ」として、BiSHのメンバーがステージへ。楽曲「GiANT KiLLERS」を歌い上げ、イベントは終了となりました。モデルリハーサル3月16日 16:30〜　PR会社ステディスタディのスタッフも会場入り。椅子にメディア名や個人名を書いた紙を置いて、来場者がスムーズに入場できるよう準備します。　フィッティング、ヘアメイクを終え、本番宛らの状態で行うモデルリハーサルへと移ります。　リハーサルでは歩き方を確認。特にフィナーレを入念にチェックします。海外モデルが多いので、日本語と英語で演出チームが指示を出していきます。　ウォーキング途中で、ポケットに手を入れるよう丸龍文人氏からモデルに直接指示も。細部を詰めていきます。　また会場には歌舞伎町にあるセレクトショップ「THE FOUR-EYED」のオーナー 藤田佳祐氏の姿も。バックステージなどの撮影をお願いされたらしく、久しぶりの撮影だそう。　リハも終えて、まもなく本番。会場の空気も張り詰めてきました。ヘアメイク・フィッティングスタート3月16日 15:30〜　資生堂トップヘアメイクアップアーティストの計良宏文氏のもと、ヘアメイクがスタート。45人のモデルとBiSHメンバーをそれぞれ、「多様性と画一性」をテーマに仕上げていきます。　フィッターチームもミーティングを開始。メンバーはここのがっこうの生徒たちです。　一般社団法人日本ファッション・ウィーク推進機構（JFWO）のディレクター 今城薫氏も会場入り。今城氏はオーガナイザーとしてショーに参画します。今城氏は「この3月のファッションウィークは特に濃い内容のものになっていると思います。その中で一つの目玉企画として、中村聖哉さんのようなグローバルで活躍するスターとご一緒できて光栄に思っています」とフミト ガンリュウのショーについて話しています。ヘアメイク・モデルIN3月16日 13:30〜　着々と会場の設営が進む中、SHISEIDOのヘアメイクチームとモデルたちが会場入りしました。　丸龍文人氏から「多様性と画一性」というテーマをもらったそうで、今回ショーのヘアメイクチームを牽引する資生堂トップヘアメイクアップアーティストの計良宏文氏は「多様性を尊重しつつ、画一性を持たせたヘアメイクを意識した表現を追求できれば」と話しています。また環境問題にも配慮するため、切った髪を再利用してヘアメイクのアクセントにするそう。　今回会場に置くスカルプチャーを制作した山縣良和氏も会場入り。入念にチェックを行います。ショーは夜に開催されるので、光の演出が重要になってくるんだとか。　ショーで発表するアイテムも搬入。ラックにかけ、アイロンがけをしていきます。 　今日は朝から晩までの長丁場。しばし昼食休憩をとります。会場入り3月16日 10:00〜　15日の21時から設営を開始し、朝5時まで搬入作業に加え、照明テストやサウンドチェック、テクニカルリハーサルを実施。設営スタッフは一時解散後、本日10時に再度会場入りとなりました。　コロナ感染拡大を防ぐため、会場入り口には検温システムとアルコール消毒液。来場者がスムーズに入場できるよう、PRチームが事前にシミュレーションを行います。　会場入り口には、来客用の受付を設置。　昨夜一度会場入りした後、デザイナー丸龍文人氏も10時に会場入り。「普段ショー前にあまり緊張することはないですが、今回は新しい取り組みが多いので、楽しみでもあり、緊張もしています」とのこと。山縣良和氏とのコラボはもちろん、BiSHの出演などパリコレでのショーとは勝手が違うようです。　ショーディレクションは保科路夫氏が担当。演出チームやムービーカメラマンを集めて、ミーティングを行いました。　BiSHや豆柴の大群などを擁するWACK代表 渡辺淳之介氏も会場入り。丸龍氏らと打ち合わせを行います。　ヘアメイクルームや椅子の設営も順次進んでいます。

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