インサイド

　グッチと京都。ブランド創設の地であるイタリア・フィレンツェの姉妹都市が京都という縁から、2021年に創設100周年記念イベント「Gucci in Kyoto」を開催するなど、これまでも結びつきを深めてきました。日本上陸60周年を迎える今年、日本との絆をたたえながら、京都に息づいている伝統文化と革新に共鳴し、巡回展「Gucci Cosmos」の世界を表現する場として、京都市京セラ美術館が選ばれました。帝冠様式を特徴とする荘厳な建築は、同館の館長でもある建築家 青木淳氏により2019年に大規模改装が行われた京都を代表する美術館です。　同館を舞台に、イギリス人コンテンポラリーアーティスト エス・デヴリン（Es Devlin）がデザインを手掛け、イタリア人ファッション研究家であり評論家のマリア・ルイーザ・フリーザ（Maria Luisa Frisa）がキュレーターとして参加。上海、ロンドンから今回の開催に向けてコンテクストを再解釈し、京都ならではの展示空間にアップデートしました。Time Maze – 時の迷宮　「Gucci Cosmos」は、目の開閉をイメージしたという神秘的なゲートからスタートします。スクリーンに投影されるムービーは京都とフィレンツェをつなぐ赤い糸をコンセプトに、エス・デヴリン自身がナレーションを担当。扉をくぐるとブランドにとって重要な年が螺旋状の年表で記され、旅の始まりを感じさせるような没入演出です。　印象的なエントランスをくぐると、まず「時の迷宮（Time Maze）」の部屋が現れます。フィレンツェにあるグッチの収蔵拠点をイメージしたグリーンを基調をした部屋では、創設者グッチオ・グッチ（Guccio Gucci）誕生の1921年から2024年の現在に至るまで、ブランドのターニングポイントやグッチのアイデンティティを形成するアイコンの誕生、クリエイティブを生み出してきたデザイナーなどの変遷を時系列に見ることができます。GGパターンの原点である「ディアマンテ」（ひし形の意味）や、グッチバンブー、グリーン/ レッド/ グリーンのウェブ ストライプ、ホースビット、フローラなど、貴重なアーカイヴとともに紹介されている誕生秘話や逸話はどれも目から鱗。よりグッチを深く理解することができる学びの空間です。Zoetrope – 乗馬の世界　2つ目の部屋は、グッチと乗馬の世界とのつながりを表現。回転のぞき絵（ゾエトロープ）をイメージした円形の空間を取り囲むように設置された大型スクリーンには、蹄の音とともに疾走する馬の映像が投影。その間からは乗馬の世界とつながるホースビットやウェブ ストライプなどのモチーフがデザインされたピースが浮かび上がり、グッチと乗馬の関係性の深さを物語ります。Echoes – クリエイティビティの系譜　グッチのクリエイションが反響し合うような鏡張りの部屋は、1970年代から現在までに発表されたコレクションが一堂に集められた空間。カラーや世界観でキュレーションされたピースは、時を超えて歴代のクリエイティブ・ディレクターがグッチのコードをどのように解釈してきたかがわかるような構成です。トム・フォード（Tom Ford）やフリーダ・ジャンニーニ（Frida Giannini）、アレッサンドロ・ミケーレ（Alessandro Michele）、そしてサバト・デ・サルノ（Sabato De Sarno）に受け継がれてきたデザイナーとグッチとのクリエイティブな対話を垣間見ることができ、どのピースを誰がデザインしたのかを予想しながら見るのも一興です。Leisure Legacy – ライフスタイル賛歌　レジャーもグッチの歴史に深く織り込まれてきたインスピレーション源です。ゴルフやテニス、乗馬、ピクニック、マリンスポーツといった人々の生活を豊かにするレジャーアクティビティにまつわるアーカイヴが展示され、グッチのクリエイティブの幅の広さを実感することができます。壁にはレジャーに関連するグッチの展示品に呼応するように京都市京セラ美術館の収蔵品の日本画が飾られており、暮らしとレジャーのつながりを表現しています。Bamboo – バンブーの世界　グッチを代表するアイコンバッグ「グッチ バンブー1947」にフォーカスしたバンブーの部屋では、竹林から浮かび上がるようにバンブーバッグを展示。第三弾を迎えた京都・西陣織の「HOSOO」とのコラボレーション「GUCCI NISHIJIN」をはじめ、伊勢型紙を用いた甲州印伝、仙台平といった日本の伝統工芸とのコラボレーションや、今年日本上陸60周年を記念し、コンテンポラリーアーティストや写真家、伝統工芸作家6名と協業したプロジェクト「Bamboo 1947: Then and Now」で披露された「グッチ バンブー1947」のアート作品も並んでいます。「グッチ バンブー1947」の親密な日本とのつながりと、バッグをキャンバスに無限に広がるクリエイティビティの可能性を示しています。Red Threads – グッチの絆　グッチを象徴するレッドで鮮やかに彩られた空間が最後の部屋。日本に広く伝承され、運命の相手との目に見えないつながりを意味する「赤い糸」を着想源として、グッチの過去と現在をクリエイティブな表現でつなぐ"fil rouge"（赤い糸）をテーマにグッチのさまざまな"赤の表現"を見ることができます。この系譜を継いだ現クリエイティブ・ディレクターのサバト・デ・サルノは新たなシグニチャーカラーとして深い赤を「グッチ ロッソ アンコーラ」と命名し、2024年春夏のデビューコレクションから最新の2025年春夏コレクションまで、このカラーを前面に打ち出しています。サバトが「グッチ ロッソ アンコーラ」の世界観でどんなクリエイションをこれから生み出していくのか、グッチの未来のクリエイションへの期待と可能性を秘めた演出でエキシビションはエンディングを迎えます。夏木マリが音声ガイドを担当　今回、エキシビションのために俳優の夏木マリさんが音声ガイドのナレーションを担当。グッチともゆかりのある夏木さんの円熟した声で各部屋の解説を聞くことができ、「Gucci Cosmos」の世界へと誘います。また、開幕前の9月30日に行われたプレビューにはグローバル・ブランドアンバサダーの志尊淳さんをはじめ、YOASOBI、上野樹里さん、黒木メイサさん、夏木マリさんといった豪華ゲストが来館し、エキシビションを堪能しました。

Fashion

グッチのアイコンを紐解く　京都市京セラ美術館で開催「Gucci Cosmos」の見どころ

Departure to Milan　4月某日。玉森さんの姿は羽田空港にありました。2024年 春夏 メンズ コレクションのウェアを着用し、シックな出立ちで空の玄関口に到着。期待を胸に、経由便でおよそ20時間の長いフライトが始まります。Day 1  At the center of Milan, Duomo　イタリア北部の大都市ミラノに到着し、一息ついてから街の中心地へ。ストライプのオーバーサイズのシャツをタックインしたリラックスした装いでミラノの街を散策します。まず訪れたのは、ミラノ随一の観光スポットで、街のシンボルでもあるドゥオモ（大聖堂）。一歩ずつ近づいていくと、世界最大級を誇る迫力のあるゴシック建築と、精巧な意匠に目を奪われます。　大聖堂広場に隣接する「ガッレリア」は、ドーム状の屋根や床のモザイク画、天井のフレスコ画の装飾が美しいブティックやリストランテ、カフェなどが立ち並ぶショッピングアーケード。道中、ジェラートをほおばったり、ミラネーゼに欠かせない交通手段であるトラムを背に道を歩いたり、「建物一つ一つがおしゃれで日本では見られない景色なので気分が上がります」と玉森さん。異国情緒あふれる街の景色を記憶にとどめます。Shopping at Dolce&Gabbana boutique @Corso Venezia　続いてドゥオモから電車で一駅ほどの距離にあるコルソヴェネツィア通りのドルチェ＆ガッバーナのブティックへ。ここは"ドルチェ＆ガッバーナ通り"と言っても過言ではないほど、ウィメンズ、メンズ、カーサと、ブランドのブティックが立ち並ぶ通りです。　特に2022年にオープンした、ホームコレクション「ドルチェ＆ガッバーナ カーサ」を扱うブティックは、通りがかりの人々も思わず見入ってしまうほど色鮮やかな内装が特徴です。ドメニコの故郷でもあるシチリア島の伝統の飾り馬車「カレット」にインスパイアされた陽気で賑やかな模様は、イタリアが誇る職人技術「ファット ア マーノ」（ハンドメイドの意味）を垣間見ることのできる手描きのプリント柄。華やかさの中に温かみを感じ取ることのできるプリントが、壁やインテリア、キッチン用品などを彩り、その場にいるだけで楽しくなる空間です。　次はメンズのブティックをチェック。3フロアからなる店舗では最新のコレクションから、バッグやシューズ、アイウェアなどのアクセサリーまでが豊富にラインナップされています。特に天井からシャンデリアが吊るされた部屋が連なる3階のフロアは、広々とした贅沢なショッピング空間です。Having a coffee break @DG Martini®　ショッピングの後は、同じ通りにある「DG Martini®」で一休み。ここはドルチェ＆ガッバーナがプロデュースし、イタリアのスパークリングワインメーカー「マルティーニ」社が運営するビストロ・バー。エントランスの真っ赤なアーチが目印です。 　気持ちの良い自然光が差し込む屋根付きのテラス席は、地元のミラネーゼや観光客で賑わいを見せます。デザイナーの2人も常連なのだとか。コーヒー好きでイタリア人が毎日嗜むエスプレッソに興味津々だった玉森さん。ここではDGのロゴが入ったラテで一息。◾️DG Martini®住所：Corso Venezia 15, Milan営業時間：12:00-23:00公式サイト Day 2Getting ready at the hotel　ミラノ2日目はいよいよ本番当日。前日のリラックスした雰囲気とは打って変わって、オールホワイトのスーツスタイルで登場した玉森さん。上品で凛としたフォーマルな出立ちでホテルでの準備を済ませ、今回のメインイベントであるエキシビションのオープニングレセプションが行われる会場へと向かいます。Arriving at Palazzo Reale　会場となったのは前日も訪れたドゥオモ広場に隣接するパラッツォ・レアーレ。13世紀ネオクラシック様式の建物はかつての王宮で、かのナポレオンも統治時代に暮らしていたのだそう。現在は文化センターとして一般公開されています。　日中とは異なりドラマティックにライトアップされたドゥオモを背景に、ゲストたちが次々に来場。オープニングレセプションにはデザイナーのドメニコ＆ステファノをはじめ、ブランドにゆかりのある友人や関係者、各国からアルタ モーダの顧客やセレブリティが招待されました。そこには歌手のシェールやモデルのナオミ・キャンベル、俳優のヘレン・ミレンやデミ・ムーアといった錚々たるビッグネームの姿も。ブルーカーペットに登場した玉森さんは、フォトコールやコンテンツ撮影を行ったほか、周辺に集まったファンへのサインに応じるなど会場の華やかな雰囲気に溶け込んでいきます。　会場内では、韓国から参加したブランドのグローバルアンバサダーNCTのドヨンさんと俳優のムン・ガヨンさんとグリーティング。合間には最近見たドラマや好きな日本語を聞くなど、英語や日本語も交えてコミュニケーションし、イベントならではの交流も。 Touring inside of the exhibition　今回のエキシビションでフォーカスされている「アルタ モーダ」は、職人により一点ずつ仕立てられたフランスの「オートクチュール」のイタリア語の呼称。デザイナー2人の夢だったというアルタ モーダは2012年にスタートし、現在ではアルタ モーダ（ウィメンズ）／アルタ サルトリア（メンズ）／アルタ ジョイエッレリア（ジュエリー）の3軸で発表されています。2人がオートクチュールではなくアルタ モーダを選んだのは、イタリアの自国の文化を探求し、「メイド・イン・イタリー」を一貫させるという強い志があったため。毎年夏に開催されるグランドツアーはイタリア全土の都市を巡り、3〜4日間の日程で行う"お祭り"のようなイベントで、豪華絢爛なアルタ モーダのピースが、スペクタクルな会場や演出で披露され、夢のような世界が繰り広げられます。　会場では貴重なアルタ モーダのピースが10の部屋に分かれて展示されています。キュレーターを務めるのは、数々のラグジュアリーブランドのエキシビションを手掛けたフロランス・ミュラー。レセプション前に行われたプレスカンファレンスに登壇したミュラーは、「これまでのファッションのエキシビションと比べても、イタリアを拠点にイタリアの都市にインスパイアされコレクションを発表し、かつ2人のデザイナーが創業から現在までクリエイティブの指揮をとっているという事実は特筆すべき点でしょう。このエキシビションを通して、イタリアの伝統やノウハウ、アルチザンに基づく素晴らしくパワフルなクリエイションをアルタ モーダのピースから直に感じ取ってほしい」と語ります。　玉森さんも説明を受けながら各部屋に展示されたピースを一点ずつ見入るように鑑賞。それぞれのテーマの世界観が緻密に表現された部屋や、職人の手仕事が感じとれるようなアルタ モーダのピースに圧倒されつつ、ドルチェ＆ガッバーナの美の真髄に触れ、「なかなか見ることのできない一点もののアルタ モーダを間近で見ることができ、職人さんたちのこだわりの詰まった作品を見て刺激を受けました」とコメント。イベント中にも多くのゲストや関係者たちと言葉を交わし、エキシビションの華々しいオープニングを多くのゲストたちとともに祝いました。　ブランド立ち上げから現在に至るまで、様々なアイデアや情熱、夢を胸（ハート）に抱き、それらを職人の手仕事（ハンド）により具現化してきたドメニコ・ドルチェとステファノ・ガッバーナの2人。イタリアへの賛美とともに、ユニークで常識にとらわれないブランドのクリエイティブプロセスを巡るエキシビション「フロム ザ ハート トゥ ザ ハンズ：ドルチェ＆ガッバーナ」は、ミラノを皮切りに世界の都市でも巡回予定です。◾️FROM THE HEART TO THE HANDS: DOLCE&GABBANA会場： Palazzo Reale, Piazza del Duomo 12, Milan 会期： 2024年4月7日（日）〜7月31日（水） 詳細およびチケット予約：https://altamoda.dolcegabbana.com/jp/https://milano.dolcegabbanaexhibition.com/Special movieYuta's photo diary玉森裕太 (たまもり・ゆうた)1990年、東京生まれ。2011年 Kis-My-Ft2 のメンバーとしてデビュー。『オー!マイ・ボス!恋は別冊で』『NICE FLIGHT!』『祈りのカルテ 研修医の謎解き診察記録』など俳優として数多くの作品に出演。2023年には Disney・Pixar 映画『マイ・エレメント』でウェイド役の主演声優も務めた。個人のInstagramアカウントも開設。グループでは、YouTube チャンネルにて毎週土曜19時にコンテンツ配信中。2024年5月8日には、10枚目となるオリジナルアルバム「Synopsis」を発売。6月8日からは3大ドームツアー「Kis-My-Ft2 Dome Tour 2024 Synopsis」もスタート。冬には大人気ドラマ「グランメゾン東京」のスペシャルドラマへの出演も発表された。

ミラノで開催中の展覧会へ

玉森裕太がミラノで出会う　ドルチェ＆ガッバーナ「アルタ モーダ」の世界

　「プティ アッシュ（petit h）」は、エルメスの16あるメチエ（部門）の一部門としてパスカル・ミュサール（Pascale Mussard）により2010年に創設。「すべての素材に価値がある」という理念のもと、バッグやプレタポルテの制作過程で出た端材、セラミックや金属部品など、ほかのメチエで使われなくなった素材を再利用し、新しいモノへと生まれ変わらせるプロジェクトだ。さまざまな分野で活躍するアーティストを招聘し、これまでにも多くの資材を作品として蘇らせ、世に送り出してきた。　会場となったのは昨年開館した大阪中之島美術館。「petit h」の取り組みや、クリエイションプロセスを体感できる2フロア構成で、空間デザインはこれまでにも同プロジェクトに長く携わってきたアーティストの河原シンスケが手掛けた。12世紀の日本の墨画である「鳥獣戯画」からインスピレーションを得て、自身のアイコンでもあるウサギや猿、蛙、そしてエルメスを象徴する馬といったキャラクターを会場の案内役に、「書割（かきわり）」という歌舞伎などでも使われる舞台芸術の手法を用い、パネルやオブジェなどで、ファンタジックな世界に没入できるような空間に仕上げている。　関係者向けに開催された内覧会では、2018年からpetit hのクリエイティブ・ディレクターを務めるゴドフロワ・ドゥ・ヴィリユーが来日し、河原と共に各ブースを案内。「優れた職人の持つ技に価値を見出している両国。petit hという独自の取り組みを、展覧会を通じて一つの体験として共有してほしい」とコメントし、ゲストを迎えた。　2階の多目的スペースでは、鯉のぼりを模したトンネル空間にpetit hの素材庫を再現。使われなくなったシルクスカーフや、金属パーツ、レザーなどが壁いっぱいに陳列されており、ここから職人やアーティストと対話し、クリエイションのアイデアを膨らませていくという。　ポーセリン（磁器）や金具、ボタンなどはモザイク画のように並べてコーヒーテーブルに、馬具である鞍骨（くらぼね）はギターへと生まれ変わり、その製造工程が展示や動画で紹介されている。 　予約制で入場できる1階の販売エリアでは、petit hで制作されたオブジェやホームウェア、レザー小物、アクセサリーや服などが展示され、実際に購入することが可能。河原の手掛けたプレイフルな空間にディスプレイされた作品は、それぞれ一点もの。表情の異なるアニマルモチーフの小物を見比べたり、素材の原型が何だったか想像を膨らませるなど、petit hのモノづくりの真髄を間近で楽しむことができる。　同スペースでは、使われなくなったレザーの切れ端などを使ったオリジナルノートブックを制作する子ども向けのワークショップが開催され、家族連れでも楽しめるコンテンツを提供。（いずれも5月1日時点で会期中満席）また、会期中2階の芝生広場では「petit hカフェ」がオープンしている。

HERMÈS

「すべての素材に価値がある」エルメスのプティ アッシュ展が大阪・中之島美術館でスタート

「私がいなくなった未来にも残る面白い本を作ってみたい」ー前回取材をしてからちょうど一年ですね。　お久しぶりです。「2021年ベストバイ」の記事は、友達も新しく会う人からも、たくさん「読んだよ」とコメントをいただきました。ーどんな感想がありましたか？　一番多かったのは「あんなに服オタクなんだ」というコメントでした。服は現在進行形で好きですし、今年は他のジャンルでも今年も好きなものが増えました。いつもこれ以上増えたら大変だなと思うんですけど、世の中に面白いものがまだまだたくさんあるので......。ー今回は初の書籍ということですが、展示から形式を変えた理由は？　2020年にパルコで2回目の展示（「HOMESICK」）が終わって、興奮が収まらないうちにパルコの方々と「次は何をしますか」と話していて、ふと「本ですかね」と言ったのがスタートです。今までの展示は、場所と期間、時間が限定されていて、「今ここでしか体験できない」特別なものという、足を運んだ人にしか分からない面白さがあり好きでした。でも本は極端な話、永遠に残るので。自分が本を作るとしたら、私がいなくなった未来にも残る面白い本を作ってみたいと思ったんです。　そこから1年の間に同世代の面白い人たちにもたくさん出会い、自分たちから今しか生まれない熱量と衝動的な思いを形に残したかったので、2021年に企画書を作り具体的に動き始めました。ー書籍に参加したクリエイターは、ベテランからアップカミングな方まで幅広いのが特徴です。皆さんとは元々知り合いですか？　TEPPEIさん（スタイリスト）とはいつか一緒に何か作りたいと思っていました。根本さん（劇作家・演劇家 根本宗子）とはこれまで何度か作品でご一緒していますが、いつも体と記憶に残るような体験をさせてくださるので、今回の企画でも絶対お願いしたいと考えていました。皆さん私のオタク気質なところというか「好き」を突き詰めるところを理解してくださって、本を作り始めた当時は本当にワクワクしました。完全燃焼した”ファッションシューティングドキュメンタリー”の撮影舞台裏ー本を作り始めた「当時」だけワクワクしていた？　もちろん、ずっとワクワクはしていて今も展示が始まるのが楽しみです（笑）。一番最初に動き出したファッションシューティングでの2日間が自分にとって衝撃が大きすぎて、単純にこの書籍を「ただの本にはできない」という気持ちになってきたんです。もっともっとこの本がずっと残るようなものにしなくてはいけない使命感みたいなものが強くなっていったというか。本を出したいと思い始めた時の感情を、極限まで突き詰めて作らないといけないなと。ー撮影が相当刺激的だったんですね。　TEPPEIさんのチームとシューティングできるだけで私としては楽しみで仕方がなかったです。でも本として残すなら限界突破して新しいものを生み出さないと意味がないなと。元々何かが生まれる過程が好きで「どうやって作るんだろう？」と疑問に思うことが多いので、今回のシューティングはスタイリングもヘアメイクも即興で作って、その様子を全部見せることにしました。ーどうやって撮影したのでしょうか？　パルコ本社の会議室を貸し切ってフォトスポットを4つ作り、衣装ラックやヘアメイクのスペース、試着室、全て一つの部屋にまとめてそれぞれの過程をずっと撮影しました。だからほぼ48時間ずっと撮られている状態ですし、誰もこの後の展開が分からないからどの会話も創作の一部であるような、脳みそフル回転で走り抜けた感覚です。最中はアドレナリンのお陰なのか、自分も含めて想像以上のものがポンポン出てきたんですけど、反動で終わった後は放心状態で自然と涙が出るくらい燃え尽きました（笑）。だから、この企画は「ファッションシューティングドキュメンタリー」と呼んでいます。 ー確かに、スタイリングが出来上がってく様子をリアルに感じられるのは新鮮ですね。　即興で制作している最中の会話をずっと録音していて。何気ない日常的な会話から始まったのに、最終的にスタイリングのアイデアになっていることがあり、「今何が起きたの？」と、私自身が一番楽しんでいました。現場の即興感をできるだけ本でも感じてもらいたかったので、テキストも現場の言葉をできるだけそのまま載せました。ーファッションシューティングドキュメンタリーは40ルック150枚以上とかなりのボリュームです。　最初は20ルックの予定だったのですが、撮り始めたら生き物みたいにあちこちでいろんなことが起こって「このスタイリングいいじゃん」とか「こうしちゃえ」とか、自然と派生していくことばかりでした。蓋を開けてみれば40ルックになっていました（笑）。数だけ見ると多いなとも思うのですが、ページをめくりながらあの時起こっていたことを体感してもらうためには全部が欠かせないルックです。「デビュー作を絶対私の本に載せたい」　無名の漫画家 CO¥OTEとは？ー参加クリエイターの中で、漫画家のCO¥OTEさんは検索しても全くヒットしなかったのですが...。　気になりますよね（笑）。CO¥OTEさんはここ数年で出会ったお友達ですが、当時は漫画家さんのアシスタントをしていて、自分ではこんなのを描いてるんだと見せてもらった作品がめちゃくちゃ面白かったんです。いち読者として早くこの人の作品をちゃんと読みたい、デビュー作を絶対私の本に載せたいとお願いしました。ーストーリーも伊藤さんと一緒に考えたのでしょうか？　制作に介入することはしていません。本人が考えていること、今だけの感覚、純度の高い衝動というか、それを自由に出してほしいと思ったので、とにかく今描きたいものを出して下さいとお願いしました。そしたらやっぱり面白くて最高でした！漫画が唐突に写真の合間に挟まっている構成もお気に入りです。いびつな感じというか、急に漫画家の作品が現れるのが良いアクセントになったと思います。実は漫画の最後の方に、よく見ると分かるちょっとしたネタがあるので是非読んで欲しいです。ー今回の書籍は、これまでクリエイターと制作してきた伊藤さんのキュレーターの側面がより現れていると感じます。　クリエイターやキュレーターだと意識したことはないんです。それよりも、好きなもの・面白いものを作る人たちと関わって何か生まれる現象が好きというか。いつも自分の「好き」からスタートしているのですが、理由を突き詰めていくとどうしたら面白いものを見せられるか分かってくる感覚もあります。本の”裏テーマ”と将来の夢ー書籍と連動した展覧会「MARIKA ITO LIKE A EXHIBITION LIKEA」は、「パルコでの展覧会の三部作最終章」とのことですが、元から三部作と決めていたのでしょうか。　全然そんなことはなくて、むしろ毎回「これが最後でいい」と思えるくらいの気持ちで挑んでいるので、3回も開催させていただいたことが自分でも驚きです。ありがたいことに、毎回いろんなクリエイターさんが参加してくださって刺激的な分、関わる人が多いとどの人にも同じ熱量でぶつかっていくので終わった後は本当に燃え尽きちゃうんです（笑）。今回は書籍が10年の集大成として深くて濃い内容になったから、パルコさんでの展覧会も一区切りという形です。ー展覧会は書籍を展示に再構築したものですが、どうやって作り上げていったのでしょうか。　空間設計に、クリエイティブチームCEKAIの福田哲丸さんに入っていただきました。本を読んでいただいて、私の考えやアイデアをお伝えしそれをどう立体物に落とし込むか考えていきました。本の巻頭企画であるファッションシューティングドキュメンタリーの写真を軸に展示していますが、ただ写真が並んでいるだけではつまらないので私の幼少期の動画を投影したり、本の最後にもある「プレイリスト 実家」で紹介している音楽を使ったり、生花アーティストのアレキサンダー・ジュリアンさんの作品など立体作品を織り交ぜながら本の内容を体感できるような空間を目指しました。根本さんには本に収録した脚本をラジオドラマに再編集していただいて。本の内容でありながらここでしかできない体験なので、ぜひご来場していただきたいですー展示にも再構築している本の企画「プレイリスト実家」では、実のお兄さんと対談しています。　この企画は自分の中で本の裏テーマ「古い記憶の中で一番好きなものは？」の軸になるもので実は結構重要というか。私は好きで集めたものについて「そもそもなんで好きなんだっけ？」と考えるのが癖なのですが、大体が「昔からこういうの好きだったな」と軸が変わってないことが多いんです。それは実家でよく聞いていた音楽とか、母が着ていたブランドとか、お兄ちゃんから教えてもらった漫画とかが起源になっているんだろうなと。だから一番身近なお兄ちゃんと実家でどんな音楽聞いてたっけって話をしてみました。話してみると「ああそうだった」と思うこともたくさんあり、私自身も今の自分がどうやってできたのか立ち返ることができて思い出深い企画になりました。あと、単純に自分で企画した雑誌だからこそ一般人のお兄ちゃんも自由に出てもらえるなと思って（笑）。ー伊藤さんの制作の根底にある「好き」のルーツを探れる企画だと思いました。　そうかもしれません。いろんな人や物が好きな私自身のルーツって何だっけと深掘りするような企画なので。私自身、昔好きだったものを今反芻することもめちゃくちゃあるんですけど、感じ方が変化しているのも面白いところだなと。最初にこの本を未来にも残したいとお話ししましたが、先の未来でこの本を読んだ人の感想を聞いてみたいです。きっとずっと先のことですけど。ー最近はデジタル社会で断片的にいろいろなものに触れるものの、それぞれのルーツまでは知らないことも多いと思いますが、この本はルーツを探る面白さのヒントになるような気がします。　そうなったらめちゃくちゃ嬉しいです。私は好きなものが出来上がる過程や引用元を探っていくのが癖で、考えることが作るモチベーションでもあるんですけど、好きの理由を突き詰めていくことと制作ってセットになっているところもあって。「なんで好きなんだろう？」を限界まで考えると同時に、じゃあどうやって伝えたら面白くなるんだ？と疑問が自然に湧いてくる。今回も単純な伊藤万理華の本ではなくて、それ以上のものを作るには自分を曝け出して剥いでいくしかないと思ったんです。剥いで剥いで、最後に残った面白さの核に何があるのか私が知らないことには始まらない。楽なことではないですけど、そういう核を大切にすればするほど、生み出したものが自分にとってただの物ではなくなるというか。それこそ生きていく糧になっています。ー気が早いですが、次に何か作るとしたら？　10年分の思いを詰め込んだので、「LIKEA」をじっくり、いろんな人の手に届けたいなと思っています。　次かどうかはわかりませんが、将来の夢としてギャラリーを作りたいと考えています。ギャラリーはアーティストの作品を披露する場でもあるし、作品を見に面白い人たちが集う場所でもあります。そういう意味では今回も「伊藤万理華のギャラリー本」のようなところもあるなと思いました。ジャンルとか立場とか関係なく共鳴した人たちが集まるギャラリーのような場所をいつか実現できたらと考えています。

Culture

伊藤万理華はなぜ作るのか？　初の書籍「LIKEA」の制作舞台裏と将来の夢

　「ラ・メゾン」は、ブシュロンの伝統とクリエイティビティに焦点を当てたイベント。時代を越えて受け継がれるアーカイブピースからハイジュエリー、新作コレクションまで揃う4つのテーマの没入空間を、中条あやみとともに巡る。スタイル：私だけの「運命のジュエリー」を見つけて　ゆったりとくつろげる空間が広がる「スタイル」のエリアでは、インタラクティブなジュエリー診断が楽しめる。タッチパネルを使っていくつかの質問に答えていくと、自分にぴったりのジュエリーが提案される仕組みだ。QRコードをスマートフォンで読み込めば、おすすめジュエリーのデータが送られてくる。　「占いみたいでわくわくします。ジュエリーを選ぶときは、つい守りに入ってしまいがちだけど、この診断結果をもとに新たなイメージに挑戦してみるのもいいですね」イノベーション：最新デジタル技術が描く、夢の世界　メゾンのクリエイティビティと革新性に迫るエリア「イノベーション」へ。デジタル技術によって、花の美しさを永遠の姿にとどめたハイジュエリーコレクション「フルール エターナル」が展示されている。実際に花びらを3Dスキャンして作られたというジュエリーは、どれも貴重な一点ものだ。　「まるで本物のお花みたい。大胆さと繊細さを感じます」。LEDパネルには花々が降り注ぐようなイメージが投写され、ファンタジックなムードを盛り上げる。ヘリテージ：メゾンの伝統が女性たちを輝かせる　「ヘリテージ」のコーナーには、ブランドに受け継がれる代表的なハイジュエリー作品である「クエスチョンマークネックレス」を展示。このジュエリーは、創業者フレデリック・ブシュロン（Frédéric Boucheron）が19世紀に考案したクラスプ（留め具）のないネックレス。バネ開閉式のデザインは、ネックレスを身に着ける際に手助けを必要としていた時代の女性たちに自由を与えた。　また、ブランドの歴史を紐解く19世紀以降のアーカイブピースも共に展示。160年以上に亘るメゾンの真髄に迫ることができる。　「誰かに着けてもらうものだったジュエリーを自分の手で着けるって、すごく素敵なコンセプト。自立した女性のイメージもかっこいいですね」フレンチ アール ドゥ ヴィーヴル：フランス流の優雅なひととき　最後のコーナーは、グリーンに囲まれたカフェ"ジャルダン・ディヴェール"。パリ・ヴァンドーム広場にあるブシュロンのブティックからインスピレーションを得たこのカフェは、まるでフランス貴族の邸宅のよう。店舗を訪れる顧客を友人のように迎え入れていたという、創業者のフィロソフィーが反映されている。　今回のイベントでは、創業者の愛猫ウラジミールを模したシグネチャースイーツも登場。ここだけで楽しめる特別なティータイムとなった。「本当にパリにいるみたいな気分。ウラジミールのデザートはかわいくて、食べるのがもったいないくらい」　また、自然や動物からインスピレーションを得たナチュール&アニマルコレクションが鳥カゴを模したショーケースにディスプレイされ、カフェ空間を華やかに彩った。　4つのフロアを通してブシュロンの新たな魅力を知ったという中条あやみがこの日、身に着けていたのはアイコンコレクションである「キャトル（QUATRE）」。　「キャトルは、ドレッシーな服はもちろん、Tシャツとデニムのようなシンプルな服に合わせてもかっこいい。いつか全部揃えたい！と思うくらい」と話すほどお気に入り。自由で自分らしいスタイルを叶えてくれるのも、ブシュロンのジュエリーならでは。その奥深い世界を堪能する特別なイベントとなった。

中条あやみとめぐる「ブシュロン」の世界　ハイジュエリー作品からパリのようなカフェ空間まで

1. Quad Parka　ヒップホップアーティストが着用し人気に火がついたリアルツリーカモをあしらった1980年代のアーカイヴ「Quad Parka」。ハンティングラインのアイテムで、狩りをする際に周囲の環境に溶け込むことができるデザインになっています。フロントには銃弾を収納できる機能を持たせたほか、本体をパーカとブルゾンに分解できる「インターチェンジシステム」を搭載。現在発売されている多くのモデルのサンプリングソースとなっています。2. DELTA MARSH JACKET　1980年代に発売され、アウトドアブランドで初めてゴアテックスを取り入れた「DELTA MARSH JACKET」。コロンビアは原価を抑える目的で、現在はゴアテックスと同等の機能を持つ自社素材をプロダクトに使用しているため、本家ゴアテックスを用いたアイテムは希少価値が高くなっています。ハンティングシーンに適したダックカモ柄はタウンユースでも存在感を放ち、担当者は「今全く同じ物を発売しても売れると思う」と話しています。3. Bugaboo Jacket　コロンビアの永遠の定番とも言われる「Bugaboo Jacket」の1990年代モデル。Bugaboo Jacketは元々スキージャケットとして発売されましたが、海外のヒップホップアーティストが着用し話題になったことで現在ではストリートのイメージが定着しました。2015年に「キス（Kith）」とコラボするなど現在でも人気のモデルですが、このカラーリングは復刻がないため希少価値が高いのだとか。4. スキージャケット（アイテム名不明）　1990年代当時スキーがブームとなったことで数多く展開されたスキージャケット。コロンビアは、多くのスキーウェアを発売したことをきっかけに現在のブランド規模まで成長しました。青とグレーのブランドタグと、ポップな色使いのブランドラベルがついたアイテムはほぼ1990年代にしか生産されなかったため、アーカイヴとして価値があるのだとか。担当者は「ボディも鮮やかなネオンカラーで、当時のトレンドを感じられる点もポイント」と話しています。5. アノラックパーカ（アイテム名不明）　こちらも1990年代のモデルであることを示すタグとポップなブランドラベルに、当時を彷彿とさせる配色が印象的なアノラックパーカ。フロントポケットを裏返すことでポーチのようにコンパクトに折り畳め、持ち運ぶことができます。コロンビアの1990年代のアイテムはヴィヴィットなカラーリングのアイテムが多く、現在のストリートシーンに通じる部分が多いのが特徴です。6. ハンティングジャケット　狩りをする際に、動物が視認できないオレンジをメインカラーに採用することでステルス性能を高めた2003年製のハンティングジャケット。1980年代の本格的なハンティングジャケットと比べるとストリートライクなデザインにはなっているものの、ポケット下部には銃弾を装備するための本格的なディテールが備わっており機能性もしっかり担保されています。>>「コロンビア」オムニヒートインフィニティの実力は？−20度の極寒で試してみた>>【コロンビア編】定番ブランドのリカバリーサンダルの実力を検証！

【コロンビアの名品6選】1980年代〜2000年代のアーカイヴを紹介

　BE EARTH-FRIENDLY ー漁網アップサイクルプロジェクトーは、ダイワが海洋環境の悪化を大きな課題と捉え取り組んでいるリサイクル活動の一環で、廃棄漁網をアパレルアイテムにアップサイクルし、漁協関係者へと還元することで廃棄漁網に新たな価値を生み出すことを目指している。　使用済み漁網のリサイクルは分別が難しく、1つの網を分別するのに1時間程度かかるため現状埋め立て処理が一般的となっている。同プロジェクトでは、回収した漁網を洗浄し、運搬しやすいようにキューブ状に圧縮。キューブ状の漁網を短く裁断後、溶解して液状化し、直径5ミリの糸状に加工。それを細かく切断することで再生糸の原料「ペレット」を製作した。ペレットを再び液状化し、他の成分と混ぜて紡糸することで、アップサイクル生地を製作している。　会場にはアップサイクル生地を使ったアパレル製品を展示。釣り用ウェアの技術を応用した漁師用のつなぎやジャケット、ダイワのアパレルブランド「ディーベック（D-VEC）」としてセットアップやワンピースなどを製作した。また真鯛の鱗をイメージしたフリルが特徴的なオートクチュールドレスも披露した。　会場に訪れた、楽天ファッションウィークトーキョー2022 AWのSDGsレポーター長濱ねるはオートクチュールドレスを実際に着用した感想として「最初に袖を通した時生地をたくさん使っているのに、とても軽くて動きやすいなと感じました。元々漁網だったものがここまでゴージャスで可愛いものに生まれ変われるということに可能性を感じます。今後もどんな服が生まれるのか楽しみです」とコメントした。

D-VEC

DAIWA

ダイワが廃棄漁網をアパレルアイテムに、表参道ヒルズでアップサイクルプロジェクト発表

　ブランドは今年で創設100周年。Gucci 100コレクションはグッチがこれまでに結びついてきたポップカルチャーとの密接な関係にフォーカスしたもの。1921年からこれまでにブランド名の「Gucci」が歌詞に登場した曲は累計「22,705」に上り、コレクションはこれらの楽曲を着想源に製作され、うち3曲のリリックの一部がウェアやアクセサリーにデザインされている。そのほか、「GUCCI100」ロゴのマルチカラープリントやモダンにアップデートされたGGパターン、フラワー＆クラウンのジャカードといったヴィンテージ風のモチーフが随所に取り入れられたアイテムを展開している。　9階の阪急うめだギャラリーでは「Aria」コレクションのランウェイを彷彿とさせるような反射する白のフロアが広がり、ブランドを象徴するグリーンカラーのクラシックなキャビネットの什器に新作のウェアやアクセサリーがラインナップ。側面に取り付けられたホイールを回すと「GUCCI GANG」「GUCCI ON MY BAG」など年代やジャンルを超えた楽曲が流れるという仕掛けが施されている。　また、ポップアップスペースに隣接するアートステージは、グッチのクラフツマンシップにフォーカスした展示スペース。1950年代のバッグや、バンブー（竹）をバーナーで熱し「U」のシェイプに成形して作られたバンブーバッグなど貴重なアーカイヴがディスプレイされ、2つの空間から過去から現在に受け継がれるグッチのクラフツマンシップとクリエイティビティの軌跡を感じることができる。　1階のコトコトステージ11は9階と同様のコンセプトを凝縮したスペースで、ウィメンズとメンズのウェアやバッグなどが展開。また「Gucci 100 Pop-up」はオンライン上でも展開し、3Dで再構築されたデジタル版のストア空間を楽しむことができるほか、ポップアップに関連する楽曲のプレイリストが公開されている。　自身もブランドのウェアやスニーカーなどを私服で愛用するという志尊淳は、会場を訪れ「コレクションの世界観がより表現されピックアップされて作り込まれているのがポップアップストアの醍醐味で、普段行くストアとはまた違った楽しみ方が出来ますよね」とコメント。ブランドの魅力について「グッチさんの服は見た時のファーストインプレッションと実際に着てみるとで違った感覚があって。見た目や着心地がとても自分にフィットするんです。デザインはもちろん、ブランドの発信の仕方だったり、ぶれない信念がエッジが効いていて好きです。デザイン性や信念は保ちつつ、時代に呼応して需要を読み取って進化していくという点は自分の仕事にも通ずるところがあり、それを長く積み重ねてきたというのはすごいことだと思います」と語った。　ポップアップは1階のコトコトステージ11が10月26日まで、 9階の阪急うめだギャラリー/アートステージが11月15日までそれぞれ開催される。

GUCCI

志尊淳と巡るグッチ創設100周年「Gucci 100」ポップアップストア、阪急うめだで開催

Why Kyoto？　グッチの発祥の地、イタリア・フィレンツェ。イベントの舞台となる京都とは姉妹都市でもあり、長い歴史の中で豊かな文化が育まれた世界都市としての共通点も。グッチが今年の4月に発表したイタリア語で「空気」や「息吹」を意味する最新コレクション「Aria」に込められたストーリーを描くため、新しいものと古いものが共存し再生を繰り返している京都をこの一大プロジェクト開催の地に選んだといいます。会場となったのは、京都の街の中心にある町家と、東西にそれぞれ位置する2つの歴史ある寺院です。Ⅰ.Gucci Bamboo House @旧川崎家住宅　まず1つ目のスポットは、京都の中心部・新町通沿いの旧川崎家住宅で行われる体験型エキシビション「グッチ バンブーハウス」です。グッチ創設と同時期の1920年代に豪商の邸宅として建てられた川崎家住宅は、京都市の有形文化財でもあります。しばらくの間、時が止まったかのような空間が再び魅力を輝かせ、伝統的な京町家の様式と西洋の建築様式など古今東西の意匠が融合した空間は、折衷主義が色濃く反映されているグッチの世界観に調和。プロジェクトの軸となるコレクション「Aria」には「生命の再生」という意味も込められていることから、昔ながらの建物構造や素材を活かしつつ、グッチの歴史の節目をつなぐ「竹」にフォーカスした「バンブーハウス」として生まれ変わりました。今回のイベントで唯一、7月22日から予約制で一般公開されているパブリックイベントです。 　バンブーハウスの主役でもある、1947年に誕生したグッチを代表するバンブーハンドルのバッグ。このアイコニックなハンドルの形状は、職人が竹の地下茎をバーナーで熱し、カーブさせて作られています。戦後の物資不足の中で、ものづくりへの情熱とクラフトマンシップにより生まれたというバンブーハンドルは、グッチの精神と普遍的な美しさを内包したブランドの象徴の一つ。エキシビションではフィレンツェから取り寄せた1950年代〜90年代のアーカイヴ14点を展示しています。　過去から現在へと受け継がれるバンブーハンドルバッグ。その系譜を継承しているのが、1991年に登場しミケーレが現代に向けて再解釈した最新モデル「グッチ ダイアナ」です。ネオンカラーのカラフルなバンドは、ハンドルの形状を維持するために元々バッグに付属されていた保管用バンドからインスピレーションを得たもの。あえてデザインに取り入れることで、クラシックな中にも意外性というひねりを効かせているのはミケーレならでは。　大正浪漫のムードが漂うバンブーハウスには、一足早く特別なゲストが来場。俳優 永山瑛太さんの姿を捉えた撮り下ろしもCHECK！永山瑛太が巡る「GUCCI BAMBOO HOUSE」■ GUCCI BAMBOO HOUSE会期：2021年7月22日（木）〜 8月15日（日）会場：旧川崎家住宅住所：京都府京都市中京区新町通六角上ル三条町340時間：11:00 – 20:00 （最終入場は19:00まで）休館日：水曜特設サイト（事前予約制）Ⅱ. Gucci High Jewelry&Fine Watch @仁和寺宸殿　2つ目のスポットは888年建立、1994年に世界遺産に登録された仁和寺です。二王門をくぐり左手にある宸殿（しんでん）内で、ラテン語で「歓喜の庭」を意味するハイジュエリーコレクション「ホルトゥス デリキアルム」とファインウォッチの新作がお披露目されました。ミケーレにより2019年に始まったハイジュエリーコレクションは、「Aria」で3シーズン目。エレガントながらデコラティブで遊び心のあるグッチらしいデザインは唯一無二で、「Aria」では滝やアニマル、ロマンチックポエティズム、ナイトフォールという4つのテーマでコレクションが制作されました。　ハイジュエリーはパリのヴァンドームにある専門ブティックなど限られた機会でしか見ることのできない貴重なコレクション。この日のために京都に運び込まれた約90点のハイジュエリーは格式高い日本間にディスプレイされ、神秘性を秘めた輝きを放ちます。 Ⅲ. Gucci Aria in Kyoto @清水寺　そして3つ目のスポットは、京都一の観光名所・清水寺です。仁王門や西門、三重塔など境内の建物は「Aria」のコレクションで登場した架空のナイトクラブ「SAVOY CLUB」を彷彿とさせるピンクとパープルの照明でドラマチックにライトアップ。特別な一夜を盛り上げます。 　階段を登り進めると経堂・回廊・本堂・奥の院の異なる建物で最新コレクションの展示が続きます。キーインスピレーションとなった乗馬スタイルのアイテムや、話題を集めた「バレンシアガ（BALENCIAGA）」との"ハッキング"ピースなどが国内初披露。プロジェクションマッピングで投影されフォレストグリーンに染まった荘厳な堂内には、命が吹き込まれる様子を表したというミラーのマネキンが設置され、まるで幻影のようにコレクションピースが展示されました。 　3ヶ所で行われたパフォーマンスでは、新たな命を得て再生する様子や、心臓の鼓動を表現した舞を披露。昨年改修工事が終了し、"再生"したばかりの清水の舞台で「Aria」の印象的なフィナーレとも重なる「ユートピア」が、能や日本舞踊、雅楽といった日本の伝統芸能で表現されました。自然世界と深く結びつき、芸能を奉納する場所として作られた清水の舞台で、創造と再生のストーリーが描かれ、新たな始まりを告げます。　京都の街を"テイクオーバー"して行われた「Gucci in Kyoto」。限られた招待客を招いたスペシャルイベントには、特別な一夜に華を添えるセレブリティの姿も。フィレンツェと京都が生命の息吹によって結びつき、グッチの新たな100年への歩みが刻まれました。

グッチの新たな幕開け、3つのエキシビションから探る「GUCCI in Kyoto」の全貌

　長野はデザイナー黒河内真衣子の生まれ故郷。今年4月にリニューアルオープンした善光寺にほど近い長野県立美術館のスタッフユニフォームを手掛けたことから、オープニング展の一環として今回の展覧会の開催が決まった。　展示室3のスペースに並ぶのは、時系列ではなく「ノート」「曲線」「刺繍」「長野」「色」「クラフト」「私小説」「夢」「テクスチャー」「旅」といったブランドを構成する10の要素からキュレーションされた展示品の数々。服だけではなく、黒河内が見た映画や出会った人など何気ない日常生活での気づきや、コレクションのブレインストーミングなど、ブランド創立前から綴ってきた約20冊に及ぶ直筆のパーソナルなダイアリーから抜粋したページを覗くことができるほか、刺繍工場とのやり取りを記した図案、旅行中に撮影したスナップなど、アイデア段階から「マメ クロゴウチ」の服が出来るまでの一連のプロセスを見ることができる。　デビュー当初に掲げていた「現代社会における戦闘服」というブランドコンセプトは、今でこそ時代の変化とともに大々的には謳ってはいないが、根本的な考え方はブレていないという。黒河内は「服をまとった時に綺麗に見えたり、背筋が伸びる感覚がとても大切で、自分自身も『マメ』をたくさん着てきた中で、勇気づけられ、助けられた場面がたくさんあった。あくまで服ではなく着る人が主役。着る人の背中を押すような存在であり続けたいという点はずっと思い続けた10年だった。いまだに毎シーズン、どれを着ようか楽しみにしている自分がいる」と、この10年を振り返る。　パリのファッションウィークでの発表や発売初日を迎えたユニクロとのコラボレーションなど、グローバル規模の動きも近年顕著だが、長野というローカルな場所に立ち返ることについて、「当時は田舎の生活がつまらないと思っていたが、年を重ねるごとに自分が生まれ育った環境がとても豊かで恵まれていたことを実感できるようになり、自分が美しいと思う美意識や感覚は幼少期に育まれたものだと思っている。長野にいた時の私と同じように感じている若い人、デザイナーだけではなくどの職業を目指してる人にも、何かのきっかけになれば。この場所で展覧会を開催できたことは自分にとって一番意味のあることだと思う」と話し、故郷への想いを馳せた。　なお、7月には展覧会を記念し"読む展覧会"として作品集「10 Mame Kurogouchi」（税込2970円）を発売する予定。

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