インサイド

アントワープの「ファッションショー」とは　アントワープのファッションショーは毎年6月に開催され、1〜4年の全学年の生徒が作品を発表することができる。デムナ（Demna）をはじめとするファッション業界で活躍するデザイナーや各種メディアの注目が集まる、作品を発表できる貴重な機会である。アントワープのショーの特色として、全学年の作品が発表されることがある。他の海外大学と比べて提携メディアが少なく、作品が世間の目に触れる機会が限られているアカデミーの学生たちにとって貴重な機会である。そのため、学生たちは1年生から大学院生まで、この2日間に向けて制作に取り組んでいると言っても過言ではない。　今回のファッションショーでは、クリス・ヴァン・アッシュ（Kris Van Assche）といったアントワープに縁のあるデザイナーはもちろん、キコ・コスタディノフ（Kiko Kostadinov）やディララ・フィンドゥコル（Dilara Fındıkoğlu）といった著名なデザイナーたちがヨーロッパ各地から招かれ、学生の作品を審査した。これまでのショーとは一線を画す、より広範な視点で評価が行われたことは、学生にとっても大きな挑戦であり、新たな刺激となった。　審査の結果、優秀と認められた3年生および大学院生の作品には、アワードが授与される。プライズの内容は多様で、ジャカード工場とのコラボレーション権や現金支給などがある（王立大学なのもありベルギー出身のデザイナーを優先的にプロモーションするという学校側の意図も見受けられるが…）　そんな中、今回新設された「シューティン チウ（Shuting Qiu）」アワードには、3年生の桑野さんが選ばれ、このような成果は、アカデミーにおいて数少ない日本人学生である私にとって大きな励みとなった。「Shuting Qie」アワードとは？Shuting Qiuのブランドの特徴である、「創造性と遊び心」を持つ生徒に授与される賞。「ファッションショー」ができるまで制作課題　ファッションショーに向けた1年間の流れとしては、1年生はスカート、ドレス、ジャケットの3アイテムを制作し、2年生から4年生（大学院生）はコレクションを制作するという課題が与えられる。そして、全体講評時に制作した作品の中から、ファッションショーに出す作品が選抜される。　1年生の場合、2学期の制作課題はドレスとジャケットだ。これらは1学期の制作課題であるスカートに比べ、生地と身体の関係性や動きをデザインすることが求められ、よりファッションらしい課題と言える。また、襟や袖のデザインに創造性を発揮することが求められ、さらにチェックやストライプ生地の柄をどのようにデザインに取り入れるかも大きな課題となる。ドリス・ヴァン・ノッテン（Dries Van Noten）やウォルター・ヴァン・ベイレンドンク（Walter van Beirendonck）といったデザイナーを輩出したアントワープならではの内容だ。　（ちなみに、ドレス制作においてはポプリンの生地が厳格に指定されており、指定されたサイトから購入する必要がある。誤って別のポプリンを購入した生徒が、完成間近でやり直しを余儀なくされることもあった）　ジャケットの課題では、一般的にファッションで使用されない素材をどのようにファッションデザインに落とし込むかが問われる。また、制作期間が2週間しか与えられないため、スピード感を持って制作することも主な課題だ。全体講評　ファッションショーの本番に向けて、今年は例年よりも2週間早いスケジュールで準備が進行した。そのため、学生たちはデッドラインが2週間早まるという異例の事態に対応せざるを得ず、全員が必死で制作に取り組んだ。中には学校に来なくなる人や、顔つきが険しくなる人も少なくなかった。多くの学生が睡眠時間を削りながら必死に制作をしていた。　私は、無事にスカート、ジャケット、ドレスの制作やその他のデザイン課題を終え、全体講評の日があっという間にやってきた。この講評では、ファッション学科の全ての先生の前で、制作した3着をモデルに着せた状態でプレゼンを行う。学長のブランドン・ウェン（Brandon Wen）はもちろん、アントワープシックスの一人であるダーク・ヴァン・セーヌ（Dirk van Saene）からも直接講評を受けた。先に述べたようにこの全体講評で、1年を通して制作した作品の中から、どれがランウェイを歩くかが選抜されるため、緊張感が漂う。私の作品は、先生方から高い評価を得られ、3着全てがショーに出ることが決定した。ポスターとマガジン　毎年、ファッションショーに併せてポスターやマガジンの発行が行われる。これらは学校主導で編集され、全学年の生徒の作品が掲載される。生徒たちは制作に追われる中でも、先生方の推薦を受けた作品はこのための新たな撮影が必要になる。ポスターに選ばれる作品は学長（ブランドン）の推薦によって決定され、ファッションショーの2週間前には街中に掲示される。このように、ポスターやマガジンを通じて、学生たちの作品がショー以外の形で広く世間の目に触れる機会が提供される。前日準備とリハーサル　前日は作品の搬入から始まり、ショーの流れが大まかに説明された後、それぞれの作品に番号とモデルが書かれた札が振り分けられる。その番号はランウェイを歩く順番を意味し、私は1番の札を先生から受け取り、スカートがショーのオープニングルックとなることが決定した。（ショーは学年ごとに1年生、2年生、3年生、大学院生の順に発表される）　ショーの会場作りは音響からモデルのメーキャップまで、アカデミー側が行うため、学生は作業に集中できる。バックステージに入ってからも手直しやモデルへの着せ付けに追われるだけでなく、ショーの後に控える進級試験の準備をしている生徒も少なくない。その後、振り分けられた番号に基づいて所定の場所に作品を配置し、モデルを共有する他学年の生徒から着せつけの説明を受ける。ショー前日にはモデルが不在のため、作品の構造が複雑な場合、説明するのもされるのも大変である。　リハーサルはショーの直前に行われ、生徒は当日にフィッティングを行い、必要に応じて修正やモデルの変更を行う。リハーサルでは、モデルがランウェイを歩く順番や速度、ポーズを最終確認し、全体の流れをシミュレーションする。ファッションショー本番　ショー1日目、会場はファッションショーが始まるのを待ちわびる観客で埋め尽くされていたが、バックステージでは生徒たちが慌ただしく動き回っていた。開始のカウントダウンが進むと会場が暗転。緊張感が高まる中、ファーストルックのスカートが静かにランウェイに登場し、ショーがスタートした。自分の作品をモデルに着せつけるだけでなく、他の学生のサポートもしなくてはならず、複雑な構造を持つ作品を扱うときは、素早く慎重に対応する必要があった。フィッティング調整を終え、モデルをステージへ送り出す。　ショーは全学年の作品が発表されるため、19時に始まったショーは23時近くまで続き、長時間にわたる作業と緊張で生徒たちは相当な疲労を感じた。しかし、その疲れの中にも、作品ステージへ送り出す達成感があった。　ショー2日目。この日は審査が行われ、学校が招待したゲスト審査員が参加する日であった。審査員には、先述した通り国際的に著名なデザイナーやファッション関係者が多数含まれており、その中には私が特に尊敬するデザイナーの1人であるキコ・コスタディノフもいた。彼らに作品が審査されることもあり、緊張感のある一日となったが、前日の経験もあり学生たちは要領を得て、1日目はよりスムーズに進行した。そしてショーが無事に終了し、会場が拍手に包まれた。　また、個人的にも印象深い出来事がその後に訪れた。ショー終了後、偶然にもキコと直接話す機会があり、作品へのポジティブな意見をもらえ、握手を交わすことができた。二日間のショーの中でも、この出来事は特に心に残る瞬間となった。【動画】ショーの様子＞次回は、学内で出会った学内でも希少な日本人留学生について紹介します。

Fashion

【連載：アントワープ留学記】学生たちの未来が決まる？ ファッションショー編

　第3回は、「友達と一緒にランジェリーブランドを立ち上げたい」と語る、文化服装学院のバーチャルファッションコースに通うMiuさんにフォーカス。ベストバイコスメに選んだアイテムを使ったメイクアップと、それに合わせたファッションで登場していただきました。Miu's 2024年上半期ベストバイコスメ　ベストバイコスメは韓国コスメブランド「ペリペラ（peripera）」のアイシャドウやチークなどが入ったパレット「オール テイク ムード ライク パレット」の「02 ピーチ ヘブン」です。カナダに1年間留学していた時から欲しくて、帰国して日本で買いました。真ん中のハートのハイライトとチークがキラキラで可愛くて、ひと筆でテンションが爆上がり（笑）アイシャドウも捨て色がなくどんな服にも合うので毎日使ってます。今日はほっぺたや目頭にハイライトとグリッターを使って、右上のアイシャドウをグラデーションにしています。　そのほか買ってよかったコスメは「M·A·C（メイクアップ アート コスメティックス）」のアイシャドウパレット「ラブストラック ラック」と「アンドビー（＆be）」の下地「UVミルク」です。M·A·Cのアイシャドウはカナダの友達がプレゼントしてくれたもので、今日は赤いカラーを下まぶたに細く入れました。パッケージがバレンタイン仕様で可愛いし、キラキラしてて発色も良いから超お気に入りです！UVミルクは下地効果も日焼け止め効果もあって大好き。肌が乾燥して“ケパケパ”になっちゃう私でも保湿を実感できるので、ずっとリピートしてます。トップス: HYSTERIC GLAMOURスカート: usedシューズ: adidasネックレス: used, handmade, セボンスターブレスレット: ANNA SUIinstagram: @m___baa

＆be

M·A·C

Beauty

【服好きが選ぶベストバイコスメ】文化服装学院編 vol.3 Miu：ひと筆でテンションが上がるペリペラのパレット

　第2回は、「将来はデザイナーとして自分のブランドの店舗を構えたい」と語る、文化服装学院の服装科に通う慶悟さんにフォーカス。ベストバイコスメに選んだアイテムを使ったメイクアップと、それに合わせたファッションで登場していただきました。慶悟's 2024年上半期ベストバイコスメ　2024年上半期のベストバイコスメは「M·A·C（メイクアップ アート コスメティックス）」のファンデーション「スタジオ フィックス フルイッド SPF15」です。隠したい“青ひげ”を綺麗に隠してくれるし、マットな仕上がりなのに付け心地はしっとりしてる。乾燥しがちな自分の肌でも、長時間ヒビ割れたりせずにカバーして整えてくれます。軽くメイクする日でも、短時間で簡単に肌を整えることができるので、ベストバイコスメに選びました。　あとは「ジバンシイ（GIVENCHY）」のリップスティック「ルージュ・アンテルディ・シルキー」の「No.333 ランテルディ」と、Amazonで購入した「DUOLAIMENG」の黒いリップスティックが気に入ってます。ジバンシイのリップは誕生日にプレゼントしてもらったもので、シルバーの限定ケースに入れて使っています。ひと塗りで赤が強く発色するので、黒いリップを薄く重ねてほどよい紫に仕上げるのが好きです。この黒いリップは赤みや紫っぽさもなく真っ黒で、濃淡を調整しやすいので他のリップに重ねて使うのに重宝しています。ボトムス: UNIQLOシューズ: SAINT LAURENTネックレス: handmadeピアス: PIERRE CARDIN時計: SAINT LAURENTリング: handmade

GIVENCHY

【服好きが選ぶベストバイコスメ】文化服装学院編 vol.2 慶悟：肌悩みをカバーできるM·A·Cのファンデ

　第1回は、文化服装学院のⅡ部（夜間部）に通いながらモデルとしても活動するleraさんにフォーカス。ベストバイコスメに選んだアイテムを使ったメイクアップと、それに合わせたファッションで登場していただきました。lera's 2024年上半期ベストバイコスメ　私の2024年上半期のベストバイコスメは「マキアージュ（MAQuillAGE）」の「ドラマティックアイカラー」の「GR111 ミントショコラ」。このカラーはまぶたのくすみや赤みを飛ばしてくれるので、もう底が見えるほど使ってます。肌より明るいアイシャドウを好んで使っていて、白っぽいカラーが好きです。GR111 ミントショコラは「夏っぽいね」と言われることもあるので、この夏はヘビロテしそうです。　それ以外では「アールエムケー（RMK）」の「RMK クリア アイブロウ ジェル」と、「ケイト（KATE）」のリップモンスターの限定カラー「106 夜雲の涙」です。私はいつもまゆげに1番時間をかけてメイクしていて、最近は毛を立てるのにハマっています。まゆげを立てると個性的な顔になるし、このジェルは透明だけど毛の量を多く見せてくれるのでお気に入りです。リップモンスターは何種類か集めています。やっぱり色持ちが良いし、106 夜雲の涙は塗ってみると思ったより紫っぽくなくて明るいピンクに発色するのも可愛くて気に入っています。トップス: used ボトムス: Marithe+Francois Girbaud シューズ: JEANASIS ネックレス: 母からもらったもの キャップ: SHEIN ボレロ: SHEIN スカート: SHEINリング: used

KATE

【服好きが選ぶベストバイコスメ】文化服装学院編 vol.1 lera：「マキアージュ」のミント色のアイシャドウ

社会人＆デザイナーとして必ず求められるスキルとは？　CFCL高橋悠介に聞く、デザイナーのキャリア論

1年生のクラス編成と授業スケジュール　アントワープ王立芸術アカデミー（以下、アカデミー）では、1年生の学生数が多いため、クラスは2つに分かれている。授業は午前と午後の2講座で、それぞれ約4時間の長丁場。でも、スケジュールは柔軟なので、必要に応じて頻繁に変更される。課題は自宅で行うこともあれば授業中に取り組むこともあり、進捗は先生から個別にフィードバックを受けながら進める。 「ファッション」の授業内容　「ファッション」の授業はモード美術館の最上階で行われ、主なテーマは以下の4つ。 ファッションデザイン パターン ドローイング テキスタイル　これらに加え、水曜日には座学の授業があり、アート史、哲学、ファッション史を学ぶ。また、ヌードモデルを等身大で描くライフドローイング*の授業もある。以前は座学の授業はオランダ語で行われていたが、現在はすべての授業が英語で行われている。 （*人物のモデルを描写すること。日本での「クロッキー」に類する）印象に残っている授業　特に印象に残っているのは、金曜日に隔週で行われるテキスタイルの授業だ。「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」や「セリーヌ（CELINE）」で生地のヘッドデザイナーを務めた経験を持つ講師が指導にあたる。彼女は生地の基本構造からサステナビリティの課題まで、非常に広範囲にわたる知識を包括的に教えてくれる。指導方法は非常に実践的で、彼女自身がデザインに関わった生地を含む、世界中から集めた膨大なアーカイヴを活用している。これらの生地に実際に触れることで、学生はテキスタイルに関する深い知識と理解を得ることができる。 　中でも、実際にコレクションで使用された生地のリサーチや制作プロセスの詳細を学べる点は非常に貴重だ。なお、アーカイヴの半数ほどが日本製の生地であり、西洋的な視点で日本の職人技術の高さを熱弁する様子は非常に興味深い。 校外学習　先日、校外学習の一環としてオランダの生地博物館を訪れた。この博物館では、テキスタイルデザインを単なる工芸としてだけでなく、アートとして捉えていることが強く感じられた。伝統的な織り機から最新の編み機まで、幅広い技術を展示しているだけでなく、実際にテキスタイルアーティストがこれらの機械を使用して作品を制作・展示できる環境が整っている。　群馬県出身の私としては、学生時代に社会科見学で訪れた富岡製糸場のような歴史的価値に重きを置いた施設を想像していたが、この博物館には異なる印象を受けた。ここでは、現代的な視点から伝統技術を再評価し、創造性を刺激する内容となっており、見学者や利用者には若者が多い。実際に職人とテキスタイルアーティストが協力しながら作品を制作している現場を見られることも、この博物館の大きな魅力だと感じた。1年生の主な課題　ファッションデザインの課題は実際に制作するスカート、ドレス、ジャケットを中心に、大量のファッションデザインの課題が並行して進む。1学期には「period project」と呼ばれる課題があり、古代、中世、ルネッサンスなどの時代を参考に、現代的に再解釈したデザイン画を描く。これは約一ヶ月ごとに提出する。 　「color card」と呼ばれる課題では、zineのようなものを2冊制作し、ページレイアウトや色彩感覚、ムードを視覚的に伝える方法などを学ぶ。2学期には「collection book」と呼ばれる課題があり、実際に制作はしないが、6〜8体のデザイン画を描き、リサーチやコンセプト設定、色彩や素材選びまで行う。 　これらの課題と絡み合う形で、ドローイングの課題も出される。「presentation book」という課題では出来上がったデザイン画を審査会でプレゼンするために10ページほどの冊子を作る（この課題は今年すでに5回出された）。他にもA1サイズの紙にドレスやスカートを自由なスタイルで描いたりと、自分のデザインを言葉だけでなく様々な媒体を用いて視覚的に伝える方法を学ぶ。また、座学の課題が出されることもあるが、ファッションデザインの生徒は多忙がゆえに提出期限直前にやるケースが多い。 1週間のスケジュールと忙しさ　上記のように大量の課題が出される上に、アカデミーでは課題の出来が進級の可否に直接関わるため、生徒は皆全力で取り組んでいる。ただし、生徒のバックグラウンドは非常に多様で、年齢や経験もさまざまだ。ファッションを以前学んだことがない人もいれば、金銭的に余裕がある生徒はパターンや縫製を外注することができるため、忙しさには個人差がある。ちなみに、外注はアカデミーではグレーゾーンとされており、一定数の生徒が利用しているが、先生に知られると問題になるらしい。異なる文化や経験を持つ生徒が集まり、お互いに影響を受け合うことで、より豊かな視点やアイデアが生まれる。この多様性が学びを一層深めている。学生の多様性と文化的視点　日本にいると気づくことが少ないが、海外の人から見ると日本のファッションや文化は一種の羨望の対象だ。「カワイイカルチャー」や伝統文化など、西洋からかけ離れた孤島で独自に発達した文化として、西洋的な視点で捉えられている。他のクラスメイトの作品を見ると、デザインのリファレンスとして日本文化が用いられることも少なくない。西洋の人たちが日本やアジアの文化をどう捉えているか、その視点は日本文化にどっぷり浸かった私とは全く異なり、これが非常に興味深く感じられる。 休みの日の過ごし方　休日も基本的には出された大量の課題をこなす。課題の大変さは生徒の能力や経験によって異なるため、長期休暇中に他国を旅行する生徒もいれば、一日も休みを取らずに課題に取り組む生徒もいる。それぞれのリフレッシュ方法を見つけることが効率的に作業を進める上で重要だ。ある生徒はヨガやジムで心身を整えたり、他の生徒は大きい課題が終わるごとにホームパーティーを開いたり、美術館を訪れたりしてインスピレーションを得たりしている。私の場合は、毎週末に友達と川沿いでランニングやバスケットボールをしたり、休憩時間に軽い筋トレや瞑想、コールドシャワーを浴びるなどしてリフレッシュしている。 　アカデミーは生徒の数や施設の規模が比較的小さいため、生徒間の繋がりが強く、学校の厳しさを生徒同士で支え合って乗り越えようとする傾向がある。例えば、制作で行き詰まった時には同級生や上級生に連絡を取り、制作のヒントをもらうことができる。また、学校のプレッシャーに押しつぶされそうな時には、友達に話したりして悩みを共有したりして、精神的にも生徒同士が支えとなっている。このように、厳しい環境の中でも生徒同士が支え合いながら成長していく姿勢が、アカデミーの特徴だなと感じる。 ＞＞次回は、初めてのショーの準備から当日までの様子を紹介します。

【連載：アントワープ留学記】ファッションデザイン科1年生の生活とは？　膨大な課題、休みの日の過ごし方をレポート

自然の逞しさにエレガンスを発見する- Qianhan Liu　卒業ショーのトップを飾った学生がQianhan Liuだ。ファーストルックのLook1は、落ち葉をモチーフにしたボリューミー＆クラフトなアイテムがランウェイを歩く。このアイテムは、レザーを落ち葉の形にカットオフしたものをハンドメイドで縫い付けたものだった。　次に登場したLook2も自然がモチーフになっている。比翼仕立てのダブルブレステッドスーツはモアレ模様が浮かび上がっており、これは老朽化した木材をプリントしたリサイクルレザーを使用したものである。発表された全6ルックのうち、4ルックは木をテーマにした素材が使われている。　自然をテーマにすると、その美しさにフォーカスされるコレクションが多いが、Liuは時間を経てきた自然の姿に美しさを見出す。　Liuのデザインはシルエットにも特徴がある。とりわけアウターのシルエットが目を惹く。肩幅はワイドで、袖丈も手が隠れるほどにロングレングス。身頃の形は、直線的なカッティングと重量感のあるボリュームで男性モデルの体を逞しく力強く覆う。ジャケットやコートの形が持つ力強さが、荒々しい木の個性に重なっていく。　最も迫力を感じたのは、最後に登場したLook6の黒いロングコートだ。Instagram（@qianhanliu）で“The monk coat”と紹介されていたアウターは、僧侶の服装から着想を得てデザインされ、コートの形そのものが個性的だ。ショルダーは極端に厚く広く、足首も完璧に隠すロング丈。身頃は最小限の切り替え線で立体感を作っているために、曲線のラインが皆無と言えるストレートシルエットが実にダイナミック。　自然の麗しさではなく、自然の逞しさに美を見出したLiuは、卒業後に北欧の地を拠点にする「アクネ ストゥディオズ（ACNE STUDIOS）」のアシスタントデザイナーとして、プロフェッショナルの道を歩み始める。未来と古典のミックスが生み出すクラフトウェア- Cécile Bousselat　Cécile BousselatがMA卒業コレクションで発表したロング丈のコートやドレスには、素材加工・レーザープリント・プリーツが駆使され、いずれもクラフトワークが冴え渡るアイテムだが、どこか近未来的な印象を覚える。そのことは、Instagram（@cecile.bousselat）を見ることでより強く実感する。　過去のコレクションでは、クロコレザーの表情を黒いサテン生地に再現したり、銀の刃を彷彿させるモチーフを連ねたドレスを製作したりと、Bousselatのデザインには素材の挑戦と実験が欠かせない。しかも、完成した素材は、誰もが美しいと思うスタンダードなエレガンスから外れたものが多い。　また、Bousselatの服にはいわゆるベーシックな形というものが存在しない。一言で言えば布の彫刻だ。MA卒業コレクションはBousselatの造形センスが露わになっていた。Look1は黒いラムスキンを折りたたんで釣り鐘状に形づくり、ワイドな幅の袖を取り付けたロングコートを発表。Look3で登場したライトグレーのコートは、フェルト生地が首元から左腕にかけてビッグサイズのスカーフが包み込むようで大胆。Look5はプリーツを満遍なく全体に施したサテン生地のトップスが現れ、工芸作品に勝るとも劣らない技巧の極みを披露した。　ただ、矛盾することを言うが、近未来なMA卒業コレクションにはクラシックの残像を感じる。それは発表された6ルックすべてが、クラシック王道の縦を強調したロングシルエットと、ブラック・グレー・ゴールドというシックなカラーを徹底させたからだろう。未来のクラシックがそこにはあった。　卒業後のBousselatは、ジョナサン・アンダーソン（Jonathan Anderson）が率いる「ロエベ（LOEWE）」でアシスタントデザイナーとしてキャリアをスタート。美醜の醜に美を見出す稀有な才能を持つアンダーソンのもとで、Bousselatの未来と古典を絶妙に織り交ぜるセンスはいっそう磨かれるに違いない。ニットとピンクを使っても100％の甘さを許容しない- Sofia Saerens　ベルギーで生まれ育ったSofia Saerensは、ブリュッセルのモード校であるル・カンブルの学士課程（BA）でファッションデザインを学び、「アン ドゥムルメステール（ANN DEMEULEMEESTER）」でのインターンも経験し、2022年にIFMのMAに入学する。　SaerensがIFMで専門的に学んだのはニットウェアで、MA卒業コレクションは得意のニットをベースにするデザインを発表した。　Look1では、燻んだピンクに染まったベビードールドレスの上に、ダークな色のテーラードジャケットをレイヤード。ジャケットの表面には、甘いピンクのフェルトレースを取り付け、ソックスにはハイソックスを選択。全体のスタイルを見ればフェミニンな印象を抱いてもおかしくないのだが、ノスタルジックな素材感と落ち着いたトーンの色使いが、渋みをもたらす。　Saerensは、レース・ニット・ピンクといった甘さを代表する要素を多用するが、甘さとは対極の暗さを帯びた方向性にコレクションを仕上げていく。Look3のクロップドセーターは、タートルネックから胸元、胸元から左腕にかけて苔が生えたようにモスグリーンのフェルトが侵食している。　コレクションのラストを飾ったLook6は、それまでのダークトーンとは打って変わり、ホワイトを主役にしたスタイルを披露した。ハイネックとフレンチスリーブのトップスは、ウェスト部分から白いレースに切り替わり、ティアードスカート風に作られている。トップスだけを見ればピュアだが、ボトムのフェルトパンツは左右の膝部分をローゲージで仕立て肌を透かしていた。Saerensは100％の甘さを許容しない。どこかに退廃的空気を漂わせる。　Instagram（@sofiasaerens）は、Saerensの特徴を表す素材作りに焦点を当てた写真が投稿されている。「ニットが着たいけれど、かわいいニットを着たいわけではない」。そんな人たちの期待に応えるニットウェアが、Saerensのクリエイションである。コルセットをテーマにレースとニットを甘くも力強く表現- Marion Pellé　Marion Pelléも、先述のSofia Saerensと同様にIFMでニットウェアを学んだ一人だが、その作風はSaerensとは異なる。Pelléは白のニットとレースをふんだんに用いたMA卒業コレクションを発表した。　使用素材だけを聞けば、ピュアでクリーン、あるいはノスタルジックでガーリーなファッションが連想されるが、Pelléのデザインは一味違う。自身のInstagram（@marionpelle）では、「体・レース・整形外科用コルセットの融合を探求している」とMA卒業コレクションのテーマが明かされていた。　柔らかく薄手のニットとレースがメイン素材のため、シルエットは硬さとは無縁の、体に優しく寄り添うスレンダーシルエットになるが、Pelléはシンプルな方向性にはまとめない。一つのルックの中で、レースとニットをドッキングさせてアシンメトリーに構成していく。　レースの模様が体のところどころを覆う姿は、体を守るための防具、アーマー的な装いに見えてくる。その印象を強めるのが、主にウェスト部分に仕様された銀色の素材だ。コルセットから発想されたであろうディテールが、モデルたちのウェストにアクセントをもたらす。　Look1では絡みついた蔦のようにネックとウェストを包み込み、ドレスの前身頃中央を首元から腰にかけて金属製プレートが取り付けられている。その他のルックでも、これまた医療器具に使われていそうな金属プレートがウエストに複数取り付けられていた。　コルセットがテーマの一つでありながら、直接的にコルセットをアピールしない。ランジェリーライクな素材・色・シルエットの中に、金属プレートをウエストに配置するだけで、コルセットのイメージを植え付けていく。それゆえ、コレクションはニットの繊細さを損なわずにテーマであるコルセットの表現を可能にした。　Pelléの手法は非常にテクニカルだ。ただし、賞賛されるべきはやはり服のデザインそのもの。ニットとレースという甘さと柔らかさが特徴の素材を、ドッキングとアシンメトリーの手法で可憐な力強さを演出したPelléは、日常をモードに変えるファッションアイテムを完成させた。多様な着想源をダークに表現してテキストでも伝える- Younes Benbousselham　ファッションは見て感じるもの。だが、Younes BenbousselhamはMA卒業コレクションのインスピレーションを、Instagram（@you_n_i_files）を通してボリューミーなテキストで伝えていく。　Benbousselhamのデザインは、黒い素材を使用したブラックウェアが主役。服の形もディテールも、装飾的かつ破壊的なダイナミズムが迫ってくる。　ピンクヘアのモデルが登場したLook1は、日本の制服からインスピレーションを得て製作されており、スタンドカラーの黒いジャケットはまさに学ラン。ただし、男子学生が着用してきた学生服はビッグサイズで作られ、ワンピース的装いを見せる。加えて、モデルはプリーツスカートを穿き、白いハイソックスも履くジェンダーレスな学生服スタイル。　Instagramに書かれたテキストでは、女性的な容姿をしたモデルが日本人の少年であることを明記し、彼の存在は、包括性と共感のメッセージを強化し、苦しみには性別や外見の境界がないことを見る者に思い出させると、Benbousselhamは語る。　このように、BenbousselhamはMA卒業コレクションで発表した各ルックの背景について、視覚だけでなく言葉でも伝えていく。それはさながら創作背景を文章で伝えるアートにおけるステートメントのようでもあった。　多様なソースからインスピレーションを得るBenbousselhamだが、デザインの重層性を最も感じたのはLook2だ。日本の制服、「イッセイミヤケ（ISSEY MIYAKE）」のプリーツ、ヒップに特徴があった18世紀のドレス、動物の皮膚と、一つのルックの中に結集した多くのアイデアによって、シャツ＆スカートのシンプルな装いは、ダークでデコラティブなスタイルへと変貌した。　現代の消費者は、商品やブランドを購入する前に、SNSなどを通じて積極的に情報収集を行うことが当たり前になった。変化した消費行動を前にして、ヴィジュアルのみによるファッション表現だけでいいのだろうか。黒い服に込められた背景を語ったBenbousselhamは、「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のアシスタントデザイナーとして卒業後のキャリアをスタートした。カッティングを武器にマスキュリニティを引き出す- Louise de La Tour　Louise de La TourのInstagram（@louisedelatour）を訪れると非公開に設定され、クリエイションの裏側を知ることができない。そのため、ここではMA卒業コレクションで発表されたルックを頼りにLa Tourのデザイン性について話したい。　IFMは2024年MA卒業ショーをYouTubeチャンネル“Institut Français De la Mode”でも公開しており、La Tourのコレクションは35:53から映像で確認することも可能だ。　La TourのMA卒業コレクションは、ピーコートやテーラードジャケットなどクラシックなアイテムを、シャープなカッティングで仕立てる。まだまだビッグシルエットが優勢の中、Look1で登場したダブルブレステッドのコートは、ロング＆リーンのシルエットが新鮮で、水牛ボタンの代わりにドットボタンを用いて、ミニマルテイストに振っていく。　Look2では爬虫類柄のスリムパンツを穿き、マスキュリンな黒い生地がビッグスカーフとなって上半身を覆い隠す。Look5はロング＆リーンシルエットがブラックドレスで登場し、襟からはドレープが優雅に生まれ、シックなノースリーブウェアをいっそうシックに魅せる。　ラストに登場したLook6は、コートから靴まで全身すべてを黒い服でコーディネイトしたブラックスタイル。イエローのパイピングも映えるルックは、肩にエポーレットの付いたコート、ストレートパンツなど王道のメンズスタイルなのだが、床に到達するほど長いロングストールを首に巻き、薄手で透ける黒い生地が艶やかに舞う。　IFM 2024年MA卒業ショーは、緻密なテクニックを活かしたクラフト要素、素材に加工を施してテクスチャーに表情を作る手法の作品が多かったが、La Tourはカッティングを武器に製作し、生地にも特別な加工は見られずオーソドックスだ。着る人の性別を問わず、着用者の男性性＝マスキュリニティを服の造形で引き出す。それが、La Tourのデザインだと言えよう。　卒業後の進路は、「バレンシアガ」のクチュールでメンズアシスタントデザイナーになる。近年のバレンシアガで発表されるオートクチュールのメンズラインは、装飾性を排除した服のシルエットに重きを置いたデザインが多い。まさにLa Tourの才能と技術を磨くのに絶好の環境と言えるだろう。未来のスターデザイナーをファッションの中心であるパリから　以上が、IFM 2024年MA卒業ショーで注目した学生6名になる。会場には、LVMHファッショングループの元会長兼CEO シドニー・トレダノ（Sidney Toledano）といったファッション界の重鎮も訪れ、パリモードの伝説とも言えるピエール・ベルジェが設立したIFMへの注目度が窺い知れる。　MA卒業ショーでは、クチュールライクな技巧が冴え渡るコレクションが数多く披露され、そのダイナミックなデザイン性はIFMにおけるファッションデザインの教育方針が大きく変わったことを印象づけた。　もし、現在の方向性で未来のデザイナーとなる学生たちを育成していくなら、「未来のスターデザイナーが現れるのではないか？」と思えるほどだった。これからは、アントワープ王立芸術アカデミーやセントラル・セント・マーチンズだけでなく、IFMの学生たちにも注目していくべきだろう。　ビッグブランドで腕を磨き、デザインチームからクリエイティブ・ディレクターに抜擢されるのか。それとも、ファッション界を賑わすインディペンデントブランドで経験を重ね、独立して自分の名前を冠したブランドを立ち上げるのか。IFMを卒業したデザイナーたちは、どんな未来を切り拓くのだろう。いつか訪れる新しいファッション誕生の日を、楽しみに待ちたい。 AFFECTUS （AFFECTUS）  2016年より新井茂晃が「ファッションを読む」をコンセプトにスタート。ウェブサイト「AFFECTUS（アフェクトゥス）」を中心に、モードファッションをテーマにした文章を発表する。複数のメディアでデザイナーへのインタビューや記事を執筆し、ファッションブランドのコンテンツ、カナダ・モントリオールのオンラインセレクトストア「SSENSE（エッセンス）」の日本語コンテンツなど、様々なコピーライティングも行う。“affectus”とはラテン語で「感情」を意味する。

パリのモード校「IFM」 2024年MA卒業の注目株を紹介

セントラル・セント・マーチンズ 2024年MA卒業の注目株を紹介

応募者数が急増、その背景は？　最終審査会に駆けつけた小池百合子 東京都知事は、応募数が昨年から4割増したことに言及し「回を重ねるごとに注目度が増し、応募者数だけでなく、応募作品の内容もますます良くなっていくことを示していると思う」と語る。両アワードが応募者たちから注目を集める理由は大きく3つある。1つ目は豪華な審査員陣。今年度のNFDTの最終審査員は、昨年から継続する東京藝術大学学長の日比野克彦とファッションディレクターの原由美子、新たに「アンリアレイジ（ANREALAGE）」のデザイナー 森永邦彦、ゲスト審査員の「シーエフシーエル（CFCL）」の高橋悠介が務めた。そしてSFDAの最終審査は、LVMHジャパン代表取締役社長のノルベール・ルレ（Norbert Leuret）とアーティストでデザイナーの篠原ともえ、ゲスト審査員としてメルカリの取締役会長 小泉文明が担当した。　2つ目は魅力的な賞金。両アワードとも2部門が設けられ、それぞれ東京都知事賞の大賞1名（賞金100万円）、優秀賞2名（50万円）、特別選抜賞1名（賞金50万円）の計4名が選出される。　そして3つ目は、同アワードの目的である「未来を担う若手デザイナーを発掘、育成する」という言葉の通り、応募者に提供される教育プログラム。全応募作品の中から一次審査を通過した計60組（NFDT、SFDA共に30組ずつ）には、様々なアドバイザーによるワークショップ、プロのマーチャンダイザー（以下、MD）やパタンナー、デザイナーによる個別のアドバイス会が提供され、上限5万円の材料費が補助される。そうした制作補助の機会を経て新たに制作した1ルックで二次審査が行われ、約半数に絞られた通過者たちにはプロのMDと協働した商品化体験やプロモーション体験が提供されるほか、海外デザイナーを招いてのワークショップが実施されるなど、ただアワードで評価されるための指導ではなく、クリエイターとしてのものづくりの視点から、デザイナーとしてブランドを立ち上げるために必要なビジネス面の視点まで、今後デザイナーとして活躍できるよう幅広いプログラムが組まれているのも両アワードの大きな特徴だ。最終審査で求められた「世界に出ていくために必要なもの」「NFDT 2024」の結果は？　NFTDは、フリー部門と、障害のある方の着用を前提としたデザインを募集したインクルーシブ部門の2部門を設定。インクルーシブ部門のファイナリストには先述のワークショップで当事者の視点やニーズをヒアリングする機会が与えられる。　フリー部門の大賞は文化服装学院の立澤拓都、優秀賞は同校の千脇倫太朗とESMOD TOKYOの毛利壽乃、特別選抜賞は文化服装学院の山岡寛泳がそれぞれ受賞した。　新ブランド「アンリアレイジ オム（anrealage homme）」のジャケットを着て登場した森永邦彦は最終審査を終え「世界で活躍するデザイナーの輩出を目指す賞ですが、現時点では外の世界を見るのではなく、より内なる自分の中の世界を強く持ち、それを揺るぎなく表現していた方を選びました。受賞を逃した方も、それが負けたことではないと思っておりますし、あなたの世界を否定するものでもありません。このコンテストに向けて培ってきた自分の世界をこれからもしっかりもって諦めずに続けてください」と参加者を労った。　インクルーシブデザイン部門の大賞は東京モード学園の速水美里、優秀賞は同校の佐藤愛海と文化服装学院の松本優美永、特別選抜賞は東京モード学園の阿部若菜がそれぞれ受賞した。　昨年から継続する審査員の原由美子は「インクルーシブというテーマに馴染みがない学生も多いと思いますが、今回は初年度以上にコンテストの趣旨を理解した作品が増えたように感じ、見応えがありました」とコメント。ワークショップを開催した一般社団法人mogmog engine代表の加藤さくらは「インクルーシブデザイン部門を対象にしたワークショップに熱心に参加してくれた学生が多かったのが印象的。その経験がデザインに取り入れられていることが伝わってきました」と話す。「SFDA 2024」の結果は？　SFDAは、服のみを対象とした「ウェア部門」とバッグや帽子などを対象とした「ファッショングッズ部門」の2部門で構成されている。　ウェア部門の大賞は文化服装学院の並木力也、優秀賞は国際ファッション専門職大学の赤間隆太郎と文化服装学院の田村香奈、特別選抜賞は一般応募の赤塩葉月と岩間夢々のユニットがそれぞれ受賞した。　審査に参加したLVMH／ショーメ CSR・文化事業ディレクターの蒲谷直子は「『価値ある着物が、需要がないことを理由に安価でやり取りされている』という学生のコメントが印象的でした。若い方々が普段関わる機会の少ない自国の文化に向き合う機会を創出しており、この賞の日本文化に対する高い貢献度を感じます」と審査を振り返る。　ファッショングッズ部門の大賞は一般応募の末永るみえ、優秀賞は東京都立城東職業能力開発センターの猿田奈央と文化服装学院の山上大成、特別選抜賞は東京モード学園の西吉絢海がそれぞれ受賞した。　着物の作品で第101回ニューヨークADC賞を受賞し、当日も着物姿で登場した篠原ともえは、着物の帯に着想を得たコルセットを提案した猿田に対し「完璧な柄合わせなど、丁寧な仕事にも感銘を受けました。これからも着物を着続けて、盛り上げていきましょう」とエールを送った。東京が「デザイナーが育つ街」になるために　審査中に実施されたトークセッションでは、このアワードが生み出すインパクトについての意見が交わされた。CFCLの高橋悠介は「世界で活躍する優秀なデザイナーを発掘するためには、モチベーションが高い応募者の数がさらに増えなくてはいけません。今回は2回目ですが、今後さらに多くの人が参加し、盛り上がっていってほしいです」とコメント。加藤さくらは「この賞を通じてインクルーシブという視点を学んだ学生たちが今後デザイナーとして活躍していくことで、数年後にはインクルーシブな視点で作られたアイテムが当たり前のように店頭に並ぶようになることに期待します」と話す。ノルベール・ルレも「今回が2回目の参加となりましたが、今年の作品もとても良かったと思います。この賞の今後に期待ができると感じました」と太鼓判を押した。Next Fashion Designer of Tokyo 2024Sustainable Fashion Design Award 2024

東京が世界の「ファッションの拠点」になるために　東京都が注力するファッションコンクール

「人生を楽しむために毎日がパーティーであるべき」　ディーゼルは、ミラノ市の後援のもと、スカロ・ファリーニを会場に無料イベントを開催。一般チケット6000枚のうち1500枚は学生に優先的に配布され、ロンドンのインターネットラジオNTSと共同で8時間におよぶフリーレイブを繰り広げた。　ディーゼルのクリエイティブ・ディレクターを務めるグレン・マーティンス（Glenn Martens）は、「コレクションはディーゼルの精神であり、すベてにおいて民主的で実験的。人生を楽しむために、毎日がパーティーであるべきだと信じています」とコメント。今シーズンは、衝撃、実験、快楽、遊び心、パーティーの在り方を表現したという。大胆に進化するデニム、ド派手なスタイル　ショーは、26メートル×16メートルの巨大スクリーンが設置されたステージをバックにスタート。レッドカラーのランウェイに、一着ごとに異なるディストレス加工が施されたメンズ・ウィメンズのルックが登場した。　ファーストルックはミニのタンクドレス。透ける素材をベースに、ジャージーのレイヤーが剥がれ落ちるように縫い付けられ、大胆さとともに危うさを醸し出している。　シグネチャーのデニムは今シーズンも多様なスタイルで登場。ディーゼル独自の透かし加工が施された「デニム・デヴォレ」はさらに進化を遂げ、内側からブランドロゴを透けさせたり、ストライプや花柄を重ねるなど、より手の込んだテクニックが際立った。　アンダーウェアを意識させるデザインや迷彩柄が目を引いたほか、カーゴポケットをストラップでつなげたパンツ、3つのバッグで作られたトップスやミニスカートなど、ユーティリティを押し出したユニークなアイテムも登場した。　後半は、オリジナルの映画ポスターのプリント、ポスターを加工してファーのようなシルエットを作り上げたジップアップジャケット、ディーゼル流のタキシードや、オスカー像のように輝くラメ糸のドレスなど。会場演出ともリンクする映画の世界から着想を得たド派手なスタイルがレッドカーペットを飾った。レッドカーペットに映えるアクセサリー　チョーカーやアームカフスはタトゥーのようなデザイン。「Playバッグ」には映画ポスターのプリント、「1DRバッグ」にはチャンキーなメタリックチェーンがあしらわれている。またエシロール・ルックスオティカ（Essilor Luxottica）とのコラボレーションによるアイウェアからは、映画スターを連想させるメタルフレームのサングラスやゴーグルを提案。新コレクションとして、ステアリングシルバーのネックレスやブレスレットが発表された。

DIESEL

「ディーゼル」の新作ショーはフリーレイブ形式　大胆に進化した2024年春夏

これまでの「働く人のデイリーウェア」プロジェクトの歩み　第1弾のリサーチ編では、大田市場の「せり」担当者2人、物流担当者、仲卸業者 大森花卉の渡邉社長といった「花」に関わることを仕事にする計4人にインタビュー。「仕事道具が多いので、収納に長けた服が欲しい」「朝は家から仕事着で出勤するので、職場以外で着ていても違和感のない服が良い」など現場の声を聞きました。　続く企画編では、現場の意見をもとに学生たちが服をデザインし、サンプルを発注。卸売市場の仕事道具であるハサミやペン、メモ帳などを収納できるブルゾンのほか、ストライプ柄のシャツやベストなど計16型を提案しました。実際にサンプルに袖を通しながら、より実用的でファッショナブルな「働く人のデイリーウェア」を作るために試行錯誤を重ねました。大田市場の花で彩られたスペースで、学生たちがポップアップショップをオープン　今回は、「ICHIGO.CLOUD」が用意したスペースを利用して、学生たちが2月24〜26日の期間でポップアップを開催。これまでブラッシュアップを重ねてきた服を一般向けに販売しました。「ICHIGO.CLOUD」は、サービスを利用した人に向けて、展示会やポップアップで使用できる貸し出しスペースを提供しています。貸し出しスペースは東京・原宿と大阪・心斎橋に1つずつ用意があり、目的用途に応じて好きなロケーションを選択し、ブランドの世界観を表現することができます。　大田市場で働く人に向けた服を展開するということで、ポップアップでは市場で実際に使用している台車を用いて商品を展示。そのほか、大田市場で実際に取り扱っている花を取り寄せて、店内を装飾しました。　商品にはそれぞれQRコードのタグが取り付けられており、スマートフォンで読み取ることが可能に。商品を購入したい人は、その場で「ICHIGO.CLOUD」が用意したオンラインストアの商品ページにアクセスし、商品を注文することができる仕組みです。達成感に満ちた表情の学生たち、プロジェクトを振り返って　ポップアップショップには、一般のお客さんのほか、バンタンデザイン研究所の講師や学生の友人など多くの人が来店。店内は賑わいを見せました。　リサーチから企画、販売までのプロジェクトをやり遂げ、学生たちは達成感に満ちた表情を浮かべました。大田市場のワークウェアをイメージしてセットアップを製作したファッションデザイン総合科3年の赤塚さんは、「大田市場で働く人に向けた服ということで、これまで自分が取り組んだことのないテーマだったので、目的に合わせてリサーチを重ねたのが大変でもあり、やりがいを感じた部分でもあった」とコメント。プロジェクトに協力した「ICHIGO.CLOUD」については「サンプルが出来上がるまでの期間がとても短く、かつクオリティも高かったので驚いた。今回このように良い商品を作ることができたのは、『ICHIGO.CLOUD』さんが服作りの業務を代行してくれ、デザインだけに集中できたことが大きかったと思う」と感謝を口にしました。　エプロンを製作したファッションプロデュース科1年の森山さんは「これまで機能性を重視した服作りをしたことがなかったので、難しいと感じることが多かった。今回のプロジェクトは、今後の自分にとって貴重な経験になったと思う」と語りました。「ICHIGO.CLOUD」については「生地の発注やサンプル手配、オンラインストアへの掲載など、デザイン以外の業務を請け負ってくれたので、その分の時間を服のデザインに費やすことができて助かった。デザインをする人にとっては魅力的なサービスだと感じた」と実際にサービスを利用しての感想を話してくれました。　ファッションデザイン科2年の斉藤さんは、ギザギザの片襟をアクセントにしたボンバージャケットを製作。「普段学んでいるのは自分の好きな分野での制作だが、今回はマーケットが決まっていたので、表現の仕方が難しかった」と苦労した点を語ってくれました。また、「デザインから販売までの流れを体験したのは初めてだったが、改めて『服作りの楽しさ』を感じることができた。アイテムを手に取った時のお客様の顔を直接見られたのは、自分にとって貴重な経験になった」と今回のプロジェクトを振り返りました。　講師として今回のプロジェクトに携わったバンタンデザイン研究所の米田さんは「学生たちが大田市場で働いている方々に喜んでもらうためにリサーチを重ね、服を完成させていく様子を見て、大きな成長を感じた」とコメント。「ICHIGO.CLOUD」のサービスについても触れ、「このクオリティの服を学生がお金を出して作るのは正直言って無理だと思う。生地の手配からサンプル発注、在庫管理まで請け負ってくれて、更に低リスクで始められるというのは服作りを始める人にとって大きなチャンスになるのでは」と話してくれました。「ICHIGO.PROJECT」担当者が感じる手応え、既存ブランドでの利用促進も視野に　プロジェクトの集大成とも言えるポップアップショップには、「大田市場」への取材時から学生たちを見守ってきた「ICHIGO.PROJECT」プロジェクトマネージャー 平井拓哉氏も来場。　平井氏は今回のプロジェクトを振り返って「学生たちが自分で服を企画して販売し、最後には『頑張って良かった』と嬉しそうな顔を見せてくれたことが何よりの収穫だった。弊社はファッション業界をもっと面白く、若い世代が活躍できる環境を作っていきたいと考えている。資金や生産背景を持っていないという理由で夢を叶えられない若い才能を『ICHIGO.CLOUD』が応援できると本プロジェクトを通して再認識できた。今後はより多くの若い世代に弊社サービスを利用してもらい、ファッション業界を盛り上げていきたい」と喜びを口にしました。　学生たちが「服作りの業務を『ICHIGO.CLOUD』が代行してくれたのでデザインに集中できて助かった」と話していることについては「学生に限らず、服のデザインに携わる人たちが、在庫の入出荷や売上・原価管理、写真撮影、ECの準備など他の業務に忙殺されてしまいデザインに集中しきれていないという声を多く聞いている。弊社サービスが業務の一元化や代行を行うことで、デザイナーの感性を最大限活かせるようにサポートしたい」とコメント。「デザインさえあれば生地手配から縫製、サイトアップまでを『ICHIGO.CLOUD』が代行できるため、新ブランドの立ち上げはもちろん、既存ブランドの企画やイベントなど、様々な取り組みとして活用していただけたら」と語りました。

資金0円からブランド立ち上げ、ファッション業界の未来につなげるブランドプロデュース企画を学生が体験 vol.3〜販売編〜

インタビューをもとに、「働く人のデイリーウェア」をデザイン　前回のリサーチ編では、プロジェクトメンバーのうち3人の学生が「大田市場」各部門の担当者にインタビュー。「働く時の服に求めること」などの質問をぶつけ、「働く人のデイリーウェア」製作のために欠かせない現場の声を聞きました。　今回学生たちは、大田市場の仕事道具であるハサミやペン、メモ帳などを収納できるブルゾンのほか、ストライプ柄のシャツやベストなど計14型を提案。第1弾でリサーチを行った際に回収した「仕事道具が多いので、収納に長けた服が欲しい」「朝は家から仕事着で出勤するので、職場以外で着ていても違和感のない服が良い」などの意見を取り入れ「働く人のデイリーウェア」のデザインに取り組みました。サンプルが到着、妥協せずにデザインを調整　講師や「ICHIGO.CLOUD」担当者からフィードバックを受け、サンプルを発注。後日、デザインをもとに作られたサンプルが到着すると、学生たちは口を揃えて「サンプルのクオリティが想像よりも高かった」と話し、驚きを隠せない様子でした。　大田市場のワークウェアをイメージしてセットアップを製作したファッションデザイン総合科3年の赤塚さん。デザインしたセットアップは程よいリラックス感がありながら、上品さを失わない絶妙なシルエットです。「自分がデザインした通りの服が仕上がってきて嬉しい。防寒性の高い生地を採用し、雨風を凌げるようフラップポケットやストームシールドを採用したのがポイント。実物を見たら改善点が見えてきたので、この後はフードをつけて、襟部分に収納できるように修正したい」と最後まで妥協せずに取り組む意欲を見せました。　ファッションプロデュース科2年の森山さんがデザインしたエプロンは、ポケットの縁をボディと同系色のツートンカラーにすることで全体にまとまりを持たせつつ洗練された印象に。「イメージしていたものとは少し生地感が違ったが、こちらの方が良いと思った。最終調整ではカラーをベージュからネイビーに変更し、ポケットの中に仕切りをつけることで道具が中で遊ばないようにしたい」とアイテムを更にアップデートしていく考えを示しました。　大田市場で働く人に向けた服なので、汚れたり洗濯したりすることを想定し、多くのアイテムにはシワになりにくいポリエステルを3層重ねた丈夫なファブリックを採用。デザインもハンドウォーマーポケットなど、一般的にはあまり見られない独特なディテールが目を引き、写真では伝わりづらい機能も充実しており、学生たちが働く人の要望に真摯に向き合ったことが伝わってきました。努力の成果を披露、2月24日からポップアップ開催　序盤は「働く人のデイリーウェア」をデザインするという初めての経験に戸惑いを見せていた学生たちも、取材や講義を重ねるうちに課題解決を仕事とするプロの顔つきに近づいてきたように思えます。次回、最終回となるポップアップショップ編では、デザインの最終調整を経て、完成した商品を受注販売。2月24日からの3日間、大田市場の花とともに「ICHIGO.CLOUD」のショールームに学生たちがアイデアを試行錯誤を重ねて作り上げた「働く人のデイリーウェア」が並びます。ファッションの同質化に警笛、業界の未来に繋げる「ICHIGO.CLOUD」とは？　「ICHIGO.CLOUD」では国内の職人を応援するため、日本製の生地にこだわって服を製作。福井県の生地メーカーから中間業者を挟まずに直接生地を仕入れているので、高品質の生地を安価で使用でき、作り手にも利益を還元できるメリットがあります。また、デザインを起こした後の全てのフローを内製化しているので、パターンメイキングからサンプルチェックまでを約10日と、一般的なアパレルメーカーの1/3ほどの期間で仕上げることができます。商品原価に生産代行費が含まれており、商品が売れた場合にコストが発生するシステムなので、低リスクで服を作ることができるのも特徴です。　同プロジェクトの講師も兼任する「ICHIGO.CLOUD」の担当者は「昨今のファッション業界では、服の品質が低下しているように感じる。これは、大量生産・低価格が前提のビジネスモデルや、素材メーカーの利益が少なく職人技術を継承できない現状によって商品の同質化が起こり、若く才能あるデザイナーが活躍の機会を逃していることが1つの原因だと考えている。『ICHIGO.CLOUD』はブランド・素材メーカー・消費者それぞれが利益を享受できる仕組みの確立を目指すサービス。このシステムを普及させることによって日本のファッション業界を応援していきたい」とサービスの目的について語りました。

資金0円からブランド立ち上げ、ファッション業界の未来につなげるブランドプロデュース企画を学生が体験 vol.2〜企画編〜

学生たちが花の卸売市場へ取材　今回のプロジェクトは、バンタンデザイン研究所の授業の一環として発足。「働く人の服を製作すること」をテーマに、学生たちが企画・デザインに専念しながら服作りの仕組みを体験し、将来の夢に繋げていくことを目的としています。服作りの参考にする取材先は、数ある候補の中から学生たち自身が生花市場をセレクト。3人の学生が花の卸売市場「大田花き」に取材を行うことが決まりました。　「大田花き」とは東京都に11施設ある東京中央卸売市場の1つ「大田市場」の中にあり、日本一の取り扱い規模を誇る花の卸売市場。花や土、肥料まで幅広い商材を展開しており、大田市場での決定価格は、日本全国の生花価格の指標になっているんだとか。　まずは「せり」を見学する取材前の学生たち。今回のプロジェクトには花田さん、佐藤さん、百崎さんが参加。異業種の人へのインタビューは初めてだという3人は、少し不安そうな面持ちで口を揃えて「緊張します」と話していました。この後、市場の内部を見学しながら各部門の担当者に話を聞きます。取材を通して、デザインの糸口を探る　服作りのアイデアを得るための取材は、商品の価格を決定する「せり」の担当者2人、大田花きの物流担当者、仲卸業者 大森花卉の渡邉社長の計4人に実施。「花」という共通点がありながら、異なるフィールドで働く人たちの幅広い意見を掬い上げるべく、学生たちが「働く時の服に求めること」などの質問をぶつけました。　インタビューを終えた3人に話を聞きました。「今まで曖昧だった服のイメージが、実際の現場を見ることで鮮明なものに変わりました。今日の取材で得た情報をもとに服の企画を練り直したいです」と花田さん。初めてのインタビューに苦戦したという佐藤さんは「担当する仕事によって制服に求めることが少しずつ違うので、バランスをとりながら上手くデザインに落とし込んでいきたいと思います」とコメント。百崎さんは「普段目にしているお花に、多くの人が関わっていることを知りました。携わる人たちの想いを服作りに活かしたいです」と話してくれました。独自の視点で働く人の課題に向き合いデザイン。イチゴクラウド独自の国内ネットワークによりサンプル作成。　今後の服作りの方針としては、仕事のしやすさを重視して機能面に力を入れる一方で、「着ていて気分が上がるデザイン性の高い服を作りたい」とのこと。「せり」の担当者が「白黒つけない中立」という意味を込めて現在モノトーンのストライブシャツを着ているという話を受け、ストライプの幅を変えるなどしてデザインに落とし込むことも考えているようです。　次回は企画編。生花市場関係者の生の声を「働く人のデイリーウェア」に落とし込むべく、学生たちが商品の企画に挑戦します。

資金0円からブランド立ち上げ、ファッション業界の未来につなげるブランドプロデュース企画を学生が体験 vol.1〜リサーチ編〜

CPUに薄型軽量ノートPC向けの世界最高クラスのプロセッサーとして第11世代Intel Coreプロセッサーを搭載し、「インテル® Evo™ プラットフォーム」に準拠。「インテル® Evo™ プラットフォーム」はインテル®が定める厳しい要件をクリアしたモデルのみに与えられる。【Intel Evo プラットフォーム対応要件】・第11世代Coreプロセッサー搭載・インテル® Iris® Xᵉグラフィックス搭載・バッテリー駆動時の安定した応答性・システムはスリープ状態から1秒未満で起動・フルHDディスプレイ搭載システムとして実際の作業で9時間以上のバッテリー駆動・フルHDディスプレイ搭載システムとして30分以内で最大4時間駆動分の急速充電・Thunderbolt™ 4ユニバーサル・ケーブルの接続性・Wi-Fi 6（Gig+）の実装による高速通信ファッションは自己表現と自己防衛のための手段、「Keio Fashion Creator」が表現したいこと　Keio Fashion Creatorでは、デザイン部に所属する学生がそれぞれ作品を制作。多様性の時代において加速する「ジェンダーニュートラル」をテーマに、「Yoga」シリーズのデザイン性や機能性をデザインに落とし込んだウェア作りを進めています。「Keio Fashion Creator」　2002年に慶應義塾大学の「ファッションビジネス研究会」から独立する形で設立。2009年からESMOD JAPONと提携した授業を開始し、2010年から毎年ショーを開催している。2012年にインカレ化し、今年度は合計で120名程度の部員が所属。社会に対する問いかけや主張を「服」や「ファッションショー」を通じて表現する。公式サイト／公式インスタグラムーまずは、皆さんそれぞれのサークルでの役割について教えてください。北崎さん：Keio Fashion Creatorはデザイナー、ディレクター、プレス、モデルマネージャーなどの役割に分かれていて、私たち3人はデザイン部に所属するデザイナーとして活動しています。毎年12月に行われるショーで発表する作品などを手掛けています。ー今回制作する服のデザインポイントは？神田さん：近未来感のあるモチーフと多様性を意識したデザインが特徴です。トップスは大学生が親しみやすいアイテムということでフーディーを、ボトムスは幾何学的なモチーフを落とし込んだ変形スカートを取り入れています。ウェアの一部には特殊素材の生地を使おうと考えています。北崎さん：デザインのインスピレーション源は、イギリスやアメリカの学校のユニフォーム。上品さとカジュアルさを兼ね備えたウェアを制作中です。動きやすさを意識した伸縮性のあるニットや、品のある仕立てのシャツなど、トータルコーディネートが可能なアイテムで構成する予定で、今はデザインの雰囲気に合う生地を選定しているところです。 土井さん：今回僕が作るアイテムは、「Yoga」シリーズの本体そのものをデザインのインスピレーション源にしました。ナイロン素材のセットアップをベースに、テーラードジャケットの要素をドッキングさせることで、上品さの中にある違和感を表現できればと考えています。一見するとメンズウェアのシルエットですが、サイズや着丈を自由に調整できるギミックを搭載しているので、性別を問わず着用できると思います。メインで使用する2種類の生地を決めるところまで進めていて、現在はパターンメイキングの真っ最中です。ー「Yoga」をどのように活用しましたか？土井さん：服のデザイン画など、今回ほとんどの資料を「Yoga」のPCで作りました。今は「Adobe Illustrator」を使ってパターンの元となる設計図のようなものを作っています。これまでは手書きで作成していましたが、データの修正や共有がかなり楽になりました。神田さん：私は「Yoga」を資料収集に活用する機会が多いですね。デザインの方向性を決めるにあたり、インスピレーション源となりそうな写真やイメージなどを調べています。あとは、オンラインミーティングをする機会が増えたので、そういったシーンでも活用していますね。ー使い心地は？　土井さん：これまで僕が持っていたパソコンはスペック重視で選んでいたこともあり、かなり重くて外に持っていくのも一苦労な大きさだったんですよね。「Yoga」のPCは持ち運びしやすい軽さなのに、普段使用するクリエイティブツールとの互換性も高くてサクサク動く。スペックとデザイン性、その両方を妥協したくなかったので僕にとってすごく合っているなと。すごく軽い上にバッテリー駆動も長いので、クリエイティブな制作に携わる者としてはいつ、どんな環境でも自分の好きなことに没頭できるのは本当に魅力的ですね。神田さん：とにかく液晶が綺麗で。デザイン画の仕上がりや資料を見る際、繊細な色味の違いなど細かい部分までチェックすることが多いので助かっています。あとやっぱり毎日使うものなので、パソコン自体のデザインの良さも重要な部分。ミニマルなデザインが気に入っています。ー作品を通じて表現したいことはなんですか？北崎さん：今はまだデザイン画の段階ですが、最終的には多様性をかなり意識したルックに仕上がる予定で。男女ともに着られるアイテムを作ることで、性別にとらわれないファッションの楽しみ方を伝えていきたいと考えています。神田さん：周囲に合わせるのではなく、自分の意志で、自分の好きな服を着るということは当たり前のようで意外と難しいなと感じることがあって。私が作る服を通じて、「自分らしく生きて良いんだ」とポジディブなメッセージを伝えられたらと思っています。土井さん：僕が作るルックは、テーラードの要素を掛け合わせることで違和感を演出していきたいんですが、それって日常の中に介在する非日常のようなものを表現していくことなのかなと考えています。既存の枠に当てはまらない違和感を一方的に排除するのではなくて、予期しないアクシデントも楽しんで欲しいというメッセージが伝われば嬉しいです。ーファッションはどのような存在ですか？北崎さん：第2の体のような存在。服は自由にコーディネートできるからこそ、日常生活の中でまだ知らない新しい自分を見つけられる機会を与えてくれると思っています。土井さん：自己表現と自己防衛のための手段。アイデンティティの確立と保持を行う一方で、同時に他者との境界に存在しているものがファッション、だと考えています。「carutena」が作品を通じて訴求したいサステナブルなファッションサイクルー皆さんのサークルでの役割について教えてください。塩谷さん：carutenaでは、運営・企画・広報・商品管理・デザインの5部署体制で運営しています。私が所属する企画部ではポップアップでの商品販売や出張授業などを行っていて、私は主に出張授業の部分に携わっています。ファッション産業が環境に与えることに関するクイズや、着なくなった服を作り直すアップサイクルの楽しさを子どもだちに伝えるワークショップなどを企画しています。北坂さん：私も同じく企画部で、2ヶ月に1回開催するポップアップストアの企画、進行管理などを行っています。吉田さん：デザイン部に所属しています。今回はトートバッグやガジェットポーチのデザインをメインで担当しました。佐野さん：広報部でInstagramやYouTubeの運営を主に行っています。イベントの告知や、シーズンごとに新しく発表する商品の紹介、メンバーたちがおすすめするアイテムなどを発信しています。ー今回制作するアイテムのデザインポイントは？吉田さん：勉強やサークル活動など日々忙しく過ごす大学生たちが快適に使えるアイテムとして、リアルな学生目線で使い勝手の良さを追求したトートバッグを作ることにしました。「Yoga」が入るサイズ感のキャンパストートのほか、一緒に使えるガジェットポーチも制作します。サステナブルをテーマに掲げているので、素材には大学などで回収した古着のデニムをメインに使用しています。現在はデザインの方針が決まり、サンプルを完成させた段階で、デニムの色味や耐久性、持ち手の長さなど、出てきた課題を踏まえて改良を進めています。ー「Yoga」をどのように活用しましたか？吉田さん：デザイン作業の時に使うことが多いですね。ラフ画も「Yoga」を使って作成しました。塩谷さん：オンラインミーティングの実施や、プロジェクトのスケジュール管理、資料作成などに活用しています。メンバーそれぞれで通っている大学が異なり、コロナ禍ということもあって直接会うことが難しい状況なので、「Yoga」を使ってオンラインミーティングをする頻度はかなり高いです。ーデザイン時にはどのようなアプリケーションを使用しましたか？吉田さん：「Adobe Illustrator」をメインで使用していて、イラレで作成したデザイン案をミーティングでプレゼンする時などは、「PowerPoint」で資料を作成することもあったり。オンラインミーティングで画面共有したりと、作業中は色々なアプリケーションを同時に立ち上げていることが多いんですが、全く動作が重くなることがないのでストレス無く使えているのはありがたいです。塩谷さん：オンライン授業と大学での対面授業、サークル活動がある日は教科書とパソコンどっちも必要になるので、荷物がどうしても重くなってしまって。でも「Yoga」は薄くて軽いのでバッグにすっぽり収まるんです。家にこもって作業をしているとメリハリがつかないなって時は、カフェに行って作業をすることもあるので、そういった時も気軽に持ち運びできるので重宝しています。北坂さん：実はWindowsのパソコンを使うのが初めてだったので、最初は使いこなせるか不安だったんですよね。初期設定時に音声で案内してくれたりと、分かりやすくシンプルな機能性はありがたかったです。あとは、真っ白なパソコンでこんなに滑らかで上品な質感のものって出会ったことがなかったので、そこも魅力のひとつかなと。ホワイトのパソコンって指紋などで汚れやすいイメージがあったんですが、全然そんなことなかったです。可愛いデザインだと作業のモチベーションも上がりますね（笑）。ー今回のアイテムはサステナビリティを意識されているとのことですが、今回のプロジェクトを通じてどのようなことを表現していきたいですか？佐野さん：サステナビリティに興味を持っていても、中々行動に移せない人って結構いると思うんです。微力ではあるかもしれませんが、作品を通じてサステナビリティに興味を持ったり、考えるきっかけを作れることができれば嬉しいです。私たちと同世代の若い人々が持っているパワーってとても大きいと思うので、身近なものを通じて世界は変えていけるんだ、ということを少しでも多くの人に知って欲しいです。ーファッションはどのような存在ですか？塩谷さん：好きな服を着ることで気分が上がるので、自分自身の気持ちを左右するものだと考えています。私が好きな服は、デザインの格好良さだけではなく、「この服はどのように作られているのか」も知った上で気持ちよく着ることができるもので。安いからという理由だけで適当に選ばず、少し値段が張ってしまってもエシカルな衣服を買うように心がけています。今回使用したPC「Yoga Slim 750i Carbon」とは？第11世代インテル® Core™ プロセッサー搭載のスリムな13.3型モバイルパソコン。約966gと軽量かつ薄型で、真っ白な洗練されたボディが特徴。インテル®が定める厳しい要件をクリアしたモデルのみに与えられる「インテル® Evo™ プラットフォーム」に準拠しており、ハイパフォーマンスを発揮。高いデザイン性に加えて、そのスペック面にも一切の妥協がない。第11世代インテル® Core™ プロセッサーの優れた応答性、Wi-Fi 6による高速通信、Thunderbolt™ 4ポートを搭載して、スピーディーなデータ転送を実現。インテル® Iris® Xᵉグラフィックスを搭載し、優れたグラフィックスパフォーマンスで高精細映像が楽しめるほか、ブルーライトを低減するアイケアモードも備える。トップカバーには高強度カーボンファイバー素材を採用しており、高い耐久性を実現した。ボディのカラーは独自の塗装技術「3層サーマルコーティング」による美しい光沢を備えた高級感のあるムーンホワイトで、指紋がつきにくく、汚れを簡単に拭き取ることが可能。日常の使用のなかで汚れを気にせず好きな場所で使うことができる。キーボードは人間工学に基づいて設計。"ミリタリースペック"と呼ばれるアメリカ国防総省制定MIL規格（MIL-STD-810G）に準拠したテストをクリアした堅牢性を備えている。防塵性、極度の耐久性、落下試験といった実際の使用状況に即したテストを実施し、過酷な作業環境で使用できる。大容量バッテリーを搭載し、バッテリー駆動時間は約14時間。約15分間の充電で約2時間利用できる急速充電にも対応している。※Intel、インテル、Intel ロゴ、Ultrabook、Celeron、Celeron Inside、Core Inside、Intel Atom、Intel Atom Inside、Intel Core、Intel Inside、Intel Inside ロゴ、Intel Inside artwork for packaging、Intel vPro、Itanium、Itanium Inside、Pentium、Pentium Inside、vPro Inside、Xeon、Xeon Phi、Xeon Inside、Intel Optane は、Intel 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大学生は今ファッションに何を期待する？レノボによる新プロジェクトで服飾サークル所属学生が表現したいこと

ーそもそもMANAMIさんはなぜ文化服装学院に？　バイヤーになりたかったからです。ファッション流通科は服を作るための勉強ではなく、服を売るための勉強をする。リテールプランニングコースはバイヤーやセレクトショップのオーナーになりたい人向けのコースで、バイヤーになりたい私にとっては魅力的でした。ー今の2年生の代は入学した時から今までずっとコロナの影響を受けていますね。　予定より2ヶ月遅れの6月に入学して、入学のオリエンテーションとかもなくてすぐに授業が始まりました。ですが、緊急事態宣言の影響ですぐにオンライン授業に。入学から今まで、だいたい8割くらいがオンライン授業です。ーオンライン授業はどうですか？　流通科は座学の授業が多いので影響は少ない方だと思います。でも実験を行うはずの授業もオンラインだったので、先生が実験をする様子を動画で見るだけでした。オンラインでも出来る授業はあると思いますが、実験とかは自分でやらないと意味がないのではと思います。服装科の友達は、家ではパターンを引くための広いスペースが確保できないので机が広いカフェに行ったりしています。強いてオンライン授業のメリットを挙げるなら、授業で分からなかったところを動画で見返すことができる、ということくらいですかね。ーオンライン授業ばかりで友達ができないという話を聞きますが。　高校の頃からの親友とたまたま同じクラスになったので友達が全くいないということはなかったです。でもやっぱりオンライン授業だと友達は出来にくいと思います。入学してから出来た友達は、登校日に中庭で話して仲良くなった人ばかりなので。1年生の時は特にオンライン授業が多かったので、同じクラスでも顔と名前が一致しない人も多いです。ー勉強はもちろんですが、友達との出会いは重要ですよね。　同世代で自分と同じくらいファッションに対する熱量を持った人と出会えることは、服飾学校に行くことの大きなメリットの一つだと思います。その中でお互い刺激し合いながら成長できるし、学校において友達との出会いやイベントというのは勉強と同じくらい大事だと思います。ー去年は文化祭やファッションショーは中止でしたが今年は実施する？　まだ未定ですがおそらく今年もできないと思います。リテールプランニングコースは授業の一環で、文化祭に移動型のセレクトショップ「リテント（RE・TENT）」を出店するというのがあります。今準備中なんですが、今年はオンラインで商品を売るという形になりそうです。ー文化服装学院に入学して良かったと思いますか？　先輩から聞くコロナ以前の文化服装学院はすごく楽しそうでした。でも現状、授業はオンラインで文化祭もファッションショーもないのに学費もコロナ以前と同じ額を払っている、となると入る意味はなかったかもと思ってしまうのが正直なところです。ーハウデーではウィメンズウェアのバイイングを担当。バイヤーになりたいという夢が叶いますが、今後の目標などはありますか。　自分の好きな「ワイ・プロジェクト（Y/PROJECT）」や「アワーレガシー（OUR LEGACY）」などの海外ブランドの取り扱いを増やしたいなと思っています。あとはryoさんに言われた目標である、ユーチューブのチャンネル登録者数2万人のために頑張りたいです。ーMANAMIさんはファッション業界の未来は明るいと思いますか？　暗くはないと思います（笑）。他の業界と比べてしまうと難しいかもしれないけれど、結局自分の好きな事なので。私自身、いずれはファッション業界を引っ張る存在になりたいとも思っていますし。コロナで悪いことばかり嘆いても仕方ないですし、みんな状況は同じだと思うので。とにかく目の前の事に全力で取り組んで行こうと思っています。（聞き手：志摩将人）

コロナに奪われた学校生活、現役の文化服装学院生は今何を思うのか

ー現在、銀座阪急メンズ館でご自身2度目の個展が開催中です。初日から作品購入を求めて多くのお客さんが列を作ったと伺いました。　100人以上の抽選の列ができたみたいで。「本当にありがとうございます」という言葉以外見つからないです。ー展示会を開けば作品は即日完売するそうですね。　「購入してもらえる」というのはとてもありがたいと思っているんですが、「作品に値段が付く」とか「売れること」を意識しすぎてしまうと作品を描く手が止まってしまうので、制作する際はあまり考えないようにしています。もっとサバサバ描けたらいいんですけどね。やっぱり展示会の前日は緊張してなかなか眠れないです。ー「こたお」というのは本名ですか？　はい、本名です。ひらがなで「こたお」。ー名前の由来は？　タイの南部に「コ・タオ」という島があるらしく。私が生まれる前にその島に訪れた母と父が島の美しさに感動して「この島のような子が生まれるといいね」と名付けてくれたみたいです。名前を「こたおにしよう！」と父に言われた時、母は「マジで？」と思ったらしいですが（笑）。いつか行ってみたいです。ーお母さんは漫画家の友沢ミミヨさん。最近は2人で「とろろ園」というユニットでも活動されていますよね。　2019年に「親子アートユニット」として結成しました。とろろ園では作品の原案は母で、母が描いた下絵に私が色を付けています。子どもの頃から母が描く世界観が大好きなんですけど、母は「私、美術の勉強してきてないから」と言って全然絵を描いてくれないんです。だから「だったら私が描くよ」と提案しました。現代美術家の宇川直宏さんが、「娘が親をリエディットする、これは現代アートだ」と言ってくれたことがあって、嬉しかったですね。ーお父さんは何か「表現」に携わっているんですか？　本職は船長なんですが、「表現」という観点で言うと父は自分でCDを作って音楽活動をしています。ー絵はいつ頃から描かれていたんですか？　記憶はないんですが、母の話だと赤ちゃんの時から筆を握って遊んでいたみたいです。母が漫画家ということもあり、物心がついた時から何かを描いている人を見て育ってきたので「そういうものだ」と思っていました。ー幼少期に影響を受けた作品はありますか？　小学生の時に花輪和一先生と楳図かずお先生にハマりました。ー漫画はミミヨさんに勧められて読むことが多かったですか？　母や父から何かを押し付けられた事は一度も無いですね。すっと手が伸びる場所に変なものがいっぱいある家だったので、母が読んでいた個性的な漫画を手に取りやすい環境ではあったかもしれません。でも、「ちゃおが読みたい」と言ったらすぐにちゃおを買ってきてくれる母親でした（笑）。ー漫画家の他に影響を受けた人物はいますか？　油絵の勉強を始めてからはフランシス・ベーコン（Francis Bacon）にとても影響を受けました。ー具体的にはどのような影響を？　人間の「存在」そのものに興味がある私に、「絵画を通して根源的なものを表現できるんだ」と教えてくれた人物ですね。ー「根源的なもの」とは具体的に？　例えば「これはこういう理屈だから良い、悪い」というモノより、「私は生きている！」といった「体の全神経で感じられるモノ」や「動物的な感覚」の方が個人的には好きなんです。ベーコンの作品にはそういう「理性や理屈とは何か」を突きつけられるような感覚があったんですよね。ー画材はずっと油絵具ですか？　高校生の時からずっと油絵具です。アクリル絵具は乾くのが早いので、「なんで私を待ってくれないの？」と発狂しそうになります（笑）。それに、アクリル絵具は乾いたら全然違う色になるんですよね。私は色へのこだわりが強いので、混ぜている間に乾かず、色が変わらない油絵具の方が性分にあっているんです。ーこたおさんの作品はモチーフはもちろん、鮮やかな色彩も印象的ですよね。　ありがとうございます。色のためなら2時間でも3時間でも時間を費やせちゃうんですよね。それくらい、色にはこだわっています。ー色へのこだわりとは具体的に？　うまく言えないんですが「泥水に潜らせたからこそ美しく見える色彩」ってあると思うんです。絵具の中身を絞り出しただけの色では人生経験のような「深み」は出ないんですよね。その深みを出そうと思うとどうしても時間がかかります。「こたおミックス」という自分だけのオリジナル絵具を作れば楽だとは思うんですけど、やはり「混ぜる」という時間の経過がないと、私は不安になります。ー色を作る時に使用する絵具の数は？　使うのはだいたい4本くらいです。ーコロナ禍では多くの大学でオンライン授業が採用されましたが、こたおさんは？　未だにオンライン授業です。課題に左右されず好きなように描けるので、ある意味では充実していますが、やはり限界はありますね。ー作風にも影響はありましたか？　ありました。ずるずると常に形を変え続けるスライムのような形状ではなく、ピタッと静かに顔に張り付いているモチーフが多くなりました。みんなの顔がデジタルでしか見れなくなったので、その寂しさが反映されたのかなと。あとは、絵のサイズが大きくなりました。緊急事態宣言が解除されたタイミングで学校のアトリエだけが使用できるとなった時、初めて大きい絵を描いたんです。溜まっていた鬱憤が爆発したのか、描いていてすごく気持ちがよくて。しばらくは大きい絵を描くのにハマったままだと思うので、卒業制作も大きな絵を描こうかなと思っています。ースライムがモチーフとなっている作風はいつ確立したんですか？　大学に入ってからです。色の数だけ作品を描き続けることができるし、スライムの質感や透け感、かけ方を工夫すればまだまだ面白くすることができると思っています。ースライムは既製品ですか？　いいえ。自分で作っています。薬品の配合を変えるだけで全然違う質感になるんですよ。ちなみに私の作品に度々登場する赤ちゃん人形は「ルキちゃん」と言う名前で、我が子のように可愛がっています。ー作品はルキちゃんの他に、スライムをかぶっている人間の顔が多く登場しますが、あれは誰ですか？　多くは自画像です。モデルにスライムをかぶってもらったこともあったんですが、スライム越しに見る景色や、鼻に入ってきて息ができない感覚、口の中の入ってきたスライムの味などは神秘的な経験なんですよね。その体験は、やはり自分が経験して初めて意味があるなと。あとは「自分で自分を描く」という行為を面白がっている節もあります。もう1人の自分自身を作り出すということは、新たな生命を作り出している感覚があって楽しいんですよね。ースライムをモチーフとして取り入れようと思ったきっかけは？　ある日、無意識に自宅にあったスライムを顔からかぶった時があったんです。大学に入学したばかりの頃だったんですが、精神的にとても追い詰められていて……。スライムをかぶった時、生きている実感がしてとても気持ちがよかったんですよね。それが作品の原風景です。ースライムを顔にかぶりたくなるほどの追い詰められ方ですか。　他人が求めるあるべき姿や「綺麗なモノを綺麗なままで見たい」という人々の欲求に嫌気が差してしまったんですよね。ースライムをかぶった日を作品としてアウトプットしようと思った理由は？　大学1年性の頃、同級生に萎縮して絵が描けなかった時期があったんです。でも、藝祭（東京藝術大学文化祭の略称）での展示作品制作にあたって、改めて「リセットの気持ちを込めて描けるモノはなんだろう」と考えたのがアウトプットのきっかけになりました。考えた末「実際に起きたことが何よりも1番強い。描きたいモノから想起するより現実に起きたことを思い出して描こう」という結論が自分の中で出たんですよね。それで、自分に実際に起きたことで強烈な記憶だった「スライムをかぶった日」を作品にしました。ー1番最初の作品はどのような絵だったんですか？　その時描いた絵は、ピンク色のスライムをかぶっている自画像です。当時、自分自身にセクハラまがいの悲しい事件が起きたんですが、次の日なんでもない顔をして大学に登校する自分に対して「怒り」を覚えていたんです。ー特徴的な作風なので、コンセプトなどを聞かれることも多いと思います。　コンセプトはもちろんあります。やっぱり何かを「描く」時点でコンセプトはあるモノだし、そもそもこの世の中には「コンセプトがないモノ」は存在しないような気もします。しかし「これはこういうモノを表現しているんだよ」と何かを言い切ることには少し疑問を覚えます。ーでは、こたおさんの考える「コンセプト」とは？　「表現する人の長い歴史の中で積み重ねられてきた地層が端々に顕れていること」ですかね。そっちの方が自分的にはしっくり来ます。ー「地層が端々に顕れる」とは具体的に？　コンセプトや経緯を言語化すると、どうしても表現する人の歴史の一部分しか切り取り出すことができなくなります。しかし、人間には言語化することが出来ない深さや、広さがあるものだと思うんです。そんな、目視することも出来ないような深奥も含めて表現することが、作家にとっての作品なのではないかなと。目にすることができない深奥の部分がある以上、作品を端的に言い切れるような「確実なモノ」などない気がするんですよね。大いなる不確実性の中に生きている以上、何かに名前をつけたりカテゴライズすることは危険なことだと個人的には思っています。もっと根源的な話ができるように、私は「絵」という武器を持って世の中に戦いを挑んでいるのかもしれませんね。ー今回の個展はフランス語で「隠された」という意味を持つ「カシェ（caché）」という名前が付けられています。　端的に言い表せそうな物事でも、実は結構色々「隠されて」いるし、隠されている部分こそ本質ですよね、きっと。そんな想いを込めています。（聞き手：古堅明日香）

作品は即日完売、現役藝大生の画家 友沢こたおとは何者か？

　会場はミラノのプラダの複合施設、フォンダツィオーネ・プラダの半地下の部屋。紫のフェイクファーの壁とグリーンの大理石の床、真っ赤なフェイクファーの壁と黒の床、石膏の白壁に水色のフェイクファーの床、ピンク壁に白いフェイクファーの床の4つの部屋を、モデルが順に行き来する。この空間は建築家のレム・コルハース（Rem Koolhaas）と、彼の研究機関であるAMOの手によるもので、ショーの後にこれらのセットはアップサイクルされるという。　コレクションタイトルは「POSSIBLE FEELINGS（ポッシブル フィーリングス）」。2人はプレスリリースで「今回のコレクションは、親密で個人的な接触への願い、交流したい、関係を持ちたいという私たちの衝動を基本としています。すべての基礎となるのは個人、つまり人間の身体とその自由です」と説明している。　今シーズンのキーアイテムとなっているのが、ジャカードニットのボディスーツ。体にピタリと沿った"セカンドスキン"のようなシルエットは、ミリタリーのインナーのようでありクラシックなパジャマのようでもある。様々な色柄で提案されたこのボディスーツを、二の腕まで捲ったジャケットのインナーとして露出したり、トラウザーの裾から覗かせたり。上半身はカーディガンの形をしているので、インナーを挿せば外で着ることも可能で、コロナ禍ならではの"内外兼用着" の提案とも捉えられる。単なるリラックスウェアではなく家着をモードに昇華させていることに、2人のシニカルな視点を感じた。　アウターで目立つのは、ボタンが不自然なくらい大きいダブルブレストのノーカラーコート。その上にちょこんと被せたような襟は、おそらく付け外しが可能になっているのだろう。ニットの内側が大胆に露出するパターンのモッズコートは、ボディスーツ、Vネックセーター、ニットコートの4つのニットの重ね着で提案。このアウターの内側を大胆に見せる手法は、2018年秋冬のラフ シモンズなどで見せてきたラフの十八番だ。いかにもラフらしいレザーのビッグシルエットのMA-1、バイアスカットされたベルベット調の太畝コーデュロイのコートは、ピンク、パープル、イエローといった華やかな色で提案している。　小物類も捻りが効いている。レザーグローブには小さなポーチが付属。これにカードを入れておけば、お店のレジや電車での支払いがスマートになり、ウイルスとの接触も回避できそうだ。プラダを象徴する三角タグは、MA-1の袖のポーチになったり、ニットのボディスーツの背上に鎮座したり（素材はニット！）。このあたりの遊び心は、ラフ加入の大きなメリットと言えるだろう。　靴は90年代後半のプラダを連想させる厚底のボリューミーなレザーシューズ一択。スクエアトゥのUチップは、往年のファンなら涙モノだろう。おむすび型のバックパックを、あえて脇に抱える持ち方も新鮮。演出面では、ボディースーツを着て踊るモデルと音の連動がエグいくらい素晴らしい。音楽は2021年春夏に引き続き、テクノ界の重鎮であるリッチー・ホウティン（Richie Hawtin）が手がけた。　ショーの後は、世界中のファッション学校の学生からの質問に2人が答える公開授業の時間。フィジカルのショーでは、ミウッチャは最後に少し顔を出すだけだから、こういう試みはデジタルならではの良さと言えるだろう。質問者に選ばれた学生の中から、未来のミウッチャやラフが生まれることを今から楽しみにしている。

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