インサイド

多摩美卒、イッセイミヤケからフリーデザイナーへ　「キイト」誕生秘話⎯⎯ファッションに興味を持ったきっかけを教えてください。　明確なきっかけというのはないのですが、祖父と母がデザイナーだったことが大きく影響しています。祖父は舞妓さんが着る着物の帯のデザイン、母はデイリーウェアのデザインをしていました。母は結婚してすぐに仕事を辞め、専業主婦になったので、直接働いている姿を見ることはありませんでしたが、私のピアノの演奏会があると衣装を手作りしてくれたりと、料理をするような感覚で服を作る人でした。身の回りに服を作る環境があったので、自然と私もファッションに興味を持つようになって。幼少期から紙を貼り合わせて体に巻き、服のようなものを作って遊んでいました。知らず知らずのうちにデザイナーを志すようになりましたね。⎯⎯高校卒業後は多摩美術大学に進学。他にも服飾系の学校はある中で同学を選んだ理由は？　祖父がテキスタイルデザインにも携わっていた影響で、私も服作りの前にテキスタイルデザインについて学びたくて。多摩美は美術大学なので、テキスタイルデザインの根幹であるアートについて専門的に学べる上、ファッションデザインのコースも用意されているので自分にぴったりだなと感じて進学を決めました。多摩美の受験方法として採用されている「デッサン」「色彩構成」が自分にとってはすごく楽しく感じられたので、勉強というより、好きなことをしている感覚でした。卒業して13年が経ちましたが、9月からは多摩美の非常勤講師として関わらせていただくことになり、違った形で母校に戻れることがとても楽しみです。⎯⎯大学時代にアートを学んだことは、今デザインの仕事をする上でどのように役立っていますか？　服作りに対する考え方の核として自分の中に息づいています。アートには正解がないですが、それは服作りも同じだなと考えていて。例えば、「袖は必ずしもここになくてもいい」とか「ステッチはここに入れなくてもいい」とか、固定観念に捉われない自由な発想をできるようになりました。自分にとってアートを学んだことはすごくプラスになったと感じています。⎯⎯大学卒業後は「イッセイ ミヤケ」に就職。進路として選んだ決め手は？　ファッションデザインコースに進んだ大学3年生の時に教鞭をとっていた先生が「イッセイ ミヤケ」出身だったんです。その方にご指導いただく中で、先ほど話した「アートとファッションの共通点」に気付くことができたので、「この方が働いていた会社ってどんなところだろう」と思ったのが興味を持ったきっかけでした。4年生の時には、多摩美の卒業生で、当時「イッセイ ミヤケ」のクリエイティブディレクターを務めていた藤原大さんが講師として特別講義に来てくださりました。テキスタイルから服を作ることを得意としているという部分に自分と共通点を感じただけでなく、自由で遊び心のあるクリエイションを目の当たりにして感銘を受け、本格的に「イッセイ ミヤケ」を目指しました。⎯⎯3年働いた後、「イッセイ ミヤケ」を退職。しばらくフリーデザイナーとして働いていたと。　イッセイ ミヤケ時代は「ミー イッセイ ミヤケ（me ISSEY MIYAKE）」でテキスタイルを作る仕事からスタートし、服や雑貨のデザインなど、本当に色々なことを勉強させていただきました。当時はすぐにでもファッションデザイナーとして独立したいという想いがあったのですが、「一度外の世界を見てみたい」と思い、セレクトショップのオリジナルアイテムのデザイナーなど、イッセイ ミヤケとは違う環境でデザイナーを経験しました。キャリアを重ねるうちに段々と責任ある仕事も任せていただけるようになってきてやりがいも感じていたので、「このまま自分のブランドをやらず、ずっとフリーランスでもいいかな」と考えたこともありました。⎯⎯何がきっかけでそこからブランド立ち上げを決意したのでしょうか。　仕事で古着の卸倉庫に行くことがあったのですが、そこに売れ残った古着が山のように積み上げられていたんです。聞くと、それらの服は発展途上国に送られるか廃棄されることになると。発展途上国に送られても、現地に服は溢れかえっているので向こうで廃棄になる可能性もある。そういった現状があることは知識としてはなんとなく知っていましたが、実際に目の当たりにするとすごくショックで。山積みにされた服の中から数着を持ち帰って「どうしたらこの服たちがまた着られるようになるのか」と考えたのが「キイト」の始まりでした。そこから2〜3年くらい解体して縫い合わせての試行錯誤を続けた頃に、ようやく自分なりの方向性が見えてきて、ある程度デザインのストックが溜まったタイミングでブランドデビューに踏み切りました。結局フリーに転身してからブランドデビューまで10年かかりましたね。⎯⎯フリーデザイナーの経験から学んだことは？　「自分がデザインし、世に出したものの責任は自分で取らなければいけない」ということを学びました。社員として働いていると雇用契約があるので当たり前に明日も仕事があるのですが、フリーの場合は自分が提案したデザインが売れないと次の仕事が来なくなってしまいます。自分が携わることでこれだけ会社に還元しなければ、という明確な意識を持つようになりました。この視点は自分でブランドを立ち上げた今、すごく活きていると思います。誰でも服が作れる現代、香村が突き詰める「アナログな服作り」⎯⎯ブランド名「キイト」に込めた想いを教えてください。　ブランド名の由来は絹織物になる前の糸を指す「生糸」です。生の糸と書き、染める前の自然でナチュラルでありながら力強いイメージがあるので、「素材を大事にしたい」という想いを込めて名付けました。⎯⎯素材というと？　資源を大切にしたいという意味では古着倉庫にある古着もそうですし、ブランドのアイテムに採用する生地の縦糸と横糸というのも「素材」に当てはまります。デビューシーズンでは全てのアイテムが古着のリメイクになりますが、来シーズン以降はリメイクアイテムも残しつつ、廃棄されるデニムの織り端を紡績し直して作った、再生生地のシリーズも展開します。自分たちで生地を作るというのは、今後ブランドとして注力していきたいポイントですね。⎯⎯初めて見た時はリメイクブランドかと思いましたが、それだけではないんですね。　リメイクを中心に、ゼロから作るアイテムとの二軸でやっていこうと思っています。　今は本当に多様なブランドの在り方があって、服作りを学んでいなくてもイメージを伝えれば服を作れる時代です。そんな中で自分だからこそできることは何かと考えると、「イッセイ ミヤケ」で学んだ、デザイナー自身がプロトタイプを作って趣向を凝らす「アナログな服作り」なのかなと。自分で手を動かして試行錯誤を繰り返すことで、頭の中で考えている以上のものが生まれると信じているし、この方法はリメイクのデザインに向いていると思います。⎯⎯デビューコレクションで「キイト」の特色が最も色濃く打ち出されたアイテムは？　今着ている、デニムジャケットとデニムパンツです。これらは古着倉庫から持ち帰った服を使って作った最初のアイテムなので、思い入れがありますね。　まずデニムジャケットは複数のデニムジャケットを解体、ドッキングして製作しているんですが、どんな大きさの服でも使用できるようパターンを工夫しています。大きさを問わず使えるようにすることで、「モノは良いのにサイズがネックで廃棄されていく」古着を減らしたいなと思いました。また、このアイテムは袖を切ってアームホールを拡張した上で付け直しているので、中に服を着込めるようなサイジングになっており、オーソドックスなGジャンにはないシルエットで提案しています。⎯⎯パンツはダブルウエスト仕様ですね。　2着のデニムパンツを1着にドッキングしています。デニムパンツはデイリーウェアやワークウェアとして使われているうちに、他の部分は問題なくても股の部分がボロボロになってしまっていることがあり、それが理由で廃棄されているアイテムも多いんです。こういった廃棄を減らしたいという想いで作ったのがこのアイテムで、ダブルウエストの上部分に股が破れてしまったデニム、下部分に破れていないデニムを組み合わせています。ハイウエストで着用できるようにしているのでスタイルアップにも繋がりますし、上部分だけ折って着用したりとトップスによってバランスを変えられるので、着こなしの幅も広いです。⎯⎯デビューコレクションは古着のリメイクのみで構成されていますが、ヴィンテージライクな印象はなく、むしろモダンな雰囲気が漂っているように感じました。　私自身がいち消費者として服を買ったり着たりするのが好きなので。自分が服を作るときも、一歩引いて「自分がこのアイテムを着たいか」という目線からデザインをするようにしています。「リメイクしたからOK」ではなく、あくまで現代の服として、自分が持っている他の服とコーディネートできるようにすることを心掛けています。⎯⎯香村さん自身はプライベートでどんなアイテムを着用するんですか？　服がとにかく好きなのでジャンル問わずです。古着からラグジュアリーブランドのアイテムまで幅広く着用します。⎯⎯どうやってデザインを組み立てているんですか？　2パターンあります。一つは自由に服を作るパターン。深く考えず、シンプルに「物体」を作るような感覚で自分で縫い合わせながらパーツを組み立てます。　もう一つは、「こんなものがあったらいいな」というイメージが先にあり、そこを目指して作るパターン。フリーランスでの仕事はこの考え方で進めることがほとんどでしたが、キイトでは2つの思考パターンを半分半分くらいで使い分けています。できる限り手に取りやすい価格で、香村が「キイト」を通して目指すもの⎯⎯現在の率直な心境を聞かせてください。　まずは、セールス担当のkuonさんや、量産に協力してくださった工場さんなど、ここまで支えてくださった方々にお礼を言いたいです。ブランドがローンチするまで、商標や資金、作り場の問題など、本当に色々な壁がありました。私は服を作ることしかできず、周囲の方々の助けがなければこのスタートラインに立つことはできなかったので、感謝の気持ちで一杯です。⎯⎯展示会の評判はどうでしたか？　想像以上に良い反応を頂きました。デビューコレクションでここまでオーダーを頂けるとは正直思っていなかったので嬉しい反面、数字を見て身が引き締まる思いです。店頭でも好調に売れていると聞いていますし、7月に発売した「シティショップ（CITYSHOP）」の別注は初日に完売し、反響も大きかったです。⎯⎯現在のブランドの課題は？　課題は二つ。一つはリメイクする際の原材料である古着の調達です。なるべく使える古着の範囲を広げる工夫はしているとはいえ、どんな古着でも良い訳ではないので、質の良い古着を十分な量確保できる環境を整えることが大事になってきています。　もう一つは、量産体制の確立。リメイクアイテムは既に縫われているものを解体するので、生地を裁断して縫製する一般的な縫製工場さんにはお願いできないんです。デビューコレクションは一部の対応可能な工場さんに依頼してなんとか納期に間に合わせましたが、今後オーダーが増えてきた時に今のままでは対応が難しくなる可能性もあるので、ここの体制を整えていくことは喫緊の課題と言えると思います。⎯⎯現在のブランドの目標について教えてください。　スタートしたばかりのブランドなので、まずは知名度を上げて、多くの人に知ってもらいたいです。⎯⎯デニムジャケットで3〜5万円、デニムパンツで3〜4万円ほどと、手が込んでいる割に良心的な価格設定のように感じますが、プライスについてのこだわりは？　できる限り手に取りやすい価格で、というのはブランドを立ち上げると決めた時からずっと考えています。出来る限り価格を抑えて多くの人に商品を手に取ってもらうことで、一枚でも廃棄される服の数を減らしたい。ここの軸はブラさずに、今後も服作りに励んでいきたいと思います。（聞き手：村田太一）

QUIITO

Fashion

「QUIITO」デザイナー香村茉友がイッセイ ミヤケから受け継いだ“アナログな服作り”

落合翔平が影響を受けたモノー今日は落合さんを形成したアイテムをいくつかピックアップして持ってきてもらいました。「めちゃ×2イケてるッ！」「はねるのトびら」「Mr.ビーン」など。映像作品はザ・バラエティのラインナップですね。　僕、ずっとふざけていたいんですよね。幼少期にお受験をさせられたりと、真面目に育てられてきたこともあって。その反動なのか幼稚園の時は「クレヨンしんちゃん」と「志村けんのバカ殿様」ばっかりを観ていました。幼心に「これって許されるんだ！」と思いましたね。忘れもしない、幼稚園の年長の時。僕が友だちの給食をこぼしちゃったことがあって。僕は「クレヨンしんちゃんはこういう時、チューして許してもらってる！」と思って友だちにチューしたら先生にめちゃくちゃ怒られた（笑）。　今日持ってきた中でも、めちゃイケが特に大好き。なぜなら、めちゃイケって意外とドキュメンタリー要素が強いんですよ。例えば「ヨモギダ少年愚連隊」という企画は、1人の視聴者の中学3年生から32歳までの成長を追うんです。お笑いも好きだけど、同じくらい「青春」が好きで、もっと言えば「歴史」が好きなんですよね。ー歴史が好きな理由は？　歴史って、一揆とか乱とか「緊急事態」な局面が多いじゃないですか（笑）。緊急事態と向き合った時、人はなんとかそれをクリアしようと、もがき苦しんで成長するでしょう。その姿が好きなのかもしれません。それを僕は「青春」だと思う。ー次は、個性的なTシャツ。　ほとんど、野方にある「吊り橋ピュン」で買いました。マリナーズと見せかけてバックプリントに「住友林業」と書いてあったり、前園真聖と中田英寿と日清ラ王の組み合わせだったり、ダブルネームやトリプルネームに目がないんです。会話の掴みに使えるんですよ。僕、ふざけたがり屋なんですけど、恥ずかしがり屋でもあるので会話の掴みがあると楽なんですよね（笑）。ーサッカーTシャツなどのスポーツ系のTシャツが多い中で、尾崎豊さんのTシャツが一際目を引きますね。　漫画「宮本から君へ」もそうなんですけど、“アツい”のも好き。例えば、めちゃイケも、ナイナイの岡村（ナインティナイン 岡村隆史）が短期間でダンスを覚える企画があるんですけど、アツさと誠実さがお笑いの中にあるんですよね。呼び捨てにしちゃって申し訳ないんですけど、尾崎豊も、宮本も、岡村も全力で、サボっていなくて、嘘なく伝えてくれる感じがする。僕もそれがやりたいんですよ。多分、スカす感じが好きじゃないんですよね。何事も全力投球で、ダサくてなんぼ。元芸人で美大出身、落合翔平の不思議な経歴ー大学卒業後、お笑い芸人として活動していたと聞きました。　元フジテレビのバラエティ番組のプロデューサーで現在ワタナベエンターテイメント会長・吉田正樹さんに弟子入りしたんですよ。今思えば、お笑い芸人を目指しているならNSC（吉本興業が運営する養成所）に入ればよかったのに。完全に逃げですよね。ー当時の芸風は？　最初は「バッタモンクラブ」というコンビを組んでいました。東京NSCが無い時に、極楽とんぼさんやココリコさんが組んでいた「吉本バッタモンクラブ」というチーム名から取りました。当時はアンタッチャブルさんに憧れていたので、超しゃべくりアドリブどつき漫才。憧れだけが先行して、アドリブ、練習無しでお笑いライブに出場したんですが、持ち時間3分の尺があるのに相方と2人でネタを飛ばして1分で舞台袖に捌けたり。その後は落合MAX平というピン芸人でフリップ芸をしてました。が、1回もウケた事がないです（笑）。お笑い芸人の方は本当凄いな、とマジで尊敬しています。ー落合さんは、多摩美術大学生産デザイン学科プロダクトデザイン専攻を卒業されています。どちらかといえば、平面ではなく立体作品を製作する学科なのではないでしょうか？　そうですね。周りの子たちは家具やプロダクトを作っていたけど、僕は授業で立体物を作らなかったかも。　僕の世代は、深澤直人さんや、吉岡徳仁さんなど、プロダクトデザイナーが全盛期で花形だったんですよ。今はこういう絵を描いているけど、学生の時は深澤さんがデザインしたブランド「±0（プラスマイナスゼロ）」や、ディーター・ラムスがデザインした「ブラウン（BRAUN）」のプロダクト、無印良品のようなミニマルなデザインに憧れていたし、美大に行きたいな、と思ったのはミニマルなプロダクトデザインが好きだったからなんですよね。ーふざけたいという気持ちと、ミニマルで綺麗な物を作りたいという気持ちは相反するもののように感じますが。　本当は「綺麗で整ったものが好き」が根本にある。こう見えて根が結構真面目なので（笑）。でも、その対局にある「ふざけきること」に心底憧れて、芸人になろうと思った節はありますよね。ー恥ずかしがり屋だけど、ふざけることが好きで、綺麗なプロダクトデザインを愛でる冷静さがある。　そうなんですよ。混在する性格や要素が真反対すぎて、自分でもよくわからないんですよ。ーその複雑な性格や要素は、作風にどれくらい影響を与えていますか？　プロダクトの全部を描いてやろうという気合いはアツさと冷静さ。絵にはふざける要素はあまり入っていないんですけど、もっと崩したり、遊び心をもたらすことはできるかな、と常々思っています。そうすれば自分がやりたい事により近づくかなと。　絵には嘘があってもいいんだけど、僕の美学は「汗臭く、泥臭く物事を伝えること」。そのためには、アツさと誠実さを持って全力で取り組まないと、その良さが100％で伝わないのでは、と。それは、作風の根底にあるかもしれない。立体作品を平面にしているつもりはない？ー今の作風を確立したのは？　大学4年生の時かな。最初は電車を描いていたんですよ。ー描かれるモチーフはどこか懐かしいものも多く、鑑賞者それぞれの個人的な記憶を思い起こさせる力があるように感じました。　やっぱり愛着があるもの。僕、物が捨てられないんですよ。鉛筆や消しゴムも短くなるくらい使い切った物は捨てずにとっておいているし、もう15年くらい「ゴミ日記」というのを付けてて。食べたものとか、レシートとかをスクラップしているんですけど、物に対して異常な愛着を持つんです。その愛着が、筆圧にのって絵に反映されているのかな。　僕、下書きとかは描かなくて。最初から4Bの鉛筆でマックスの筆圧で描くんですけど、消しゴムで消しても跡が残るんです。全力の痕跡が残る、画面に歴史を残せるという意味では、このままでいいかなと思っています。ー何故、人は描かないんでしょうか？　情報量が多すぎるからかな。その人のバックグラウンドを含めると全力で描き切れる自信がないんです。ー立体作品を平面的に収めようと思ったのは何故ですか？　よく「立体物を平面にしている」と言われるんですけど、自分ではそんな意識はないんですよ。たまにSNSで「落合みたいな絵を描いてみたぞ」とDMをいただくんですけど、すごいグニョグニョに描かれていて「俺の絵ってこんな風に見えているんだ！こんなグニョグニョなんだ！」と衝撃的でした。自分的にはグニョグニョに描いているつもりはないので新鮮で。　もちろん、写実的ではないとは思うんですけど「このプロダクトを作った人の一番見せたかったであろうところはそのまま描こう」とは思っています。プロダクトにおける「顔」に当たる部分は、“物の上の部分”だと思うんですよ。そうすると、自然と傾けるしかなくて、ぐにゃぐにゃになっているように見えるのかな。ファレルに見出された才能ー落合さんは、「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」のクリエイティブ・ディレクター ファレル・ウィリアムス（Pharrell Williams）が主催するデジタルオークションハウス「ジュピター（JOOPITER）」に作品を提供されました。　ファレルのマネージャーらしき人から連絡が来ました。「ファレルがお前の絵のこと好きらしいぞ」と。最初は嘘だと思ったんだけど、その連絡が来る直前にその周りの人たちからインスタをすごいフォローされたから、どうやら本当のようだ、と。ーファレル自身とはやりとりしましたか？　していないですね。でも、インスタのストーリーズでもメンションをつけて作品を投稿してくれたし、僕が投稿したストーリーズにも閲覧した足跡がついていたから、認知はされているのかな（笑）。ージュピターでは、落合さんが描いたファレルの私物7点が、ラグになって出品されています。　ファレルの私物ってやっぱりすごく豪華で、ダイヤがたくさん付いていたり、装飾華美なんです。いままで衣類やダイヤを描いたことがあまりなかったから、いいタイミングでしたね。　作品は一枚ずつ描いて、ラグとして織られました。僕の絵はニットとかラグとかの編み物と相性がいいんじゃないかな、と個人的には思っていたのでそれが叶ったのも嬉しかった。ーファレルを筆頭に、自身の作品が国内外の著名人から注目を集めている現状をどう捉えていますか？　まだまだだなと思っています。ファレルのも去年のことですし。過去の事をずっと言っているのはクールじゃないじゃないですか。　芸人になることを諦めたり、大学時代にプロダクトデザイン先攻からグラフィックデザイン先攻に転向しようと思ったのにグラフィックの教授に「入れたくない」と断られたり、ずっと逆境みたいな感じで、いまも「逆境じゃんか！」と思っています。作品が評価され始めた時点で「逆境」ではないという考え方もあると思うんだけど、僕の最終目標は「全人類からの認知」なので。そう思うと、道のりは長いです。（聞き手：古堅明日香）◾️落合翔平1988年埼玉県大宮生まれ。多摩美術大学生産デザイン学科 プロダクト専攻を卒業後、お笑い芸人として活動。2018年から画家として活動を始める。日用品や玩具など、身の回りにあるアイテムを描いたペインティングやドローイングを発表してきた。ダイナミックで予想不能な形状や立体感、力強い筆圧で描かれた線画が特徴。ファレル・ウィリアムス（Pharrell Williams）が主催するデジタルオークションハウス「JOOPITER」に作品を提供するなど、国内外で活動の幅を広げている。2024年春には高知で個展を開催する予定。公式インスタグラム

元芸人でファレル・ウィリアムスが認めた逸材、気鋭画家 落合翔平の頭の中

江頭誠1986年三重県生まれ。戦後の日本で独自に普及してきた花柄の毛布を主な作品素材として、立体作品やインスタレーションを手掛ける。2015年に発泡スチロール製の霊柩車を毛布で装飾した「神宮寺宮型八棟造」で「第18回岡本太郎現代芸術賞」特別賞を受賞。その翌年、毛布で洋式トイレをつくった「お花畑」で「SICF17」のグランプリを受賞する。主な展覧会に「六本木アートナイト2017」、「BIWAKOビエンナーレ2020」など。展示以外にアーティストYUKIの「My lovely ghost」のMV にアートワークで参加。公式インスタグラムみかんの皮、バッタの格好...様々な素材に挑戦した美大時代ー今回は江頭さんの作家活動について色々とお話しをお伺いしていきたいのですが、まずは「Kaguya by Gucci」、素晴らしいコラボレーションでしたね。　ありがとうございます。以前から監督の長久允さんが作品を見てくれていて、今回オファーを頂きました。最終的に部屋一面を毛布で覆い尽くしたセットも作り込み、かなり大胆に作品を使って頂きました。完成した映像を見た時は、本当に嬉しかったですね。ー江頭さんといえば"花柄毛布"の印象が強いですが、以前は全く別の作品を作っていたとか。　毛布を使った作品を初めて制作したのは、多摩美術大学4年生の卒業制作です。それまでは熊本産のみかんの皮で熊本城を作ったり、バッタの格好をしてパフォーマンスをしたり....今の作風とは大分かけ離れた作品を作っていました。多摩美では彫刻科に通っていたんですが、他の学生の子とやってることが被りたくない気持ちがあり、彫刻素材の主流となる4種（石、鉄、粘土、木）のどれにも属さない新しいジャンルでの作品制作に執着していました。大分捻くれた作風でしたね（笑）。ー当時、江頭さんの作品に対する周りの反応はどうでしたか？　　笑われていたような気がします（笑）。ただ、その反応を全然ネガティブに捉えてはいなかったですね。関西近くの三重県出身という影響なのか、"人を笑わせたい"という感情が作品制作のベースにあります。笑うことでその場の空気が平和になる、そういう環境を自分の作品を通して作りたいので、真面目に褒められると少しくすぐったいんですよね。作品を見てズッコケてもらいたいんです。ーそもそも彫刻科に進学を決めたきっかけは？　予備校の体験授業で、野菜を紙粘土で作る授業がありました。胡桃をモチーフに作品を作ったところ、予備校の講師だった大巻伸嗣さんがすごく褒めてくれて、賞も頂けて。それがきっかけとなり、彫刻科への入学を決めました。正直、すごく強い気持ちで彫刻科へ進んだ訳ではなかったんですが、精密画のような丁寧な作業ができる性格ではないので、"荒さ"を許容してくれる彫刻は自分に合っていたんだと思います。目の前に現れるリアルな物と対峙できること、そして様々な素材を扱えることは彫刻ならではの面白さだと思うので。 卒業制作として発表、駄洒落から生まれた初の毛布作品ー学生生活の締めくりとなる卒業制作の構想はずっと前からあったんですか？　実は提出の2ヶ月前になっても作るものは決まっていなくて（笑）。元々お城が好きだったことと、毛布を使いたいという構想は頭の中にあったので「毛布といえば冬、冬といえば大阪冬の陣」という駄洒落から作品を作り上げました。縫い合わせた毛布に綿を詰めて制作したんですが、綿の詰め方で予想だにしない形が生まれる"偶然性"にはすごく惹かれるものがありました。ー毛布を使う構想は以前から持っていたものだったんですね。　そうですね。一人暮らしの部屋に友人が来た時、実家から持ってきた毛布を「ダサい」と言われ、今まで気に留めていなかった花柄が急に恥ずかしく、意識せざるを得ないものになりました。特に花柄を好んで使用していたわけでもないのに、なぜあんな派手な花柄が見えていなかったのかと疑問に感じたところから毛布の作品はスタートしました。また上京する時に、母親がくれたのが花柄毛布だったので、同時に母親を否定されたような気持ちにもなり、友達の言葉をすぐに受け入れられなかった記憶があります。その場では笑っていましたが、不思議な感情でした。ー完成した卒業制作の感想として挙げていた、"偶然性"に惹かれた理由は何でしょう？　ある日父から「絵は上手くなったけど誠らしくない感じになったな」と何気なく言われたことがありました。予備校と浪人時代に学んでいたデッサンは石膏像を忠実に描くことを良しとしているので、オリジナル性を問われることはなく、技術だけが身に付いている状態だったんですよね。父の一言で技術に頼る作品にフラストレーションを感じるようになり、遊びや失敗を許容してくれるノリが作品に欲しかった。そこから偶然生まれてくる形や組み合わせなど大切にするようになり、"偶然性"に惹かれるようになったんだと思います。ー卒業制作の反響はどうでしたか？　全くなかったです（笑）。元々卒業後は美術の道には進まず就職を考えていたので、一年間のバイトを経て家具屋に就職しました。　家具の修理作業は楽しくもあったんですが、依頼されて制作するのではなく、やはり一から作りたいという思いが出てくるようになって。一緒に働いている先輩に「毛布で霊柩車つくったらかっこよくないですか」って話したことがあったんですが、初めて話したつもりが「それ何回も言ってるし、そんなに良いと思ってるなら作ったほうが良いよ」と。とりあえず書類だけでも出してみるかという気持ちで「第18回 岡本太郎現代美術賞」に応募したところ書類審査に通ったので、覚悟を決めて週2日の休みをすべて費やし作品制作に打ち込みました。ー多摩美卒業後、4年ぶりの作品制作がスタートしたと。　そうですね。作品制作の時間はとてつもなく楽しくて、ずっとハイな状態でした。満足のいく作品が出来たことだけでも十分嬉しかったんですが、特別賞を頂けたことが後押しとなり、働いていた家具屋を辞めて作家活動に専念することを決めました。作家としての覚悟を決めて挑んだ、スパイラル「SICF」ーそこからの作家活動は順調だったんですか？　賞をもらい仕事を辞めて制作環境を整えたんですが、制作依頼は1件も来ない（笑）。どうすれば良いか分からず大学時代の教授に相談したら「作品を作っていないのに何を悩んでるんだ。まずは作れ」と喝を入れられました。　とにかく作品を作るきっかけが欲しかったので、スパイラルで開催されている「SICF 17」に出展しました。これまで大きな作品を作ってきたんですが、SICFで作家に割り当てられるブースサイズは彫刻扱う自分にとってはすごく狭かった。それをどう活かすか考えた結果、ブースを様式トイレに見立て、便器はもちろん床から壁まですべて毛布で覆った作品を発表しました。その作品がグランプリを受賞し、副賞としてスパイラル1階のショーケースでの個展が決まりました。ーSICFで初めて空間を意識した作品に挑戦したわけですね。江頭さんにとっての大きなターニングポイントになったのではないでしょうか。　スパイラルは立地も良く、ファッションやアートに興味がある方が沢山来るので、僕の個展も本当に多くの方に見て頂くことができました。そこからようやくギャラリーでの展示や仕事に繋がっていきましたね。ースパイラルでの個展が2016年。そこから約7年ほど経ちますが、手法を変えることなく花柄毛布を使った作品を発表し続けています。同じ素材を使い続けることへの抵抗はなかったんですか？　毛布の作品をやめたくなったことは、過去に何度もあります。一時期本当に毛布が嫌になってしまい、2018年に参加した「BIWAKOビエンナーレ」では、過去作品を供養する為に祭壇を作ったことがありました。形だけではありますが、自分の中でとにかく区切りをつけたかった。ただ、依頼が来るのはやはり毛布の作品なんですよね（笑）。毛布への嫌悪を乗り越えて見つけた、新しい表現方法ー期待に応えたい気持ちと、新しい表現にチャレンジしたいという葛藤の中で、嫌いになってしまった毛布を今も尚使い続けられているのは、気持ちの整理が出来たからでしょうか？　毛布と良い距離感を見つけられたことが大きかったですね。2019年に静岡県島田市で開催された「UNMANNED 無人駅の芸術祭」で、お茶畑の集会所を使った展示依頼を頂きました。天井から床、小物に至るまですべて毛布で覆い作品を完成させたんですが、自分の作品で覆い尽くすことの意義を感じられず、すべての毛布を剥がし、元々その場所にあった物と自分の作品をミックスさせた内容に切り替えたところ、すごく納得感が生まれました。　空間をすべてを覆い尽くすことは、一方的な主張を押し付けているようでずっと息苦しかった。その場所にある物や素材と自分の作品をミックスさせることで、双方にコミュニケーションが取れるようになり作品の風通しが良くなりました。そこからは毛布の可能性を多方面から探れるようになりましたね。色々と毛布に対して思うところはありますが、一周回って今では花柄がとても好きになったんですよ。ー様々な柄の毛布がある中で、「花柄毛布」にこだわる理由は何でしょうか？　毛布を扱う理由と同じになってしまいますが、「ダサい」と言われた毛布が花柄毛布だったという理由が大きいです。あとは装飾的なものにも興味があったという点も大きいですね。 昭和43年頃に花柄毛布が誕生し、当時日本はロココ調デザインの家電や雑貨が流行り、花柄毛布もその流れの一部だと言われています。西洋＝高級感のイメージがあり毛布にもロココ調の装飾柄が施され、当時の日常生活の範囲で装飾や見立てを楽しんでいる点にもすごく惹かれました。現代では装飾的な物は排除され、無地のグレー、白、黒のデザインのものがほとんどで、フラットな当たり障りないものが多いですよね。確かにプライベートな寝具が派手である必要はないけれど、プライベートなものだからこそ自分のテンションが上がる装飾を選び楽しむことは素敵だし、豊かなことだと思います。　逆に興味がない花柄が無意識のうちに日常生活に入り込んでいて、それに何の違和感や疑問を抱かないことも意識しないといけないのかもしれません。色々考えすぎて窮屈と思われるかもしれませんが、考えることは自由だし、楽しいですから。毛布作品で広がる可能性と、これからの展望ー毛布の作品は、モチーフを毛布で張り合わせたものとぬいぐるみのように縫い合わせたものがありますね。　毛布と長く付き合っていく為にも、様々な手法を試しています。綿を詰めた作品は、"剥製"を意識して制作しているシリーズ。剥製から感じる本物と偽物の中間のような存在が気持ち悪くもあり魅力的で好きなんですが、この作品も立体だけど平面的で、別の何かに見える"余地"がある。その"余地"を楽しんで欲しいし、自分の作品を通して新しい価値観や気づきを感じてもらいたい。この犬の作品も、角度を変えるとハートに見えたりチキンに見えたりしませんか？ ー確かにそう言われると見えるような気がします（笑）。作家の中には小物やグッズは販売しない方も多くいますが、江頭さんは数千円のアイテムも作られています。また、ファッション撮影などへの作品提供も積極的ですよね。　自分はアートのどのコミュニティにも属していないと思っていますし、作品が高価で崇高なものになってしまうことに抵抗があります。1人でも多くの人に手に取って楽しんでもらいたいので、作りたいものはあまり制限せず、"作品"と"商品"のどちらも作っています。"作品"と"商品"は自分の中で明確に分けていて、発表する場所に合わせて何を作るか考えています。作りたいものを作りたいしブレたくもない、欲張りなんです（笑）。自分がどこにも属していないからこそできることだと思うし、その方が自分の性にも合っているなと。そして何より自分自身が救われます。　ファッション撮影の現場でも、カメラマンやスタイリストの方が自分と違う角度から作品を扱ってくれるので、そこから沢山の学びと発見があります。自分の見ている範囲はすごく狭いものだと思っているので、色んな方の意見を取り入れることで作品も成長していけば良いと考えています。 ー最後に、今後の展望を教えて頂けますか。　実は今考えている新作があって、昔服が破れてしまった時に母が別の生地で縫い合わせてくれていた経験を元に、それを立体作品として表現できないかなと。腕がない玩具や欠損してしまっている物を布で作ったパーツで修復し、新たな作品として蘇らせたいんです。家具屋で修理をしていた時、ひどく汚れている机や壊れた椅子を日々扱っていたんですが、磨けば絶対に綺麗になるし、修理すれば必ず直ることを体験してきました。元の状態に復元できなくても、新しいモノとして生まれ変わらせることはできる。その経験を活かした作品を作ってみたいですね。そしてまた愛でてあげたいですね。（聞き手 : 城光寺美那）

GUCCI

アーティスト 江頭誠、"毛布アート"で花開いた人生の葛藤と希望に迫る

富永航武蔵野美術大学工芸工業デザイン学科テキスタイル専攻在学中にフィンランドのヘルシンキ芸術デザイン大学に留学。卒業後、文化服装学院服飾研究科を経て2015年セントラル・セント・マーチンズBAファッションプリント科を卒業。 在学中にはジョン ガリアーノなどのアシスタントを経験した。「第31回イエール国際モードフェスティバル」においてファッションデザイナー部門のグランプリを獲得。「プチ・バトー」や「マリメッコ」とのカプセルコレクションを発表するなど国内外で活躍している。公式インスタグラム黒沢秋乃武蔵野美術大学工芸工業デザイン学科テキスタイル専攻から多摩美術大学生産デザイン学科テキスタイル専攻に編入。卒業後、フィンランドのアアルト大学大学院でファッションデザイン科を修了。在学中に第31回イエール国際モードフェスティでバルファイナリストに選出された。帰国後、ニット企画会社で経験を積んだ後、2020年にニットウェアレーベル「オニカ」を立ち上げた。公式インスタグラム2人の出会い※多摩美術大学生産デザイン科テキスタイルデザイン専攻※第31回イエール国際モード&写真フェスティバル。黒沢と富永は共にファイナリストに選出されている。いつからデザイナーになりたかった？美大に進学したワケ武蔵美の空デと工デの違い※武蔵野美術大学空間演出デザイン学科の略称。ファッションデザインコースやインテリアデザインコースなどがある。3年生で多摩美に編入した「オニカ」黒沢のお話超主観的：武蔵美に向いている人・多摩美に向いている人超主観的：専門学校に向いている人・美大に向いている人※文化服装学院の略称美大での学びはデザイナーとしてのクリエイションとしてどう生かされているのかを考えてみた（聞き手：古堅明日香）

Central Saint Martins

【対談】武蔵美「ワタルトミナガ」×多摩美「オニカ」〜美大で学べること・服飾専門学校で学べることを真剣に考えてみた〜

池内啓人1990年生まれ東京都出身。多摩美術大学情報デザイン学科を卒業後、パソコンと模型を組み合わせた独自のスタイルの作品を発表し、これまでに「バレンシアガ（BALENCIAGA）」の2022年春夏コレクションのキャンペーンヴィジュアルをはじめ、「シュウ ウエムラ（shu uemura）」などのブランドに作品を提供したほか、KOHHやエイサップ・ロッキー（A$AP Rocky）が国内で開催したポップアップストアにも参加している。公式インスタグラム「オタクリスペクト」から始まった作品制作ー池内さんは多摩美術大学の情報デザイン学科を卒業されています。主だって平面作品を勉強する学科ですよね。池内啓人（以下、池内）：おっしゃる通り、学生時代はフォトグラフィックなど平面デザインについて学んできました。ー立体作品の制作はいつから？池内：卒業制作でジオラマを作ったのが最初です。ただ学部生の頃から、大学にあるサークル棟の1番奥で戦車のプラモデルやガンプラ※をずっと作っていました。※ガンプラ：機動戦士ガンダムシリーズのプラモデルの略称ー深水さんは、池内さんのマネジメントを2019年から担当しています。深水くらら（以下、深水）：その1年ほど前から一方的に知っていたんです。私は元々KOHHの制作チームに所属していて。「サイバー感漂うミュージックビデオを作りたい」というプロデューサーの要望を受けて、池内さんに連絡をとったのが始まりでした。ー池内さんの作品のどこに魅力を感じていたんでしょうか？深水：「今、ここにあるもの」を使って「架空・存在しないもの」を作っているところです。うまく言えないのですが、物体としてはたしかに存在しているはずなのに、この時代のものではないように感じるというか。アニメや漫画の世界でだけで見たことがあったものが、実際に目の前に物体としてあるということに衝撃を受けたんですよね。池内：僕自身はあまり自分の作品に神秘性を感じないんですけどね（笑）。僕の目の前には深水さんが言うところの「架空・存在しないもの」がずっとあったから。ー「架空と実在」という二項に対する認識の違いが、鑑賞者と池内さんの間にはあるのかもしれないですね。作品を見た鑑賞者からは「オタク心をくすぐる」という深水さんと似たようなコメントもみかけます。池内：オタクリスペクトから始まっているのは間違いないです。最初は自分が影響を受けたアニメ「ゾイド」や映画「スター・ウォーズ」など、好きなものを別の表現としてそのまま出す、ということをしていただけなので。「作品には作家の主体性を一切入れていない」、その意図とは？ー池内さんの作品はサイバーパンクやSF映画などを彷彿とさせるのですが、一方で「現代における仏頭のようだな」と会場入り口に静置されているマスク作品を見て思いました。池内：誰しもが抱えるコンプレックスを埋めるための「パズルの1ピース」みたいな作品になればいいなと思っているので、そう感じて頂けて嬉しいです。ー「コンプレックスを埋めるための"パズルの1ピース"」というのは具体的に？池内：僕は作品を制作するにあたって「自分の主体を一切排除すること」を意識していて。主体を排除することで、誰しもが心のどこかで追い求めている「自らのコンプレックスをぴったりと埋めてくれるもの」になればいいな、と。ー確かに池内さんの作品には作家のサインがありませんし、今回の個展名も「IKEUCHI HIROTO EXHIBITION」というだけで特別な展覧会名はついていません。池内：作品のどこかに自分のサインを入れてしまったら、おそらく「僕のコンプレックスの隙間」しか埋められなくなると思います。仏頭に代表されるような「鑑賞者のための救済」にはならない。作品を見た誰かが、自分が意図しないところで自由に想像するのはとてもよいな、と。個展名に関しても「みんなが好き勝手につければいい」と思っています。深水：主体とコンプレックの話で言うと、ヘッドセットを装着するとその人の顔を完全に覆い隠すので、鑑賞者自身の主体性もなくなるんです。池内：自分のヴィジュアルが好きじゃない人は、あれをつけることで主体を排除できるから良いんだろうな、と思います。深水：今、マスクと言う概念は「身を守るもの」「マナー」という側面が強くなりましたが、その意味付けがなされる前は「自分の顔を一時的に隠すもの」としても使われていましたよね。池内：それこそ作家には「完全な一貫性」が必要だと思っていて。例えば僕だったら「顔を出さない」「作品に自分の主体姓を残さない」「個展名を付けない」などです。ーアーティストが一貫性を持つからこそ、鑑賞者は自由に作品を解釈することができるように思います。池内：そこがぶれてしまうと、作品と鑑賞者の間で生まれるコミュニケーションのノイズになるような気がしますよね。ー作品に対して「自分のものである」という所有欲みたいなものがあまりないのでしょうか？池内：昔はありました。でも、いっぱい持っていても物が自分を救うことがなかったんですよね。アニメグッズとかを集めていても、引越しの時には全部捨ててしまうし。ーアーティストによっては、鑑賞者による独自の解釈がなされることを嫌う人もいます。池内：作品の全てはヘッドホンや掃除機などの既製品を組み合わせて作られたものですが、僕だって元の既製品の意味を取っ払って「別の意味」を持たせている。同じように他の人が僕の作品に「別の意味」をもたせるのは全く持って自然な流れだと思います。ー確かに、作品に用いられている既製品はよく見ないと「元々なんだったのか」が分からないくらい別のものへと変貌していますね。池内：既製品の中から欲しい部品を手に入れるために分解したりもしています。分解している時はマグロの解体ショーみたいな気持ちで（笑）。作品には僕の主体は入れていないし、物自体の主体も入れたくない。例えばVRゴーグルも「VRゴーグルとしての主体」が残りすぎるとあまり良くない。「ゴテゴテと既製品をデコレーションすることで物自体の主体を覆い隠す」ということを意識をしています。 ーただ作品は、元々の既製品が持っていた「機能」は損なっておらず全て使用することが可能なんですよね？池内：そうですね。少しおかしな例え話ですが「人間は好きだけど、マネキンは嫌い」という気持ちです。物の主体は奪いたいけど、本質は残しておきたい。ものにおける本質は機能だと思うので。展示会場に「レクイエム」が流れ続ける理由ー会場にはミシェル・カルージュによる「新訳 独身者機械」も置かれています。本作は、マルセル・デュシャンの作品「彼女の独身者たちによって裸にされた花嫁、さえも」とフランツ・カフカの小説「流刑地にて」に類似点を見出し、その類似点は他の作品にも見受けられる、という指摘がなされている書籍です。池内：まさに僕の作品を見てそれぞれが異なった印象を自由に感じるように、ミシェル・カルージュが「お前はこうなんだろう！」という決めつけを小説家に対してひたすら盲信的に綴った著書で、共感できるところもあり面白いんですよ。本作で取り上げられているマルセル・デュシャンの「彼女の独身者たちによって裸にされた花嫁、さえも」は、作品を上下に二分割した時に、上パネルが「理想」、下パネルが「現実」を表現した二層構造になっているそうです。今回の会場であるSAIも天井が窓になっていて、展示されている作品が反射して写るんですよ。デュシャンの作品と今回の展示会場がとても近しいというのも含めて、「ひたすら一緒で面白い」と思い展示における大きなモチーフとして採用しました。 ー会場の話が出ましたが、展示室にはずっとレクイエムが流れていますよね。池内：僕が選曲したものです。1人でやっていた制作活動ですが、深水さんがマネジメントに入ってくれたことでたくさんのことが変わった、というのを表現するのにレクイエムがぴったりかな、と。ーレクイエムは「鎮魂歌」と日本語では訳され、亡くなった人を悼む内容の作品が多いですが。池内：消極的な気持ちで選曲したわけじゃないんです。1人でやっていたところから、複数の人が携わるようになったことで失ったものは実際たくさんあります。例えば、周りの人が作品に勝手に文脈をつけて僕の文脈が死んでしまったり。ただ、そういった「亡くなってしまった」ということに対して、悲しみではなく「よかったね」という気持ちがあるんです。レクイエムにも何種類かあるんですが、大抵は「残念だ」「許せない」などの怒りの一幕が入っている。でも会場で流しているガブリエル・フォーレによる「レクイエムニ短調作品48」は、ひたすらに安息と安らぎが歌われています。それが今の自分の気持ちにぴったりだったんですよ。「非到達だけが唯一の永遠」追求するのは根源的な美ー池内さんの作品をファッションと結びつけたのは深水さんと聞きました。深水：私は、池内が「好きで作っているものが、そのままもっと世に出ていけば良い」と思っています。池内の作品を見つけた一部の人が独占して楽しみ、そのまま時間だけが経つというのも否定はしません。でも、彼の作品が狭い界隈の中でしか知られないというのはもったいないな、と。例えば村上隆さんと「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」、空山基さんと「ディオール（DIOR）」のように、素晴らしい者が素晴らしい物と組み合わさりスプレッドされることで認知され、価値も上がっていきます。認知とビジネスといった点で、アートはファッションと切り離せないし無視できないものだと考えています。池内：僕の視点では、消費が早い「ファスト」という意味でファッションもアートも一緒。また「物自体には価値がなく、文脈の上で価値が乗っかっている」という点でも類似している。ブランドも「ブランド品である」という側面で値が付いていることは大なり小なりあるだろうし、アートも文脈やコンテクストに値がついている。 深水：池内の作品は、美術の文脈にもファッションの文脈にも乗せづらいものだと思っています。元々は既製品を組み合わせているだけなので価格という面でも「どれくらいの価値があるものなのか」がはかりづらい。ただその分「なんでもできるだろうな」とは思っていたし、極論「物自体に価値はない」と言い換えることもできるのかな、と。ファッションでもアートでも、2次元でも3次元でも構わない作品なのではないでしょうか。ー池内さんは、深水さんから「ファッションブランドと仕事をしていく」と聞いた時はどう思いましたか？池内：絶対の正解ではないかもしれないけど「良いのでは」と思いました。ー「作品から作家の主体を排除している」という言葉の通り、マネジメントにおいても作家としての池内さんは希薄というか、達観していますね。池内：そうですね。マネージャーがやりたいことをやっている（笑）。深水：私はこうしたいと思っていることがあるけど、それは池内の想像と異なるものなのかもしれません。ーマネジメントにおいて、自分の意思が反映されないことを嫌うアーティストの方が多いと思います。池内：すごい嫌です（笑）。でもその「嫌だ」という気持ちがあるからまだ制作できるのかな、と。諦めの悪さというか。まだ微妙に信じられるものがあるなら、そこは追い求めていきたい。ー「信じているもの」とは？池内：今は「バランス感覚」についてです。バレンシアガのヴィジュアルに使用された身体拡張ロボット「スケルトニクス」は、2015年に作った作品でディテールはしょうもないんですけど、今見てもみんなが「カッコいい」と思うのはなんでなんだろう、とか。展示会場にもある男性マネキンは僕的にはバランスが悪く、女性マネキンの方がバランスが良いと思っているのですが、それを証明するように女性マネキンの方が先に売れたりとか。そういう人類が無意識に追い求めている「根源的な美」みたいなものがあるんじゃないんだろうか、と。「宗教的な美」を目指したところから、万物も美に向かって行ったという人類の歴史もありますしね。「根源的な美は存在するのか」という問いを作品を通して追求していきたいです。「根源的な美」を追い求めた先には何もないかもしれませんし、答えのない問いかもしれません。でも僕は「非到達だけが唯一の永遠だな」とも思っているので。 ー達成できないということが分かっていながらも、なぜ「根源的な美」を目指すのでしょうか？池内：物を作り続けていると「自分が想像した通りに作れるんじゃないか」という希望みたいなものはなくて、「絶対に到達できない何かがある」ということだけが明確になるんです。それを知ってしまった、というのはある種のコンプレックスだったりもします。今はその自分自身のコンプレックスを埋めるために、いろんな人に話を聞いたり、他の目的を見つけようとしている最中なんですよ。（聞き手：古堅明日香）

特集一覧タグ「多摩美術大学」の記事一覧

特集一覧タグ「多摩美術大学」の
記事一覧