インサイド

　これまでも、「流動的なファッションに固定的なプロダクトを融合させる」「アイテム単体ではなく全体性に着目する」「肩やウエストから背中へとデザインの重点を移動させる」「シューズを起点に全身をデザインする」など、毎シーズン独自の視点やアプローチを探求してきた坂部が2024年秋冬コレクションでテーマとして提示したのは、「ファッションと物語性」だった。　ここで言う「物語性」とは、元々神様や土着的なものと人間との関係から生まれたという民族衣装などをはじめとした、「個人の思い出や心とファッションとの関係性」を表すような物語のことを指す。2024年秋冬コレクションでは、「白無垢」や「産着」といった神社や神道にゆかりのある神聖な装束を連想させるような、純白のジャケットやドレスのルックが豊富に登場したほか、1970〜80年代の不良少女たちの間で流行した「スケバン」スタイルなど、今の時代というよりは、日本という土地の歴史や文化をより長いスパンで見たときの記憶や思い出を取り入れているように見えた。　近年のファッショントレンドとして長らく「ストリート」や「ミニマル」が台頭してきた中で、ここ数シーズンは「プロダクト」自体のクオリティや機能性、価値といった部分に興味があったという坂部。しかし、今再び90年代のマルタン・マルジェラ（Martin Margiela）による「ディコンストラクション」をはじめ、「物語性」や「装飾性」などが少しずつ回帰している流れを感じたといい、「今はファッションにおける物語性というものが、新たに生まれ変わるきっかけになる時期なのかもしれない。物語性を取り入れることで、ファッションに対してまた違う角度から愛着が湧くのではないかと思った」と語る。　デザイン面では、過剰な丈やボリュームをはじめ、シャツやジャケット、パンツといったアイテムが、通常の着方とは全く異なる形で装飾として用いられているドレスやパンツ、内側が半分表に出たようなデザインのバッグなど、敢えて「人間の身体にぴったり合わないもの」を取り入れることで、違和感を生み出すことを意識したという。　今回坂部がもう一つ重点を置いたのは、ルックやショーの「全体性」だ。今回のコレクションでは、ほぼ全ルックで統一された、目元が全く見えないほど長く大きくせり出した幽霊のようにもスケバンのようにも見える前髪や、まるでミラーボールのように顔面に塗りたくられたラメなど、「顔」の演出が非常に特徴的だった。坂部は、「目元まで隠すことによってモデルの“顔”という個性を消し、顔ではなく身体全体に目が行くようにしたかった」とその意図を説明する。時代が変わればおしゃれとされていたアイテムが変わるファッションの流動性を、着る人や空間でおしゃれかどうかが左右されるファッションを成立させる関係性という本質を捉えるためには、プロダクトのクオリティだけで評価する近視眼ではなく、全体感で見る必要があると考えたのではないか。そのため「東京クリエイティブサロン2024」の支援のもと、だだっ広い代々木第一体育館を舞台にした背景には、観客に遠くから俯瞰してショーを見て欲しいという想いがあったのだと思う。　今回のショーには、事前募集で募った一般客も多数来場。開演前の会場外には、平日の夜にもかかわらず大勢の若者たちが行列を作り、坂部が手掛けるフットウェアブランド「grounds」のスニーカーを履くファンの姿も多く見受けられた。このように通常ではあまりない規模感でのショー開催となったため、観客はスタンド席からアリーナを縦に走るランウェイを肉眼で遠目に見つつ、前方頭上のスクリーンを通してディテールを見るという鑑賞スタイルとなった。

MIKIOSAKABE

Fashion

「ミキオサカベ」が観客に問いかける、“全体”としてのファッションがもたらす新たな視点

デビューから4年で旗艦店オープン。グラウンズの今ーブランド立ち上げから4年が経ちました。　設立から4年、試行錯誤はあったものの、順調にこれていると思います。売上は7億円規模にまで成長しました。ー若い女性層を中心に、街で履いてる人をよく見かけます。　最近は30代の層も増えてきました。やはり女性が多いですが、それでも女性7：男性3くらいの割合ですね。ー現在グラウンズは何人で運営している？　海外を含めて35人で、うち10人がデザインを担当しています。ーデザイナーがかなり多いですね。新しい型はどれくらいのスピードで出しているのでしょうか。　海外メゾンのデザインチームですら5人しかいないところもあるので、クリエイションにかなり特化したチーム作りができていると思います。それこそ海外のデザイナーにも入ってもらっていますし。　新しい型は、ソールに関してはワンシーズンに1つ出すようにしています。基本的にはソールやアッパーのカラーや素材をちょっとずつ新しく変えたりして、アップデートを図っていますね。ー当初は3Dプリントのシューズを展開されていましたが、現在も使用していますか？　今はもう使用していません。プロトタイプの時は3Dプリントを使うこともありますが、商品化のタイミングでは使っていないです。やはりまだ強度や生産量の制約が多いので。ー「人間と重力の関係に変化をもたらす」をブランドのテーマに掲げていますが、今回オープンする旗艦店にも反映されているのでしょうか？　はい。たとえば、床にグレーチングを使用して浮いている感覚になれるよう設計したり。内装は「ダイケイ・ミルズ（DAIKEI MILLS）」にお願いしました。民家を選んだのは、雰囲気が怖くてどよんとしていて、それがいいなと思ったからです。民家の良さを残しつつ、浮遊感を感じさせるようなディテールを取り入れ、解放感を表現するため外観にはサボテンを配置しました。民家に引っ張られすぎるのも嫌だったので、 ニュートラルな空間に見せるための工夫をしましたね。ー原宿という場所へのこだわりは？キャットストリートの一本裏という立地ですが。　やはり、ファッションにおいて原宿より大事な場所は見当たらないなと。原宿は、グローバルでもかなり特殊な位置にあると思っていて、日本の中で1番変わった場所で好きなんです。キャットストリートという点も大事で、ショッピング感が強いところだとやはりファンタジーは生まれないんですよね。ーショップを作る上で一番こだわったところは？　入口ですね。何事も最初からファンタジーだとつまらなくて、日常の延長にファンタジーがあることが大事だなと。日常とファンタジーが交差する点が一番クリエイション的に難しいと考えていて、日常から地続きのファンタジーを作らないとみんなわからないし、やっぱり面白くない。だから、ファンタジーに現実味を帯びさせるため、その点となる入り口作りにはこだわりました。ー「日常の延長にファンタジーがあること」というのは坂部三樹郎のクリエイションに通ずるテーマですね。　日常とファンタジーが交差する点というのは、ジブリの「千と千尋の神隠し」で言うと、千尋の両親が屋台でご飯を勝手に食べて豚になってしまうシーンで。僕は「千と千尋の神隠し」ではあのシーンに一番惹かれますし、あれこそがクリエイションの醍醐味だと考えています。僕が通ったアントワープ王立芸術アカデミーでは、ベースにあるのがシュルレアリスム的思考で、その影響も多分にあるんですが、ファッションをデザインするなら、現実をどう地続きにさせるかっていうアングルが大事だと思っています。ーそれをグラウンズのお店で体現した。　そうです。日本人だけでなく、外国人観光客の方にも面白いと思ってもらえるような店づくりを心がけましたね。ー海外顧客も増えましたか？　かなり伸びていて、今1番多いのは中国、次いでアメリカ。急上昇しているのは韓国やシンガポールで、イギリスは一定ですが根強く人気です。ーECサイトと実店舗で売れるものに違いがある？　はい。オンラインの方では、白黒を筆頭にはっきりとしたカラー、実店舗ではニュアンスカラーが人気です。ー旗艦店ではどういった商品を？　旗艦店では80種類ほどを常時置く予定で、シーズンのものをベースに、コラボアイテムも揃えます。オープン時には「ベルンハルト・ ウィルヘルム（Bernhard Willhelm）」とコラボしたシューズを展開します。ー現在、自社ECと卸の売上構成は？　卸の方が多いですね。現在、海外も入れれば卸先は100店舗以上あります。ー年間で何足ほど生産しているんですか？　中国とインドネシアの工場で、年間3万足、月に3000足くらい生産しています。ただ服と比べると多く聞こえるかもしれませんが、3000足というのは靴業界では少なくて。月に2〜3万足作っている企業もあるので、生産数はまだまだ多くはないんですよ。ー店名に001とありますが、今後も出店を加速していく？　海外を含め5店舗ほど出店する計画です。もちろん001の様子を見てからにはなりますが。店舗を増やして、オンラインも活性化させ、来年はパリでプレゼンテーションをしたいなと思っています。今はまだプロダクトとしての側面が強いグラウンズですが、ファッション性を持たせていくというのが来期からの目標です。「メゾンブランドにしたい」上場を視野に入れるグラウンズの展望ーファッション性を持たせていくということですが、服の発表も計画している？　パリでのプレゼンテーションでは服も見せたいなと。ただ売るかどうかはまだ決めていません。ー生産の拠点を中国とインドネシアで分けている理由は？　リスク分散ですね。政治問題や感染症などの影響で、1ヶ所だと生産がストップする怖さもあるので。それぞれ自社工場ではないですが、中国の方は僕らの靴だけを作る工場にシフトしていけないかと、今話し合いを進めているところです。「ミキオサカベ（MIKIO SAKABE）」と「ジェニーファックス（Jennyfax）」の商品もその工場で生産していければなと考えています。ー数年で数十億の規模という立ち上げ当初に話していた目標の実現化まであと少し。　売上10億円を目前に、ヨーロッパのメゾンのようなブランドを目指していきます。今以上にグローバルで展開していって、理想としてはヨーロッパにあるメゾンのようなブランドを目指していきたい。そのために、組織づくりとブランディング強化が肝になってくると考えています。上場は、売上100億円という規模になってから検討していきたいですね。「人間像の構築」生命とファッションの繋がりー改めて、クリエイションで追求していきたいことは？　先ほどお話しした日常の延長の追求と、靴を軸に作る人間像の創造です。今のファッションデザインは顔や頭が軸ですが、足を軸で作る人間像の方が面白いなと思うんですよね。現代は個人を大事にする時代ですが、そのままでは連帯が生まれないのでゆくゆくは外との関係性が大事な時代になるはず。だから、描きたい人間像というのは関係性を作れる人間です。 人間の部位で外と繋がる、触れているといえば、それは地面と接点がある足ですから、足を軸にデザインすることが新しい人間像の創造に繋がるんじゃないかなと。ー大地といえばドストエフスキーを想起させますが。　ドストエフスキーが大地をどう捉えていたかは判別つきませんが、僕としてはあくまで大切なのは関係性ですかね。少し脱線しますが、生命は細胞からできていて、細胞というのは核と膜でできている。一般的に細胞が存在するために核はなくてはならないものですが、実は核が欠落したとしても膜の細胞を結びつける機能が働くという一説もあります。そこから、関係性の中にこそ本質があるのではないかと考えて、ファッションにおいてもそれが言えるのではないかと。つまり関係性にフォーカスしたほうが、物質にフォーカスするよりも本質的で、面白いものが作れる気がしているんです。ーそれを体現するためにグラウンズがあるのでしょうか？　グラウンズに限らず、僕のファッションデザイン活動全てに関わることですかね。グラウンズの場合は結構チームワークでやってるところがあって、僕はディレクターとしてこういう方向でやりたいって話はもちろんシェアするけど、ディテールに関してはかなりの部分を任せています。気に食わないデザインがあっても、その隣にあるものとのバランスがよければ関係性という視点ではOKで、それ故に単体を見てダメだという決断はしませんね。全体像の中ので立ち位置がちゃんとあるものだったら、気に食わないものでも必要じゃないですか。実際僕が気に入らないものの方が人気が出たりするので（笑）。ビジネス面でもクリエイション面でも、関係性は大事。そのためにはやはりファッション性が必要なんですよ。だからこそグラウンズでは、来年のパリでのプレゼンテーションをきっかけに、シューズを軸として新たな人間像を創造していくというのを形にしたいなと考えています。

grounds

好調「グラウンズ」上場への道のり　日本初のメゾンへの挑戦

衣装デザインの着想源は「ファンタジーの入口」ーお二人の出会いは？きゃりー：高校生の頃から「ミキオサカベ」のファンで、いつか衣装でご一緒できたらと思っていました。今回コーチェラへの出演が決まった時に、すぐにミキオさんにお願いしたいと考え、オファーさせていただきました。坂部：着用してもらっていることはSNSなどを通じて知っていましたが、ちゃんと仕事をするのは今回が初めてでしたね。ーオファーはいつ頃？きゃりー：コーチェラ開催の1ヶ月前です。というのも今回コーチェラが3年ぶりの開催で、やるかやらないかも本当ギリギリまでわからない状況で。出演者も突如発表され、そこから衣装制作に取り組んだので、本当に時間がない中で考えていただきました。坂部：トラブルが起きたら終わりというくらい時間がなくて（笑）。でも、きゃりーさんは自分のイメージをしっかり持っていたので、スムーズに話が進んでやりやすかったです。ーデザインの着想源は？坂部：「ファンタジーの入口は睡眠」という話からです。現実世界から夢の世界に入る入口をちゃんと作ると、ファンタジーってすごく魅力的になると昔から思っていて、そこから星や夜といったイメージへ繋がっていきました。ー実際に着用されてみていかがでしたか？きゃりー：見た目にボリュームがすごくあったので、最初は重いのかなと思ったんですけど、そこはしっかりフィッティングで調整していただいて、当日も何の問題もなく踊ることができました。衣装の中ではやりたいことを詰め込みすぎて、ステージでは我慢しなきゃいけないということも正直あったりするのですが、この衣装はノンストレスで「グラウンズ（grounds）」の靴も踊りやすかったです。　あと、コロナの影響で衣装を早めに輸送できなくて、キャリーケースで運ぶ必要がありました。そのため、どうやって詰めるかとか、星がどういう風に分解できるかとか、そういったことも一緒に考えました。坂部：大きくて持ち運びやすいっていう、2つの側面を両立させることが1番のミッションでしたね。試行錯誤の結果、とても持ち運びやすいデザインに仕上がりました。きゃりー：でもトイレが超大変で（笑）。坂部：そもそもトイレに入れたんですね（笑）。きゃりー：ギリギリ（笑）。でも会場のお客さんや演者さんはセクシーな服装の方が多くて、ここまでポップだったり可愛らしいっていう衣装の方は誰もいなかったので、いい意味で目立たせてくれました。　今回時間もヘッドライナーの裏かぶりで不安もあったんですけど、音と光とこの衣装のおかげだと思うんですが、人がどんどん集まってきて。オーロラみたいにライトアップされてとても綺麗なステージになったんです。坂部：ライトが強いからそれでどう衣装が見えるかというのは、打ち合わせでも話していて。光を意識した生地選びをしましたね。ー素材はポリエステルですか？坂部：はい。加工したポリエステルで、光が当たるとどういう素材かが分かりにくくなるんですが、そこもファンタジーみたいでいいなと。ただ、これ縫製が失敗できない繊細な素材で。アイロンをかけられないし、穴が空いたら終わりという（笑）。ー2週目のステージはダンサーさんの体調不良により急遽1人でのパフォーマンスに。その時衣装に励まされたと。きゃりー：本当に心細かったので、とても励まされました。ステージの背後にも配信用のカメラがあって、終わってから映像を見たんですが星の力強さやパワーを感じることができました。タイトな衣装だったらきっと寂しい印象になっていたと思うし、やっぱこのボリュームと輝きがあってこそ頑張れたステージでしたね。年齢によって変わらない少女心を表現する「ミキオサカベ」ーきゃりーさんはミキオサカベのデザインのどういったところが好きなんですか？きゃりー：少女らしさもありながら、でも子どもすぎないちょうど良いバランスですね。坂部：少女らしさのある服ってパッと見たら若い子しか着ないと思う人もいると思うんですけど、女の人っておばあちゃんになっても少女心があるんじゃないか。年齢によって変わらない少女心の面白さは、デザインにいつも入れるよう心がけているので、そこでバランスがとれているのかもしれません。きゃりー：最初にミキオさんと打ち合わせしたときに「原宿や原宿ガールは若い」という印象をみんな持っているし、きゃりーぱみゅぱみゅは「ツインテールでペロペロキャンディを持ってる」みたいなイメージだと。でも自分たちが挑戦したいのは、29歳になった「今のきゃりーぱみゅぱみゅの衣装を作りたい」ということだったんです。あの絶妙なバランス感はミキオさんにしか出せないものだし、そこがすごく好きです。坂部：きゃりーさんも大人になるステップの変化に面白さを感じているんじゃないですかね。Hanako.tokyoで書いているコラム（大人なLADYになるわよコラム）もそうですし。国外から見るジャパニーズカルチャーの可能性ー原宿カルチャーの盛り上がりも、コロナの影響もあり近年は落ち着きを見せています。その辺をどう捉えていますか？きゃりー：やっぱり原宿の町を歩いててもずっと通っていたお店がなくなったりと、ショックを受けることが最近は多いです。私は原宿という街に出会ってファッションだったり、生き方を教えてもらったので、コーチェラで原宿に恩返しできたらいいなと思って「原宿いやほい」という曲を歌いました。坂部：でもグローバルで見たら、原宿が下火だという見方はないと思うんですよね。日本のファッションの象徴といえばやっぱり原宿で、そこを日本人は自覚した方がいい。結局日本のドメスティックで人気を得ることと、グローバルで人気を得ることって全然違うと思っていて。きゃりーさんは、海外の人から日本の象徴として扱われる数少ないアーティストなので、素直にすごいなと思います。ー坂部さんのクリエイションにも日本的な要素がよく見れらます。坂部：そこはずっと興味があります。海外では存在しない未成熟さのバリエーションが日本には多く、あらゆるものがプロフェッショナリズムではなくアマチュアリズムの延長にあるものなんですよね。完璧さを求めてない「隙」が日本っぽさで、そこは世界にも通用する面白さだと考えています。例を挙げると、K-POPなんかはめちゃくちゃプロフェッショナルを追求していますけど、日本は本質的にはおそらくそっちじゃない。未成熟さにこそ魅力を感じるのが日本で、それで言うとまだまだこの国のカルチャーには面白いところがいっぱいあるんじゃないかと。きゃりー：私もライブの構成とかミュージックビデオで、ただかわいいだけじゃなくて、ちょっと変なもの入れたり、ちょっとグロいもの入れたりしています。ミキオさんの言う「完璧じゃない」ことを色々やっているのかもしれないなとふと思いました（笑）。ー今後は国内フェスの出演も予定されているとのことで、またこの衣装がみられる機会はありますか？きゃりー：今色々考えているところです。ありがたいことに、ファンの方から「展示してほしい」といったリクエストも頂いているので、どうにかしてまたお披露目できる機会が作れればと考えています。坂部：2週目のステージを見ていて、きゃりーさんの心というか、そういう内面の部分までもが表現として現れているのがとても良かった。1人のステージで不安がある中、それでも楽しくやろうっていう思いがとても伝わってきて。きゃりー：アメリカのお客さんはノリが良くて、声援ももらえたからこそ頑張れたステージでした。終わった後は、達成感なのか手足が震えてきちゃって。涙も出てきて、人間の限界というものを感じました（笑）。PCR検査を受けて陰性だったんですけど、実は帰国してからも1週間くらい体調崩してたんですよ。本当に極限状況だったんだなって。坂部：心が動かされる瞬間って、そういうことなんだと思います。YouTubeでもそれを感じられたので、現場にいた人たちはものすごく感動したんじゃないですかね。可愛さだけではなく、強さみたいなものが伝わってきましたから。きゃりー：確かに「可愛い」より「カッコ良かった」という声が多かったですね。坂部：実際盛り上がっていましたね。拠点を移して活動した方がいいんじゃないかと思うくらい（笑）。その方が、日本人アーティストの活動としても新しいし、是非挑戦して欲しいなと思います。

きゃりーぱみゅぱみゅと坂部三樹郎が語るジャパンカルチャーの可能性

1日目（日本時間4月16日開催）フィービー・ブリジャーズ（Phoebe Bridgers）　2021年に開催された第63回グラミー賞で最優秀新人賞にノミネートされた、新世代の旗振り役と言っても過言ではないフィービー・ブリジャーズは「グッチ（GUCCI）」のカスタムミニドレスで登場。ブラックカラーのベルベット生地にクリスタルをあしらった刺繍とフリルがキュート！オマー・アポロ（Omar Apollo）　メロウでセクシーなポップシンガー、オマー・アポロの鮮やかなピンクカラーセットアップは「ヴァレンティノ（VALENTINO）」2022−2023年秋冬コレクションから。アニッタ（Anitta）　地元ブラジルで大ブレイクして以来、ラテン・アメリカの音楽シーンをリードするアーティスト アニッタは、「ロベルト・カヴァリ（Roberto Cavalli）」のホットパンツとバンドゥトップスを着用。ブラジル国旗を彷彿とさせるカラーリングで、情熱的なパフォーマンスに華を添えました。ハリー・スタイルズ（Harry Styles）　初日のヘッドライナーに登場したハリー・スタイルズは、「グッチ（GUCCI）」のシャーリングなジャンプスーツでトリを務める舞台に登場。困難な時代に光を差すような"スパークル"なスタイルで会場を盛り上げました。2日目（日本時間4月17日開催）宇多田ヒカル　日系アメリカ人のショーン・ミヤシロが立ち上げた音楽レーベル「88rising’s HEAD IN THE CLOUDS FOREVER」のステージに登場した宇多田ヒカルは「ディーゼル（Diesel）」のセットアップツーピースで舞台に上がりました。ねじりとスリットを施した独特のシルエットは他にはない仕上がり。足元のデニム素材で作られたニーハイブーツもディーゼルのものです。2NE1　宇多田ヒカルも登場した「88rising’s HEAD IN THE CLOUDS FOREVER」のステージでサプライズ復活を果たしたK-POPグループの「2NE1」。解散以来、約6年ぶりに再集結に会場は大盛り上がり！再集結のニュースはすぐさま世界中で話題となり、「アレキサンダー・ワン（ALEXANDER WANG）」が手掛けたクールな衣装にも注目が集まりました。2NE1 ダラ（DARA）　グループの中でも毎回奇抜なヘアスタイルが注目されるダラは、アレキサンダーワンのクリスタルストライプデニムのセットアップにロゴビキニをあわせたスタイリング。シュプリームのアンダーウェアがワンポイントになっています。2NE1 ミンジ（MINZY）　ミンジは、チェーンメイルが特徴的なアレキサンダー・ワンのホルターネックトップを着用。リナ・サワヤマ　今回のコーチェラに出演した日本人は、宇多田ヒカルやきゃりーぱみゅぱみゅだけじゃない！ロンドンを拠点に活動する日本生まれのリナ・サワヤマは、"ネクスト レディーガガ"と称されることもある大注目のアーティスト。そんな彼女は、ニューヨーク発「エリア（AREA）」のクロップドデニムジャケットと、フェザーがチャープポイントのデニムホットショートを着用しました。ミーガン・ジー・スタリオン（Megan Thee Stallion）　2020年にタイム誌の「世界で最も影響力のある100人」にも選ばれた最高にホットなラッパー。それが、ミーガン・ジー・スタリオン。「ドルチェ＆ガッバーナ（Dolce＆Gabbana）」によるメタリックシルバーのサイボーグアーマーや、スワロフスキークリスタルで飾られたシルバーのボディスーツもなんなく着こなします。きゃりーぱみゅぱみゅ　2日目のヘッドライナーであるビリー・アイリッシュの裏でGOBIステージのトリを飾ったきゃりーぱみゅぱみゅの足元は、デザイナー坂部三樹郎が監修するフットウェアブランド「グラウンズ（grounds）」。背中に大きな星を背負った日本の「かわいい文化」を体現したようなドレスも「ミキオサカベ（MIKIO SAKABE）」が製作しました。ビリー・アイリッシュ（Bille Eilish）　オープニングでロサンゼルス発「B James ®️」の巨大な白いパフジャケットを身にまとって姿を現したのは、史上最年少のヘッドライナーを務めたビリー・アイリッシュ。ジャケットの下は、「CONRAD」によるカスタムTシャツとバイクパンツウェア。「ナイキ（NIKE）」のニーパッドとハイトップの「Air Force 1」で足元を飾りました。3日目（日本時間4月18日）マネスキン（Måneskin）　アバやセリーヌ・ディオンを輩出した「ユーロビジョン・ソング・コンテスト」でのパフォーマンスをきっかけに世界中が虜となった、今最も勢いのあるイタリアのバンド マネスキン。着用衣装は「グッチ」のカスタムピース。セクシーで、グラマラスで、エレガントな彼らの世界観とマッチしていますね。ドージャ・キャット（Doja Cat）　ポップでファンキーなパフォーマンスを行うドージャ・キャットの衣装は世界中の注目の的。今回の大舞台では、スワロフスキークリスタルをちりばめた「ドルチェ＆ガッバーナ」の特注ボディスーツをチョイス！ザ・ウィークエンド（The Weeknd）　Yeこと、カニエ・ウェストの出演取りやめを受けて、「スウェディッシュ・ハウス・マフィア（Swedish House Mafia）」と共に急遽代役としてヘッドライナーを務めたザ・ウィークエンド。「アクリス（1017 ALYX 9SM）」のシグネチャーアイテムであるタクティカルベストを着用して大舞台に立ちました。4日目（日本時間4月23日）COMING SOON5日目（日本時間4月24日）COMING SOON

DIESEL

HEADL_INER

VALENTINO

Swarovski

宇多田ヒカルやきゃりーぱみゅぱみゅは何を着ていた？「コーチェラ2022」参加アーティストの衣装ブランドまとめ《随時更新》

No.4 osumi（Water Blueデザイナー）「osumi」のクリエイションを紐解くマインドマップ1：アトピー性皮膚炎幼少期に感じていた周りからの"視線"と、抱いていた"女性像"　デザイナーとしての原点を振り返る時、小さな頃から抱えているアトピー性皮膚炎が大きく影響しています。ずっと人の視線を気にしながら生活をしていたので、なるべく自分をよく見せたいという思いもあり、そこからファッションに興味を持つようになったのだと思います。　作品から女性らしさを感じるとよく言われますが、自分自身に欠落していると思う"身体的女性らしさ"への憧れや思いから影響を受けているのだと思います。周りの女性との身体の違いから、"自分の身体はただの入れ物で中身だけが女性"という感覚を持っています。その感覚をネガティブに捉えている訳ではなく、自身のコンプレックスも交え新たな人物像を提案したいという思いで作品を制作しています。ストレスから逃げるように"空想世界"へ　皮膚炎による身体的ストレスが大きかったこともあり、少し前まで現実逃避のように空想にふけることがよくありました。見えている空間は現実世界ですが、脳だけ別の所にありふわっと靄がかかっている感覚です。この"ふわっとした状態"が私のデフォルトだったのですが、時折ハッっとリアルな空間を感じることがあり、その瞬間がいつも怖かったことを覚えています。　様々な人との出会いの中で現実と向き合う大切さを学び、現実逃避することも少なくなっていきました。今ではその時感じた空気や匂いを辿り、作品の要素として落とし込んでいます。2：自然"山・川"溢れる風景とデジタル機器のギャップに感じた"中途半端さ"　実家は近くに山と川があったりと、自然に溢れた場所でした。豊かな景色とは対照的に、私の父は新しいもの好きだったので、家の中はゲーム機やパソコンなどの最新のものが揃っていて。田舎なのに家の中がデジタルで、その環境をずっと中途半端に感じていました 。ただ、そういう環境があったからこそ、デジタルとアナログのどちらにも惹かれるんだろうなと思っています。 デジタルキッズが憧れた"都会"　父のお陰で小学生の頃からパソコンを触っていて、今振り返るとかなりデジタルキッズだったなと（笑）。YouTubeやブログで新しいことを知る度に、都会への憧れがとても強くなっていったことを覚えています。中学生の時に初めて東京に行ったんですが、田舎にはない雰囲気を体感できたことと、憧れの竹下通りに行けたことがとても嬉しくて、今でも記憶に残っていますね。3：The Sims3人間の生活を"神視点"で眺めていた中学3年生　中学3年生の時、「ザ シムズ3（The Sims3）」というパソコンゲームにかなりハマっていました。このゲームは、プレイヤーが人間の姿をした「シム」たちを作り、彼らの人生模様を"神視点"で眺めて楽しむシミュレーションゲームです。　フル3Dで描かれたグラフィックが特徴で、シムの顔のパーツや性格だけではなく、建物や家具といった細かな部分まで自分で設定できる面白さがありました。また、予想もしていない動きやオーバーリアクションが楽しくて、とにかくこのゲームに時間を費やしていましたね。周りの友達は誰もやっていなかったので、一人で黙々と楽しんでいました（笑）。今の作品に繋がる"人間生成"と"MOD"　ふと思い返すと、今の作品制作では「ザ シムズ」と同じようにキャラメイクしているので、制作の基盤をゲームで体験していたんだなと。また、「ザ シムズ」ではMOD※を使用ながら自分の世界を構築していたのですが、自分の作品でも制作が難しい背景やパーツは、素材を外部から取り込み作品に反映しています。※MOD:外部の人が制作した家具や服のデータ4：ファッション学校「me」"仲間"のお陰で実感できた"成長"　「ミキオサカベ（MIKIO SAKABE）」の坂部三樹郎さんが運営するファッション学校「me」では、授業毎に生徒間で作品をプレゼンする時間がありました。人前に出ることが苦手だったので最初は思う様に話ができなかったのですが、仲間たちの助けもあり次第に環境に慣れることができました。Thinkコースの修了生による作品展では副リーダーを務めていたのですが、展示会終了後にサプライズケーキをみんなが用意してくれて。大変な事も多々ありましたが、みんなから感謝の言葉をもらい、自分の成長を感じることが出来ました。　また、制作においてもmeのみんなからたくさんの刺激を受けています。特に、中林さん（中林花香）の作品は、毎回心動かされます。彼女にしか制作できない独特な空気感で、作る服もかっこいい。何気ない日常の中に見えるもうひとつの新しい世界を感じられます。知れば知るほど、彼女の世界に浸っていけるのが心地よいです。"先生"からの助言で始めた3DCG制作　ファッションを学んでいく中で、今まで通りブランドを立ち上げて服を作るという流れには違和感があり、自分らしい表現を模索していました。その頃に三樹郎さんから頂いた「バーチャルで作品を作ることが向いてそう」というアドバイスがきっかけとなり、CGやVRを1年ほど独学。また、吉田さん（KEISUKEYOSHIDAデザイナーの吉田圭佑）をはじめとする先生方も、作品の意図を汲み取りながら様々なアドバイスをくれます。それのアドバイスがあったからこそ、今のテイストに辿り着くことができたと思っています。　ただ、バーチャルだけでの表現では物足りなさも感じていて。現在はバーチャルな世界観を感じられるようなプロダクトを提案したいと思い、3Dプリンタを使用した靴作りを進めています。 5：80〜90's アニメーション"うる星やつら2 ビューティフル・ドリーマー"のメタ的視点　80年代〜90年代のアニメを大人になってから観るようになりました。作者の物事の考え方や視点などは、作品の参考にすることも多いのですが、中でも「うる星やつら2 ビューティフル・ドリーマー」は、主人公たちの日常から垣間見えるふとした不思議なシーン作りや、時間がループしていることに登場人物が気付く視点などが面白くて。日常とファンタジーの境界線で感じられる"ふわっとした感覚"が、見ていて心地良いんです。　自分で制作したものを見返すと、3DCGにも関わらず現実世界での撮影風景を想起する作品があり、アニメを見ている時の"ふわっとした感覚"に近いものを感じます。こういった作品の持つ不思議な感覚を、見ている人にも伝えられるような作品を作っていきたいと思っています。"セル画"の魅力に触れた、"イクニ監督"の「美少女戦士セーラームーン」　meのプレゼンで初期の「美少女戦士セーラームーン」の画像を見せた時、三樹郎さんから「なぜこれが良いと思ったのか、しっかりと考えた方が良い」というアドバイスを頂きました。自分なりに色々と考えた結果、当時のセル画アニメーションの雰囲気が好きだということに気がつき、そこから自分でもアニメーション制作に取り組むようになりました。　セル画アニメーションは透明フィルムに絵を描き、それを撮影してアニメーションを作っているので、数秒の作品でも時間がかかり大変なのですが、デジタルとはまた違う味わいが出せることがとても魅力だと感じます。まだ色々と試している段階ですが、デジタルとアナログを融合させながら自分の表現を追求していきたいです。　これまでグループ展などには参加してきましたが、今後は個展で作品を発表できるよう活動に励んで行きたいと思います。お仕事や展示などあれば是非誘って下さい！

次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.4 osumi（Water Blueデザイナー）

Kotoha Yokozawa

BODYSONG.

Stone Island

Jean Paul GAULTIER

MILKBOY

Jenny Fax

【2021年ベストバイ】俳優 伊藤万理華が今年買って良かったモノ

　英国のエレクトロニック・ミュージック・グループ「アンダーワールド（Underworld）」の楽曲「Rez」のメロディーラインに乗せて、疾走感あるウォーキングを披露した計51人のモデル。東京のショーでは珍しい大人数のモデルたちは、自然光が差すスクエア型のフロアを交差するように練り歩いたが、これはデザイナー坂部三樹郎が考える日常として、交差点で行き交う人の様を表現したものだ。歩行者専用標識のマークをプリントしたスキンウェアがファーストルックを飾った。　今回のショーで、坂部の狙いは大きく2つある。一つはこれまで肩やウエストのフォルムに力点を置いてデザインしてきたが「少し飽きたところがあった」という理由から、デザイン軸を背中に置いてクリエイションしていったということ。コレクションでは、後ろ前のトップスが多数登場しており、シルエットもボックス型で直線的なものが多い。後ろ身頃の仕様を前身頃にも取り入れたプルオーバーやシャツやジャケットは、前振袖ではあるが前後2wayで着用可能。ショーでは後ろ前でスタイリングし、袖が逆転することで生まれるドレープを提案していた。テーマに掲げた「ミニマリズム」は、ミニマリズム＝シンプルと混同されがちだが、坂部はただ装飾を減らすのではなくあくまで自然さを大事にしたといい、背中に宿る自然なミニマルを表現することだけに注力した。　もう一つはアイテム単体ではなく全体性に着目した点。ルックの体数を通常よりも増やし、ループするように何度も登場させることで、違和感があるデザインを"普通"に見せるというアプローチだ。そのため、アイテムの型数も前回から大幅に増やした。　「装飾によるデザインとは違うものを追求したかった」と振り返った坂部。全モデルが着用したフットウェアブランド「grounds」のデザイン監修にはじまり、次世代のデザイナーを育てるファッションの学校「me」、アジアのコングロマリットを目指す持株会社「スリー トレジャーズ（THREE TREASURES）」の運営など、デザイン以外の活動の幅を広げ、ブランドとしてもベテランの域に差し掛かってきているが、新たなスタイルを生み出そうとする探究心が尽きることはない。

ミキオサカベが新境地へ　デザイン軸を変えて表現した"背中で語る"ミニマリズム

BALENCIAGA

writtenafterwards

UNITED ARROWS

Culture

ファッション業界のマルジェラファン代表、UA栗野とミキオサカベが映画「マルジェラが語る"マルタン・マルジェラ"」を考察【#Fスナ映画部屋特別編】

池上高志1984年東京大学理学部物理学科卒業、1989年同大学院理学系研究科博士課程修了。1990年神戸大学大学院自然科学研究科助手。1994年東京大学大学院総合文化研究科広域科学専攻助教授に。2008年より現職。理学博士。複雑系と人工生命をテーマに研究を続けるかたわら、アートとサイエンスの領域をつなぐ活動も精力的に行う。著書に「生命のサンドウィッチ理論」、「動きが生命をつくる―生命と意識への構成論的アプローチ」、「人間と機械のあいだ」（共著）など。ーはじめに、池上さんがどんな活動をしているのか教えてください。　複雑系科学の研究者として人工生命（アーティフィシャルライフ）を研究しています。それに加えて、近年はアートやファッション関連のプロジェクトに関わることもあります。ファッションでは、デザイナーの坂部三樹郎さんと山縣良和さんがプロデュースした展覧会「絶・絶命展～ ファッションとの遭遇」に作品を出展し、アートでは渋谷慶一郎さんたちと行った「アンドロイド・オペラ」のほか、去年ヒカリエではアンドロイドの「オルタ3」と能楽師の安田登さんらとアートパフォーマンス「傀儡神楽」を開催したりしています。ー日本最大のファッションコンペ「big design award」第2回の応募が始まっていますが、池上さんはヴェロニク・ブランキーノ（Veronique Branquinho）や、「メゾン ミハラヤスヒロ（Maison MIHARA YASUHIRO）」デザイナーの三原康裕さんと共にコンペの審査員を務めます。　東京農工大学大学院言語文化科学部門の教授 宇野良子さんが良く「ファッションは言語だ」と言っていてそれは面白い考えだなと。宇野さんの論文を読んで、その中にあったアイデアを自分なりに考えてみたくなったのと、坂部三樹郎さんと山縣良和さんが絶命展を開催したときに、「フレッシュなファッション」という話をしていてそれも面白いと思いました。ファッションでは生き生きとした「鮮度」が大事で、それは生命にも言えること。人工生命を研究していますが、そうした発想はこれまでしてこなかったので感銘を受け、ファッションに興味を持つようになったんです。それで依頼があった第1回から審査員を務めています。ー第1回の「big design award」では、「アントワープシックス」の一人で、アントワープ王立芸術アカデミーの学長でもあるウォルター・ヴァン・ベイレンドンク（Walter Van Beirendonck）と一緒に審査を行っていましたね。　ユナイテッドアローズが好きで良く行くんですけど、そこでサイケデリックな背広を買って「big design award」の時に着て行ったんですよね。普段からブランド名をあまり見ずに買ったりしているんですが、そうしたらウォルターさんがデザインしたものだったんですよ。審査会の時に、ここぞとばかりサインしてもらいましたね（笑）。ー審査をする際、どういったところを見ているんですか？　「ここのがっこう」に何度か講評で伺ったことがあるんですが、学生たちは僕の想像を遥かに超えた服を作っていて。本当にトラウマを抱えたような人が「ここのがっこう」には多く、しかしトラウマ的経験がこんな素晴らしい服に結びつくんだという驚きがありました。心の傷がポジティブに表現できるのはファッションの力だと思いますし、いかに心から服へとトランスフォームしているかは、評価するポイントの1つですね。　あと心理学で箱庭療法という、庭のセットをどういうふうに配置するかで自分の心を整理して落ち着かせる療法がありますが、それとファッションデザインはちょっと似てるんじゃないかと思うんです。服を作っていく過程というのは精神療法にすごく近いんじゃないかなと。それもあって、ファッションデザインの中には知性や心の形が現れると考えていて、そこも評価の対象としています。ーどういうものに面白さを感じるんですか？　端的に言えば違和感があるものですかね。「ザラ（ZARA）」に行って違和感を感じるものがあるかと言えばないわけで。売れる服は、あまり自分にはひっかからないというか、退屈するんですよね。エッジが効いていてびっくりするものは面白いし見飽きることもありませんから。ー違和感を構成する要素は何だと思いますか？　やっぱり大事なのは鮮度なんでしょうね。実は人工生命を作っても鮮度を担保できるものってなかなかないんですよ。100年経っても変わらないものはできるかもしれませんが、鮮度、賞味期限があるものを作ることは逆にとても難しい。プログラムでもできないと思いますね。ーファッションは鮮度をお金に変える業界と言えます。　もちろんここで言う鮮度は流行り廃りだけじゃないですけどね。それこそこの間「アメリカン・ユートピア」を観てきたんですけど、デヴィッド・バーンが所属していたロックバンド「トーキング・ヘッズ」のファンということもあるんですが、楽曲を今聞いても懐かしいというよりは、生き生きしていて面白いと思えるんですよね。それはデヴィッド・バーンが今の人じゃなくて未来の人に向かって作っていたからだと勝手に解釈しています。だから未来に向けてファッションを作るという姿勢でいると、鮮度を持ち込めるんじゃないかなと。ー人工生命に鮮度を担保させようとするとどうなりますかね？　まだ見たこともない生命を作ったほうが鮮度を感じるんじゃないかなと思います。それはファッションデザイナーの人も同じだと思いますね。　あと生命について考えると必然的に生と死の問題になりますが、死ぬことと鮮度も関係がありますよね。エイジング問題とか。最近の研究の話ですが、ゾウリムシを1匹から2匹、4匹、8匹と増やしたとします。もちろんみんな同じ遺伝子を持っているわけですが、最初から16個同じ遺伝子を持っている個体を入れて集団を作り、運動パターンを見てみるとみんな同じ遺伝子を持っているにも関わらずとても元気な集団とおとなしい集団が生まれるんですよね。同じ遺伝子でも、集団の組み方によって全体の鮮度が違ってくるわけです。単細胞生物ですらそうなんですから、僕らみたいな多細胞生物の場合、属している集団で元気かそうじゃないかが如実に変わってくるのではないか、鮮度も集団に関係しているんじゃないか、と思うわけです。そこから僕の研究でも「集団の元気さ」は何が決めているのか、ということを考えたりしているんですよ。ー「集団の元気さ」の定義も、ただ動いているだけなのか、暴動しているのか、仲良く踊っているのかでまた見方も変わってきそうですね。　そうそう。集団の構造は色々なものが絡み合っているのでね。ー池上さんは今、個よりも集団を研究対象にしている？　そうですね。例えば、人間の子どもが生まれた時は心がないだろうと。親と接していくうちに心が形成されてくるという仮説ですね。狼に育てられた少女の心が狼になるとかがあるわけで、生まれてきた時は何もないけど相互作用で心が生まれるとするなら人と接触させ、真似させることが心の形成に繋がっているのではないか。ただ、ずっと人の真似をしている人なんていないわけで、そこから個別性を獲得するにはどんな過程があるのか。どうやって個性が進化していくのかを考えています。ー「ここのがっこう」では個性を伸ばす教育をしていると思いますが、池上さんは講評に行ってどんなアドバイスをしたんですか？　大したことは話していませんよ。門外漢なのでね。ただ、あまり勉強しないことが大事とは話しました。勉強すればするほど似通ってしまうので。ー縫製やパターンを学ぶ必要はない？　先ほどもお伝えしましたが、大事なのは箱庭療法と同じで服を作ることで何かが整理されていく過程だと思います。もちろん、整理すべきものがない人は表層的に技術を学べばいいですが、大事なのは箱庭に現れる形で、そこに触れないとファッションというのは生まれないと思うわけです。　人と話すと自分の心と相手の心がどんどん似てくると感じることがありますよね？恋人や夫婦が似てきたりと、心のエクスチェンジが起こる。僕はそういうことがとても大事だと考えています。「ここのがっこう」は深いところでコミュニケーションをとるからその分疲れると思うんですが、素晴らしいカリキュラムだなと。ー東京大学大学院でも同じように学生とコミュニケーションを？　そうですね。研究テーマが決まっていれば良いんですけどそんな事はほとんどなくて、まず何が悩みなのかってところから始まります。そこは「ここのがっこう」と同じですね。ー個性の獲得はAI（人工知能）でも難しいですか？　AIが一番苦労するとしたらそこですね。ただ渋谷慶一郎さんが「スーパーエンジェル（Super Angels）」という子どもたちとアンドロイドが創る新しいオペラを上演するんですが、そこでアンドロイドの「オルタ3」に喋らせてくれと言われています。GPT-3という言語生成の深層学習を使って作ったのですが、人間よりも遥かにリッチな言葉を操るんですよ。とてもエモーショナルなこととか。それから人間のエモーションも、膨大なデータの流れの中でも存在し得るかもしれないなと感じるようになって。僕はそういうことがファッションにも起こりえると思うから面白いなと考えているわけです。ーそういうことというのは？　過去の自分から染み出してくるものでファッションを作るのではなくて、後付け的に与えられた膨大なデータによって人間の持っているもの以上に複雑なファッション表現が可能であるならそれはすごく素晴らしいし、見てみたいと思うんです。個人が作ったものなんてたかが知れています。それを凌駕するのが科学で、ファッションでもできることだと思っているんです。ー膨大なデータ、池上さんが提唱したマッシブデータフロー（Massive Data Flow）のことですね。　マッシブデータフローから生み出されるフェイクな心の先に、新しいアートやファッションが待っているんじゃないかという期待感があります。ーむしろそこに心の本質があったり。　かもしれないですね。少なくとも僕や渋谷慶一郎さんはそう思っています。ービッグデータの活用はファッション業界でも注目を集めていますが、まだまだ発展途上な印象があります。　たとえば世界中のありとあらゆる国民や民族のファッションを圧縮してプログラミングし、そこから未来の服を作ることは今もできます。自然言語処理モデルGPT−3が、5兆個のコーパスと1950億個のパラメーターを使ってリッチな文章を作りだすように、新しいファッションを作ることは難しくはないんじゃないですかね。もちろん資金の問題はあると思いますが。ー第1回の「big design award」では、ビッグデータを活用した作品もあったと聞きました。　ディープラーニングを使ってデザインしてきました、という人がいましたね。その人はマテリアルやパターンが良かったんですが、全体的なセンスはあまりで落選となってしまいましたが。でもそうした取り組みは素晴らしいと思います。一人の人間が考えたデザインだと、あまりにその人の認知的バイアスに絡み取られてしまいますし、自由なファッションは生まれてこないだろうなと。もはや全く自由なデザインというのは、人間には作れないんじゃないかとさえ思ってしまいます。ーたらればの話にはなりますが、ファッションコンペの審査員をしている中で仮に同じ精度のディープラーニングを使ったデザインが複数出てきた場合、どう優劣をつけるんですか？マッシブデータフローにより、人智を超えた判断が求められるようになると思うんですが。　おっしゃる通り、厳密には審査できないでしょうね。そのため現状は違和感の多さを基準に選ぶことになるんでしょうね。人間に理解できない人智を超えたものなら、人間には理解出来ないことだと思うので、「分からない」ってことが評価基準になるはずです。　話が少しずれますが、化学の世界もオートメーション化しようという研究が進んでいます。例を挙げれば、新薬の実験をロボットにやらせようって話しで。機械化でありとあらゆるところまで自動でやれるようになりましたが、これまで自動化できずにいた、結果を見て試薬を変えたり仮説を変えたりするという役割までもオートメーション化しようとしています。単純労働を頑張っている方をアダム、仮説のアップデートを担う方をイヴだとすると、アダムとイヴで作っているシステムは人間の化学学者と変わらないわけです。この状況は、ファッション業界に訪れるのもそう遠い未来ではないと思いますよ。ー今回コンペに参加するデザイナーたちにはどんなことを期待しますか？　サステナブルやLGBTQについての言及は期待したい。ロンドンでパブリックトークをしたんですが、「サステナブルやLGBTQについて倫理的にどう考えてんだ」という質問が飛び交いましてね。日本はまだまだ緩い部分がありますが、グローバルで見るとそうはいかない。それこそそうした課題について真摯に向き合っていないと、投資家からお金を集めることはできませんよ。ー社会的な問題にもしっかりコミットしていく必要がある。　そうすることでファッションの意味は強くなるし、社会的意味も変わってくると思います。ファッションは、こういうかっこいいものがあるぞっていう単一的な見方と多様性原理の見方で乖離がありますが、若い人にどういう形でメッセージを届けるかと考えた時、現代は多様性原理の方が共感を生むと思います。未来のファッションは多様性原理でしかないからこそ、しっかり伝えていかないといけないんじゃないでしょうか。ーファッション業界を担う次世代にアドバイスはありますか？　また「ここのがっこう」の話ですが、コンプレックスをアドバンテージにしているのはすごいですよね。クリエイターになりたいなら、コンプレックスを言語化することが大事だと思います。ーちなみに人工生命にコンプレックスを注入することってできるんですか？　おもしろい質問ですね。考えたことなかったですがどうなんでしょう。コンプレックスというのは比較、対比から生まれるところがありますからね。ちょっと話がずれるかもしませんが、進化アルゴリズムというのがありまして。自然淘汰、適者生存といった進化の仕組みに着想を得たものなんですが、それを用いてどのような強さで自然淘汰、適者生存を進めるかの判断って相当難しいんですよ。強い淘汰をかけすぎるとアルゴリズムが停止してしまったりするんです。計算量もかかるためコストとの戦いになるんですが、やはり多様性を残すことはアルゴリズム的にも大事で。人工生命にコンプレックスを、となると恐らくそうした多様性とアルゴリズムの関係について考えないといけないのかなと思います。（聞き手：芳之内史也）

東京大学大学院教授、池上高志はなぜファッションコンペの審査員になったのか？

　同ブランドは2021年2月から、既存のファッションシステムからの脱却を図るため年2回のコレクション発表を見直したばかり。「lone」と銘打ったコレクションを隔月ごとに発表しており、今回「Rakuten Fashion Week TOKYO 2021 A/W」で発表されたのは「lone vol3」に該当する。　床やスタンドライトなどが銀色の幕で覆われた会場は、無機質で非現実的な世界観が作り込まれている一方、蹴込みや銀マットなどが使用されており、誰もが手に入れることのできる素材で作り出されている。「特殊なモノを実用的な材料で作り込むことによって生まれる『歪み』を表現したかった」と話す坂部三樹郎が手掛けた2021秋冬コレクションアイテムもまた、「実用性（プロダクト）」と「装飾性（ファッション）」を併せ持ったモノと言えるだろう。ミキオサカベ久々のジャケットが登場　ファーストルックには、2019年春夏コレクション以来久々にジャケットアイテムが登場した。「元々学生時代にジャケット製作を学んでいた。今回、久々にジャケットアイテムを製作した理由は『もう1度リセット』という意味を込め、純粋さを表現したかったため」（坂部三樹郎）。　また、坂部三樹郎が監修するフットウェアブランド「グラウンズ（grounds）」との新作コラボレーションアイテムも複数公開された。アッパーにクラッシックレザーをあしらい、ボールのような丸みを帯びたソール「ジュエリー（JEWELRY）」が採用されたショートブーツは、昨年発売された「ティーエイチプロダクツ（th products）」とのコラボレーションアイテムを彷彿とさせる。　続くルックでもホワイトのスペンサージャケットや、チェック柄のテーラードジャケットが登場するなど、ショー前半にはジャケットアイテムが目立った。可視と不可視を顕在化させる「目出し帽」と「ビニール スカート」　近年国内では、ビジネスとの親和性が高い「プロダクト寄り」のファッションブランドが増加の傾向にある。プロダクトアイテムが、変化を好まない静的特徴があるとすれば、ファッションアイテムとはトレンドに左右される極めて動的と言えるが、この点において、ミキオ サカベは動的な「ファッション」を追求しているブランドの一つである。しかし、今回発表された「lone vol3」においては、プロダクト的なアイテムが目立った。坂部は「意識的にプロダクトを入れて、プロダクトとファッションをどの様に融合させるかを模索した」とし、プロダクトにおけるファッション性を追求した。　ショー終盤に登場したモデルの顔をすっぽりと覆った帽子は、「不透明」や「内面」と言った固定的なニュアンスを彷彿とさせる。一方で、ナイロン素材を用いた透明なスカートやワンピースは、花柄のテキスタイルやキラキラと光るビジュー、偏光プリントなどが取り入れられ、カラフルで晴れやかな印象を与える。ナイロン素材は元来、プロダクトアイテムに多く用いられるが、坂部は固定的で静的な意味を孕むナイロン素材を、素材として活かしたままいかにして動的な「ファッション」に取り込むかをlone vol3 コレクションで模索した。

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ミキオサカベ、新作で表現する流動的な「ファッション」と固定的な「プロダクト」の融合

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【対談】大切なのはブランディングかモノの価値か「ミキオサカベ」×「ベッドサイドドラマ」

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