インサイド

　ファッションブランドビジネスは、「こういう服が着たい」ではなく「こういう風になりたい、だから、この服を選ぶ」という考えが深く根付いている。ブランド側が用意する理想像への共感が消費行動に繋がる。カナコサカイというブランドもその限りであり、筆者はそれを「艶やかさとは異なる日本の湿度」だと思っていたが、シーズンが変わりそれすらも打開してきた。しかし、よくよく考えれば合点がいく。　同ブランドは「日本的な美意識」とよく形容されるが、それを「日本の伝統技術」と紐解いてしまうとミスリードが起こる。過去のインタビューを思えば、サカイカナコがいうところの「日本的な美意識」とは「偶発性と曖昧さを愛する日本人の精神性」が最も正しい解釈だろう。クリーンであったかと思えば、不必要なほどに女性性を押し出した今回のショー。この曖昧で複合的な様を「日本的な美意識＝カナコサカイ」と言わずに、なんという。思えば、ショーのBGMに用いられたドラムセットも、大小様々なシンバルや打楽器などが複数個組み合わさって生み出される。カナコサカイというブランドも、また、我々にはまだ見せていない“シンバル”や“打楽器”を隠し持っており、今回たまたま見せてくれたのが女性性だったのだろう。　今回、カナコサカイの複数性の中から見せてくれたのは、リリースの言葉を借りればサカイが苦手としてきた「女性性」だ。想像するに、この「女性性」は女性解放思想のような生やさしいものではなく、男臭さすらあるものだと推察する。　話は横道に逸れるが、ウィメンズブランドには「強い女性像」を掲げるところが多い。わざわざ列挙する野暮なことはしないが、この「強い女性像」というものはかなり厄介で、女性個人のパーソナリティを礼賛する一方で、全てを同一の「強い女性」に集約してしまう恐ろしさもある。ここからはごく個人的な意見だが、強くない女性は「個」ではないとでも言わんばかりだ。「強いだけが女性でもないだろう」「ボディコンシャスな服を自分のためだけに着ることだけが強さでもないだろう」と首を傾げたくなる。“女性らしさ”だけが先行して、どうにも私自身が置いてきぼりになりがちなのである。そして、「ピンクは女子のもの」「フリルは女の子らしい」という女性らしいイメージは、社会という装置が生み出した幻想であり、幻想そのものに振り回されている感も否めない。極め付きに、昨今の「SNS拡散」という、警察よりも強力な人の正義によって「女性らしさ」という言葉そのものも言葉狩りに合う可能性すらある。そうなると「もう放っておいてほしい」と、先ほどの「こういう風になりたいからこの服を選ぶ」という考えからは遠いところでファッションを楽しむしかなくなってしまうのだ。　他方、カナコサカイが今回試みたのは単純な女性性ではないと感じた。サカイは、マリリン・ヤーロムの「乳房論」を引用しながら下記のように綴る。『自分の選択が実は自分本来の希望ではないことに気がつかぬまま、他の人を楽しませるための商品を選んでいる』とヤーロムは書いている。「女性性」は、そもそも社会によってかたち作られてきた。いや、「女性性」に限ることもない。自分という存在は、つねに他者によって規定されてきた。　時に欲望の存在にもなり、時に乳児を養うものにもなり得る乳房は、今回のショーで他者に翻弄され続ける「女性性」のメタファーとして存在する。例えば、ルパン三世に登場する峰不二子は、自立した強い女性像のみで語れる存在ではなく、性的搾取を助長するキャラクターにもなり得るだろう。今回、サカイがコーンブラで乳房を強調したのは、マリリン・モンローや峰不二子のような、欲望される女性の身体性を突出させたファッションを「昔の過ち」「過去の産物」と一括りにし、議論を止めてしまうのは簡単だと知っているからなのではないだろうか。人々が、正しさを武器になんとなく閉めていた蓋を開けることで始まる造形（デザイン）もある。　股上がハートマークに大きく切り抜かれたパンツも、1920年代、セックスを目的としたであろう下着から着想を得たそうで、清々しいまでに性を押し出したデザインに真っ向からサカイは向き合った。ファーストルックではシースルートップスに隠れていたコーンブラや乳房は、ルックが進むごとに隠すことを厭わなくなり、自分の本当の選択で生まれた情熱が跳ね返るように真っ赤なルックで幕を閉じる。　カナコサカイが、女性解放を目的としていたはずの画一化された「女性」を、究極の女性性（＝乳房）で打開してくれる様をみながら、コーンブラを世の中に広めたジャン＝ポール・ゴルチエ（Jean Paul Gaultier）が、ミュージカル「ファッション・フリーク・ショー」で言っていた言葉を思い出していた。「ファッションとは宗教や文化、慣習にとらわれずにすべて取り込んで解放すること」　みんな同じじゃなくていい。その人だけの美しさを自らで選ぶことに、意味がある。ファッションとはそういうものである。そんな忘れかけていた当たり前のことを、そっとカナコサカイは語りかける。

KANAKO SAKAI

Fashion

ゴルチエに愛を込めて、乳房で女性を解放する「カナコ サカイ」

AIによる創作が議論を巻き起こす　そもそもAIによる創作は今のところ、美学や哲学の問題というよりは倫理的な問題として話題になることが多い。現にAI画像生成サービス「Midjourney」は、その画像のモデルや素材が、特定の単語に反応し指定されることが指摘されている。例えば、鬼滅の刃などで知られているアニメプロダクション「UFOTABLE」をキーワードに入れると、描画がアニメ風になることなどが発見されたり、多くの描画がコンセプトアート（※映画の世界観設定などを具体的にするためイラストレーションに起こしたもの）のようであることも指摘されている。これらはすなわち、AIによる形式化とマッチングに一程度、人間の操作が加わっていることをどう明示すべきかという倫理的な問題に繋がるだろう。他にも、ちょうどこの原稿を進めている8月29日現在、AIイラストメーカー「mimic」が「著作権を有する画像以外はアップロードしない」という規約を設けていることに対し、その"判定"をどうするのかなど、激しい議論が繰り広げられている。ここでも問題となるのは、哲学的な問いというよりは単に「権利問題」や「人間の操作はどのように明示すべきか」という問題である。アルゴリズムによるアウトプットやマッチングに恣意性が含まれる場合、それが外部からはあたかも機械的に行われているかのように見えるという倫理的な課題と言える。アート作品を"模倣"（揶揄）したTikTokでの #森美術館　AIによる生成サービスの倫理的な問題が「人間がどれほど介入しているかを明示すること」だとすれば、アルゴリズムによるマッチングの極北ともいえるTiktokは「人間を介入させずに人々を動員する」その真逆に位置するものだろう。Tiktokの視聴者は、ほとんど"選ぶ"ことを許されずに投稿を与えられ、見せられ続ける。それによってユーザーは情報の塊に強制的に飲み込まれるような経験をすることになる。　この巨大かつインスタントな総合広告メディアは、今や美術館にも影響を与えている。例えば、森美術館は2021年4月にTikTokでの発信を開始。同年5月にはTikTokが「国際博物館の日」を記念して実施した、TikTok LIVE配信リレー「#MuseumMoment」にも参加している。何より本年2月から開催された「Chim↑Pom展：ハッピースプリング」では、TikTokでの発信から多くの若者が流入したことも記憶に新しい。　TikTokは多くの場合、音楽に合わせて撮影された短尺の動画を編集したものだが、その中でも「オリジナル楽曲 - moon」の動画の中に、かなり多くの #森美術館 タグがあることは興味深い。 #森美術館 タグ自体は前述の森美術館公式がPRのために使い始めたものだが、実際に森美術館で行われた展覧会を紹介する動画は多くはない。では、代わりにどのようなものが #森美術館 を用いて投稿されているのか。それは「刺激がつよすぎた」「刺激系」というタグやコメントと共に、アート作品を"模倣"（揶揄と言っても良いだろう）した「投稿者の日常風景」だ。これらの動画は明らかに森美術館がChim↑Pom展：ハッピースプリングなどの情報をTikTok上に流し、それらによって動員された、あるいは動員が見込まれた若者たちによってアップロードされている。その多くは森美術館の展覧会を「揶揄するもの」として扱っており、いうなれば「いたずら」である。例えば「俺が文化祭で創った森美術館天才過ぎて森」という動画では、投稿者本人の「作品」であろう画像が楽曲に合わせて4〜5回ほど切り替わる。この動画はまだ数万回の再生であるが、中には100万回に近い再生数のものもある。#森美術館 のコンテンツたちは、リッチな森美術館に飾られた退屈な作品たちを15秒で紹介し、自分たちの生活を飲み込もうとする森美術館に対し、チープな日常に満ちた自分たちの生活を15秒で紹介し、アートや美術館を飲み込もうとする反逆である。ロエベ×ジブリとウォーホルの類似性　また21世紀に入り、ポップによる顧客の動員はますます露骨に行われるようになった。例えばLVMHの中で近年、顧客の年齢層を広げ話題となっている「ロエベ（LOEWE）」は、2019年10月から前職が外資系広告代理店の澤井愛佳氏をロエベジャパン マーケティング&コミュニケーションディレクターとして起用した。澤井氏は以前ポッドキャストでオノ・ヨーコへの憧れを語ったりする通り、20世紀のポップアートに造詣が深いことが窺われる。ロエベは2019年、ディズニーキャラクターの「ダンボ（Dumbo）」をモチーフとして採用し、2021年にはスタジオジブリとコラボレーションを、そして今年のキャンペーンムービーには「現代日本のカルチャーにおける偉大な参照点として北野武を迎え、King Gnu常田大希が主宰するPERIMETRONに撮影を依頼」している。この「現代日本のカルチャーにおける偉大な参照点」という言い回しは、冒頭の「アメリカで最も有名で人騒がせな芸術家は？」というのと、どことなく似通っているようにも思う。言うなればウォーホルは「現代アートにおける偉大な参照点」であり、北野武が日本で、あるいはLVMHが世界で機能しているのと同じように、現代アートにおける基準を満たしたブランドネームとして機能している。ウォーホルが獲得したブランドとしての機能性は、そのブランド自体が丸ごと忘却さえされなければ価値としてはほとんど盤石のように思える。これは根強い人気のある作品が繰り返しシリーズを発表できることに似ている。映画業界で大きく売上の一角を占めるのが人気作のシリーズであり、リバイバルであるように。　そのような時代性によってか、21世紀に入り20年以上が過ぎた現在においても、ウォーホルはますますその評価を高めているように見える。「アンディ・ウォーホルが日本最高価格23億円で落札　なぜ今」という記事によれば、ウォーホル作品が国内オークションでは史上最高額となる23億円で落札。さらに5月9日には《マリリン・モンロー》がクリスティーズ・ニューヨークで20世紀に制作された作品の最高額である約250億円で落札された。また2022年9月17日からは京都・京都市京セラ美術館新館「東山キューブ」で大回顧展「アンディ・ウォーホル・キョウト」が行われる。King Gnu常田大希の幻の楽曲がテーマソングに採用されるなど、開催前から話題だ。「将来、誰にでも15分間だけは世界的に有名な人になれる時が来るだろう」　現代アート、その中でもポップアートという20世紀後半を象徴するようなムーブメントのブランドネームとして君臨するウォーホルは、こういった様々なポップとアート、あるいは（ソーシャル）メディアとアートの距離感の問題を考える上で参照を欠かすことができなくなってしまった。あるいは1968年、アメリカでは反戦運動、フランスでは五月革命、日本では全共闘など、全世界的に大衆運動が盛り上がる政治の季節。ウォーホルは「将来、誰にでも15分間だけは世界的に有名な人になれる時が来るだろう（In the future, everybody will be famous in 15 minutes. ）」とシニカルに語った。この言葉に訂正を加えるとすれば、いまやこの「15分」は「15秒」になったことくらいだ。それは現在におけるポピュリズム、すなわち政治とポップスの融合をいち早く見越したウォーホルなりの批評だったということもできる。　このようなウォーホルの先見性と、ウォーホルの想像を超えた現在の情報社会を考える上で、進歩し続ける情報技術の存在は無視できないだろう。20世紀と21世紀の狭間である2000年はIT企業をはじめとする情報産業の株価が高騰したドットコムバブルの最盛期だった。この20世紀と21世紀の区切りとなった祭りの後、第二次世界大戦後の1950年代からメディアを変えテクノロジーを変え、姿を変えてきた情報社会は、インターネットというメディアとテクノロジーが結びついたプラットホームによってほとんど別物に作り替えられてしまった。それは例えば絵画がキャンパスの発明によって持ち運び可能となったように、メディアとテクノロジーの一致を実現した。　ウォーホルはポップアートが盛り上がった1960年代、セレブリティをはじめとする「スーパースター」から依頼をされ、ポートレイトを作るビジネスを始めた。世の中に"スーパースター "を生み出した要因には家庭用カラーテレビの普及もあっただろう。そして現代ではインターネット＆アルゴリズムの極北であるソーシャルメディアにより「インフルエンサー」が出現。ポップという概念は更なる発展段階に至った。ウォーホルからみる"ゾンビ化"に必要なプロセス　ウォーホルの作風が当時注目を集めたのにはいくつかの理由がある。高額で最先端だったであろう撮影機材を惜しみなく使ったこと、ウォーホル自身がマリリン・モンローらの「スーパースター」との距離を大胆に近づけていったこと、他のアーティストと比較してかなり多くの映像アーカイヴが残っていること、ウォーホル財団が髪の毛一本から権利書の1枚まで、ありとあらゆるものをしっかり保存し続けていることなどが挙げられる。アンディ・ウォーホル・ダイアリーズはウォーホルが残し、財団が管理する、大量のアーカイヴから多くのフッテージを採用している。しかし一方で私たちはウォーホルの音声がAIであることや、それが単なるアーカイヴでしかないことを知っている。露骨な言い方をすれば「アンディ・ウォーホル・ダイアリーズはアーカイヴを素材として、形作られた"出来の良いゾンビ"」を品評しているに過ぎない。しかし、まさにこれがウォーホルが21世紀に入っても重要なアーティストであり続ける理由と言える。　極論を言ってしまえば、情報社会は全ての創作を陳腐化させていく。画像であれ、音声であれ、文章であれ、映画であれ、あらゆる創作物、あるいはアーカイブはAIやSNS、そしてブランドネームに素材として放り込まれる。まるで、特定の単語に反応し指定されるAI画像生成サービスのように。そして素材から錬成されたゾンビの出来不出来を品評する意外に、私たちにできることがなくなる。それはTikTokで互いの生活を美術館として提案する若者たちの「いたずら」と大して変わらないだろう。しかし「いたずら」を行うためには、記録にせよ作品にせよ、あるいは単なる生活それ自体にせよ、情報のまとまりとなるアーカイブが必要不可欠だ。現にアンディ・ウォーホル・ダイアリーズという記録・作品・生活を混ぜ合わせたドキュメンタリーが、アンディ・ウォーホル財団が現在進行で残している遺産の存在を高らかに宣言している。この「情報社会による全ての創作の陳腐化」の一方にある「ゾンビ化のためのアーカイブへの先見性」こそが、ロエベ、AI、TikTokといった"21世紀のアンディ・ウォーホルたち"の中でさえ、なおアンディ・ウォーホル本人を輝かせる理由であることは間違いない。（企画・編集：古堅明日香）

特集一覧タグ「マリリン・モンロー」の記事一覧

特集一覧タグ「マリリン・モンロー」の
記事一覧