インサイド

イノベーションとオリジナリティの象徴　ストライプといえば、ポールの哲学である「classic with a twist（ひねりのあるクラシック）」を体現するブランドの代名詞。イギリス・ノッティンガムに一号店がオープンした70年代より、コレクションの一部として親しまれている。一見シンプルに見えるが、実はクラフツマンシップを駆使し、複雑な工程を経て作られたもの。現在では、よりプレミアムな素材やクラシックなアイテムに意外性のあるディテールとして取り入れられている。　今回のイベントでは、そんなシグネチャーストライプの過去と現在を紐解く、様々なインスタレーションが登場。シグネチャーストライプのアクセントを効かせた外壁のデザインと、その前に設置されたシグネチャーストライプのトレーラーが目を引く会場には、デザイナー本人が登場する動画やアーカイヴピースの展示に加え、気球の旅を体験できるプロジェクションマッピングの部屋なども設置された。オープニングに合わせてポールも来日し、ゲストたちを笑顔で出迎えた。富士山近郊も飛行した気球の旅をバーチャル体験　会場のコンテンツの中でも見逃せないのは、3Fに設けられた気球の旅が味わえるプロジェクションマッピング。この部屋では、アメリカのモハーベ砂漠や富士山近郊を飛行したシグネチャーストライプの気球の壮大な旅の様子をバーチャルで体験できる。また、ひとつ下のM2Fには、1000m以上の生地と、5kgの長さの糸を用いて制作された巨大なエンベロープ（熱気球の球皮）がバスケットとともに展示されており、イギリスの職人たちが200時間かけて手縫いで仕上げた実際の気球も間近で見ることができる。　「タイムレスなシグネチャーであるポール・スミスのストライプを、気球にして披露するなんてユニークですね（UTA）」「風の音もすごくリアルに感じられて、今年富士山に登った時の記憶が蘇りました（森星）」と、その臨場感を堪能する2人。ポールは「気球は美しい移動手段。実用的で環境に悪影響を与えず、目まぐるしい時代でも空の上で静かな時間が過ごせます。ただ予想外に誰かの庭先に着陸することもあるかもしれません」とユーモアたっぷりに説明する。360°カメラでカラフル動画撮影に挑戦　40色もの色彩で構成されるシグネチャーストライプは、太さの異なる色の帯の組み合わせが特徴。現在ではデジタルでデザインされており、オリジナルのクラシックなカラーリングに加え、同系色の色彩を組み合わせたバリエーションも展開している。「同じストライプでも色やテクスチャーの違いでこんなに表情が変わるんだ、という驚きがありますね」と語る森星さん。「今日のポールさんはちゃんと靴下もストライプでした（森星）」「楽しいおおらかな性格はずっと変わらないですね（UTA）」と思わず笑顔になる2人。　会場のB1Fには、カメラが360°回転しユニークな動画撮影ができる小部屋が登場。カラフルなシグネチャーストライプを背景にした躍動感あるムービーが撮影できる。2人もさっそく撮影に挑戦。SNS映え間違いなしのカラフルな動画が完成した。ストライプの歴史を感じさせるアーカイヴピースも　また、2FとM1Fフロアでは、ポール自身がストライプの誕生秘話やストライプへの思いを語る動画が上映されているほか、ストライプの歴史を感じさせるアーカイヴピースや、「ニューバランス（New Balance）」のフットボール、「ポップトレーディングカンパニー（POP TRADING COMPANY）」のスケートボードといったコラボレーションアイテムも展示されている。「ストライプはワンシーズンのみのつもりだったんです。当時はそこまで人気になるとは思っていなかったんですが、ご覧のように様々なプロダクトが生まれました（ポール）」。　展示品に見入っていた2人は「1997年に発表されたルックは、今見ても新鮮。ポール・スミスのヴィンテージを掘り返したくなりました（森星）」「ポールさんが駆け出しの頃、色糸を使って手作業で色々なストライプを作っていた、と明かしていたのが印象的でしたね（UTA）」と語る。先行アイテムや新作コレクションを堪能　B1Fに併設されたショップでは、会場先行発売となる数量限定エクスクルーシヴアイテムを含む、2023年秋冬シーズンのメンズ、ウィメンズのシグネチャーストライプのアイテムが多彩なラインナップで展開されている。ウォレットには、モノグラミングで自分や大切な人のイニシャルを入れることも可能だ。　森星さんが注目したのは気球と富士山の写真をプリントしたバッグ。「やはり日本人として、富士山がデザインに使われているのはすごく嬉しいです」。UTAさんはニットやポロシャツの襟などにストライプをあしらった新作コレクションが気になった様子。今シーズンは、ストライプの幅を繊細かつ上品なエンボス加工で表現したシャドーストライプも新たに登場。現代の職人技を駆使したアイテムが揃う。　会場を一巡した2人は、あらためてシグネチャーストライプが象徴するオプティミズム（楽観主義）に魅了された様子。「ポールさんはいつもエネルギッシュでプレイフル。デザインにもそれが反映されています（森星）」「ショーのバックステージでも気軽に話してくれて、すごく優しい人。子どものようなフレンドリーな面があるからこそ、色々なアイデアが生み出せるのかなと思いますね（UTA）」。そんな2人に対してポールは「友情や、あたたかいハートを持つということはとても大事。毎日が新しい始まりであるということを心に留めて、つねに強くポジティブに。あとはにこにこ笑うことですね」とコメント。最後はハグを交わし、再会を約束する3人。どこかでこの顔ぶれが揃う未来もそう遠くなさそうだ。ポール・スミスのアイテムやジェラートをプレゼントイベント会期中、ポール・スミスの公式インスタグラム（@paulsmithjapan）をフォローの上、会場内で撮影した写真に「#stripeunfolded」と「#paulsmithcampaign2023」のタグを付けて投稿した方の中から抽選で5名に、シグネチャーストライプやシャドーストライプのアイテムが当たるハッシュタグキャンペーンを実施。また、会場にてLINEのアンケートに答えた方にはジェラートをプレゼント。 着用アイテム森星：ジャケット 9万9000円、ニット 3万6300円、トラウザーズ 4万9500円、ピアスとイヤーカフのセット 2万4200円、リング（3個セット） 1万9800円、シューズ（スタイリスト私物）UTA：ベスト 7万7000円、シャツ 3万9600円、トラウザーズ 6万500円、シューズ（スタイリスト私物）（すべて税込）

Fashion

「ポール・スミス ストライプを紐解く ー STRIPE, UNFOLDED」に森星とUTAが来場

　まず現代アーティスト、チームラボとしての側面から#チームラボプラネッツを考えてみよう。この空間には既に一般的な現代アート好きの観客と呼べる人数よりもはるかに多くの人々が来場している。その根拠と言えるのは、本来1年ほどの会期となる予定だった同展が幅広い客層から人気となり、現在は2023年末までの会期延長が決定していることだろう。これは現代アートの会期としては異例のロングランと言える。一方、現代アートとして、この空間に対する言及が行われた形跡は限りなく少ない。会期がはじまって丸4年経つ今現在、#チームラボプラネッツの名前で検索エンジンを起動すると出現するのはトリップアドバイザー、アソビュー、イコーヨなどの「お出かけメディア」であり、楽天トラベルエクスペリエンスという「観光体験」を購入できるサイトでチケット販売も行われている。　また一般的に現代アートにおいて書かれがちな「批評」や「レビュー」ではなく「評判」というワードがサジェストされることも興味深い。これは一般的に持たれている「現代アートは敷居が高い」というイメージを完全に覆していると言えるだろう。また、それに伴って現代アートにおける意味の問題から空間を自由にしているとも言える。現代アートにおいて最も面倒なのは意味である。一般的に「意味がないものを意味があるかのように説明すること」は批判の対象となる。そして#チームラボプラネッツは普段、現代アートをあまり鑑賞しない人と美術館に行く時につきまとう「空間の意味」に対して納得させる解を用意していると言える。　では「空間の意味」に対して納得している人々は、どのようにしてこの空間を鑑賞しているのだろう。次にエンターテインメント空間としての#チームラボプラネッツについて考えてみたい。エンターテインメントを擁する空間の古典的な存在にテーマパークがある。その筆頭であるディズニーランドは、もちろん「作品やミュージアムや庭園を擁する空間」である。そして、その中で筆者は1992年に始まったエンターテインメントショー「ファンタズミック！」との比較を考えてみたい。　1955年、アメリカ合衆国のカリフォルニア州アナハイムにオープンしたディズニーランドは1985年には大規模なリニューアルが行われ、マイケル・ジャクソン主演の3D映画「キャプテンEO」や現在の4DXシアターを先取りするような「スター・ツアーズ」などのアトラクションがオープン。その後はじまったファンタズミック！は1992年から2022年の現在に至るまで少しずつアップデートを重ねて継続的に上演されており、世界的にも稀有なロングランと言える。　チームラボによる#チームラボプラネッツと、ファンタズミック！。この二つのロングランには共に「高度な技術とされるものが使われている」という共通性がある。そして私たちは現在、幸運なことに初演である1992年のファンタズミック！と、ロングランの間、少しずつアップデートを重ねた2022年版のファンタズミック！をYouTubでで鑑賞することができる。この1992年版と2022年版を比較すると、この30年の間、私たちの生活を取り囲む光が、どう「古びた」のかがよくわかる。例えば、プロジェクターの光量（ルーメン）と画質（解像度）は著しく上昇し、1993年に実用的なブレークスルーが起こった青色LEDは、2022年版では当たり前のように使われている。2009年から新しい信号化（おそらく2006年に米国国家規格協会に採択されたDMX信号の採用）が施されたシステムで初演の時より繊細に音楽と同期した花火を打ち上げ、プロジェクションマッピングというコンセプトが平面の映像を立体に展開する演出技術を、どう底上げしたかもよくわかる。そもそも撮影するカメラの進歩も凄まじい。　話を戻そう。#チームラボプラネッツの「空間の意味」に納得している人々は、どのようにこの空間を鑑賞しているのだろう。より具体的にいえば1992年から2022年の30年間に及ぶ「ファンタズミック！」そのロングランからわかるように、光は技術をアップデートしなければ、見た目として古びることを免れない。 #チームラボプラネッツ において「古びない要素」とは一体、何だろう。　ディズニーのファンタズミック！において30年間、古びた光とは別に変わることがなかったのは、その物語である。物語は「ミッキーの夢の中」という設定からスタートし、ディズニーキャラクターが総出演した後、巨大なドラゴンのオーディオアニマトロニクス※と対決することになったミッキーが魔法の杖を一振り、大団円を迎える。※オーディオアニマトロニクス：ウォルトディズニーカンパニーの登録商標で音楽やセリフと連動して生きているような動きを見せる人形　ファンタズミック！の物語の中でミッキーのイマジネーション（夢）はヴィランズに支配され、悪夢の世界へと変貌を遂げてしまう。そして中盤の終わり、ミッキーはラスボスとなるドラゴンに魔法の花火を繰り出すその直前、象徴的なシーンがある。巨大なドラゴンを目の前にして、色々な出来事を走馬灯のように体験したミッキーが意を決したように「This is “my” dream！」と叫ぶのだ。そうしてドラゴンに向けられたミッキーの杖からは花火が発射され、再びイマジネーションの力で自分の夢の世界を取り戻す。この「This is “my” dream！」というセリフからは二つの意味（≒ステートメント）を受け取ることができる。　一つは今まさに上演されている夢の物語を終わらせるために「これは私の夢です」と宣言するステートメント。そしてもう一つ、この物語世界の作者であるウォルト・ディズニーがディズニーランドという空間を「これは私の夢です」と宣言するステートメントである。この二つのステートメントは、観客にとって鑑賞している対象を宙吊りにする効果を持つ。すなわち、ディズニーランドという巨大な空間を作り上げた、ウォルトを鑑賞しているのか、それとも目の前のショーケースのメインキャラクターであるミッキーを鑑賞しているのか、その2つの存在が同時に訪れるのである。　この鑑賞の二重性は、あるコンテンツが現在進行形で鑑賞されると同時に観客に別な時系列を想起させる効果をもっている。すなわち、公演初期から度重なる基幹技術のアップデートがありつつも、ファンタズミック！というショーケースそれ自体が変わらずリニューアル可能なのは、この「現在」にアップデートをもたらすディズニーランドという空間とミッキーというキャラクター、そしてセリフの形を借りたステートメントを行っているからに他ならない。それではこのような時系列の操作が、ロングランとなっている#チームラボプラネッツの空間に、どのように作用しているのかを検討してみよう。　#チームラボプラネッツにおいて、それぞれの空間にはポエティックでありながら説明的な命名が行われている。倒景の憑依する炎、人と共に踊る鯉によって描かれる水面のドローイング、呼応する小宇宙の苔庭…あるいは二つの英語タイトルThe Infinite Crystal UniverseとFloating in the Falling Universe of Flowersではどちらも”Universe”が出現する。この「説明」と「宇宙」がファンタズミック！における物語の位置を占めるとすれば、これは観客にどのような鑑賞体験を与えているのだろう。　唐突ではあるが20世紀に最も発達した産業の一つに「観光」がある。冒頭#チームラボプラネッツの名前で検索エンジンを起動すると出現するのはトリップアドバイザー、アソビュー、イコーヨなどの「お出かけメディア」だと述べた。これは現代においてアートもエンタテイメントも、あらゆる空間を扱う体験が観光という産業に飲み込まれつつあることと無関係ではない。では#チームラボプラネッツは、どのような観光を目的としているのだろうか。名前からも明らかなように彼らの観光の目的は「宇宙」である。　筆者は先ほどファンタズミック！というショーケースがリニューアル可能なのは、このような時系列の操作をディズニーランドという空間とミッキーというキャラクター、そして召喚されるウォルトによる「私」というステートメントによって行っているからと述べた。それを#チームラボプラネッツに当てはめるとすれば、ここには宇宙という背景があり、チームラボというアーティストがいて、#チームラボプラネッツという空間があることになる。　会場はWater Areaと呼ばれる水を使ったエリアとGarden Areaと呼ばれる石や草木を使ったエリアに分かれており順を追って鑑賞していく中で、自分が全体的に暗く調光された空間（Water Area）を抜け、やや明るすぎる程に調光された空間（Garden Area）へ移動したことがわかった。Water AreaとGarden Areaはどちらから鑑賞するかを観客に委ねられているが、多くの観客は自分と同じ経路で鑑賞しているようだった。　観客が異なる空間を移動して、しかしいずれも似たような映像空間を体験することに飽きないのは、一つの旅として#チームラボプラネッツ全体が構成されているからに他ならない。観客は知らず知らずのうちに宇宙旅行をしたような気分になって、地球に帰還することになる。そしてこの旅は紛れもなくチームラボというアーティストによって仕組まれていることなのだ。　一般的に、宇宙に向かうことは一つの夢とされてきた。宇宙旅行は高度な科学技術の結晶であり、また時に高額な資金を用意し、時にハイレベルな選抜に残った、選ばれた人間の権利だ。しかし#チームラボプラネッツは現代アーティストであるチームラボが、このハイコストな実際の宇宙旅行にかわり権利を必要としない宇宙旅行を用意した。この宇宙旅行という物語は、ファンタズミック！の「ミッキーの夢を旅する物語」と同じく、観客にとって観光体験として機能する。そしてウォルト・ディズニーの「あらゆる人を自分の創造性（イマジネーション）でもてなす」というディズニーランドの理念と同じくチームラボが創造する空間（チームラボプラネッツ）は本当の宇宙空間に代わって人々を宇宙旅行へ向かわせようとする。この観客に目の前の体験を通じて別な夢へと向かう体験が#チームラボプラネッツにおいて、どの程度、成功しているかは読者それぞれが確かめて欲しい。しかし2023年末までの会期延長を踏まえ、まだまだ多くの人がこのインスタレーションを訪れることになる。その時この空間が、これからの現代アートにどのような影響を与えるかについて、私たちは考える必要に迫られるに違いない。

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