インサイド

　同ワークショップは、「メイクを通して自分らしさを知り、育む場」として開講している「ケイト スクール（KATE SCHOOL）」の特別授業として開講。SNSの普及によって個人の多様化が進み「自己表現」「自分らしさ」が重要視されるようになった中で、「個性」や「オンリーワン」を見つけられないといった声に注目し、ダンスもメイクも「自己表現」のための手段の1つという共通点から、自分自身を見つめ直して“未知なる自分と出会える自己表現”に特化した新体験プログラムだ。　参加生徒は事前にワークショップで使用するオリジナル楽曲を聴き、その楽曲から受けたインスピレーションや感情を言語化。加えてその言語を表現するときのイメージに合う色を、頬や眉などにも使用できるケイトの単色アイシャドウ「ザ アイカラー」（各税込715円※編集部調べ）108色の中から4色セレクトし、当日に挑んだ。まずはダンスから、ワークショップスタート　当日はオリエンテーションが行われた後、セプテーニラプチャーズのメンバーによるダンスのワークショップからスタート。メンバー（ITTON、AMI、AYUMI、NENE、TANUKI）が登場すると生徒たちから歓声が響いた。オリジナル楽曲で得たインスピレーションが近かった生徒たちがグループを形成、テーマ「熱中・夢中」「期待・希望」「愉快・楽しさ」「解放」「エモーショナル」の5グループに分かれて、セプテーニラプチャーズのメンバーとともに思い思いの振り付けを練習した。次はルールに縛られないメイクに挑戦　練習後はメイクのワークショップ。ケイトのブランドスローガンである「NO MORE RULES.」から、ケイトチームが「ルールに縛られず、自由に自分を表現する」メイクを解説。ステージに立った時、表情が遠くからでも見えるようにパーツの線を大胆に強調し、照明で陰影が飛ばないように目元を強調することを重視したステージメイクを考えた。ケイトチームの「アイライナーの端が跳ね上がっているとどう見えるか？」という問いかけに対し、「目力が強くなり、気分も上がっているように見える」と回答する生徒も。個々の生徒が事前に選んだ色で作られたアイシャドウパレットを開く場面では、生徒たちは嬉しそうに笑顔を見せていた。ワークショップ中は「先輩かわいい！」と気分が盛り上がる女子生徒たちや「アイラインを引くのが難しい」という男子生徒の声、「これだと薄すぎるかな？」と試行錯誤する様子も見られた。最後に「配られたアイシャドウパレットは皆さんにプレゼントします」と伝えられると、講義室は喜びの声であふれた。いざ、ダンス発表！　メイク後には各チームでダンスを発表。ダンスのテーマと、テーマを表現するためにこだわったメイクのポイントを伝えた後、パフォーマンスが披露された。ダンスのイメージに合わせたメイクをしたことで、よりダンスもパワーアップ。大胆な振り付けやしなやかに踊るシーンなど、表情も含め生き生きとした“自己表現”が際立った。　ワークショップ後、生徒は「本当に楽しかった。普段、メイクもダンスもプロの方に直接教わる機会はほとんどないから、本当に勉強になった。全部が楽しい3時間だった」、「普段は目立った色のメイクとか、かなり跳ね上げたアイラインとかはしないので新鮮だった。新しいコスメを買ってみようかな」と興奮を隠せない様子だった。“ルールはない”、生徒のパワーに圧倒　セプテーニラプチャーズのAMI氏は「高校生たちとディスカッションし、一緒にパフォーマンスを作り上げていくことが楽しかった。構成や表現について話し合うだけでもパワーをもらえる」とコメント。今回実施した所沢高等学校ダンス部の卒業生だというTANUKI氏は「直接面識はなかったけど、今の部活はどんな子たちでやっているのかな、とワクワクしながら来た」と笑顔。メイクとダンスの共通点の1つである「表現」について、ITTON氏は「パフォーマンスでは“目力”が重要ポイント。ステージに立つ時はアイメイクに重点を置いてメイクしています。今回の生徒たちを見ていても感じましたが、作品ごとにメイクの雰囲気を変えることで自分の意外な面を知れたり、新たに似合うものがわかったり、知らなかった自分に出会えたりすると感じます」と語った。　ブランド担当者の田島健太氏は、ケイトスクールでもダンスキャンプでも108色のザ アイカラーをメイン商材としていることについて、「同商品はアイだけでなく、頬やまゆにも使用できます。メイクを『自由に考えてもらう』ことが目的で、ルールを決めつけず生徒の皆さんが、作りたいイメージを表現するためのサポートができたら」と語る。さらに「ワークショップ中、生徒同士で『めっちゃ良いじゃん』など話しているのが聞こえて嬉しかった。メイク前後で生徒たちの気持ちが変わったことが表情やダンスにも出ていて、やりがいを感じます」と続けた。今後は「各地の高校で開催し、授業を通して自分らしさを表現することの楽しさや、可能性を感じてもらいたいと思っています」と構想した。

KATE

Beauty

ケイトがメイク×ダンスの特別授業を開講　ダンス部の高校生がプロダンサーとともに“自己表現”を学ぶ

 1段目：コート 17万6000円、ベスト 8万1400円、ブーツ 11万6600円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物／2段目（左）：ジャケット 12万5400円、ウエストポーチ 3万3000円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物／3段目（右）：ジャケット 9万5700円、ウエストポーチ 3万3000円、ブーツ 11万6600円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物 1段目：ジャケット 11万6600円、ブーツ 11万6600円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物／2段目（左）：コート 13万2000円 カナダグース（カナダグースジャパン）／2段目（右）：ジャケット 8万8000円 カナダグース（カナダグースジャパン）、ブルゾン 6万9300円、パンツ 3万9600円 MARKAWARE（パーキング）、その他スタイリスト私物 1段目：ジャケット 8万8000円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物／2段目：コート 17万6000円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物／3段目（左）：ジャケット 8万8000円 カナダグース（カナダグースジャパン）／3段目（右）：ジャケット 8万8000円 カナダグース（カナダグースジャパン）、ブルゾン 6万9300円 MARKAWARE（パーキング）／4段目（左）：コート 13万2000円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物 1段目：ジャケット 12万5400円、シューズ 7万2600円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物／2段目：ジャケット 10万2300円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物／3段目（右）：ジャケット 10万2300円、スニーカー 7万2600円 カナダグース（カナダグースジャパン）、パンツ 4万4000円 MARKAWARE （パーキング）、その他スタイリスト私物／4段目（左）：ジャケット 13万9700円、シューズ 7万2600円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物／4段目（右）：ジャケット 8万8000円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物2段目：ジャケット 10万2300円、ブーツ 11万6600円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物／3段目：ジャケット 11万6600円 カナダグース（カナダグースジャパン）、その他スタイリスト私物※表示価格は全て税込■emmaモデル。1994年、北海道生まれ。2012年、雑誌の表紙を飾りプロモデルとしてデビュー。25ansをはじめ、さまざまなジャンルの人気ファッション誌のほか、カタログやWEBなど数多くのメディアに毎月登場。テレビやイベントでも活躍しながら、プライベートブランドERのディレクターとしても精力的に活動している。FIGARO.jpでは、カメラを片手に海外や国内を旅する姿が見れる、連載企画「See the World」が好評。■UTAモデル。1997年、東京生まれ。幼少からインターナショナルスクールで学び、中学時代はスイスへ留学。高校からは米国へ渡り、その後、ディビジョンⅡの大学で、バスケットボールチームに所属し精力的に活動。2018年、フランスのモデルエージェンシーSUCCESSと契約し、パリ・ファッション・ウィークでランウェイデビュー。東京を中心にミラノ、ロンドン、ニューヨークでもモデルとして活躍中。カナダグース　公式サイトお問い合わせ先カナダグースジャパン：03-6758-1789creditsPhotography: Yuji FukuharaStyling: Ryota YamadaMakeup: Mariko Shimada（emma）、Mifune（SIGNO／UTA）Hair: Tenju（emma）、Mifune（SIGNO／UTA）Creative Direction: Riko Miyake（FASHIONSNAP）Text & Edit: Erika Sasaki（FASHIONSNAP）Assign: Soogyong Kim（FASHIONSNAP）Realization: Tomoya Sasaki（FASHIONSNAP）

Fashion

「カナダグース」を纏って感じる、多彩で豊かな初夏の自然

ズーム エアの前身、「テンシル エア」の誕生　それと並行して、より高いレベルを求めるシリアスアスリートの声に耳を傾けていたナイキは、「目に見えないエア」の進化を続けていた。その目的はクッショニングを前提としつつも「より軽く、より速く」にある。今でこそ、厚底と呼ばれるソールがランニングの競技レベルを飛躍的に向上させたが、つい最近までランニングシューズは薄ければ薄いほど、そして軽ければ軽いほどスピードが出るものと考えられていた。そこにエアを搭載するために、ナイキはアイデアと技術を注いできた。結果、生まれたのが「ズーム エア（Zoom Air）」である。1990年中期のことだ。　特徴は、ユニットがフラットな板状であること。高圧に設定された内部には、ナイロンの繊維が敷き詰められた。厚みがない分、マックス エアに比べるとクッション性はやや劣るものの、これが上下にピンと引っ張り合う状態を保つことで薄さを担保しながら、衝撃を吸収した際に高い反発を可能にしたのである。このエアは当初、「張力」という言葉を引用して「テンシル エア（Tensile Air）」というネーミングでデビューした。初めて搭載されたのは、1994年の「迅」と「速」の文字がシュータンに刺繍された「エア ストリーク」。おそらく海外のスポーツメーカーで、初めて日本語がデザインされたであろう。事実、本作は日本人のランナーの意見をフィードバックして開発された記録を狙うためのレーシング仕様だった。1990年代に入り、日本のマラソン界は主要な国際大会ではメダルの常連国となるほど、大きな飛躍を遂げた。その勢いは、日本独自のランニングカルチャーである駅伝人気も底上げし、世界に誇れる長距離大国へと発展した。ナイキは、そんな日本の熱気に注目していたのである。ズーム エアの認知を広げた「ナイキ SB」　テンシル エアは、まもなく「ズーム エア」に改名され、ランニングの枠を超えてバスケット、テニス、クロストレーニングなど様々なカテゴリのシューズに採用された。最初はヒールのみのユニットも、前足部との分割構造、そしてフルレングスとバリエーションが増えていく。1996年には足の動きを解剖学的に分析し、適切な位置で効果的なクッショニングと反発性能を発揮する「アナトミカルポジション ズーム エア」が開発された。これは2000年頃まで、各カテゴリの上位機種のシューズに搭載され、ズームの知名度が次第に高くなっていった。　アスリートの可能性を引き出すズーム エアが、ストリートにもその認知を広げた転機は、ナイキがスケートボード市場に本格参入したことが大きい。1990年代後半になると、エクストリームスポーツ、つまり速さや高さを求める躍動感あふれるスポーツが世界的に盛り上がるようになった。BMXやスケートボードなどがその象徴である。危険さと美しさが隣り合わせのアクロバティックなスポーツにおいて、ライダーという表現者たちは、シューズの機能性とスタイル、どちらも重要だと考えていた。そして従来のスポーツシューズはメーカーのデザイナーの主張が強かったが、時代はアスリートとともに共同開発するようなシューズを目指すようになったのだ。　「ナイキ SB（スケートボーディングの略）」は、テクノロジーを誇張するよりも、それを意識させないシューズ作りを理想としていた。その一つの基準が「ダンク（Dunk）」である。ダンクは1985年に誕生したバスケットボールシューズ。エア ジョーダン1と同い年で、見た目もやや似ている。ただし決定的に異なるのは、カレッジプログラムという全米の中でも様々な地域の学生向けに作られたシューズであること。つまりNBAで活躍するようなトップ選手たちのシューズよりも機能を削ぎ落とした、エアのないバッシュ、それがダンクの個性なのだ。それらは80年代のローカルなスケーターにとって好都合だった。ノンエアのソールはクッション性が強調されない分、ダイレクトな接地感覚を得られると話題になった。さらに丈夫な上に価格帯が安いこと、主張できる派手なカラーパレットが受け入れられたのである。そうした価値観、カルチャーが、90年代後半も根強く残っていたのだ。4mmのズーム エアを搭載、スケート仕様の「ダンク」　ナイキ SBのファーストプロダクトは、スケート仕様に作り変えたダンクだった。大きな進化ポイントは、ヒールにナイキエアの中で最薄のテクノロジーである、厚さ4mmのズーム エアを搭載することだった。軽量で、シンプルに。これは、ランニングシューズで目指したズーム エアのコンセプトと同じともいえる。90年代のスケートシューズのトレンドは、機能という名の装飾化が進み、シルエットはどんどんファットになったが、その反動でライダーはもっとシンプルな履き心地を求めていた。意味を為さないディテールを削ぎ落とすことは、ズーム エアにかかる高い開発コストの影響を少なくし、シューズの価格を抑える副次効果となり、結果的に若いスケーターたちでも買える価格に着地することができた。とはいえ、SBのダンクがスニーカーの転売市場を盛り上げる最良のプロダクトになったのは、皮肉な話なのだが。　1980年代と比べると、1990年代以降はスケートのトリックやスタイルもより大胆に、激しくなった。スケートボードは、身体に受ける衝撃が最も多いスポーツの一つとも言われている。心地よくフィットし、フレキシビリティがあり、衝撃に強い。でも接地感を大事にする。そうして完成したのが、通常のダンクよりもソールが薄い、ハイテクでクラシックなズーム エア搭載のダンクだったのだ。肥大化するマックス エア　四半世紀を経て実現したエア マックス 360　一方で、マックス エアはさらなる肥大化の追求にこだわり続け、21世紀に入って“大きく、厚く”というズーム エアとは対極な進化を目指していた。エアそのものの存在感をどこまでシューズに融合できるかを模索した結果、最終ゴールはミッドソールにフォーム素材を使わない「すべてエア」のソール。まさにそれは、1977年にフランク・ルディがナイキに見せた試作シューズのコンセプトを製品化することでもあった。エア ユニットの視認面積に拘ること約四半世紀。ビジブルエアはヒールからフォアフット（前足部）へと広がり、そして遂に2005年末、360°ビジブルエアの「エア マックス 360（Air Max 360）」を発表した。1987年の「エア マックス」に比べて、エアの含有量は約15倍までに達している。　この悲願は、もう少し早く達成する、いやできるはずだった。しかし社会問題に直面することになったため、遠回りをすることになった。1990年前後からエアを膨らませるために使用していたSF6という六フッ化硫黄は、クッショニングにこそ最適なガスだったが、地球温暖化への配慮からナイキは環境へのリスクが少ない気体への変更を決断し、製品化に想定外の時間を要したのだった。　360°のビジブルエアを達成した2006年以降のエア マックスは、相変わらず年1回のペースで新作が発表されたが、アッパーのマテリアルの進化に重点が置かれ、アスレチックスタイルを強めていった。ソールは足の動きに追従しにくいという一体型エア ユニットの課題を解決するために、ソールの屈曲性を向上させるフレックスグルーブ（屈曲溝）を搭載したエア ユニットが2013年に登場した。エアの質量も15％ほど軽量化し、ランニングに適したシューズへとなっていく。　そして2017年には、新たな技術開発により「ヴェイパーマックス（Vapormax）」が誕生。これまでは、耐久性を高めるためにエア ユニットをゴムの層で覆う必要性があったが、本作はそれがなくなり、柔軟な形状を保つことができるようになったのだ。そのため、エア ユニットを単独でアウトソールとして使用でき、自由なユニットの形を自由に足裏に配置できるようになったのがイノベーションだ。この年はエア マックスの生誕30周年ということもあり、世界各地で大々的にお披露目された。日本は上野の東京国立博物館表慶館で開催された「AIR MAX REVOLUTION TOKYO」にて、音楽とファッション、映像とアート、スポーツなどをデジタルによって結びつけた様々なコンテンツを回遊式に展示する一大イベントの主役として、ヴェイパーマックスが飾られた。バスケットボールシューズとズーム エアの関係　エアを初めて搭載したバスケットボールシューズはエア フォース1だった。NBAプレーヤーのモーゼス・マローンを中心とした広告塔たちは、大きな体躯がぶつかり合うゴール下という激しい戦場で、エアがどれほど着地の衝撃を吸収できる有能なテクノロジーであるかとアピールした。それはエアの特長を正しく、リアルに伝えたプロモーションだったが、マイケル・ジョーダンのシグネチャーシューズ、エア ジョーダンからイメージされる「AIR」は異なるものだった。　ジョーダンを象徴する超人的な跳躍力を支え、スピードにあふれたダイナミックなプレイを引き出してくれるもの。コートに自分一人の制空権を持ち、ディフェンスを引き離す。自分のポテンシャル以上の何かをもたらしてくれるかのような、もっと抽象的で、感覚的なメッセージが受け取れるだろう。実際にジョーダンは、過剰なクッションを好まなかった。と、いうよりコートとの一体感を重視していたため、エア ジョーダン1も、彼のリクエストからエアはヒールのみで、前足部に搭載していないため、ソールは爪先にかけてやや薄く仕上がっている。その後、しばらくはビジブルエアを搭載していたが、エア ジョーダン7以降はソールからエア ユニットの姿を消し、1996年の「エア ジョーダン12（1996年）」からは、ズーム エアが搭載されるようになった。バスケットボールシューズもまた、コートから跳ね返すような瞬発性のあるクッショニングが求められるようになっていった。コービーとレブロン、新たなスターとともに変化するエア　2000年代になると、ジョーダンは現役を引退。新たにレブロン・ジェームズとコービー・ブライアント、2人の若いヒーローたちがナイキと大きな契約を結び、競い合うかのようにシグネチャーモデルがシリーズ化されていく。1980〜1990年代に圧倒的な輝きを放っていたジョーダンの魅力は、純粋なガードやセンターといった固定されたポジションに捉われない自由さにあった（少なくともそう見えた）。その意思を受け継ぐかのように、レブロンやコービーもまた縦横無尽にコートを駆け回る近代バスケのスタイルを作り上げ、その象徴となっていく。ナイキは常に、そうした概念を打ち破るスターとともに、シューズを未来をデザインしていくカンパニーだ。二人のオールラウンドなプレイに応えるズーム エアは、バスケットボールシューズの技術基盤となったのだった。　そして、二人のスタイルや好みによってエアの汎用性を高めていった。軽さを求めたコービーは、まるでランニングシューズやフットボールのスパイクのように、バスケットボールシューズを進化させた。中でも「ズーム コービー4（Zoom Kobe IV）」は、326gという当時のバスケットボールシューズでは最軽量のローカットデザインとして衝撃を与えた。その見た目はシンプルだが、よりゲーム内のスピードを求めるための様々なテクノロジーを施している。ソールに関しては、ヒールにズーム エア、前足部にルナーライトフォームを使い分け、エネルギーを吸収よりも反発に重きを置いた。これによりさらなる鋭い動きが可能になった。以後、「IV」をベースに進化した歴代のシリーズは、現在もNBAスターたちに最も愛されるシューズの一つとなっている。　一方、パワーとスピードを兼ね備えたレブロンは、ズーム エアとマックス エアを賢く使い分けてシリーズを展開している。シューズの機能もデザインも、新作ごとに大きく変わるため、発表の高揚感を掻き立ててくれる。初めてのシグネチャーは、2003年の「エア ズーム ジェネレーション（Air Zoom Generation）」で、シリーズ6作目までズーム エアを搭載。しかし2009年の7作目からは、マックス エアをフルレングスで搭載して大幅なモデルチェンジを図った。さらに2011年の9作目からは、ズームとマックスを共存させたり、新作のズーム エアのみを搭載したりと配置のストーリーが注目されるようになった。　今年、新たに発表された最新のバスケットボールシューズ「G.T.ハッスル3」は、足元に2重のエアのレイヤーを作ることで、エネルギーを蓄積し、リターンを高める構造だ。ナイキスポーツ研究所（NSRL）の科学的な調べによると、前作のG.T.ハッスル2を着用した時に比べて、同じ運動量でも酸素の消費量が少なくなったという。こうしたエネルギーの節約が、コート上でプレイする全体の質を高めているのだ。運動量の多いバスケットボールプレーヤーにとって、1シーズン中にコートを走り回る距離は、フルマラソン12回分にも匹敵するという。エアの役割は、もはやクッションだけに留まらない。瞬間的なスピードの推進、華麗なステップワーク、そして疲労の負担まで。アスリートのあらゆるニーズをサポートするために、エアは2010年代以降、急速かつユニークに進化を遂げていったのだった。

NIKE

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「ナイキ エア」スケートボード、バスケットボールとの関係を辿る　アスリートの欲望に応えたズーム エア

　ミュージシャンとしてはもちろん昨年は映画監督としてデビューし、さらに新たなファッションブランドを立ち上げたYOSHIKI。「もともとX JAPANでも“VISUAL SHOCK”と銘打って、音楽とヴィジュアルでの見せ方にこだわり、奇抜なアウトフィットでやってきました。自然な流れでここまできていると僕は思っています」と語る。構想10年で実現したYOSHIKIの新ブランド　メゾン ヨシキ パリの構想は10年前からあり、「Rakuten Fashion Week TOKYO 2020 S/S」で発表した「ヨシキモノ（YOSHIKIMONO）」のためにチームを招集したときから始まった。「どこの出身と制限する必要はないと思い、世界中を視野に入れてメンバーを集めました」。とはいえ、日本、アメリカ、フランスをつなげ、スタッフと何ヶ月もコミュニケーションを取ることには大きな苦労もあったという。「ファッションという新ジャンルで自分の美を表現するために、自分の伝えたいことをひとつひとつ説明するのが最初は大変でした。僕も常に学び、アドバイスを頂きながら進めました。最後こうしてまとまってよかったなと思います」。音楽ではどのハイブランドにも負けたくない　ミラノでのデビューコレクションでは、生演奏も披露。バッハやプッチーニのアレンジを含めた新曲5曲を、直前までロサンゼルスでレコーレディングしていたという。「ファッション業界の中ではまだ新人かもしれないけれど、音楽ではどこのハイファッションブランドにも負けたくないなと思いまして（笑）。モデルさんたちの歩くテンポ感なども含めて研究して、ファッションショーに合うように作りました。以前ゴールデングローブ賞のテーマ曲を作らせていただいたときにセレブリティの登壇するスピードを研究したんですが、その経験が活かせたのではと思います」。長年の友人である藤原ヒロシの存在　3曲目に披露したのは藤原ヒロシとの共作だ。藤原もまた、音楽とファッションをクロスオーバーして活躍するアーティスト。「実はヒロシさんと僕は30年くらい前から友達なんです。去年、『バカラ（Baccarat）』のグラスのデザインをしまして、その打ち合わせでパリに行った時に久しぶりに再会して。お互いに似たようなところにいるので『何かやりましょう』ということで今回楽曲を一緒に制作しました。今も制作を続けています」。AIがエンタメ業界に与える変革の先に　様々なプロジェクトを進める根底には、エンターテインメント業界の未来を見据えたヴィジョンがある。「音楽業界は、AIの進歩によって数年後に大きな変革が訪れると思っています。映画業界も同じでしょう。もちろんファッション業界も変化すると思います。だからこそ、アーティストは自身のライフスタイルをブランド化して、ファンの皆さんと共有していくスタイルに変化すると思っています。アメリカでは既にそういった流れが起きています」と語る。「今は『YOSHIKIはどこに向かっているんだろう？』と思われるかもしれませんが、例えば3年後に『あ、そういえばYOSHIKIがこういうことを言っていたな』と気付いてもらえる気がします」。メジャーリーグ、そしてハローキティも　メゾン ヨシキ パリは、今秋に開催されるファッションウィークへの参加を表明。今後はヨーロッパを中心にウィメンズのレディ・トゥ・ウェアを展開していく。記者会見の翌日にはその準備のためにパリに渡航すると明かした。37ルックが登場したファーストコレクションの映像はブランドの公式サイトで視聴可能だ。　YOSHIKI個人としては、4月16日にロサンゼルス・ドジャース vs ワシントン・ナショナルズ戦で、アメリカ国歌「星条旗（The Star-Spangled Banner）」のピアノパフォーマンスを行う。会場となるドジャー・スタジアムは、大谷翔平選手も所属するメジャーリーグ ドジャースの本拠地。本試合は「ハローキティ・ナイト」と題され、ハローキティが始球式に登場。YOSHIKIは、ハローキティの50周年を記念した公式グローバルソングも手掛ける予定だ。

MAISON YOSHIKI PARIS

YOSHIKIが語るエンタメの未来——AIがもたらす変革と、その先にあるもの

モデルの脳内がダダ漏れのスンネイ　「スンネイ」は2015年に設立。フォトグラファーの元アシスタントという経歴を持つロリス・メッシーナ（Loris Messina）と、セレクトショップでバイイングを経験したシモーネ・リッツォ（Simone Rizzo）が独学でデザインを手掛ける。スンネイというブランド名は、ボニーM（Boney M.）の曲「Sunny」のつづりをアレンジした造語だ。彼らの特徴はなんといっても、大胆なパフォーマンスとスパイスの効いたクリエイション。2023年秋冬シーズンは、モデルがランウェイから客席へとダイブし、次々とクラウドサーフィンする演出。続く2024年春夏シーズンは、客席に数字入りのパドルが配られ、観客が各ルックを採点していく演出が大きな話題をさらった。　今シーズンのショーでは、サウンドトラックの代わりにモデルたちの脳内を表現したナレーションが流れ、無表情でウォーキングする姿とのギャップが笑いを誘った。初めてのランウェイに緊張しているモデル、靴が脱げそうになっているモデル、失恋したモデルなど、31人のモノローグが各キャラクターを引き立たせ、画一的なショーの在り方に疑問を投げ掛ける。 　また、キャットウォークの代わりにフロアを覆っていたのは、デザインブランド「CCタピス（cc-tapis）」とのコラボレーションによって作られた巨大なラグ。モデルの何人かはストライプのラグ生地で作られた服を着用しており、これらのルックはスナップボタンを外すと平面の形となり、ラグの一部に戻るようになっている。フィナーレではモデルたちがラグの上に集合して座り、観客たちがその中で自由に撮影をし始めた。「ここではすべてが許され、束縛されず、奨励される。視界に境界線はなく、偏見もない」とコレクションノートに記されていたとおり、シームレスな世界観がランウェイと観客を温かく結び付けた。生ごみが飛び交うアヴァヴァヴのランウェイ　「アヴァヴァヴ」は、リンダ・フリベリ（Linda Friberg ）とアダム・フリベリ（Adam Friberg）によって2017年に設立された。2020年からクリエイティブディレクターを務めるベアテ・カールソン（Beate Karlsson）は、セントラル・セント・マーティン（Central Saint Martins）でファッションを学んだ後、「コーチ（COACH）」でアクセサリーデザイナーを務めた経験を持つ。アヴァヴァヴのショーもまた、前代未聞な試みが毎シーズン話題をさらっている。2024年春夏シーズンは「No Time to Design, No Time to Explain（デザインする時間も説明する時間もない）」と題したショーで、ファッション業界や現代社会の目まぐるしいスピード感やストレスを表現。ポストイットやガムテープで作られた服や、涙でマスカラが流れたようなメイクがSNS上で大きく注目された。　今シーズンは、インターネット上の誹謗中傷に対する風刺をランウェイで表現。会場のデジタルサイネージには、ブランドへのヘイトコメントが映し出され、モデルたちにはバナナの皮や缶ジュースといった生ごみが観客席から次々と投げつけられる（ゲストにはゴム手袋が配布され、ごみ投げに参加するよう推奨されていた）。中世の魔女狩りへの言及として、ルックには中世風の十字架のようなネクタイやテーラードスーツがスタイリングされ、ゴシック要素を感じさせる。ドレスはごみによって汚されていくが、“自己尊重の象徴”を演じるモデルたちは一切ひるまず、表情を変えない。 　フィナーレに登場したデザイナーの顔面にはなんとケーキが投げつけられ、本人はダブルピースをして去っていった。その大胆かつシニカルな演出には、ブランドの信念と社会へのアンチテーゼがにじんでいる。　いずれもハイブランドの客層とは異なり、若いクリエイターたちが個性あふれる装いで参加し、独自のコミュニティを形成しているのも印象的。彼らのカルチャーや時代を反映したコンセプチュアルなショーは、ライブ感と活気にあふれている。ブランドと観客たちの距離感をぐっと縮める“参加型イベントとしてのファッションショー”は、これからも大いに支持を集めそうだ。

SUNNEI

Avavav

生ごみを投げつける参加型ランウェイも　ミラノの気鋭ブランドが仕掛ける大胆な演出

中国の化粧品業界で注目されるビューティ企業　中国香料香精化粧品工業協会が発表したレポート「2023年中国化粧品市場業界開発消費インサイト」によると、2023年の中国化粧品産業の市場規模は前年比6.4％増の約5169億元となり、2025年には5791億元（約11兆5300億円）まで拡大すると予想されています。市場が成長する中で、国産ブランドの開発技術や品質も向上し、消費者の関心もますます高まっています。そのため、注目されている国産企業はマーケティングのみならず研究開発や品質向上にも投資し、新しいコンセプトや悩み解決のためのアイテムを販売しています。◆プロヤ・コスメティックス（珀莱雅化妆品、Proya Cosmetics）　プロヤ・コスメティックスは、2006年に設立。研究開発と科学技術に注力してきた化粧品企業です。看板ブランドの「プロヤ（PROYA）」は今年のダブルイレブン（W11）で、天猫（Tmall）や抖音（Douyin）など主要プラットフォームの美容売り上げ1位に立ちました。　グループ傘下の「ティメジ（TIMAGE彩棠）」も、天猫ダブルイレブンでメイクアップ部門2位に入る人気ブランド。創立者は女優のチャン・ツィイーなど数百人の中国人気女優のメイクを手掛ける唐毅（トウ・キ）メイクアップアーティストで、小紅書（RED）など中国のSNS上で、メイクアップテクニックを紹介する動画で人気を集めています。ブランドはアジア女性のナチュラルな美しさを演出するというコンセプトのもと、「ハイライトシェーディングパレット」「コンシーラーパレット」など多数のヒット商品を生んでいます。今年から日本でも公式ショップやアマゾンで購入できるように。　その他にも、独自の世界観を持ちSNSで人気のメイクアップブランド「INSBAHA原色波塔」や、若者のオイリー肌や敏感肌に注目した商品を中国や東南アジアで展開するスキンケアブランド「HAPSODE悦芙媞」など個性豊かなブランドが揃います。また日本でも人気のヘアケアブランド「Off＆Relax」も、実は同社の傘下ブランドです。◆逸仙ホールディングス（逸仙控股、Yatsen Holdings）　逸仙ホールディングスは2016年に設立し、代表ブランドの「パーフェクトダイアリー（Perfect Diary、完美日記）」の急成長によって注目を集めた企業。2020年11月には米国ニューヨーク市場に上場しています。　日本でも展開する「パーフェクトダイアリー」は9月にブランドロゴを刷新。中国で販売する新商品ラインはさらに高級感あふれるデザインや発色を追求しています。中でもリップマスクのようなケア効果と化粧効果を両立した「生体膜エッセンスリップ」が話題になりました。発色のいいリップスティックでありながら、独自成分“ザクロペプチドコンプレックス”を配合し、唇をうるおいで満たしてふっくらとした状態に導いてくれるそう。「Perfect Diary」の小紅書アカウントから　また同社傘下にはメイクアップブランド「Little Ondine小奥汀」「Pink Bear皮可熊」や、スキンケアブランド「Abby's Choise完子心選」など若者向けのブランドがある一方で、2020年10月に買収したフランス発スキンケア「ガレニーク（Galénic）」や、2021年3月に買収したイギリス発スキンケア「イヴロム（EVE LOM）」といったハイエンドブランドも並んでいます。◆ブルーメイジバイオテクノロジー（華熙生物、Bloomage Biotechnology）　2000年に誕生したブルーメイジバイオテクノロジーは、世界的なヒアルロン酸原料のサプライヤーです。その技術力や専門性を生かした機能性スキンケアブランドを展開しており、人気の高いブランドが多く成長しました。　代表ブランドの「潤百顔BIOHYALUX」は美容医療などで使用する注射用ヒアルロン酸フィラーと、スキンケアラインを展開しています。スキンケアラインではヒアルロン酸をキー成分に、さまざまな効能成分を掛け合わせて肌悩みに寄りそうアイテムを展開。スター製品「バリア コンディショニング シングルユース エッセンス（白纱布次抛精华2.0）」は肌のバリア機能の修復メカニズムに着目した製品で、同社が20年に渡って研究してきたヒアルロン酸技術が活用されています。劣化しにくい使い切りボトルも特徴です。「潤百顔BIOHYALUX」の小紅書アカウントから　また敏感肌向けスキンケア「MEDREPAIR米蓓尔」やエイジングケアに特化したスキンケア「夸迪QUADHA」、発酵技術を活用した肌タイプや悩み別シリーズを展開するスキンケア「Bio-MESO肌活」など、多様なアプローチのスキンケアブランドが並びます。中国SNSでも話題の中国新興メイクアップブランド　これまで中国コスメは目を引くパッケージやコラボレーション、独自の世界観で注目を集めるブランドが目立っていましたが、最近は専門性や研究開発力、品質の高さにこだわるメイクブランドが成長しています。特にアジア女性の肌に注目したベースメイク製品や、低価格高品質のメイクアップなどが、ショート動画アプリの抖音を中心に広まっています。◆PASSIONAL LOVER恋火　中国の大手スキンケアブランド「丸美（MARUBI）」を展開する丸美化粧品から、2021年に誕生したベースメイクに特化したブランド。特に素肌のように自然な陶器肌を演出する“インビジブル”シリーズは、カバー力や仕上がりの良さといったメイクアップ効果とコストパフォーマンスの高さから人気を集めています。ヨレにくいと評判の“インビジブル”シリーズの化粧下地は、2023年の抖音美容製品トップ100ゴールドリストにも入りました。「PASSIONAL LOVER」の小紅書アカウントから◆AKF　2018年に設立し、近年急成長しているコスメブランド。元々はメイク落としなどスキンケアが主力のブランドでしたが、2020年からメイクアップラインを展開するとヒット商品が多数生まれました。その一つである「AKFルースパウダー」は2022年の抖音メイクアップ製品年間ゴールドリストで1位にランクインしました。1000円前後の手頃な価格ながら、ルースパウダーにありがちな厚塗り感やまだら塗り、粉っぽさを解消した商品です。また「AKFマッドリップ」はその発色の良さやカラー展開で、KOL（Key Opinion Leader、インフルエンサー）にも支持されて拡散されました。　プチプライスな商品でありながら品質にこだわり、2023年初めには世界的なOEM企業であるCosmaxと共同美容研究開発研究所を設立しています。「AKF」の小紅書アカウントから

【連載：最新アジアビューティ】必見の中国ビューティ企業　日本でも買える人気上昇ブランドも

「ドラァグ」の語源は演劇にあり　ドラァグクイーンは「drag（引きずる）」に由来すると言われている。きっかけは、16世紀後半のロンドン演劇界に遡る。シェイクスピアなどが台頭していた当時の演劇公演には貴族のパトロンが必要不可欠であり、単なる娯楽の場所である一方、教会との結びつきが強固だった。その結果、舞台を踏むことが許されたのは男性のみで、出演者のうち何人かの男性が異性に扮することがあった。男性らしい筋肉質な足を隠すために、当時の演者たちは床に「引きずる」ほど長いドレスを着用していたという。女性の役を演じる男性は、17世紀に始まった日本の歌舞伎などにも見ることができる。「宗教と異性装の関係は切っても切り離すことができません。かつては女装をしているだけで逮捕をされたり、国によっては処刑をされる場合もあった。逆に、『両性的なものは神に近い姿である』という考えを示す宗教国家や、偶像崇拝がポピュラーである国では、現在でも性別適合手術や女装にも比較的寛容な傾向があります」（臼杵氏）。　時は流れ、1800年代後半に、アメリカのメリーランド州で奴隷として生まれたウィリアム・ドーシー・スワンが自らを「the queen of drag（ドラァグの女王）」と名乗ったことが、ドラァグクイーンという固有名詞の起源だと言われている。スワンは、1888年4月12日にアメリカで初めて女装を「女性のなりすまし」だとして逮捕されており、その後も幾度となく「女性になりすましている＝女装」という理由だけで逮捕されている。また、スワンはLGBTQコミュニティの権利を守るために法的、政治的行動を追求した記録上最初のアメリカ人としても知られている。ものまねとドラァグクイーン　フィリピン生まれのドラァグクイーン ヴェラ氏は「ドラァグクイーンが浸透したきっかけは、1970年〜1980年代にゲイが自分たちのセーフティスペースで憧れのアーティストのモノマネをしていたことから始まった」と話す。ドラァグクイーンのパフォーマンスでリップシンク（口パク）が王道とされているのも、「ものまね」が源流にあるが故だ。　一方、1980年代前半から半ばはまだまだ偏見と差別の対象にさらされていた。女性のものまねをする男性はLGBTQコミュニティと結びついているというだけで、特に宗教的な固定観念のある人たちからは犯罪行為と扱われ、忌み嫌われた。そのような背景もあり、主な客層がLGBTQコミュニティであったアンダーグラウンドなダンスミュージックシーンと結びつきながら、地下クラブを活動の場所としていった。当時のニューヨークを知る臼杵氏は「ゲイや女装をするというだけで家にも居場所がなく、家出をして都会であるニューヨークに出てくる子が多かった。1980年代のニューヨーク、ミートパッキングエリアはゲイコミュニティが集まるバーが密集している特別なエリアであると同時に、その日を生き延びるためのフッカーがいた」と振り返る。　日本でも1989年〜1990年代初頭にゲイクラブやパーティーで多くみられるようになったと臼杵氏は語る。「シャンソン歌手で、日本最古参のドラァグクイーンの一人であるシモーヌ深雪さんがプロデュースしたイベント『DIAMONDS ARE FOREVER』の初開催や、マーガレットとして知られ、ゲイ雑誌『バディ』創刊にも関わった小倉東さんがドラァグカルチャーを紹介したりと、さまざまな動きが見られたのも1989年〜1990年代にかけてです。彼らはいつしかゲイのクラブシーンにおいて必要不可欠な存在へとなりました」（臼杵氏）。　ものまね文化と密接な関わりを持つドラァグクイーンは、元を辿れば「一夜だけでもいいから自分がなりたかった自分になりたい」という欲求から始まっていると言えるだろう。ヴェラは「ドラァグクイーンとは自分たちのファンタジーの具現化」とした上で「多くのドラァグクイーンは、アーティスティックな小学校低学年生で、幼少期に自分のディーバ、あるいは美しい装いを見つけていることが多い。『Oh My Gosh、その服や所作はとても綺麗。自分でも作りたい、成りたい』と心を動かされ、その衝動で製作し着飾る。それくらいピュアなファッションメイクアップがすべてのドラァグクイーンの始まりだと思う」と自身の見解を示した。ドラァグクイーンをエンタメにしたディヴァインとルポールの功績　アングラなカルチャーとして生まれたドラァグクイーンカルチャーを変えたのは、ディヴァイン（Divine）とル・ポール（RuPaul）の二人のドラァグクイーンの存在だ。二人は、ドラァグクイーンをエンターテインメントに昇華することに成功した功績が今でも語り継がれている。　ディヴァインは、過激で下品なコメディで知られている映画監督ジョン・ウォーターズに「女装の怪優」として見出された。「マルチプル・マニアックス」「ピンク・フラミンゴ」などが大成功を収め、カルトムービーブームの火付け役に。その後、ディヴァインはディズニーアニメ「リトル・マーメイド」の悪役アースラの着想源にもなっている。アングラなドラァグクイーンが大衆向けのディズニーアニメのキャラクターに色濃く反映されているだけでもその功績は計り知れないものがある。　ル・ポールは、1990年代にモデル、歌手、司会者などマルチな才能で、アメリカのお茶の間を賑わせた。当時メインストリームにはデヴィッド・ボウイや、プリンス、シェールのような中世的なポップスターは存在していたが、ドラァグクイーンのような様相の者はまだ存在していなかった。2009年には、リアリティ番組「ル・ポールのドラァグ・レース」の放映が開始。同番組は「カリスマ、個性、度胸、才能」を競い合う勝ち抜きコンテスト形式で「アメリカズ・ネクスト・ドラァグ・スーパースター」の称号と賞金10万ドルを目指す。臼杵氏は「ル・ポールは、1990年代に自身が培ったノウハウや技術を後輩に伝えるためにこの番組を始めたのでは」と分析。事実、番組から数多くの若きドラァグクイーンが輩出されている。　番組は現在も継続しており、15シーズン目を迎え来年1月にはシーズン16に突入する。同番組の功績は、パフォーマンスや美意識を通してジェンダーを脱構築するアートフォームを「ドラァグ」と定義づけ、メインストリームのメディアで認めさせたことにあるだろう。ヴェラ氏はル・ポールのドラァグ・レースについて「ドラァグクイーンをエンターテインメントの土俵に持ち上げてくれたのは紛れも無くル・ポールだし、アーティストとして生活できる下地を作ってくれた」とコメントした。ドラァグクイーンはなぜ派手な装いをするのか　一般的に「ドラァグクイーン」と聞けば、派手なヘアメイクと、グラマラスドレスを思い浮かべるだろう。装飾過剰は装いについてヴェラ氏は「女性になりたいわけではないという前提がある」と付け加えた上で「ドラァグクイーンはパフォーマンスアーティストで、職業の一種」と説明する。「女性になりたいわけでも、男性でいたくないわけでもありません。性別は関係なく、あくまで自己表現の一つとしてドラァグクイーンのパッケージを借りているだけなんです。社会から求められる女性や、男性らしさを用いてパフォーマンスを行い、浮き彫りになる偏見をユーモアを交えながら問題として主張するのが、ドラァグクイーンというパフォーマンスだと思っています」（ヴェラ氏）。　近年は、胸毛や髭をそのままにメイクを施すドラァグクイーンもいるが、それも、ドラァグクイーンとしての自己表現の一つだ。ヴェラ氏は「『ドラァグ』は筆のようなもの」と続け「それぞれブラシの使い方が異なるように、それぞれに“ドラァグのやり方”がある。筆を持って絵を描きたいというスタート地点は一緒だけど、その後、どこに何をどのように描くのかは人それぞれ」と話す。　ヴェラ氏は「ドラァグクイーンとトランスジェンダーを混同している人が多い気がする」と続ける。「心が女性であるというだけで『ドラァグクイーンですか？』と聞かれても意味不明です。トランスジェンダーの人からしてみたら『This is not my performance（これは私のパフォーマンスではない）』ですから」（ヴェラ）。　ヴェラ氏自身、性的自認と恋愛対象は男性であり、プライベートでは自分自身を男性だと自認しているが、スポットライトを浴びる時はヴェラという女性の人格になるそうだ。ドラァグクイーンとしてのスタンスも様々で、壇上に立つ立たないに関係なく、ドラァグクイーンとしての人格のままプライベートを送っている人もいるという。女性のドラァグクイーン、ノンケのドラァグクイーンも　いまやドラァグクイーンに装いの定義は無い。「ナチュラルメイクであっても、ステージに立ち、イケてるパフォーマンスができればドラァグクイーンとして認められる」とヴェラ氏は話す。これを受けて臼杵氏は「女装家との違いはそこにある」と補足する。「女装家という言葉は、ミッツ・マングローブさんが使い始めた言葉だと思います。この言葉も毎日その意味が変化している思うのですが、もしも一般的に女性を象徴するハイヒールやドレスなどを日常の中で装うことが“女装”だとすると、ドラァグクイーンの定義とは、シンデレラのように一夜限りのファンタジーを叶える変身であること、クイーンに変身した状態で自己表現としてのパフォーマンスアートを見せつけることにあるのではないでしょうか？」（臼杵氏）。　前述の「ル・ポールのドラァグ・レース」のシーズン14でノンケのドラァグクイーン マディ・モーフォシス（Maddy Morphosis）が出演し、SNSを中心に議論が巻き起こった。そのほかにも、ヴィクトリア・スコーン（Victoria Scone）といった、女性のドラァグクイーンの台頭もあり、「ドラァグクイーンとは男性（ゲイ）のもの」という固定観念すらも「性別のバイアスである」という考えが浸透し始めている。ヴェラ氏もこの問いかけに対し「リスペクトがあればOK。そもそも今の時代、男装と女装の定義すら曖昧だし、性別の偏見を取り払えることが、ドラァグクイーンが持つパフォーマティブな要素の一つだと思う。限定的なドラァグクイーンのイメージが一人歩きしがちだからこそ、イメージの枠から出たクイーンの活躍も重要」と自身の見解を示した。「かつては『ウィッグとつけまつげをつけているだけで、あんたは趣味女。クイーンを名乗らないで』という考えもありましたが、現在は『まだまだだね。でも教えてあげる』という文化になりつつある」（ヴェラ氏）。　ドラァグクイーン、それは、パフォーマンスや美意識を通してジェンダー概念の破壊と脱構築を目指すアート（生き様）だ。

Culture

現役ドラァグクイーンに聞く「派手なヘアメイクをする理由」クイーンという生き様

ー森山さんは俳優のほかダンサーとしても活動されています。服とパフォーマンス、身体の関係性についてどのように考えられていますか？　やはり、かなり密接なものだというイメージはあります。パフォーマンスは総合芸術なので、音楽や照明など、様々なものが組み合わさって一つの作品になります。もちろん、衣装も総合芸術の一部として重要な要素です。例えば「この作品のためには、こういう衣装がいいな」「この衣装を着るなら、こういうアプローチができるかもしれないな」ということはよく考えます。　それこそ、最近仕事で着た服で印象的だったのは「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」の2024年春夏コレクション。未来派※の画家で彫刻家のウンベルト・ボッチョーニ（Umberto Boccioni）が設計したブロンズ像「空間における連続性の唯一の形態」を意識した服というのがあって。着ているだけ造形的だったんです。僕は、未来派の作品の魅力は、静的な絵画や彫刻というものに、時間制や速度を持ち込もうとしたところだと考えています。いざ着てみると動きたい欲求が出てきて、服を着ることによって動きが引き出されるという、パフォーマーとしては嬉しい出会いだったなと。今回の「MEET YOUR ART FESTIVAL 2023」で、ハラサオリさんと披露したパフォーマンス「Earth as a Circuit」でも同じ服を着させていただきました。※未来派：20世紀初頭に起こった芸術運動の一派。伝統的な芸術と社会を否定し、新しい時代にふさわしい機械美やスピード感、ダイナミズムを賛美した。活動領域は絵画や彫刻などの造形芸術だけでなく、写真、建築、デザイン、ファッション、演劇、音楽、文学、政治活動に至るまで広範囲に及んだ。ーでは、身体性を表現する「踊り」に対して、衣装はどのような機能を担っていると思いますか？　先ほどのボッチョーニを着想源にした服は、立体的な服の造形性が作用して「服によって動かされる身体」という関係性。一方でもっと単純に、カジュアルな格好をしているのか、フォーマルな格好をしているのかで、「ただ立っている」の性格が変わります。あるいは、Yシャツのような襟や袖をボタンで詰めるというデザインは抑制を促します。「抑制から知性は働く」とも言われていますが、「抑制を促す服」と「インテリジェンス」には相互関係があるのではないかな、とか。ー「歩く」という行為は、日常的に行われているパフォーマンスと考えることもできるかと思います。　歩くということだけではないかもしれないですが、その人それぞれの生き方が反映されているものではありますよね。必然的に「自分がイメージする人間に見られるように」あるいは「“そう”見られないような歩き方をする」というのは、あるんじゃないかな。　歩くという行為にはテンポが付き物です。山登りなどは特に象徴的ですが、単調なリズムを刻んで足を動かすということで紡がれていくのが「歩く」だとして。その時に起こっている思考というのは、ある種とてもシンプルな気がしていて、頂上を目指して一歩、一歩と歩みを進めることのみに集中する中で、思考も単調になっていく。でも、そんな行為を止めた時に訪れる静寂で思考が回転し始める。例えば、西田幾多郎という哲学者がいますけど、彼が言う「純粋経験」※みたいなものと非常に近いのではないかと思うんです。「自分がこれを美しいと感じているから、これは美しい」ではなく、何かが目に映った時に衝撃を受け、後にそれを反芻した時に初めて「あれを僕は美しいと思ったんだ」と、経験の後にやってくる自我の発露、といったような。これは運動全体に言えるかもしれないですが、能動的に動いている時は、目に映る情報や、身体の感覚で動いてはいるんですけど、歩くという行為はある種逆説的に脳を動かすことなのかな、と。※純粋経験：哲学用語。主観・客観に分かれない根源的な直接経験を指す。ーアート専門YouTubeチャンネル「MEET YOUR ART」のMCを務めて3年が経過しました。森山さんは「アート」というものをどのように捉えていますか？　「世界に対しての視点を拓く」とでも言えばいいのでしょうか。そういう気付きを与えるものとしてアートはあるのではないでしょうか。ー「視点を拓く」というと？　「世界を眺めるための視点が広がることで可能性がどんどん広がっていく」という感覚が一番近いかな。アートに限った話ではないんですが、様々な出会いによって新たな世界を知り、発見をし、それによって自分自身の主観性や眼差しが豊かになるということはありますよね。古典作品はもちろんですが、今を生きている僕らという意味では、いまの情勢などの同時代性によりコミットしているのは現代アートだなと感じています。アートやファッションに限らず、全ての表現者は「どのように消費されるか、されないか」というのジレンマみたいなものを前提として持っていると思うんです。その問答の中で、現代社会を生きる表現者が、生活を模索し、その営みが垣間見える表現というのが一番生っぽく、作品を受け取った人の視点をより拓いてくれるのでと考えています。　話は少し脱線しますが、現在の日本を含めたアジア文化への視点というものは欧米の文脈から発見されたことが大きな影響を及ぼしていると思うんです。ファッションを含めたジャパニーズカルチャーに関しても、日本の中でどれくらい意識的に独自性を見出せるのか。実際にはなかなか難しい。「日本人がデザインする服の、こういうところで世界は拓けるよね」という視点は、往々にして外から逆輸入的にもたらされることが多いという印象です。欧米から発見された日本国内の独自性というものに、さまざまな要因から基本的に日本人は無自覚だったし、今もそうなのではないかと思うと同時に、大陸と結ばれていない島国だからこそガラパゴス化が進み、それによって生まれた日本の独創性は、外の世界から見ても面白いだろうし、僕たちもそこをポジティブに自覚しても良いと思うんですけどね。ーファッションとアートはしばしば二項対立で語られることもあります。特に、現代社会においては「アート」というものは崇高なものとして捉えられがちです。　アートもファッションも、その昔は殿様や王様らの上流階級の趣味の延長として親しまれてきたものでもあり、特に日本において衣服、陶器などの職人文化は、いわゆる「アート」ではなく、あくまで生活のためであった側面も強いと思うんです。ファッションを「アート」という領域で語るためには、そもそも日本においての「アート」というものを見定めて共有する必要がある、と個人的には感じています。それこそ「職人」としての技術や洗練さのみを「アート」だと考えるなら、その帰着はどうしても造形美になっていくし、服もその限りなのではないでしょうか。photographer：Yoshinori Iwabuchistylist:  Mayumi Sugiyamahair & make-up: Motoko Sugatext & edit：Asuka Furukata（FASHIONSNAP）Costume Cooperation：ETHOSENS

森山未來と服によって動かされる身体

　2022年アーティザナルコレクションで発表されたパフォーマンス作品やインスタレーションで描かれていたのは、シングルペアレント同士が結婚したことで義理の兄弟となった2人がいつしか愛し合い、不運な運命を辿っていくストーリー。今回は本社のホワイエで、カウントとヘンの両親がアメリカへの航海中に出会った経緯が明かされた。彼らは旅行用トランクを手にしており、この中の服が将来的に彼らの子孫の手へと渡ることを示唆している。エントランスには、船を模った照明や船員たちの姿を思わせるインスタレーションも設置されていた。 ウェアラブルなコートとキュロット　今回のコレクションはカウントのヘンの両親を主人公に、過去をフラッシュバックさせながら進んでいく。モデルたちは前屈みの姿勢で、あるいは挑発的にランウェイをウォーキング。冒頭に登場したのはモノトーンで統一されたルックで、切り取られた白シャツの襟がスカーフのように首に巻かれている。シアトリカルな演出につい目を奪われるが、ブラックのテーラードコートはいずれもウェアラブルなデザインとなっていた。 　中盤には、ミッドセンチュリーのドレスを再利用したキュロットが登場。ロールアップされたようなヘムはジャケットのデザインとも相まって、人体の動きをそのまま取り入れたような曲線を描く。 自由にカスタマイズされたドレス　ドレスは、ところどころが削ぎ落とされたアシンメトリなシルエットがポイントに。また、ダクトテープや「ワーク・イン・プログレス」のステッチ、ラミネート加工などで斬新なアレンジが加えられた。ミッドセンチュリーのランプシェード風の帽子は、ビニールやダンボールなど意外性のある素材で形成。古いワードローブを先鋭的にカスタマイズしていく、新世代の感覚が随所に反映されている。　ロマンティシズムが滲むのは、チュールのレイヤード。ドレスのペチコートだけでなく、ハンドバッグもチュールで覆われ、前衛的かつファンタジックな世界観を反映する。また、コートやドレスにも2023年秋冬のCo-Edコレクションで登場したテクニック「ロールシャッハカッティング」を進化させた「ロールシャッハドット」を用いた不揃いのドット模様が大胆にあしらわれた。「タビ」がデッキシューズに変身　メゾンの象徴である「Tabi」は、黒いリボン付きのハイソックスと合わせたブローグシューズやハイヒールなど、新たな解釈で登場。航海中の設定とリンクしたデッキシューズなども登場し、ガリアーノが描く壮大な物語の一端を担った。

Maison Margiela

ダクトテープでカスタマイズしたドレスも　「メゾン マルジェラ」2024年春夏Co-Ed

　ギリシャ語で「クロエ」を直訳すると「若い緑の芽」という意味になるという。今回ガブリエラが着目したのは、重要な酸素供給装置でもあり、生命そのものの輝きを表現する草花のモチーフだ。花々の繊細で曲線的なシルエットを取り入れ、柔らかなドレープを描く花びらスリーブや、雄しべを思わせる何千ものビーズで飾られたタートルネックドレスなどが登場。革製の花をあしらったサマーサンダルや、フラワーモチーフのジュエリーなどもアクセントに加えられた。　また、彼女が得意とするウィングシルエットのブラックドレスも登場。翼を持つギリシャ神話の女神ニケをイメージし、風合いのあるリネンをカットしたデザインに。ドレスの肩部分にはゴールドメタルで作られた花びらが覗く。同じデザインを踏襲した姉妹ルックも、エレガントかつ強烈なインパクトを放った。　バッグには、創業者ギャビー・アギョン（Gaby Aghion）と孫娘ミカエラ・アギョン（Mikhaela Aghion）へのオマージュが込められた。ボックスレザーのクラッチは、ミカエラのお気に入りだったというクロエのバッグを再解釈したもの。ほかに、園芸のテーマを反映した新作のカルメラ（Carmela）バッグも登場。隆起したシルエットと金属製のスタッズが、サボテンの弾力性と頑丈さを思わせるデザインとなっている。　ショーの最後には、リオデジャネイロのサンバスクール「マンゲイラ（Mangueira）」のメンバーがクロエの特注デザインを身に着け、サンバを披露。マンゲイラは、女性が参加できるスペースを提供した初のサンバスクールであり、「女性の前進」というクロエの目的を体現する存在だという。このパフォーマンスは、ウルグアイで育ったガブリエラが体験したリオのカーニバルを再現するものでもあり、また、今回のコレクションのインスピレーション源となったルピ・カウル（Rupi Kaur）の詩「太陽と彼女の花」の一節を思わせるものでもあった。「肺に息がある限り、私たちは踊り続けなければならない（for as long as there is breath in our lungs – we must keep dancing.）」　陽気なサウンドとフェスティバルのような雰囲気。それはまさに地球環境をより良い方向へシフトする、女性たちのポジティブなパワーに満ちていた。フィナーレでのガブリエラの弾けるような笑顔からは、クロエでの使命をまっとうした達成感が感じられた。

Chloé

モデルたちやデザイナーもサンバを踊る大団円　「クロエ」2024年春夏

　堀内將平は、日本のバレエ界をリードしてきた熊川哲也率いるKバレエ トウキョウ（今年9月よりKバレエ カンパニーから名称変更）のプリンシパルだ。プリンシパルとは最高位のダンサーのこと。バレエ団の顔として主役を演じ、その繊細かつエレガントな踊りで観客を魅了している。まさに生粋の「王子様」という印象だが、素顔はいたってフレンドリー。根っからの国際人でもあり、この日も「インド旅行から帰ってきたばかり」と屈託のない笑顔を見せた。型にはまらない自由な発想と行動力が、彼の表現の礎を支えている。「バレエって、イケてるかも」　バレエを始めたのは10歳で、決して早いわけではない。もともとは親が共働きで「放課後、子どもを一人にするわけにはいかない」という理由で、7歳から体操教室に通うことになった。その後、引っ越しで体操をやめることになり「男の子でそんなに身体が柔らかいんだったら、バレエをやったら？」という周囲からのアドバイスをきっかけにバレエ教室の門を叩いた。「そこのロシア人の先生が僕のことをすごく気に入ってくださって、2回目のレッスンで『あなたはプロになれるから、毎日来なさい』って。そんなふうに認めてもらったのが子ども心に嬉しくて、何も分からないまま『バレエ、イケてるかも』と始めちゃった感じです」。　恵まれた体格はもちろん、柔軟性や音楽性、筋肉の記憶力など、あらゆる素質を持ち合わせていた堀内はすぐに頭角を現した。14歳になると「あなたは海外でちゃんと勉強した方がいい」と恩師から告げられ、留学することに。「その頃、僕はバレエをやっていることを周囲に隠していたんですよ、ずっと。男の子がやるものじゃないと思っていたので、やっぱり恥ずかしかったんですね。だから中学校では突然『堀内くんが留学します』と発表されて、みんな『えー！』みたいな感じ」と、当時を振り返る。少年は人知れずバレエへの情熱を育み、単身世界へと飛び出した。　その後、堀内はウズベキスタン、モナコ、ドイツ、ルーマニアなど様々な国で学び、活躍することとなる。しかし海外のレベルの高い環境で踊ることは、喜びばかりではない。「ドイツのバレエ団はモデル体型のダンサーしか入れないところだったので、男性も身長180cm以上の人ばかり。僕も若い頃は"物理的な美しさ"を目指していたところもあって、コンプレックスには悩まされました。今はそれよりもっと表現や踊りなど集中すべきことがあるので、それだけじゃないと思えるようになりましたけど」。美の基準は変わってもいい　「バレエダンサーに求められる身体とは何か？」は今でも堀内を悩ませるテーマだという。「バレエって"美しい型"が細かく決まっているんですよ。手足が長くてスタイルが良くて、足の形も膝が入っていて甲が出ていて......みたいな。そういうストイックな削ぎ落とされた美しさはもちろん綺麗ですが、肉体に対する厳しい基準にこだわるのは今っぽくないな、と思っています。美の基準って時代によって変わってきているから」。　その鍛え抜かれた身体で雑誌「ターザン（Tarzan）」のカバーモデルも務めた堀内だが、本人は「もうちょっと内面的なもの」を目指していると語る。「バレエは本来、何かを表現するものであるべきだから。"綺麗だから好き"ばかりじゃなく、"表現が好き"っていう部分を大事にしたいんです」。TikTokも"感動を得られるツール"　2015年に帰国し、Kバレエ カンパニーにアーティストとして入団。Kバレエの持つ、高いエンターテインメント性に共感したのが理由の一つだという。「熊川（哲也）芸術監督はエンタメがお好きなんです。僕も大好き。以前、B’zのライブ演出を手掛けている方にこんな話を聞きました。友人に仕方なく連れてこられた人、それも何万人規模のホールの一番後ろの席に座っている人に『今日、楽しかったね』と言ってもらえることを毎回目標にしている、って。Kバレエも同じなんですよ。バレエを分からない人が見ても『よかった、感動した』と言ってもらえるような舞台を作っているんです」。　堀内自身は本業の傍ら、TikTokやインスタグラムで日々バレエを発信し、人気YouTuberとのコラボにも応じる。「SNSも言ってみれば、ほんの一瞬だけど感動が得られるツールなわけじゃないですか。誰かそれを見て『バレエダンサーってすごい！』と引っかかって、繋がってくれたらいいなと思いますね」。この日も撮影の合間にセルフィーを撮影。今の時代感覚を活かしたアプローチが、幅広いファン層を獲得している。バレエに新たな角度からアプローチ　しかし海外で活躍したダンサーだからこそ、日本におけるバレエ文化の立ち位置に葛藤を抱くことも。「パリ・オペラ座のエトワールになれば、『ディオール（DIOR）』がスポンサーについて、衣裳は『シャネル（CHANEL）』が作ってくれて......というような世界。40歳で年金が出て、日本でいう人間国宝みたいなものに認定されるんですよ。日本にも素晴らしいダンサーは沢山いるのになぜ評価されないんだろう？ってずっと考えていて、もっと多様な見せ方があったらいいのかも、と気づいたんです」。　例えば「白鳥の湖」は「眠れる森の美女」「くるみ割り人形」とともに3大バレエと呼ばれる古典だが、イギリスの演出・振付家のマシュー・ボーン（Matthew Bourne）は、男性が演じるスワンと王子の悲恋物語としてストーリーを再構築。その斬新な改訂版は90年代にセンセーションを巻き起こし、ロングランを記録した。「ああいうのも、とても面白いと思います。それで僕もバレエの演出や照明、衣裳、ヘアメイクを変えてみようとパンデミック中に企画したのが『BALLET TheNewClassic（バレエザニュークラシック）』です」。バレエとハイファッションの類似性　「バレエザニュークラシック」は、堀内が写真家の井上ユミコと共に立ち上げたプロジェクト。バレエファンならば誰もが知る古典作品を再解釈し、"新しい定番"の形を提案した。舞台と客席の距離はたった2.26mで、「チカキサダ（CHIKA KISADA）」による衣裳やプロジェクションマッピングなど、現代的な要素を融合させた。現役のプリンシパルダンサーが舞踊監修するダンス公演ということもあり、チケットはあっという間にソールドアウト。「次回はもうちょっと自分たちが届けたい層に届けられたらいいなとは思っています。一番振り向いてほしいのは、やっぱりファッションの人とか、クリエイターの人たちかな」。　バレエとハイファッションの類似性を堀内は指摘する。「バレエは元々ハイカルチャーと呼ばれるもので、王族などが楽しんでいました。今はもっと広がってきているけど、どこか届かない存在・憧れであり続けてほしいとも思います。ファッションにしても、憧れのオートクチュールやランウェイルックがあって、それが市場に広がっていくという形ですよね。あとバレエはやっぱり小さい頃からやっていないとできないものなので、そういう意味でのストイックさや厳しさも似通っているかなと思います」。敷居の高さは保ったまま、裾野を広げていく。それが文化を継承していくための大事なポイントなのかもしれない。こだわるのは踊りだけじゃない　踊り手だけでなく、公演をプロデュースする側になって学んだ点も多い。「ダンサーって『踊れればいい』と思っているところがあります。衣裳や音楽は自分では変えられないし、メイクもある程度決まった型があるので。でもその中で『どこまでそれをいいものにできるか？』というところが本当の仕事。やっぱり細かいところまでこだわらないといけないんだな、とあらためて気付きました」。中でも特に力を入れているのは、舞台メイク。劇場には専属メイクがいるが、基本的には全部自分でこなす。役柄ごとに全く違う表情を引き出し、踊りのニュアンスを増幅させている。　また、衣裳も踊りを引き立てる大きな要素だ。「ある意味、その役柄を一番視覚的に表現するものなので、音楽よりも何よりも視覚的な影響は大きいのかな。スタジオで踊るときは稽古着なので、舞台で照明が入って衣裳を着た時に『あ、こういう世界観なんだ！』と実感して、一気に次のレベルにいく感じがします」。ちなみに堀内が今まで着用した中で気に入っている衣裳は「ロミオとジュリエット」のものだそう。「ロミオはずーっと踊りたい役だったので、その分思い入れが強いです」。やはり根底には、クラシックバレエへの深い愛とリスペクトがある。「眠れる森の美女」の新たな王子像　現在は、創立25周年記念として上演される「眠れる森の美女」のリハーサル中だ。熊川芸術監督による新たな解釈で、ストーリーもアレンジされている。「今までの『眠れる森の美女』の王子は、終盤に突然出てきてお姫様にキスして結婚！みたいな強引な展開でしたが（笑）今回はもっと掘り下げられています。呪いにかけられて間違ってお姫様を死に導いてしまったり、そういう苦悩もあって、もう少し人間らしさのある王子像なのかなと思います」。　衣裳を担当するのは、世界の名だたる劇場で演劇やオペラのデザインを手掛けるアンゲリーナ・アトラギッチ（Angelina Atlagic）。豪華さと繊細さ、古典と現代的センスを併せ持つ彼女の衣裳が、作品にさらなる深みを与えそうだ。　かつてはバレエへの情熱を周囲に明かせなかった堀内少年だが、今はバレエ界を率いるトップダンサーの一人。「バレエは自分の存在価値、意義みたいなものになりましたね。僕にとって身体とは、自分を表現するための手段です。舞台では、お客様に感動してもらうのが一番。その役に共感してもらえるような舞台にしたいです」。バレエ以外では、ミュージカル「ロミオ＆ジュリエット」（2021年）に"死のダンサー"役で出演し、新境地を切り開いた。「もしお話があれば、俳優にも挑戦してみたいですね。僕は基本、なんでもやってみたいので」と貪欲さも垣間見せる。バレエは日常に溢れている　一般的に、バレエと聞くと「敷居の高いもの」と身構えてしまう人も多い。だが、「バレエに関するものって、意外と日常に溢れているんですよ」と堀内は語る。「例えばソフトバンクのCMに使われている音楽も『ロミオとジュリエット』。街中でみんなが穿いているチュールのスカートもバレエのチュチュから発展したものだったりします。バレエを見たり習ったりすると、思った以上にいろんな繋がりがあることを感じられるはず。それこそTikTokを通してでもいいので、肩肘張らずに楽しんでほしいですね。そこから理解を深めていただけたら、それも嬉しいです」。　「眠れる森の美女」に続き、今冬は「くるみ割り人形」で王子役を演じる。先人へのリスペクトを守りつつ、自らの美意識を活かしながら挑戦する堀内。バレエはもちろん、日本のエンタメや社会通念にも変化をもたらしてくれそうだ。

Kバレエのプリンシパル・堀内將平　バレエの「今」を体現する王子【連載：BODY MAGIC】

「シネマ・インフェルノ」とは？　「メゾン マルジェラ」クリエイティブ・ディレクターのジョン・ガリアーノが、2022年アーティザナルコレクションの制作に合わせて構想した物語。舞台はアメリカ南部のアリゾナ。主人公のカウントとヘンは、シングルペアレント同士が結婚したことで義理の兄弟となるが、いつしか愛し合い、不運な運命を辿っていく。　この物語を2022年7月、イギリスの演劇カンパニー「イミテイティング・ザ・ドッグ（Imitating the Dog）」とのコラボレーションにより、オートクチュールと映画、演劇が一体化したパフォーマンス作品としてパリのシャイヨー宮で発表。さらに、同作品のストーリーとテーマを視覚的に表現するインスタレーションとして発展させ、今年1月パリの本社で「Co-Ed」コレクションのショーに合わせて公開した。▶︎▶︎公式ページで公開されている「シネマ・インフェルノ」の映像作品を鑑賞してからインスタレーションを見るもよし、インスタレーションを見てから映像を作品を鑑賞するもよし、合わせて見ればより深く楽しむことができるだろう。物語の世界に入り込むインスタレーション　場所は、渋谷区神南の公園通り沿いに建つパークウェースクエア2。「CINEMA  INFERNO」の看板とサインボード、そしてシネマカーテンを彷彿させる赤いカーテンが、異国の劇場の雰囲気を漂わせる。煌々と光る「Welcome」のネオンサインに誘われてエントランスをくぐれば、中は一変して退廃的なムード。所々かすれた「タビ」の足跡を頼りに、薄暗い館内を巡っていく。 　鉄骨と剥き出しのチューブが張り巡らされた壁にはモニターが設置され、「メゾン マルジェラ」のアイコニックな「タビ」の制作風景や、犬の目線で映したアトリエの様子など、様々な映像がランダムに流れ続けている。普段は公開されることのない、もの作りの裏側をユニークな視点で見ることができる。　1階のフロアは、空間全体が怪しげなライトに照らされ、シーチング素材で作られたアノニマスなマネキンが点在している。これらは「シネマ・インフェルノ」の登場人物たちで、役柄に沿ったアーティザナルのルックを身につけている。その特徴的なスタイルを、秘められたストーリーとともに見ていこう。砂漠に現れたスペクトラル・カウボーイズ　会場の隅や壁から、銃を構えて館内を見張るように設置されているカウボーイとカウガールたちは、主人公を追う悪役だ。物語の主題でもある権力の濫用を象徴的に表している存在で、「スペクトラル・カウボーイズ」の名の通り亡霊（＝spectral）ように繰り返し登場する。 　砂漠の砂を浴びたように見紛う加工は「サンドストーミング」呼ばれるテクニックで、立体的なフロック加工やビーズ刺繍によって表現された。ビーズ刺繍は砂丘のような高低差まで繊細に表現しており、手作業の緻密さを見せる。 逃亡する主人公 カウントとヘン　フロアの奥には、古びたコンバーチブルカーに乗った主人公のカウントとヘンの姿。ガラス窓を突き破って館内に突っ込んできたかのような迫力の演出で、背景には架空の街が広がっている。物語の軸となる2人の逃亡シーンが、東京のインスタレーションならではの演出で再現された。　カウントが着ているのは、ディップダイとフロック加工を施した「ペンドルトン（PENDLETON）」のヴィンテージチェックシャツ。クリスタルの「タビ」カウボーイブーツを履き、アメリカ南部の舞台背景がスタイルに落とし込まれている。　ヘンが回想シーンで着たブラックドレスとウサギ耳のボンネットは、ゴミ袋やバターを包むクロスから作られた。一方で鳥のモチーフをクリスタルの刺繍で表現したヌードカラーのドレスは、ダメージ加工が施されつつも儚い美しさをまとう。粗野な素材とチュールやサテンなどオートクチュールらしい素材を用いたピースが並び、ハイとローのコントラストをコレクションを通じて表現している。　傍らにはヘンの母親の姿も。赤や黒といった色彩のボリュームあるドレスが、娘のヘンとは対照的なインパクトを与えていた。ホラーなチャイルドたちと華やかなプロムガール　中央に設置された劇場の椅子に佇んでいるのは、ハロウィンの「ジャック・オー・ランタン」のようなカボチャや、魔女風のとんがり帽子をかぶったチャイルドたち。物語のシーンや登場人物の衣装は、アメリカのクラシック映画やホラー映画などからも着想を得ているという。　物語の後半でダンスを踊るプロムガールたちは、ドレスアップした装い。切り裂いた2着のチュールドレスをつなぎ合わせたドレスや、チェックのチュールをあしらった寝袋型のコートは、脱構築的なアプローチを印象付ける。手術室に立つドクターとナース　青白い光が異色を放つ円形のブースでは手術シーンを再現。針を手に持ったドクターは、医療用スクラブを参照したクロンビーコートを着用している。ナースたちが着るメディカルグリーンのネオプレン素材やブークレ素材を用いたコートは、1950年代のクラシカルなシルエットが美しい。　1階の順路の最終ポイントには、シルバーのカーテンの前に立つミステリアスなナースの姿。白のコットンピケのトラペーズコートに重ねられた鮮烈な赤のチュールと刺繍が、大動脈や血を連想させる。このナースには対になるもう一体が存在し、その姿は8月10日にリロケーションオープンする表参道店で見ることができる。地下のミラールームで没入体験　「タビ」の足跡は地下へと続いていく。地下1階のフロアの中央には赤いライトに照らされた一体のマネキンと、今回のメインヴィジュアルにもなっている印象的な影。愛するカウントと結ばれた回想シーンのヘンの装いで、無垢な白のチュールコートとウサギ耳のボンネットに、ギピュールレースの花のアップリケと羽飾りがあしらわれた。ルビークリスタルの「5AC」ベビーバッグと「タビ」パンプスが輝きを添える。 　その横にはシアターのサインが光り、「タビ」の足跡の終着点となっている。脇に立つアシャレット（usherette＝劇場の案内係）は、ヴィンテージ調のナイロンブラとシネマカーテンスカートが、50年代の時代背景を思わせる。懐中電灯を手に持ち、劇中の役柄と同様に怪しげな雰囲気を漂わせている。　シアターの中に入れば、まるで異世界に迷い込んだかのよう。天井から床まで全て鏡張りのミラールームとなっており、スクリーン版『シネマ・インフェルノ』を日本語の字幕付きで上映。見る者も物語の一部となるような、没入体験を味わえる。メゾン マルジェラの物語は表参道へと続く　ジョン・ガリアーノが構想したこの作品は、親のネグレクト、法的搾取、教育における不当、宗教上の操作、医療の不正行為といった、現代における権力濫用の顕在化がテーマとして根底にあるという。タブー視されがちなこれらの要素をクリエイションを通じて表現し、従来ならランウェイショーで発表されるコレクションを、パフォーマンス作品というこれまでにないフォーマットで発表した。物語性のあるオートクチュールを探究していたガリアーノによる新たな試みだ。　「メゾン マルジェラ」のクリエイションプロセスを表すピラミッド型の構図の頂点に位置するアーティザナルコレクション。そのテクニックやコードはプレタポルテの「Co-Ed」コレクションをはじめとする全てのラインで具現化される。実際に今回のインスタレーションで落とし込まれていた数々のテクニックやコードが、最新の2023年秋冬コレクションに反映されているのだ。それらを一堂に見ることができる最新の店舗が、東京・表参道の複合施設「ジャイル（GYRE）」1階に8月10日に誕生する。「シネマ・インフェルノ」とアーティザナルの世界観が、どのようにしてメンズ・ウィメンズウェアやアクセサリーなどに派生しているのか。「メゾン マルジェラ」とジョン・ガリアーノの物語は続いていく。

メゾン マルジェラ「シネマ・インフェルノ」で没入体験——もっと楽しむための完全ガイド

　小源寺亮太がオーナーを務める南青山のスタジオは、まるで都会のオアシスだ。あらゆるところに植物が置かれ、パウダールームの中でも鳥や虫の鳴き声が流れている。ここには老若男女の生徒が通っており、最高齢は70代だという。ポールダンスに対する”官能的な女性たちのショーダンス”というステレオタイプに囚われていると、あらゆる意味で裏切られる。　小源寺の言葉や身のこなしからは、ポールダンス界を牽引するパフォーマーならではの美意識とプロ意識が伝わってくる。「ストイックなわけではなく、ただ変態的にオタク気質なんですよ（笑）」と本人は謙遜するが、鍛え上げられた身体はギリシャ彫刻のよう。どの瞬間、どのポーズを切り取っても美しい。「男性がやってもいいんだ」という衝撃　ステージで見せる神話のような世界観とダイナミックな技術。その超絶技巧からは想像できないが「昔から運動が嫌い」と本人は明かす。「球技とかも全然ダメで『体育の授業があるから早退します』というような子どもだったんです（笑）ただ身体測定とか、自分の記録を伸ばすのは好きだったんですよね」。　歌手を目指し、17歳で福岡から上京。ダンスを本格的に始めたのはその頃だ。「自分に何が合うのか分からなくて、様々なダンスレッスンを受けていました。ある時、クラブイベントで偶然出会ったのがポールダンス。男性ダンサーの演技を見て『男性がやっていいものなんだ！』と衝撃を受けて。その方が楽屋に戻るところを引き止めて『僕もやりたいです。どこに行ったらできますか？』って聞いたのがきっかけです」。　それから11年。「スポーツジムで身体を鍛えるのは苦手だけど、ポールダンスはやっていくうちに筋肉も育っていく。レッスン毎にできることが増えていって『自分でもこんなことができるんだ！』という感動の積み重ねが自信をもたらしてくれたんですよね」。オリンピック種目になるかもしれない　ポールダンスは、スポーツともアートとも言われている。「僕は表現する方が好きなのでそういう大会に出場しているんですけど、"ポールスポーツ"としてオリンピックの種目入りを目指している団体もあって。それはポールをもっと認知してもらうためにはいい活動だと思っています。2028年ロサンゼルス五輪には——という噂も耳にしているので近い将来、実現するかもしれないですね」。　日本での選手人口も徐々に増え、競技としてどんどん広がりを見せている。「国によってトリックそのものや表現方法が違うから、見ていて面白いですよ。今はSNSで情報を共有できるから、ますます技術が進化しています。もともとバレエや体操をやっていた方たちが参入してくると、ものすごい動きが生まれるんですよね」。 世界一になるために必要だったもの　小源寺が出場する試合では身体表現だけではなく、曲に対しての動き、衣装やメイクを含め、いかにトータルの世界観を作り上げられるかが評価される。パワー系のトリックや、柔軟性を見せる動き、フロアでのパフォーマンス、会場がどれだけ魅了されたかという”エックスファクター”も採点対象になるという。　彼の独特の世界観を一言で表すならば「ファンタジー」。小源寺の妖精のようなキャラクターとパフォーマンスは、ステージ上に束の間の"異世界"を作り上げる。「正直なところ、始めた頃はやっぱり『優勝したい』という願望が強くて空振りしていたところがありました。でも挑戦する過程で、自分の身体や魂をもっと進化させていきたいという気持ちに変わっていって。『結果がどうこうではなく、色々な経験をしにいく』という意識に変わったタイミングで、賞をいただけたという感じです」。ファッションという魔法を操って　ポールダンスの選曲も振り付けも衣装も、基本的には全て自分で手掛けているという。この日まとっていたビジュー付きのショーツも、本人のお手製だ。「ファッションって『魔法』みたいですよね。僕は衣装で自分のキャラ設定ができるというか、『今度はこういうイメージで踊ってみたいな』と想像することも表現につながります。今日の撮影みたいに『誰かにかけてもらう魔法』もいいですね。新たな自分を発見できるし、色々な自分に変身できて楽しいです」。　そのファッションセンスは子供の頃から抜きん出ていた。「小学校に厚底のスニーカーを履いていって、休み時間にファッション雑誌を見たり、眉毛のお手入れをしてみたりとか（笑）雑誌で見るようなものは田舎ではなかなか手に入らないので、自分で作ったりリメイクしたりもしていました。周りの子たちからは変わった目で見られたりしていましたけど、ファッションへの強い憧れがあったんですよね」。 天と繋がり、自己を解放する瞬間　重力を感じさせない浮遊感と、ダイナミックな大技。筋力なくては成し得ないパフォーマンスにもかかわらず、小源寺のパフォーマンスはどこまでも軽やかだ。「僕にとってポールダンスは瞑想のようなもの。ポールという軸をコントロールすることで、自分自身にフォーカスできるように感じます。踊っているときや空中にいるときは、本当に天と繋がっているような感覚があるんです。無心になれるというか、心地良いんですよね」。　「逆に、空中に上りたいと思えない時はポールを触らないようにしています。身体の素直な反応を大事にしたいので、そういう時は身体をケアしたり整えたりしますね。やっぱり自分が苦しいと思っている時の演技って、見ている側も苦しいと感じるんです。だからまず自分が解放できていないと」誰もが可能性を持っていると信じて　自身の身体を「魂の入った器」と小源寺は表現する。「僕は普段、ストレッチや身体のケアをする柔軟のクラスを受け持っているんですが、いつも言っているのは『まずは器を整えましょうね』ということです。水の通りが悪いと植物も育たなかったりするじゃないですか。身体と魂（心）って直結しているので、身体が循環していくと思考や選択そのものが変わってくるんです」。　その変化を、実際に生徒からも感じたこともあるという。「ずっと自分自身をブロックをしていた方がいたんです。『こんな服を私は着るべきじゃない』とか言っていたり。でも身体の変化と共に思考そのものが変わっていって、最近ミセス・コンテストにエントリーしたそうです。それを聞いた時は嬉しかったですね。『誰もが可能性を持っているから自分自身を信じてほしい』と、僕はいつもみんなに伝えています。どんなふうにもなれるし、そう信じた瞬間から変わっていけるので、その手前で塞ぎ込まないでほしいな」。美しい伝統文化を引き継ぎたい　今後の目標を尋ねると「日本の伝統文化を、自分のフィルターを通して伝えていきたい」という意外な答えが返ってきた。「例えば、僕が習っている生け花との融合とか。伝統をちゃんと引き継いで、それを守りつつも自分のエッセンスを加えてやっていけたらいいな、と思います。アートも生け花もそうですが間（ま）が美しいんですよね、特に日本はそういうものを大切にしているので」。茶道や寺社仏閣巡りも好きだという小源寺。誰も見たことのない新たな表現とファンタジーが、また彼の身体から生まれていきそうだ。

ポールダンサー・小源寺亮太　空中で魅せるファンタジー【連載：BODY MAGIC】

動植物の華やかなプリント　ベースになったのは、ドイツの博物学者・地理学者であるアレクサンダー・フォン・フンボルト（Alexander von Humboldt）による自然界の研究。19世紀初頭に発表された彼の著作などをインスピレーション源に、自然環境との深い繋がりにオマージュを捧げた。プライベートでも植物をこよなく愛するドリスらしいクリエーションと言えよう。　シャツやニット、ジャケットには、ベルギー国立植物園のライブラリーの図画から着想を得たイメージがあしらわれた。とぐろを巻くヘビや羽を広げたワシ、タイガーリリー（オニユリ）といったモチーフが精緻なタッチで描写され、重量感のあるブーツは探検家のイメージとリンクする。ベルギーの実験音楽家によるライブ　また、音楽の要素も大きな鍵に。ステージに登場したのはベルギーの実験音楽家、ランダー＆アドリアーン（Lander & Adriaan）だ。数々のバンドで活動するドラマーのランダー・ギスリンク（Lander Gyselinck）と、「ポムラッド（Pomrad）」名義でも知られるアドリアーン・ファン・デ・ヴェルデ（Adriaan Van De Velde）が、特別なライブパフォーマンスを披露。90年代のアンダーグラウンド・ダンスとクラシックジャズを融合させ、会場を圧倒した。　コレクション全体は丁寧なテーラリングが中心となっていたが、カーゴパンツやマルチポケット・アウター、オーバーサイズのパファージャケットといったカジュアルなアイテムも印象的。波打つようなサイケデリック・パターンも取り入れられ、レイヴ・カルチャーの影響を感じさせた。 繊細かつ芸術的なディテール　チェーン細工や刺繍、リボンなど、繊細に彩られたルックは美しくロマンティック。さらにドレープショルダーや細いウエスト、ゆったりとしたラグランスリーブが、流れるようなフォルムを描く。芸術性の高いディテールはドリス ヴァン ノッテンならではだが、クラブにもまとっていけそうな肩の力が抜けたスタイルでブランドの新たな可能性を示唆した。

DRIES VAN NOTEN

レイヴ・カルチャーを知的にミックスした「ドリス ヴァン ノッテン」2023年秋冬メンズ

キーモチーフはパリの地図　今回の着想源になったのは、メゾンのアーカイヴである1950年代初頭のスカーフ。その裏側にプリントされた、モンテーニュ通り周辺を描くパリの地図がキーモチーフとなった。 　ショーの会場は、古地図の中にも描かれていたチュイルリー公園。フランス王アンリ2世の王妃 カトリーヌ・ド・メディシス（Catherine de Médicis）によって作られたこの場所は、パリ市内にある最古の庭園だ。カトリーヌはイタリア出身で、ハイヒールやコルセット、ブラーノレース（ブラーノ島の伝統的レース）といった文化をフランスにもたらしたことでも知られる。そんな彼女のイノベーションが、今回のコレクションに取り入れられた。フランスの宮廷ファッションをモダナイズ　コレクションの中でも目を引いたのは、宮殿で着用されていたようなクリノリン・スタイル。そしてコルセットやゴールドの手袋、花の刺繍などバロックの要素を現代的に解釈したルックが多数登場した。　一方で、ディオールのカナージュを施したフーディ、デニム、トレンチコートなど、ウェアラブルなルックも提案され、キウリの絶妙なバランス感を印象付けた。会場のセットは段ボールで作られた洞窟　会場の装飾を担当したのは、アーティストのエヴァ・ジョスパン（Eva Jospin）。エヴァはパリを拠点に活動するアーティストで、ドローイングや刺繍、彫刻、インスタレーションなど様々な作品を発表している。今回はバロック様式の宮殿を洞窟のように再現した神秘的な空間を作り上げたが、よく見ると全て段ボールでできており、観客らを驚かせた。　また、ショーを盛り上げたのはダンサーたちの存在。ヌードカラーの衣装を纏った男女がランウェイの傍ら、生命力溢れるパフォーマンスを披露した。この特別な舞台を作り上げたのはダンサー・振付師でもあるイムレとマルネ・ファン・オプスタール（Imre & Marne van Opstal）のデュオ。キウリは「このコレクションは、創造性の芸術としてのファッションへオマージュ」だと語っている。BLACKPINKのジスなど豪華ゲストが来場　客席には、ブランドのミューズを務めるナタリー・ポートマン（Natalie Portman）や、グローバル アンバサダーでありBLACKPINKのメンバーであるジス（JISOO）、ASTROのチャ・ウヌ（Cha Eun-woo）などの姿も。女優の中村アン、kemio、よしあきとミチ、AMIAYAらも来場した。

DIOR

「ディオール」が宮廷のドレスを現代的に　2023年春夏コレクション

　会場には6つのセットが設置されており、そこで繰り広げられるパフォーマンスのライブ映像が、上部に設置されたスクリーンに映し出されるという仕掛け。精巧なジオラマや小道具、照明、スモーク、そしてダンサーたちの演技が組み合わされ、カメラがその動きを捉えていく様は、まるで映画の制作現場のようだ。1幕ごとに観客が次のセットに移動する流れも、「次は何が起こるのか」という期待を掻き立てる。　2匹の馬のパペットが見せるトリックアートや、大小のバッグ「ケリー」が歌うコミカルなオペラなど、「エルメス」らしい遊び心あふれる構成に。このユニークな作品を生み出したのは、ジャコ・ヴァン・ドルマル（Jaco Van Dormael）。「神様メール」（2015年）などを代表作に持つベルギーの映画監督・演出家だが、オペラやバンド・デシネ（フランス語圏のコミック）、舞台公演など幅広い分野で才能を発揮している。ジャンルの垣根を超えたファンタジックな演出は、ドルマルの真骨頂とも言えよう。　また、軽やかな動きを振り付けたのは、ダンス・カンパニー「ローザス（Rosas）」の創立メンバーでもある振付家ミシェル・アンヌ・ドゥ・メイ（Michèle Anne De Mey）。レザーを縫い合わせる手の繊細さや、カレの縁を丸める手のしなやかさなど、エルメスの職人の手しぐさをも彷彿とさせる。演じたのは、彼女が率いるコンテンポラリーダンスカンパニー「アストラガル（Astragales）」のメンバー。デジタル技術を巧みに取り入れ、宙に浮かび上がった恋人同士が無重力で踊るシーンなどを表現した。　エルメス一族の6代目であり、メゾンのアーティスティック・ディレクターを務めるピエール＝アレクシィ・デュマ（Pierre-Alexis Dumas）が「世界中で日本の人たちが一番、エルメスの紡ぐ夢や手仕事の情熱を分かってくれる」と開催を後押ししたという、今回の演目。6月21日までの全公演は、予約開始からすぐにほぼ満枠となったほどの人気。体験した人の心を軽やかにしてくれる、夢のような舞台となった。

HERMÈS

歌うケリーバッグや無重力ダンス　遊び心あふれる「エルメスシアター」とは？

クラウドとは？　クラウドは、世界特許技術による超軽量フォーム製の「CloudTec®」が特徴。クッション性と衝撃吸収性に優れており、キャッチコピーでもある「雲の上の走り」のような履き心地を体現しています。ミッドソール部には蹴り出しの反発を高めるオン独自の足形プレート「Speedboard®」を内蔵。また、着脱をスムーズにするため、靴紐を結ぶ必要がないゴム紐のスピードレーシングシステムを搭載しています。2014年に販売を開始し、アッパーのミニマルなデザインから、ランニング市場だけでなくカジュアルシーンでも支持されています。新作と旧作を比較　新作のクラウド ファイブは、前作よりもミッドソールに厚みをもたせることでクッション性やサポート性を向上。クラウドの試作品では、「水巻ホースを輪切りにしたものをシューズ裏に貼り付けていた」という開発秘話が有名ですが、クラウド ファイブでは特徴的なソールの穴が少し縦に長くなりました。　より快適に足入れができるよう前作に比べ、つま先周りの幅が広くなりました。特に「幅広・甲高」と言われる日本人の足にはより最適な形状ですので、「前作よりも快適性が向上した！」と感じる人が多いはず。また、つま先に配したオンのロゴはバーに変更され、より洗練されたデザインに仕上がっています。　今回のアップデートによって、スポーツ時と普段履きの両方で履き心地が向上。仕事着、遊び着、スポーツ着の差がなくなり、アクティブライフを快適に過ごしたいという人のライフスタイルによりシームレスに対応するモデルとなりました。また、新作の特徴としてはアッパーに使用されているポリエステル素材の92％以上、そしてシューズ全体の44％以上にリサイクル素材を使用し、環境負荷を軽減にも取り組んでいます。価格は税込1万5180円。2月24日からオンの公式オンラインストアおよび全国の取扱店舗で販売しています。見た目だけでは微々たる変化ですが、その差異を感じとれる「オン玄人」になるべく、是非一度手にとって体験してみてください。

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