インサイド

ファッションに特化した世界有数の「ガリエラ宮美術館」の歴史ーまずはヴェロニクさんの経歴について教えて下さい。　ガリエラ宮パリ市立モード美術館（以下、ガリエラ宮美術館）に移って8年目になります。それよりも前は、同じくパリ市内にある「パリ装飾芸術美術館」でファッションとテキスタイルを研究する部に28年間在籍していました。ーガリエラ宮美術館はパリでも歴史のある美術館の一つです。　パリには2つ、ファッションを専門としている美術館があります。一つはパリ装飾芸術美術館に内在しているファッション部、もう一つがガリエラ宮美術館です。ガリエラ宮美術館の特徴は、パリ装飾芸術美術館とは異なり、ファッションだけに特化した美術館であるという点が挙げられます。　ガリエラ宮美術館のコレクションは、フランス19世紀の水彩画家でコレクターでもあったモーリス・ルロワール（Maurice Leloir）がパリ市に自身のコレクションを寄付したことから始まります。彼は洋服、特に当時「コスチューム」と呼ばれていた時代ごとの特色が反映された服を題材にした美術館を作りたいという考えがあったそうです。しかし、当時はまだファッションに特化した美術館は存在しておらず、ガリエラ宮美術館もありませんでした。そのため、パリ市の歴史に関わるものが展示されていたカルナヴァレ美術館に彼のコレクションは寄贈されます。その後、1974年前後にパリ市立近代美術館にコレクションが移動され、のちにガリエラ宮殿内に誕生した美術館に移りました。ー最初から「ガリエラ宮美術館」と呼ばれていたわけではないんですね。　そうですね。現在も正式名称は「ガリエラ宮パリ市立モード美術館（musée de la mode de la Ville de Paris）」です。美術館ができた場所が、王族が居住していたガリエラ宮殿だったことから通称「ガリエラ宮美術館（Palais Galliera）」と呼ばれるようになりました。ーガリエラ宮美術館は2020年にリニューアルオープンしました。　このリニューアルで展示室数が倍になりました。保有している18世紀のものも含めた歴史的なコレクションを常設展示する場所を設けたのです。「ガブリエル・シャネルに焦点を当てた展示は、パリ市内でも開催されたことがなかった」ーガリエラ宮美術館で開催された「ガブリエル・シャネル展」は、同館のリニューアルオープに際して開催されました。展示数は約350点。これほどのシャネル作品が集結することは珍しいことだったのではないでしょうか？　そうですね、非常に珍しいことだと思います。当館ももちろん、ガブリエル・シャネルが手掛けた作品をいくつか所有していましたし、1970年代に入ってシャネル社の寄贈も受けていましたが、興味深かったのはこの展覧会をきっかけにリサーチを進めていく中で、誰が製作したものかわからなかった3作品がガブリエル・シャネルによるものだった、ということが判明したことです。シャネルにはブランドアイテムの学術的な研究をする「パトリモアンヌ・シャネル」という部署があるのですが、そこからのお墨付きも頂いています。それほどまでに、彼女の戦前の作品は珍しいのです。先に述べた、近年彼女の作品だとわかった3作品のうち2点が、東京での巡回展でも展示されています。ー同展を開催するに当たり意識したことは？　驚くべきことなのですが、ガブリエル・シャネルの展覧会というのをまとめてみせた企画展は今までにパリでは開催されていなかったんです。なので「まずは彼女のクリエイションをしっかり見せよう」という考えがありました。　彼女の作品は戦後の1954年以降のものが多く、戦後に発表されたものを「シャネルのスタイル」と呼ぶのが一般的です。しかし最も重要なことは、シャネルのスタイルの基礎になるようなクリエイションのほとんどを彼女が戦前から作っていたという点です。そのため、実際に彼女が戦前から戦後まで継続してシャネルのスタイルを作り上げていることを来場者には伝えたいと思いました。それ故に、戦前のものをたくさん展示する必要があったため、展示数はどんどん多くなっていきました。今回の展覧会では、結果的に17のレンダーから作品をお借りしました。ーシャネルのスタイルの変遷は具体的にどのようなアイテムから感じ取ることができますか？　戦前の作品にもニット素材やジャージー素材を用いたドレスが存在しているのですが、素材自体が持つ柔らかさや着心地を生かしたアイテムというのは戦後に登場したスーツでも見ることができます。その他にも1920年代に登場したドレスには、ジャケットで用いられているライニングを使用しており、そのライニングは戦後のスーツでも使用されています。つまり、戦前で彼女が提案していたアイデアのほとんどが、戦後に「シャネルのスーツ」という形で世に登場しているのです。また、花をモチーフにしたアイテムで軽さを表現するテクニックに注目することができます。彼女は、花の形にカッティングされた生地を点止めしているだけで、生地全体を縫うことをしていません。そのため歩いたり、そのアイテムを身にまとっている人の周りを人が通り過ぎると風に靡くのです。風に靡く花のモチーフというのは、まさに「軽さ」を技術で表現しようとした彼女の意匠の賜物なのではないでしょうか。　彼女の特筆するべき点は、コンセプトや概念を型紙や素材の選び方を通して具現化したことにあると思っています。自分自身が「あったら嬉しいな」と思う良いものをアイテムとして大衆にも提供していたのが魅力の一つですよね。 同展を「ガブリエル・シャネル展」と銘打った理由ー同展の展覧会名は「ガブリエル・シャネル展」。ココ・シャネル展でもシャネル展でもありません。どのような意図からでしょうか？　「偉大なるクチュリエ（グランドクチュリエ）」としてのシャネルにフォーカスしたかったからです。"シャネルのスタイル"と呼ばれているものは今でも脈々とファッションデザインの中で語り継がれていますが、それの源流はどこにあるかをはっきりと示したかったのです。そのためには彼女の仕事から紐解くべきだと考えました。これまでに世界中で彼女の華麗な遍歴や恋愛にフォーカスを当てた作品が発表されてきましたが、そうではなく、今でも残っている彼女のスタイルに焦点を当てているのが同展の肝です。「ガブリエル・シャネル」という本名と、ニックネームの「ココ・シャネル」の違いをあえて定義するならば、ガブリエル・シャネルはクチュリエとしての人間そのもの。ココ・シャネルはレジェンドだと私は思っています。ー国際巡回展として三菱一号館美術館で開催される同展ですが、ガブリエル・シャネルが生まれた国フランスから遠く離れた日本で同展を開催する上で意識したことは？　私は日本のことをよくわかっている訳ではないので正しいかどうかはわからないですが、パリではどちらかというと黒や白、ベージュ、ゴールドなどのシックなカラーアイテムをメインにしていた一方で、東京ではピンクや赤のアイテムを増やしました。また最も異なる点は、コンパクトにまとめ上げたということです。もちろん、同展で一番重要なのは「女性にとっての新しいエレガンスとは何か」を伝えること。現在のファッション史の中でも、シャネルが何故特別なのかを理解してもらえるように意識しました。 ガブリエル・シャネルはなぜ世界中の人を魅了するのかーヴェロニクさんは、なぜシャネルが今日に至るまでのファッション史の中で特別な存在になったと考えていますか？　彼女が「新しいエレガンス」というコンセプトを服を通して発信した人だからだと思います。そして、彼女の打ち出したコンセプトは半永久的で不滅なものと言って良いでしょう。一般的にファッショントレンドは繰り返されるものですが、彼女は1910年から亡くなる1970年代まで同じアイデアを提案し続け、シャネルのスタイルという一つのスタイルとして残し、2020年代になった現在でもそのコンセプトが残っているというのは特異だと感じています。ーガブリエル・シャネルが打ち出した「新しいエレガント」というコンセプトは具体的にどのようなものなのでしょうか？　彼女が追求していたものは「軽さ」「着心地」「装飾過多にならないこと」です。着心地の良さという点でいうと、私の知る限り、彼女が世の中に現れるまでは「着心地」という概念は存在しませんでした。そこには彼女自身が女性であったという事実が重要で、彼女自身が女性として必要な着心地の良い服を求め、実験し、製作したのでしょう。装飾過多の話で言うならば、彼女は一つのアイテムで数種類の着方を提案しています。それは、あくまで着用している女性が一番目立つようにデザインしていたことの表れと言えるでしょう。つまり、着用している人物がどんな顔や体型であれ、服が着用者に対応できるように意識されています。シャネルの服を着ているだけで、着用者がどんな人かを見て取れる。それが彼女の定義するところの「シック」です。ーガブリエル・シャネルのファンはパリや日本のみならず世界中に存在しています。彼女のクリエイションが世界中の人を魅了している理由はどこにあると考えていますか？　1960年代までの彼女のクリエイションはどこかおおらかな部分があり、それは「女性の自立性」というキーワードに結びつけることができます。「女性の自立性」という言葉が持つ問題や感覚は、世界中どこの国でも共通していることでもあり、それこそが彼女のクリエイションが愛される理由なのではないでしょうか？具体的には、彼女は1920年〜1960年代にかけて服にポケットを付けるということを試みています。当時、男性がポケットに手を入れて写真に映ることがシックと言われていたのですが、女性が同じポースを取ることは「品がない」と言われていました。しかし、ガブリエル・シャネルを写している写真の多くで、彼女はポケットに手を入れるポーズを取っています。ポケットの取り付けをはじめとする「男性と女性の垣根を超えるクリエイション」ということに着目すると、彼女がメンズのワードローブを女性の日常着にも取り入れようとしていたことがわかります。　また、今でこそユニクロのようなファストファッションとハイブランドをコーディネートの中で混ぜ合わせることは当たり前ですが、彼女は本来男性のものとされていたジャケットとワンピース（女性のもの）を組み合わせるような一見ちぐはぐになりそうな取り合わせを1910年代から提案しています。「流行」や「既成概念」というものを超越し、自分が良いと思ったスタイルを追求する姿こそが彼女のクリエイションの魅力で、シャネルのスタイルを作り上げた要因の一つでもあると考えています。ー最後に日本のガブリエル・シャネルファンと展覧会を楽しみにしている人に一言お願いします。　テーマに即しながらどの作品を選び、どのように見せるかをとても悩んだので、来場された方がその文脈を理解し、楽しんでくれると嬉しいです。（聞き手：古堅明日香）

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ガブリエル・シャネルはどうして世界中の人を魅了するのか　その魅力をガブリエル・シャネル展の監修者に聞く

ー既に会期が始まってから数週間経ちました。どのような感想が届いていますか？　好意的な感想が多く寄せられていて、まずは一安心です。会場設営をしてくれた施工会社の方に「懐かしいですね」と声をかけてもらう回数が多かったことも嬉しかった。それぞれの人が持つ、自分史に引っかかる展示になればな、と思っています。ーコロナ禍によるオリンピックの延期に伴って、同展も会期が延期になりました。　当初は、東京オリンピックの開催に合わせて2020年6月3日から国立新美術館で、2020年9月19日から島根県立石見美術館で開催予定でした。企画立案は4年前。当時の館長が「海外からのお客さんがたくさん来る時期。日本の文化として思い浮かぶのは漫画やアニメ、建築、そしてファッションだろう」ということで、国内の漫画やアニメに着目した展示と、ファッションにフォーカスした同展の二本立てを用意することになりました。ー「ファッション分野に興味があった」とのことですが、学校で専門的に学ばれていたんですか？　専門的に学ぶ機会はなかったです。学問的に学んだことはないのですが、消費者として「着る」ということをとても楽しんでいたんですよね。ー延期を経て無事に開催されたことについて、担当学芸員として率直な気持ちを教えてください。　「去年やりたかった」という気持ちがないと言ったら嘘になります。山本寛斎さんからも、この企画のお話をした時とても賛同してくださったと聞いています。ベテランデザイナーが亡くなってしまったことは、1年間のロスにおける最も残念な部分。一方で、コロナ禍があり、様々な事象を自分の問題として捉えざるを得なくなっている昨今。日常と密接に関わる「ファッション」を通して、現在に至るまでのこれまで歴史を振り返り、現在の立ち位置を知る良い機会になるといいな、と思っています。ー今回の展示のキュレーションは、本橋さん1人で担当したんですか？　全部で4人の学芸員で企画しました。今回の展示は10年単位で日本のファッションを振り返る内容となっていますが、年代ごとに分担してキュレーションを行いました。私は主に、70〜80年代を担当しています。ー同展を作り上げた4人の学芸員の方は、全員国立新美術館に所属している人ですか？　国立新美術館からは2人。残りの2人は島根県立石見美術館の学芸員という構成です。ー島根県立石見美術館では地方巡回展も行われました。協業のきっかけは？　石見美術館は、デザイナー 森英恵さんの出身地ということもあり、美術展だけではなく「ファッション」にフォーカスした展示を積極的に行っている美術館なんですよ。そこでお声がけをしたところ企画に賛同してくださったのがきっかけです。石見美術館さんが1960年代までの展示前半を、70年代以降の後半を新美術館が担当しました。 ーこれまでの展覧会で「ファッション史」を振り返る時、アメリカやイギリスなどの西洋文化を含めて振り返ることが多かったと思います。同展があくまでも「日本のファッション史」にこだわった理由は？　きっかけは、「日本人はいつから『洋』服を着るのが当たり前になったんだろう」という素朴な疑問からです。仕事でミャンマーやベトナムなどの東南アジアに行くことがあったんですが、彼らの装いというのはまだまだ民族衣装が主流。ミャンマーに関してだけ言えば、イギリス領であった過去もあるので「洋服」がもう少し市民権を得てもいいはずなのにな、と思ったんですよね。そういう素朴な疑問を解消するために勉強をしている時に「こんなに面白いなら皆さんにも見てもらいたいな」と。ファッションの歴史についてある程度学んでからは、国内外で行われている様々なファッション展において、日本のファッション史がいつも70年代から語られることを個人的に残念に思うようになりました。だからこそ、今回は戦後である45年から現代までを網羅する展示空間にしました。ー「黒の衝撃」とも評される「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」のコレクションが置かれている台座を見た時、「この時、時代は動いたんだな」と感じました。私自身がそう感じた理由は「デザイナーたちが幼少期にどのような流行と社会を経てきたのか」というのを展示空間を通して見ることができたからだと思います。　観賞者であるお客さんがそうやって感じてくれるのはありがたいです。デザイナーに限らず、自分自身の家系を辿っていくと、どこかで洋裁学校に行っていたとか型紙を作っていたとか言う人がいると思うんです。ー洋裁文化は1950〜60年代の社会現象と言ってもいいムーブメントだったんですね。　例えば「自分の祖母がワンピースを作っていた」とか、日本人のほぼ全員に「洋裁をしている家族」という記憶はあるんじゃないかなと思うんですよね。その現象が実際、何だったのかというのを見てもらいたかった。今の日本人がファッションに対して情熱がある背景には、50〜60年代にあった「洋裁ブーム」が必要不可欠だったと思っています。これは今回の展覧会の趣旨でもあるかもしれませんね。ー展示の副題は「流行と社会」。この副題は展示する服が決まってから付けられたのでしょうか？　企画が立ち上がり始めた初期の段階でもう決めていました。副題と合わせて決めていた方針が2つあります。1つは、戦争をきっかけとした国民服やもんぺを原点に、和洋折衷だったものが「洋服」になっていった、という過去と今を1本の線で結びつけるという方針。もう1つは「作り手と受け手と発信者の3つが揃って初めて、ファッションやカルチャーが醸造される」ということを示すこと。満遍なく触れることはできなかったのですが、「しっかり時代ごとにその3者の関係性を見ていく」というのが2つ目の方針でした。ー確かに同展の特徴は「ファッション」と謳いながらもメディアにもスポットを当てている点だと思いました。　服をみて「綺麗だな」と思うだけではもったいない気がしたんですよね。「ものづくりが美しい」というのも、もちろんあると思います。でも受け手である私たちが「見て／着てみる」ことで新たな付加価値がついて「現象」になっていく。例えそれがデザイナーにとって違う意図だったとしても、広まってはじめて「ファッション」になるな、と。 ー美術館で「ファッション」を取り扱うことは難しいという見方もありますよね。　アートとファッションの関係性は様々なところで議論されていますよね。私が近年調べている田中千代さんは1930年代から既に「服飾は芸術的な美と、実用的な美を両方兼ね備えたもの。個人的ではなく時代が作っていく」みたいなことを書いていて。先人たちは「洋服（ファッション）」が日本に入ってきた時から、ファッションと美の関係性をわかっていたんだなといつもハッとさせられます。ー展示空間はどちらかと言えば、一つの服（作品）をスポット的に見せる博物館風の展示方法だなと思いました。　「流行と社会」という副題を付けたくらいなので、当時の社会をしっかりと見ることが出来るようにしたいと思いました。「ファッション」という概念を定義付けるような展示ではなく、当時の社会現象を「装うこと」から見る。やはり真摯にものづくりをしていた熱量というか、社会に新しい価値観をもたらそうと必死に活動してきた人たちの作品を取り上げられたらな、という想いがあったんですよね。だからこそ、まずは資料として「こんなものが残っていて、当時はこのような時代背景でした」という説明をきちんとしたかった。そのため、白い壁に白い30センチの台座、マネキンもなるべく白で統一して展示デザイン自体もフラットに見えるような展示になっています。服という作品そのものが持つ美術的な要素だけを見てさえもらえれば、我々がアレンジを加えなくても作品が語ってくれるだろう、と。ーメディアにフォーカスされているのと同じように、ストリートスナップにもスポットが当たっている点が興味深かったです。　ストリートスナップは、西洋ファッション誌と日本ファッション誌を比較した時、大きな分かれ道かなと思っています。西洋のファッション誌ではあまり見かけないのではないでしょうか。そのため、「日本のファッション史」を振り返る上でストリートスナップは欠かせないな、と。ストリートスナップは日本のファッションの独自性だと思っています。ー本橋さんが、一番思い入れの深い展示ブースはありますか？　田中千代さんのパジャマドレスを見つけた時はすごく嬉しかったです。いかんせん戦前の洋服なので全然残っていないだろうと思っていたんです。洋服のデザインとしても、シルクを使用したとてもモダンなもので。ーパジャマドレスはどこで見つかったんですか？　「渋谷ファッションアンドアート専門学校（旧田中千代学園）」です。1991年に展覧会があったので、再製作されたものがあるということは知っていたんですが、掘り起こしたら1930年代のものも見つかったんですよね。しかもそれがただのスカートではなく、パンツスーツだったというのもかっこいいな、と。もんぺもそうですが、おしゃれしたいという女性の気持ちにすごい感動したんですよね。ー1940年代から2000年代まではあくまでも「過去」として振り返る展示だったと思います。2010年代以降の展示は、過去を経たこれからも続くものであるという意味で、他の展示空間と一線を画していると感じました。　一番最後の展示空間である第8章は「未来へ向けられたファッション」というタイトルが付けられています。10年ごとに時代を区切って辿ってきた最後に、今のブランドを示すということで「今だって可能性を持っているし、ここからさらに発展していって欲しい」という願いを込めて締めくくったつもりです。ファッションは地続きです。商品としての「服」ではなく、「我々はこれから、どうやって装っていくべきなのか」と皆さんに問いかける展示になっていればいいな、と思っています。（聞き手：古堅明日香）

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