インサイド

 ■池田ハリス留美子1998年にキャリアをスタートし、化粧品メーカーでの経験を経て2002年にM·A·Cに入社。表参道ヒルズ店で店長を務めた後、2007年に渡米しメイクアップアーティストKABUKIに師事。2009年からはNYのM·A·C PRO SHOW ROOMで活動。2014年に日本のM·A·Cシニアアーティストに就任。NY、パリ、ミラノなど世界のファッションシーンで活動し、個々の魅力を引き出すメイクを追求している。⎯⎯ 今回のメイクアップのテーマやイメージは何でしょうか？　デザイナーの吉田さん（吉田圭佑）がつくるケイスケヨシダの人物像はそのままに、“ストイックな洗練”を意識して表現しました。厳格でクラッシー（上品）な雰囲気をまとっているけれど、ゴシックなムードや怖さはなく、モデルさんが元々持つ表情を生かしたメイクアップを施しました。⎯⎯ “厳格で洗練された雰囲気”を表現するために重視したことはありますか？　重視したのは肌で、メイクアップをデザインする時に最初に決めたのも肌です。肌はメイクアップのキャンバスとなる要の部分であるため、ベースメイクは元よりスキンケアからテーマを落とし込みました。素肌に少し軽やかな淡さを与えた“ペールスキン”を意識し、質感を整えることで厳格さを表現しました。　前回に続き、ランウェイを歩くモデルさんの年齢や性別に幅があるので、スキンケアは水分量をポイントにふっくら感とハリを与えながら、ベースメイクが密着するように油分を抑えました。ファンデーションやコンシーラー、パウダーは、色選びから置き方、付け方、ぼかし方や伸ばし方を1人ひとりカスタマイズしながら塗布することで、個人の素肌をいかしたベストなペールスキンを作りました。　また、今回は大半のモデルさんがアイウェアを身につけるため、アイメイクはほとんど何もしていません。アイウェアの上に覗くまゆは1mmのアイブロウペンシルで毛を書き足す程度に仕上げています。⎯⎯ 赤いリップが特徴的なルックがいくつか登場しました。使用したカラーやポイントを教えてください。　決めたのはスタイリストのLéopold Duchemin氏なのですが、基本的にモデルが着用するアイテムに合わせて決定されています。リップスティックはM·A·Cの「マキシマル スリーク サテン リップスティック」（2024年10月4日発売）と「マキシマル シルキー マット リップスティック」を使っていて、赤は2色使用しています。鮮やかな「ロシアン レッド」は4人、ダークな「デュボネ」は2人につけました。リップの上からグロスを重ねることで、さらにドラマティックな雰囲気を演出しています。　そのほかのモデルさんたちは唇をコンシーラーでフラットにした後、ヌーディな白みピンクベージュの「クリーム カップ」というカラーをぼかしながら、ごく自然に見えるようにのせました。⎯⎯ 2024年秋冬コレクションでも池田さんがメイクアップを務めていましたが、前回のメイクテーマは“素材活かし”でした。今回も“素材を活かす”という点を踏襲してメイクを構築していたように思います。　ここ数年の東京のショーでは、リアルな姿やリアルな気持ちを映し出すものが非常に多いと感じています。その中で私は“内面の表情をいかにメイクに映し出すか”ということに重きを置き、基本的なテーマにしているため、前回と同じように根本は“自然な雰囲気”で、肌の質感を重視していることは変わっていないと思います。　変えた点で言えば、今シーズンのケイスケヨシダは、品がよく動きがあるシルキーな質感のアイテムが中心的で、春夏ならではのワクワク感があるように感じたため、その春夏らしい軽やかさをメイクアップにも取り入れました。前回はシアーマットな肌に仕上げましたが、今回はサテン リップスティックからクリアカラーの「イン ザ クリア」をハイライト代わりに用いて、頬骨あたりにみずみずしいツヤ感を出しました。会場は上から強めのライトが当たるので、座って下の位置からモデルを眺める観客の視点では、ハイライトがより綺麗に映ります。⎯⎯ ショー数時間前からショー後まで、大きく崩れることのないベースメイクの作り方は日常でも活用できると思います。ショーのベース作りのテクニックをデイリーに取り入れるためのアドバイスがあれば教えてください。　ファンデーションをつけすぎないことやコンシーラーのテクスチャーを部位ごとに分けるということはもちろんなのですが、私はそれよりもスキンケア選びが大事だと感じています。表面にベタつきやぬるつきがある状態だと乗せていくメイクが崩れてしまうので、うるおいながらもスムースな肌に整えて、ファンデーションが密着するような肌を作ることがポイント。　バックステージの現場で欠かさないM·A·Cのスキンケアアイテムは、メイクの仕上がりを美しくする美容液「ハイパー リアル セラマイザー」と、フィックスミスト「フィックス+ オリジナル」。ベースメイクが肌に密着するようにスキンケアを仕上げて、最後にフィックスミストをかければ崩れにくいベースメイクが作れると思います。⎯⎯ ショーでメイクをするときに、池田さんが大事にしていることを教えてください。　笑顔を大事にしています。「誰が主役なのか」と考えると、携わる人たちは皆さんそれぞれ主役なのですが、表現という点ではランウェイを歩くモデルさんたちが主役になると思います。バックステージは忙しく、時間も限りがあるため大変ではありますが、主役の方々に心地よく表現していただくには、私たちがポジティブな雰囲気を作ることが大事です。明るいマインドで、楽しみながら良いものを作りたいです。⎯⎯ 最後に、池田さんにとって“ファッションショー”とは何ですか？　命です。私にとってなくてはならないもので、関係する人たちがコラボレーションする“ライブ感”が好きです。ファッションショーは、作る人から見る人までが「ファッションとは何か」ということを一番感じられるものなので、現場にはリアルなファッション、メイクアップ、ヘアスタイリング…そしてリアルな発言があります。それを目の当たりにして、見て感じてどのように自分の中にファッションを落とし込むかということがショー1つで現れるので、そのライブ感含めファッションショーは“命”です。（企画・編集：藤原野乃華）

KEISUKEYOSHIDA

M·A·C

Beauty

25SSバックステージビューティレポート　vol.5「KEISUKEYOSHIDA」

自分史を手放して、冷静の奥で出会った「ファッション」　「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」のクリエイションは、2023年秋冬コレクションを契機に明確に勢い付いた。そして、初めてパリでルックを撮影した2024年春夏から母校を舞台に発表した2024年秋冬へと進化を遂げる。この3シーズンに共通した姿勢は「自分から始まったものを、早い段階で手放し、遠くに投げる」こと。それまで9年間「自分史」を掘り下げ続けてきたことで獲得した純粋なものを足がかりに、自己と社会との関係性を俯瞰する視野を得たという。そうした姿勢の集大成でもあった前シーズンを終えて、「もはやブランドが表現する人間像やムードは容易く変化しない。揺るぎないものになったという自信を覚えた」と吉田は振り返る。　これまでは、日々の中で発見した新しいものに着想し、コレクション毎の新しいムードを作り上げてきた。しかし、新しいムードを探すまでもなくブランドの根幹に普遍的なムードや人間像が確立されたことを受け、同コレクションでは、これまでのような刺激的なものではなく、吉田自身にとっての普遍的で「冷静」な部分の本質を辿った。　コレクションは、吉田がファッションと出会ってから今までの記憶や、服飾史、テーラリングの基礎に根ざした、これまでで最もオーセンティックでベーシックなコレクションで構成されていた。「自分が着たいと思って作った服の形に何も手を加えず、その奥行きに自身が信じているファッションを作っていく工程」が必要だったと吉田は話す。それは吉田の、作った服を「着たくても着られない」ジレンマに由来する「男性のメンズウェアデザイナーとしてウィメンズウェアを作っている」と言う感覚や、メンズウェアとウィメンズウェアの間にある溝を吉田自身が飛び越えるために不可欠な装置だった。　「自分が着たいと思って作るメンズウェアの奥には、自分の美意識が捉えるウィメンズウェアがあり、そこに自分の追求するエレガンス、さらには信じている『ファッション』そのものが存在していた」　笑顔でそう話す吉田の言葉が今回のコレクションの全てだろう。不安と隣り合わせの新しい発見や挑戦が滲んだ感情的なコレクションには、そういった冷静の中に燃えるようなデザイナーの感動が滲んでいたように思う。　冷静の立場に立ち、これまで着想源としてきた「刺激的なもの」から距離を取るために、吉田は元々の「日々の中の発見→ムード→人間像→シェイプ→アイテム」と言う製作フローを逆転させた。まずはブランドのキーアイテムであり、吉田自身も身に付けたいと感じるベーシックなメンズウェアを丁寧に仕立てる。刺激に惹かれないのと同様に「小手先のデザインで大胆なものを作りたくない」と思う感情に、新しいものを生み出したいと願う作家としての自我が対抗する葛藤の中、ボディにジャケットをただ掛け、ただ冷静に眺めたという。　「ジャケットの裏地と表地の間に体を通したらどうなるんだろう」という発想で2枚の布の間に入れられた鋏は、ベースの衣服の型を崩さず、そこに新たな空間を作る。表でも裏でもないその空間に実際に身体を通すと、背面にジャケットの表地が垂れ下がり、その重みによって裏地がボディラインに張り付く。こだわって仕立てたモノの裏から現れたチープファブリックがただ肌に張り付く様はドレス、あるいはボンテージで拘束された苦しげな姿のようにも見える。そこに、2023年秋冬以降提案してきたウィメンズの狂気じみたエレガンスを見出し、その心許ない美しさや、本来見えないものが露わになる様、脆いものに見える美しさに惹かれた吉田は、美しいジャケット自体ではなく、だんだんとその裏地の表情に魅了されていった。表地と裏地の間を着るモデルの姿はまるで「脱皮」のようで、それでこそ出来過ぎなほど示唆的な変身だ。 　吉田の心を捉えたチープファブリックは、キュプラとビスコースの混紡素材やシルクサテン、ナイロンなどの素材に置き換えられ、ジャケットを取り除いてボトムスにも派生。だんだんと元々起点となったはずのジャケットが分離し、裏地の造形が拡張されていくようにコレクションは構成されていった。細胞分裂のように固定と流動を繰り返しアイデアは拡張していく。本来隠され、肌に触れるはずの素材が外側に流れ出ていくことで新たな普遍的なシャツやトラウザーズ、ワンピースやジャンプスーツを展開した。裏地の間に身体を通して着用したジャケットは、一般的な着方をすれば原型通りのジャケットとしても着用することができるというから不思議だ。　ショーは定番のシャツとタイトスカートに始まり、背中にジャケットを垂らしたアイコニックなスタイリングが続く。シンプルながら美しいシャツやドレスは、布の重力が静かに人体の立体感に重なり、その“裏地”の光沢感が艶やかな陰影を伴ってミステリアスな人物像を描く。モデルが歩き去った背後を見ると、脱ぎかけのようなジャケットが垂れ下がり、そこには急に人間味を含む新たな生々しさが見出される。かっちりと人間を飾るジャケットも、その内側は人の動きに合わせて裏地はシワになる。そういった生活の中のリアリティが表出するような表現は、美しく人間らしさをまとい、観衆と社会と接続する。  　根幹を突き詰めるほどに、デザインは2023年秋冬以降に見られる、淑女的な佇まいのウィメンズと少年的なメンズのムードに自然と近づいた。そしてこのコントラストは、両者が同居する妖しげなウィメンズのムードに昇華される。これは、自身を「ウィメンズウェアのデザイナーでもある」と吉田自身が自覚できたことも影響している。スーツファブリックとレザーで仕立てられた帽子は、身近なものの一環としてリサーチを重ねたヴィンテージのハットに着想。ウィメンズアイテムとしては、淑女のイブニング帽子のように、メンズとしては制帽のようにも見える。ケイスケヨシダのウィメンズ・メンズそれぞれのスタイルにマッチすると同時に、吉田自身にとっても身近なファッションのディテールも象徴する。そうした吉田にとってのファッションの全てに通じる要素を持つこの帽子は、今回のコレクションテーマである「冷静の奥にあるもの」を象徴する要素とも言えるだろう。　自身から遠く離れたものから始まったコレクションがどこに辿り着くのか、予測できなかったという今回の挑戦は、パーソナリティやクリエイションの本質を改めて突きつけられる結果となった。冷静の奥行きには「狂気」や「不安」があり、その先で「また自分に出会えた」と吉田。何度も丁寧に確かめてきた足場が今、自信となって結実している。　高い評価を受けるほど、その次への期待も高まる。新たなフェーズを目指す挑戦には毎度恐怖も不安もあるだろう。しかし、鋏を入れるという一つの行為で、どのような状態からファッションに向き合っても約10年間培ったブランドの「バイブス」は、確かな揺るぎないものになったのだと華麗に証明してみせた。　茶目っ気と軽やかさに一抹の心細さを携えて、作り上げたものに（文字通り）思い切り鋏を入れる。その瞬間に、全ての動きが本質に向かって走り出す。これまでも吉田はブランドが作りあげてきたものに冷静に新たな鋏を入れ、新しい姿を見せてきた。内向的でありながら、ファッションに対しては必ず誠実で勇敢な吉田の姿勢は、周りの理解を得られずとも、自身の信じる「ファッション」を突き詰めることを通じて自己愛を育んだ少年時代から変わらない。ファッションへの狂気的なほどの愛と好奇心が常に彼を動かし続けている。　「ファッションで語りたい」と話す吉田の視線はいま海外に向いている。自分史を外れたところから始めたコレクションは、ファッションや自身の美意識を通じて社会とコミュニケーションを取りたいという吉田の考えの表れでもあった。自分のパーソナルな部分から始まるナラティブなクリエイションは、造形自体が美しかったとしても実社会のムードとのズレや違和感が発生することもある。　ケイスケヨシダは、10周年を迎える来季から本格的にパリのショールームでのコレクション発表を開始する。その視察のために、今年6月にも一部のサンプルを携えてショールームに参加していた。ショーを終えた吉田は「自分（史）の話をしなくても、作った服そのもので海外の方とコミュニケーションをとれた実感があった。その発見や感覚は、今回のコレクションにも通じている」と、海外でも「ファッションで語る」ことができたという手応えを見せた。　ケイスケヨシダの“モード”は世界でどのような存在感を発揮するのか、穏やかなその面持ちを頼もしく思うと共に、強い期待を寄せる。

Fashion

“完成品”に鋏を入れる勇気が導く先　「ケイスケヨシダ」の冷静で狂気的な変身

　話は横道に逸れるが、日本の生物学者に今西錦司という人物がいる。彼は登山家・探検家としての肩書も持ち、生涯をかけて多くの山を完登した。今西は、なぜ山に登るのかという問いに「山に登るとその頂上からしか見えない景色があって、そこに次の山が見える。山に登らなければ、次の山は見えない」という金言を残した。効率的に一本道を歩む方法もあるが、寄り道をしながら曲線的に歩みを進めることでしか得られない風景もある、と今西は我々に語りかける。　吉田圭佑は、2024年春夏コレクションを「自分から始まったものを、早い段階で手放し、遠くに投げることを大事に作った」と振り返る。端的に言えば「力みすぎない」という言葉に終始するが、「力を抜く」と「力を入れない」では同じようで全く意味合いは変わる。一度、山頂に到達した人にとっては「力を抜く」ことになり得ることも、山頂を知らぬ人が行えばそれは、ただ力を入れていない「不足」を意味しかねない。もちろんそこには、作り手のニュアンスの違いもあるし、見る側の意識も介入するだろう。今回のケイスケヨシダで言えば、あの昨シーズン（山頂）があるからこそ、早い段階で手放すことが成り立つと感じた。　実際に発表されたルックは、ブランドとして初めてパリで撮影されたものだった。昨シーズンから引き続き、スタイリストには「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のキャンペーンを手掛けたことで知られるレオポルド・ドゥシェマン（Leopold Duchemin）を迎え、彼の周りにいるメンバーによって撮影が行われたという。つまり吉田は、ルック撮影の多くの要素をレオポルトらに委ねた。吉田は「今までは一から十まで自分が作ることに本質があると思っていたが、全てを自分で（それも海外で）ディレクションをすると『やってやった感』が出てしまうし、出したくなっちゃうから」と茶目っけたっぷりにその理由を話したが、半年間懸命に取り組んだアイテムが早い段階で解釈され、写真という新たな形で残っていくファッションデザイナーの心情は大きな不安が伴うものと推測する。しかし、その憂慮も取るに足らないもので、写真家 Christina Stolheの眼差しによって切り取られたルックは、せっかくの海外撮影だったのにもかかわらず、パリらしさは海外特有の硬質な自然光のみに留められており、無駄なものが完全に削ぎ落とされたことでブランドの普遍性だけ判然と残る。さながらグローバルブランドのような雰囲気さえ纏っているように感じた。ケイスケヨシダは、苦しみに眼差しを向け、そこにある毒のようなものに自分自身を見出したクリエイションを続けていたが、それらの毒をクリエイションをきっかけとした他者との関わりの中で減らそうと試みる。ケイスケヨシダというブランドの普遍性は「毒」ではなく、「吉田圭佑が作っている以上は『ケイスケヨシダ』である」と言わんばかりだ。　自分から始まったものを早い段階で手放すという感覚は、表現のアウトプットだけではなく、デザイン面でも見ることができる。　今シーズンのクリエイションは「幸せとはなんだろう」という漠然とした問いがきっかけだったそうだ。吉田はステイトメントの中で幸せを「何かを失う可能性を孕む『不安』と行き来することで初めて実感することができるもの」と結論づけている。単純に明るい側面だけを追わない、何とも吉田らしい解釈のように思う。「幸せ」と前述の「手放す」はいずれもアンコートロールで心許ない性質があり、その柔らかな生暖かさを、昨シーズンのミューズである少年Taikiが着ていたジャケットのブローチが外れ、胸元がはだけることで裏地が心細く露出したジャケットに見出すことから今シーズンの製作は始まったという。　今シーズン数多く登場する、ボディに着せつけたジャケットやコートの後ろ襟を立て、折り紙のように畳んだディテールや、内側に畳み込まれた前身頃は、首元やウエスト、肩周りの引き皺を生み出す。折り込まれたことで巾を失ったフロントを無理やり止めることで発現する皺は通常であれば美しくないとされているが、幸せと不安、厳格さとだらしなさ、冷たさと暖かさのように、装いの中で相反しながらも朧げでまろやかに混ざり合う要素として重要な役割を果たしている。一際目を引くベビーピンクも、単純な可愛らしさではなく、グレーがかったくすみを感じさせるのも意図的だろう。　吉田は「ウィメンズの服を作っているのに、ウィメンズへの苦手意識がとんでもなくあった」と明かし「自分と向き合ってものを作る中で、自分と切り離す瞬間が遅いと理想とする女性に近づけなかった」とその理由について語った。理解をしようと試みた結果、理解した時には既に自分自身や愛着に極めて近い存在になり、手放しがたくなることは日常的にも覚えのある感覚だ。今シーズン、「頭の中でぼんやりと思い浮かべた女性像と自分の距離感を少し遠ざける」ことができたのは、デザイナー自身が「吉田圭佑が作っている以上は『ケイスケヨシダ』である」という図太さを少しだけ手に入れたこと、そして、一度は山頂である「ぼんやりと思い浮かべていた女性」になったことがある吉田だから許される芸当だろう。ブランドとして初めてウェディングドレスのようなイブニングドレスを発表し、女性である筆者が純粋に「それを着てみたい」と思えたのは、作り手である吉田の成分が極めて少なく、着る人への余白が残されていたからに他ならない。　多くの作り手にとって、代表作となるようなパワーピースやコレクションの締めくくりになるようなアイテムは、「これさえあれば」と、納期が差し迫る中で安心材料として機能する。しかし現在の吉田の眼差しはもっと遠くにあるものと思わざるを得ない。他ならない自分で作り上げるコレクション全体を俯瞰しながら、時に不安に押しつぶされそうになりながら「大丈夫だ」と思いながら製作を続けているのだろう。　かつて、ケイスケヨシダのショーのステイトメントに「コレクションとはデザイナーによる半年間による日記」と書いてあったのをよく覚えている。ファッションショーは、半年間で経た様々な感情を最後に爆発させるもので、それはそれで素晴らしい瞬間が観客を包む。一方で、ルックのみでの発表はおそらく半年間で起こったことを細やかに表現できる方法なのだ。華やかさはなく、レスポンスに遅延が起こることで生まれる不安を孕みながらも、だからこそ得られる幸福がそこにあると信じて。

ファッションとの関わりの中でぼんやりした不安を減らそうと試みる「ケイスケヨシダ」の2024年春夏コレクション

ランドセルは子ども心に感性をもたらすもの——国内の一大バッグ生産地を巡ってわかった「リアルレザーと鞄と教育」の関係性

丸の内・有楽町／次世代の才能をサポートする舞台—担当された丸の内・有楽町エリアでのハイライトは？松田千広（丸の内エリアクリエイティブディレクター）：未来のトップデザイナーを目指す全国の服飾学生さんたちの卒業制作作品を披露する「Future Designers Collection」を行いました。4年目となる今年は、日本だけでなく中国・タイ・台湾・韓国の服飾学校からのよりすぐりの作品が丸の内に集結しました。ショー当日はあいにくの雨に見舞われ、予定していた丸の内仲通りでの開催はかなわず残念でしたが、2020年以来開催されるごとにスケールアップしているのを実感しています。—“働く大人のまち”というイメージがまだまだ強いエリアです。だからこそ、次世代にとってこのエリアが"自分の才能を披露できる舞台"になっていくことを引き続き目指したいと考えています。今年のエリアコンセプトとしても掲げた「これからの才能へ熱視線を送る」という姿勢を大切に、新しいモノ・コトを生み出す人々を街全体で応援できる仕掛けづくりに取り組んでいきたいです。 松田千広 （Chihiro Matsuda） 株式会社博報堂プロダクツ クリエイティブディレクター 丸の内エリアクリエイティブディレクター 日本橋／”明日の流行り物”を提案する日本市—テーマは"明日の流行り物"でした。寺岡重人（日本橋エリアクリエイティブディレクター）：さまざまな分野のトップクリエイターたちが、明日にでも流行りそうな物を集めた「明日の日本市」です。かつて五街道を通して多くのモノやコトが日本橋に集まったように、TCSの期間中、日本中から集まったラインナップを来場者の方々にも楽しんでいただけたのではないかと考えております。—日本中から集めたものを展示する意図は？手の中にある小さなスマートフォンから世界中のモノが見られるようになった現代において、街に出かけ、自分の目で見たいと思えるほどの価値のあるモノとは何か？ そこにこそ、このイベントの価値があります。「日本橋を歩けば、素敵な明日、そして未来が見えてくる」。そう思ってもらえる日まで「明日の日本市」を育てていきたいと思います。 寺岡重人 （Shigeto Teraoka） 株式会社ハッピーアワーズ博報堂 クリエイティブディレクター 日本橋エリアクリエイティブディレクター 銀座／街全体を一つのキャンバスに—銀座のあらゆる場所にインスタレーションが登場しました。手応えは？岸仲真（銀座エリアクリエイティブディレクター）：「インパクトがある」「面白い展開だ」「外国人客の評価も高くインバウンド効果とも相まって多くの方が来店した」など好意的な声が多く寄せられました。商業施設のショーウィンドーをはじめ、空き店舗の壁面や工事現場の仮囲い、デジタルサイネージなど街の計15ヵ所にグラフィカルなタイポアートを施したインスタレーション作品「GINZA POET-GRAPHY」を設置し、街全体を一つのキャンバスとして捉えた形です。ジャンポール・ゴルチエ「ファッション・フリーク・ショー」のパフォーマーたちによるランウェイも盛り上がりを見せました。—難しさもありましたか？銀座の街からは「TCSの企画進捗の情報共有が少なかった」「情報共有が遅かったために、効果的に独自施策を実施できなかった」「TCSに集客したお客様に対して実施した購買特典キャンペーン"スペシャルデイズ"はもっとできたはず」という課題が上がりました。その裏返しとして、「次回は前倒しで自主的に企画を立案し、積極的に参加したい」というポジティブな意見も寄せられました。また、銀座エリアのPRを含めた告知方法も課題として挙がっています。 岸仲真 （Makoto Kishinaka） 株式会社新東通信 コミュニケーションデザインユニット ユニット長 クリエイティブディレクター 銀座エリアクリエイティブディレクター 渋谷／過去と未来が出合う実験的なショー—渋谷らしい、挑戦的なファッションショーをされたと聞きました。田中ヒロ（渋谷エリアクリエイティブディレクター）：100周年を迎える文化服装学院の学生たちによるショーです。「過去と未来のENCOUNTER」をテーマに、偉大な日本ブランドのコレクションを多様な視点でひもときました。過去に生み出されたファッションスタイル約10,000点を機械学習させ、時代ごとに未知のアーカイヴスタイルをAI（人工知能）で生成。その不思議な映像を演出に活用し、屋内空間の特徴を活かしたショーを作り上げました。—やってみて見えた課題はありますか？ファッションショーはどうしてもその場限りの瞬間的なイベントとなってしまいます。開催期間中、多くの人が「○○を見に行こう」と渋谷を目指して来てもらえるような常設の目玉コンテンツをつくることが必要だと感じました。また、渋谷のみで完結するのではなく、他のエリアと連携・連動するような施策が構築できると良いと思います。 田中ヒロ （Hiro Tanaka） 株式会社東急エージェンシー クリエイティブディレクター 渋谷エリアクリエイティブディレクター 原宿／特別感のあるショーやNFTの活用—Rakuten Fashion Week TOKYOとの連動で生まれたものは？松井智則（ファッション統括ディレクター）：通常では実現できないユニークべニュー（特別感や地域特性を演出できる会場）でのファッションショーを実施することができました。原宿エリアでは今回、アートや投資のイメージが強かったNFTの新しい使い方を提案し、イベントの入場チケットとして活用したり、NFTを所持していることで受けられる特典などを打ち出せたのもよかったです。—エリアが都内の広範囲にわたる難しさもあります。実際、TCSの実態が分かりにくいというご意見をいただきました。次回に向けて各エリアのさらなる連動強化と、TCSの本質が伝わりやすい施策の検討を始めています。ファッションショーのユニークべニューも、より特別感が感じられる場所を提案できたらと思います。来年はインバウンドも完全復活していると想定されるので、国内だけでなく国外へのプロモーションも強化していきます。最大の目標は、TCS全体の拠点づくりです。 松井智則 （Tomonori Matsui） 株式会社ワンオー 代表取締役 ファッション統括ディレクター 羽田／空港というロケーションを活かして—羽田エリアは空港好きな人にとってはたまらない場所で行われました。大平裕子（羽田エリア統括ディレクター）：「ファッションとデザインを羽田空港からテイクオフさせる」という初めての試みでした。全てのコンテンツが新鮮で、とても目を引く内容になったと思います。中でも、飛行機の離発着が見えるロケーションで行われたトレードショーは反響が大きかったです。ファッション業界の関係者だけではなく、一般のお客さまの目にも触れ、デザイナーとの会話も楽しんでいただくなどTCSを広く浸透させる良い機会になりました。—今後、羽田空港で実現させたいアイデアはありますか？音楽を融合させたファッションショーやトークショーにも取り組んでいきたいですね。今回、羽田空港内では3つのファッションコンテンツと1つのデザインコンテンツを発信しましたが、積み残したものもありました。次回はファッションとデザインの祭典として、さらなるファッションとデザインを羽田空港からテイクオフさせていきたいと思います。 大平裕子 （Yuko Ohira） 株式会社羽田未来総合研究所 コンサルティング事業部 担当部長 羽田エリア統括ディレクター 総括／大きな可能性を持つ都市型イベント—全体を振り返って、特に反響の大きかったイベントは？齋藤精一（総括クリエイティブディレクター）：羽田イノベーションシティで行われた「Sound & City 2023」の中で、音楽を伝達手段としてDAO（分散型自立組織）の仕組みをみんなで体験する実験的なイベント「MUSIC EXPERIMENT ON “DAO"」です。初の試みが多かったのですが、参加したミュージシャンと観客にこれからの都市や社会の分散と、それをみんなで創り上げる仕組みを体験してもらえたのではないでしょうか。—TCSは東京の街にどのような影響を与えていくでしょうか？街づくり、ファッション、デザイン、クリエイティブに関わる熱量の高い人たちが創り上げるTCSは、都市型イベントとしての大きな可能性を持っています。今後さらにエリアごとの連携を強化し、東京ならではの物語と、さまざまなコミュニティを巻き込んでいく施策を創っていきます。金太郎飴化していると言われている東京が、もっとユニークで高解像度な都市になるきっかけを創れると思います。 齋藤精一 （Seiichi Saito） パノラマティクス 主宰 総括クリエイティブディレクター

Jean Paul GAULTIER

Culture

「東京クリエイティブサロン2023」が街に与えたインパクトを徹底分析

　吉田の書く文章が好きだ。ファッションと文学をテーマにした2021年8月号の文學界に寄稿した吉田の文章は、時たまくすりと笑えるのに、自分の内面をこれでもかというほどに吐露した名文だ。そんな吉田は、東京クリエイティブサロン※の支援と、「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のキャンペーンを手掛けたことで知られるレオポルド・ドゥシェマン（Leopold Duchemin）をスタイリストに迎えて開催した2023年秋冬コレクションのフィジカルショー終了後に、自らの文責によるコレクションノートを配布した。そこには「自分に向き合って、身を削り、装いに眼差しを向ける行為が僕にとってのファッションデザインだ」と綴られており、インタビューにおいても「自分の内面から発露したものがリサーチによって肥大化していって、それと社会との接点を見つけたときにやっと"ファッション"になるという考えがベースにある」と話している。コンセプトの段階で明確に言語化し「これを表現したい」という物作りの良さもあるが、ことファッションデザインにおいてはいささか疑問を感じざるを得ない。なぜなら、それであれば服を作りファッションショーをやらずとも、話したり書いたりする表現方法の方がはっきりと意思や態度伝えることができるはずだからだ。吉田の考えと同じように、言語化できないことを自分の中でなんとか捉えようとする行為が、筆者の思うファッションデザインで、ファッションショーのレポートとはその対極にある行為だと痛感している。レポートは、ある一定の例を基に既存の枠で推し計り「別の似た何か」と比較し、追い求める作業に他ならない。加減を間違えれば、作品を矮小化することにも繋がり、周囲の人間が描写をしてしまうことで、全てが等しく「別の似た何か」へと収斂されてしまうことは避けられない。吉田が2023年秋冬コレクションを「今回のコレクションは嘘でないことが大切である」と断言したことに敬意を表して、あらかじめ正直に、矛盾をはらみながら本稿の筆を取ることを断っておきたい。　ショーは、悲鳴ともとれるような音が流れた直後、早く鼓動する心臓音に似た音が会場に鳴り響きスタートした。その音を聞いて、直感的に「怖い」と思ったのは筆者だけではないだろう。束の間の静寂の後、ファーストルックを飾ったのは明らかにモデルではない1人の男の子だった。以降、すべてのモデルが女性であったことを考えても彼は特異な存在であり、その佇まいから強烈な意味合いを感じた。2ルック目からはビートニックな音楽が流れたこともあり、より一層、悲鳴のような音と心臓音は明らかにモデルではない彼が大舞台に立つ心の中の、あるいは「発表の1ヶ月くらい前になると、がくんと心が落ちてしまう」と話す吉田の心の叫びのようにも聞こえた。ショー終演後、ファーストルックを飾った男の子こそが、今シーズンのミューズだと吉田は明かした。　Taikiと名乗る彼は、精神を患って不登校になり、苦しかった時に同ブランドと出会い、救われたそうだ。この話を聞いた時、「イケけている奴」になりたくて、もがき苦しんだ学生時代を振り返った文學界での吉田の手記を思い出していた。「イケてるとか、イケてないとかではなく、あいつは変な奴…みたいになっていて、誰からも相手にされず、ただただ放っておかれた。それでも新しい髪型にしたり、新しい服を着ることは、いつも僕を新しい自分に生まれ変わったような気持ちにさせた。周りからは理解されなかったが、少しずつ自分に自信を持つことができるようになった。そうやってファッションに触れていくうちに、憧れのファッションデザイナーになりたいと思うようになっていた」（「文學界」2021年8月号）　この日、吉田への囲み取材を実施しようと疲れによる苛立った顔つきで粘り続ける記者を尻目に、キラキラとした目つきで吉田を一目見ようと待ち続ける若いファンたちに、ひっそりと胸を打たれていた。吉田はTaikiだけではなく、きっとショー会場にわざわざ足を運んだ彼らの心を既にファッションで救っている。自分の姿を変えようと「かっこよくなりたい」という態度を取る姿はそれだけでかっこいいのだ、と吉田は8年間伝え続け、それはしっかりと社会に浸透し、彼らを励ましている。　Taiki以外のモデルに目を向けると、多くのモデルは眼鏡を着用していた。眼鏡は大抵、見えないものを見ようとする時にかけられる。Taikiから始まった今回のコレクションの製作背景を加味すると、ここでの眼鏡の意味合いは、直視しなくてもいいことを、あえて直視し向き合う様、吉田の言葉を借りれば“見えるはずのない内側”を露わにすることにも繋がるだろう。見えるはずのない内側は、あるはずのない裏地が露出した首元をハサミで切り裂かれたニットカーディガンや、裏地が首元から噴き出し、スカーフやボウタイのように首に巻き付いたステンカラーコートのデザインからも見てとれる。吉田はステンカラーコートについて「いつもならこの裏地はパープルにするだろうが、今回は黒、ネイビー、グレーにした」と綴り「それらの服にとって当たり前の色と素材感をずらさないことが次第に大切に思えてきた」としている。「それらの服にとって当たり前の色と素材感」は、自分の弱さやコンプレックスにあえて目を向け、ありのままの自分を受け入れようともがく吉田やTaikiなりの「答え」のようにも思う。ひしゃげたカラトリーのアクセサリーも、用途にはそぐわないがそのままで美しいとでも言わんばかりだ。 　2020年秋冬コレクションに登場した首を覆うほどに襟が高くなったモーニングコートは若者向けのアイテムから一転、大人びた印象を帯び、吉田がもはやクリエイションの中に、剥き出しの若さを追い求めていないことを感じさせる。フィナーレにミュージカル「プレーン＆ファンシー（Plain and Fancy）」のヒット曲「Young And Foolish」が流れ「若くて愚かでいてはどうしていけないんだろう、僕たちはそのままではいられない」というフレーズは、吉田の心のつぶやきのようにも聞こえた。事実「THE LAST」というコレクションテーマ（その後、言葉にすると言霊になってしまいそうという理由で黒いサテンタグのみを今回のヴィジュアルとした）を掲げ、「抑制」と「厳格さ（strict）」をキーワードに挙げた。 　吉田が「刺激的なものを作るより、抑制されたものを生み出す方が苦しいということは大きな学びだった」と振り返るように、意識的な努力によって衝動やそれに伴う感情をコントロールする「抑制」は、クリエイションをする上では苦しさを伴うものであろう。その上で、眼鏡をかけ、あえて自分自身と真っ向から対峙し、はっきりと見えるが故に自己嫌悪に陥るほどの自己意識を抑制し、それがたとえ、襟が首元まで詰まって苦しくなろうとも、スプーンがひしゃげてしまうほどだとしても、その態度を取ることは成長における通過儀礼で、傷つきながらもその道を選ぶ姿はそれだけでかっこよく、美しいと私たちに訴えかける。ある種の狂気を感じるほどに「LOVE」「LONELY」と描き殴られた皮膜のような ラテックスのボディスーツが、抑制しても仕切れない生々しさが自己愛となって顕在化しているようにも見えた。 　孤独と愛は一見相反するものに思うかもしれないが、自らが愛されていると知りながらも、孤独を感じる瞬間は誰しもが一度は経験したことがあるはずだ。今シーズンのコレクションミューズになった少年が孤独を感じながらも、吉田が汲み取れてしまうほど、隣で見守る母親に愛情を注がれているように。未熟な少年性と同居しているのは、凛とした淑女のようなエレガンスさと、ひと匙の狂気、漠然とした不安と孤独、そして無数の愛だ。これまで、フィジカルショー形式でのコレクション発表が多かった吉田にとって、過剰さを削ぎ落とした今回のショーは覚悟と自信が必要不可欠だったと推測する。不安や恐怖、孤独で押しつぶされそうだった吉田を掬い上げたのも、愛なのだろう。吉田はコレクションノートの終盤「僕自身、
クリエイションを介して育まれてきた。愛によって、 生かされている」と断言した。このコレクションは吉田にとって、自らの少年性と訣別する最後の通過儀礼だったのだろうか。ブランドデビューから8年経った今、ブランドの根幹にある「等身大の装い」という言葉が心に響く。　抑制すること、そこから露わになる厳格な態度は、ただの苦しみの吐露ではなく、デザイナー自身がそれを乗り越えようと努めるからこそ成り立つ。スワイプでルックを見られる時代だからこそ「社会に届いているか」ではなく、社会にいる自分の意識さえあれば伝わるとケイスケヨシダはフィジカルショーを通して体現した。　それまでの春の陽気とは打って変わって、極寒の中行われた東京のファッションウィーク最終日。ケイスケヨシダのショーが始まる頃にはそれまでの大雨が嘘だったかのように、雨足はぴたりと止んだ。前回の2022年秋冬コレクションでも、同じような状況だった。雨降って地固まる、なんともケイスケヨシダらしいフィジカルショーで今期の東京ファッションウィークは幕を閉じた。

ファッションで人の心を本気で救おうとする「ケイスケヨシダ」　臆病者たちに向けた自己愛のバラード

吉田圭佑1991年東京都生まれ。立教大学文学部卒業。ここのがっこうとESMOD JAPONの「AMI」でファッションデザインを学び、2015年秋冬シーズンに「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」を立ち上げ。同シーズンで「東京ニューエイジ」の合同ショーに参加し、ランウェイ形式でコレクションを発表した。日向坂46や櫻坂46といったアイドルの衣装デザインなども担当している。KEISUKEYOSHIDA2015年秋冬シーズンに「東京ニューエイジ」でデビューコレクションを披露したユニセックスブランド。「明るいのか暗いのかわからない空気と、そこにいる彼らの感情と装い」をコンセプトに服作りを行う。ケイスケヨシダが作る言語化できない"なにか"ー デビューから7年が経ちました。振り返ってみてターニングポイントだと思うシーズンは？　ヒカリエのホールBで赤いライトの中ショーを行った2019-20年秋冬コレクションです。やりたいことが結びついてきたというか。その辺りからブランドの規模も少しずつ大きくなってきて、縫製チームやパタンナーチームとより深く密に仕事をできるようになりましたね。学生時代の卒業コレクションでそのままブランドデビューして、荒削りのままきた感覚がそれまでありましたが、色々な人が関わってくれることで精神的な自覚も芽生え、ブランドとともに自分自身も成長しているという実感があります。ー一方で、変化しながらも一貫した軸のようなものを感じます。　軸としてあるのはコレクションへの向き合い方ですかね。コレクションを作り始めるときはすごく楽観的なんですよ。ただ発表の1ヶ月くらい前になると、がくんと心が落ちてしまう瞬間があって（笑）。ーなぜショー前に落ちこむんですか？　基本自分に自信がないんですよ（笑）。時代を眺めたり、やりたいことに注力すると、宮下公園で開催したショー（このタイミングでメンズからウィメンズにシフト）のときと一緒で、自分は今良いと思って作っているけど、新しいことに挑戦しているからこそ不安が出てきてしまう。見た人がどういう風に感じるかなんてわからないし、色々不安になって追い込まれてしまうんですよね...。例えば今作っている2023年春夏コレクションは、今まで以上にミニマルにしたいなと思っているんです。今の時代は、ニュートラルに人を捉えたいというか普遍性の延長にあるものに惹かれるなと感じていて、それを自分なりの目線でやろうと思ったときに、デザインしすぎてしまわないように考えたりすると、やっぱりストレスだし、ビジネスとしての悩みも少し出てきます。まあでも悩んだ挙句、結局最初に思っていたことをやるので、何グジグジしてんだよって毎回思うんですけどね（笑）。ー今何人でコレクションを作っているんですか？　縫製師、パタンナーなど計6人で作っていますね。コンセプトから共有して、イメージを膨らませていく最初の段階から6人でやっていて。そのあとスタイリストの正明（井田正明）と信之（井田信之）に入ってもらい広げていく流れです。ーイメージを伝えてパタンナーが服を作り上げていく「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」のような作り方を採用している？　シーズンによるんですけど、最近は少しずつトライしています。特にその手法に挑戦したのが、暗い部屋のシーズン。あのシーズンはものづくりへの意識が変わって、もっと可能性を広げられるんじゃないかと考えたコレクションでした。それは学校のシーズンを作りながら感じたことでもあって。僕は基本ぼんやりしたところから製作を進めていくんですが、自分が何を作りたいかぼんやりしている段階からチームに入ってもらったのはその時期からでした。抽象的な絵を書いたり、デザイン画ではなく言葉やムードボードで質感を伝えて実験してもらったり。僕は製作する上でリサーチを必ず行うんですが、その中で自分の頭の中にない違う角度から放たれた意見やアイデアからムードを拡張し、取り入れていくみたいな、そういう作業はたしかに最近結構していますね。ーリサーチとは具体的にどんな作業なんですか？　単純に言えば、脳みそを作る作業です。ただ調べ物をするのがリサーチではなくて、自分が気になっていることについて、そのイメージにつながる服や風景、写真、ムードみたいなものを集めたり、映画を見たり、絵を書いたり、生地に触れたり、生地の柄を作ってみたり、粘土をこねたり、コレクションを作るための準備の全てがリサーチだと思っています。そのリサーチで作った脳みその状態で日常を生きると、「この感じは今考えていることに近いな」とか、テレビのニュースを見たときに「いま社会がこういう状態になっていて、意外と自分が考えている個人的なこともここにつながってくるな」といったような瞬間があって。そこからコレクションのイメージが浮かび上がってくるんです。これは、自分の内面から発露したものがリサーチによって肥大化していって、それと社会との接点を見つけたときにやっと"ファッション"になるという考えがベースにあるからなんですよね。　個人的にコンセプトの段階で明確な言葉にして、これを表現したい、という作り方はあんまり好きじゃない。それでいいなら服を作らず喋ればいいと思うので。言語化できないことを自分の中でなんとか捉えようとする行為が、僕が思うファッションデザイン。その成果としてコレクションができたときには、自分でも新鮮な気持ちになることができますし。ー内面から生み出される言語化できない"なにか"は時代感と結びつくものですか？　絶対に結びつくと思います。「いまの時代って〇〇だよね」って言っちゃうとすごい簡単なんですけど、世の中そんな単純なものではないですよね？ 例えば、「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のデムナ（Demna）が作った流れを「オーバーサイズが流行っていた時期」とまとめてしまうのは短略的すぎるじゃないですか。なんで人々の心にその表現がフィットしたのか、それこそが本当に大事なことで、一言でまとめず丁寧に分析する必要があると思うんです。あのコレクションも彼が少年期に移住を経験した背景があったり、マルジェラの文脈だったり、スピーディーな時代の流れの中でスローファッションの提案としてのアティチュードもありましたよね。　そして、学生時代に作る作品は、それ以降の自分の作風のための受け皿になるものだと思うんですが、ブランドデビューした後のデザインは半年間での気付きをその器を通して世界を眺めるような作業だと考えていて。だからプロになってからの言語化できない"なにか"は、常に時代と密接な関係でいられると思うんです。ハルタとの協業で生まれた新たな視点ー吉田さんは学生時代ファッションに救われたそうですね。　中学生の時、男子校で運動もできないし、学校では窓際にいて、ずっとイケてるやつになりたかったんですよね（笑）。でも高校に入ってファッションを好きになって、ファッションにのめり込んでいくうちに、学校の中のイケてるイケてないがどうでもよくなって。ファッションを通して自分に自信を持つことができたっていうのは、ファッションに救われた部分ですね。ーその経験があってか、今回製作したハルタとのコラボローファーは税込3万3000円と比較的学生も手に取りやすい価格に設定されています。　そこは意識した部分ですね。前回のコラボでは、メンズのみの展開だったのですが、女性のお客さんからも欲しいという声を多く頂いたので、今回女性の木型で作り、ウィメンズも販売しています。ー前回と異なる点は？　BLACKは微妙な修正を加えただけですが、DEADBLACKは大幅にアップデートしました。前回はダメージレザーを使ったものでしたが、今回はハルタのガラスレザーの質感を残したままダメージを入れていて。個人的に一番やりたかったことができて、とても満足しています。このほか、ハルタのオリジナルカラーのROTERを新色として追加し、計3色を展開しています。ーベースはハルタのビジネスシューズだと聞きました。　ローファーを作るからには、学生の頃の記憶を大切にしながら大人も履きたいと思えるようなものにしたいと思って。そんな時にハルタのショールームでこのビジネスシューズが目につきました。シルエットが少し歪んでいて印象的だったので、このビジネスシューズの木型をベースに、ちょっと先を尖らせ、底を厚くすることでモダンに仕上がるのではないかと考えたんです。　あとローファーや制服の着こなしって、美徳や時代感が現れるというか。僕が中高のときは、かかとを踏んでボロボロに履くのがイケていたんです。ただ最初の打ち合わせでボロボロのハルタの靴の写真を参考資料に持って行ったら、一番推奨してない履き方だと言われてしまって（笑）。でもそこから、この質感のかっこよさをダメージ加工で表現しましょうという構想につながったんです。ー前回の売れ行きはいかがでしたか？　24時間限定の販売でしたが、とても好評でした。ケイスケヨシダとしてこれまであまり出してこなかったベーシックなアイテムでしたが、お客さんに支持されたということで自信につながりましたね。　それもあって次の2023年春夏シーズンは、先ほどお伝えしたようにこれまでよりミニマルに挑戦したいなと考えるようになったんです。自分なりの現代の眼差しの中でニュートラルに人を捉えたいというか、普遍性の延長にあるものに惹かれるこの感覚を表現していきたい。装飾や服のデザインだけで人を表現するのではなくて、もっと環境をデザインするというか、人そのものに近いアウトプットをしたいと考えています。情報量が少ない中で、それでも匂ってきてしまう癖のような部分をどこまで表現できるかというのが、次のシーズンとその次のシーズンに通ずる自分の課題です。ー次回のコレクションが楽しみです。今後は海外も視野に展開していく？　自分の作品が海外でどういう風に見てもらえるのかは正直とても気になります。先ほどニュートラルという言葉を使いましたが、ケイスケヨシダの表現の中で、眺めている社会は日本だけじゃなくてもっとグローバルにならないといけないという想いは最近ちょっとずつ強くなってきていて。学生時代から、ファッションを通して世界の人の在り方やムードを感じとってきたので、今度は自分がファッションに何を返していけるのか、そういうことに向き合うフェーズに今後はしていきたいですね。

「基本自分に自信がないんですよ」ケイスケヨシダが作る言語化できないなにか

ラグタグの"要"国立倉庫の内部を大公開　全国20店舗で買取された商品、そして郵送の買取希望の商品は一度すべて国立倉庫へ届きます。商品管理だけではなく、各店舗への商品出荷やオンラインストアの「ささげ業務※」を行っており、国立倉庫がラグタグの"中枢を担っている"といっても過言ではありません。そんな国立倉庫の業務内容をさっそく見ていきましょう。※「撮影」「採寸」「原稿」のそれぞれの頭文字が由来。ネット通販において消費者の購買意思決定に直結する商品情報制作業務。■業務内容・真贋チェック : 専門スタッフによる商品の最終チェック・採寸＆情報入力 : オンラインストア掲載に向けて商品情報入力・撮影 : 1点ごとに物撮り撮影を行い、オンラインストアへ掲載・倉庫管理 : シーズンやトレンド、アイテムごとに分けて商品を管理・発送 : 購入商品の発送作業 真贋チェック　国立倉庫には1日約1500〜2000点、キャンペーンなどを行うと3000点もの商品が届きます。その中に偽物が混ざっていないかチェックを行うことが国立倉庫の重要な業務のひとつ。偽物といえばバックや財布のイメージがあると思いますが、今はTシャツなどでも作られており、特にコラボものは出回るのが本当に早いんだとか。そして偽物のレベルは年々上がってきており、見分けがつかないこともあるそうです。そういった偽物を店舗に回さないようにするため、ラグタグでは店頭でのチェックに加えて、経験を詰んだ専門スタッフが国立倉庫で最終チェックを行います。　ラグタグでは"服として生まれたものは最後まで服として扱う"ことを心情としているため、買取時に値段が付けられずに引き取った洋服も、寄付をしたり学生にリメイクしてもらうなど、処分を一切することなく様々な場面に役立てています。ただ、偽物だけは二次流通での売買を防ぐため、処分を行います。過去には「憎むべきニセモノ展」を店頭で開催するなど、消費者にも偽物に対しての知識を身につけてもらえるよう取り組んでいます。採寸＆情報入力　ラグタグで取り扱っている商品は、ほぼすべてオンラインに掲載されます。オンラインでは試着ができないため、1点1点スタッフの手により採寸を行い、色や素材なども細かく入力していきます。膨大な作業量を簡略化するために、撮影した商品写真から自動採寸してくれるシステムを協力会社と絶賛開発中なんだとか。本格的に導入されれば作業効率が飛躍的に上がるので、現場スタッフたちの期待も高まっています。物撮り　ライティングやハンガー位置もすべてセッティングされている撮影ブースで、カテゴリごとに分けて撮影を行っていきます。撮影したデータはすぐにパソコンで確認し、映りなどを調整しオンラインストアにアップ。古着なので汚れやほつれもきちんと撮影し、商品情報を丁寧に伝えるよう心がけています。倉庫管理　最近の物流倉庫では、棚の空いている場所に商品を保管することで倉庫全体の保管効率を向上させる「フリロケーション」が主流ですが、国立倉庫は実店舗への発送業務も担っているので、季節ものをきちんと分ける必要があります。その為、シーズンごとのアイテム管理がとても大切。各店舗の特徴や客層、そしてトレンドを踏まえながら投入商品を仕分けていくのも国立倉庫での重要な業務となっています。発送　各店舗への発送だけではなく、オンラインショップで注文が入ったものも国立倉庫から発送しています。近年は海外の利用者も増えてきているそうで、特にアジア圏の顧客には日本のデザイナーズブランドが好きな人が多く、コロナで旅行が難しい今、ラグタグで探して購入してる人も多いようです。「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」、「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」のように縫製がしっかりしている商品は、10年前のアイテムでも問題なく着ることができるため二次流通市場でも不動の人気で、値崩れもしないんだとか。国立倉庫にある40万点から目利きが選んだ逸品は？　「ラグタグ」を展開するティンパンアレイの親会社であるワールドが、2019年から開催しているポップアップ型イベント「246st.MARKET」。物販やトークイベントを通して、長く寄り添うプロダクトや環境に配慮された商品をものづくりのプロセスと共に伝えています。　2022年11月上旬に開催される「246st.MARKET」では、デザイナーやスタイリストたちが国立倉庫でピックアップした"時代を超えた良いもの"を販売。参加するクリエイター5人のセレクト現場に密着し、40万点の中から見つけたオススメの逸品を紹介してもらいました！横澤琴葉：「ディーゼル」のデニムジャケット＆「マークジェイコブス」のワンピース　デザイナーが「Y/プロジェクト（Y/PROJECT）」のグレン・マーティンス（Glenn Martens）に変わった流れもあり、普段から「ディーゼル（DIESEL）」の古着をよくチェックしているので、自分も好きという視点から選んだ1着です。ディーゼルはデニムパンツのイメージが強いけれど、カットソーやアウターもシルエットやグラフィックが可愛くてすごく注目しています。今回選んだデニムジャケットも、レザーコードを使った表現が凝っていてすごく惹かれました。　2000年初頭の「マーク ジェイコブス（MARC JACOBS）」のアイテムって「ヘブン バイ マーク ジェイコブス（Heaven by Marc Jacobs）」にも繋がる要素も多くすごく好きなんですが、そのイメージとは真逆のこのミニマルさが気になってしまって（笑）。ここまでシンプルなのにファスナーの仕様だけでブランドらしさと可愛さがちゃんとある。それって出来るようで本当に出来ないし、こういうアイテムって中々ないんですよね。私も欲しい1着です。横澤琴葉 / kotohayokozawaデザイナーファッション専攻の高校を卒業後エスモード東京校に通う。その後アパレル企業にてデザイナーとして勤務しつつ、ここのがっこうに通う。退職後、再びエスモードAMIに通い2015年よりkotohayokozawaをスタート。メインコレクションの他に​todo,somebody,sinkなど様々なラインを展開している。​>> instagram大野陽平：「ステファンシュナイダー」のコート　自分が着たいという目線で選んだ1着。「ステファン・シュナイダー（Stephan Schneider）」は学生時代にタイムリーに通ってきたブランドですごく懐かしさを感じます。当時は中々買えなかったので憧れのブランドでもありました。メンズですがウィメンズらしさも感じる色味や素材感があり、両性備わっているアイテムは今改めて良いなと思い選びました。大野陽平（YOHEI OHNOデザイナー）文化服装学院で洋服作りの基礎を学び コンテストの賞で英ノッティンガム芸術大学に留学。帰国後、2015 年に「ヨウヘイ　オオノ（YOHEI OHNO）」を立ち上げる。 2015秋冬にファーストコレクションを発表。>> Instagram長畑宏明：「ケイスリーヘイフォード」のコート　二次流通市場の中でも、ラグタグにはコアな服好きが集まっている印象があります。その象徴となるような1着を選びたくて「ケイスリーヘイフォード（Casely-Hayford）」のコートをピックアップしました。ここまでデザイン性の強いアイテムって、今セレクトショップでも中々選べないくらいハードル高いと思うんですよね。特にケイスリーって、シンプルでモダンなデザインのものが主流。その中で、このアイテムを実際に買った人がいて、ラグタグに流れてきているというストーリーを想像すると、どんどんこのアイテムに惹かれていきますよね。クラブに行く時とかにこういう服着て欲しいなと思います。長畑宏明（STUDY Magazine 編集長）1987年、大阪府生まれ。編集者。2014年にインディペンデントファッションマガジン『STUDY』創刊。これまでに本誌8号、別冊4号をリリース。2年ぶりとなる最新号「STUDY9'LOST & FOUND'」が現在発売中。>> Instagram東佳苗：「コム デ ギャルソン」のワンピース　「コムデギャルソンコムデギャルソン（Comme des Garçons Comme des Garçons）」の2018年春夏コレクションを見た時から、この転写シリーズがとても気になっていました。私自身が柄物を好んで着ていること、またギャルソンのアイテムをあまり持っていないので、もし「246st.MARKET」で売れなかったら私が買います、という気持ちで選びました（笑）。 私服に似ているアイテムを直感的にセレクトしていったのですが、「シュリンプス（Shrimps）」や「ジュンヤワタナベ（JUNYA WATANABE）」、「モスキーノ（MOSCHINO）」など、気が付いたら柄物やピンクが多くなってました（笑） 。自分自身、服を買うときは色と柄と素材で一目惚れした服をブランド問わずに買うことが多いので、国立倉庫で掘り出し物を見つけることができてとても楽しかったです！ セレクトしたアイテムを並べてみることで、"ルルムウらしさ"を再認識できた気がします。東佳苗（rurumu:デザイナー）文化服装学院ニットデザイン科卒業。 rurumu:/縷縷夢兎(るるむう)デザイナー。 様々なアーティストやアイドルの衣装デザイン、アートディレクション、空間演出、スタイリスト、キャスティング、MV監督など多岐に渡り活動を行う。>> Instagram吉田圭佑：「ハイダー アッカーマン」のアウター　ハイダー アッカーマン（HAIDER ACKERMANN）は元々好きなブランドの1つ。2018年秋冬コレクションのファーストルックにもなっているこのジャケットは、ルック画像を見たときからとても気になっていました。今回袖の裏側や生地感を実際に見れたことで、よりブランドのディテールへの拘りを感じることができました。普段ブランド古着をリサーチとしても購入しているので、国立倉庫の物量と質の良さに触れることができて最高に楽しかったです！吉田圭佑 / KEISUKEYOSHIDAデザイナー1991年東京都生まれ。立教大学文学部卒業。ここのがっこうとESMOD JAPONの「AMI」でファッションデザインを学び、2015年秋冬シーズンに「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」を立ち上げ。同シーズンで「東京ニューエイジ」の合同ショーに参加し、ランウェイ形式でコレクションを発表した。日向坂46や櫻坂46といったアイドルの衣装デザインなども担当している。>> Instagram*紹介したアイテムは11月上旬に開催される「246st.MARKET」で販売予定。詳細は後日発表。（編集 : 城光寺美那）

Yohji Yamamoto

Kotoha Yokozawa

COMME des GARÇONS

40万点のお宝が眠るラグタグ倉庫へ潜入！ファッションの目利きが見つけた逸品とは？

　今回発表された2022年秋冬コレクションを発表する前に、同ブランドは今シーズンのプレリュード（前奏曲）としてインスタレーションを表参道で開催。照明器具の配線が床に張り巡らされた真っ赤な空間で、2022年春夏コレクションの服を展示していた。代表作とも言えるリボンが張り巡らされたブラウスは破かれ、2着が結びついて一つの体をなしている状態で静置されており、アイコニックなトレンチコートは解体された後に、全く別のものとしてそこにあった。鮮烈な印象を残す空間と、真っ赤な照明器具も相まって、その様相はどこか人の心にある見てはならない深淵を覗いてしまったかのような気持ちになった。デザイナーの吉田圭佑はインスタレーションを「フィジカルショー形式で発表した2021年秋冬コレクション以降、閉塞感を持ち、ものづくりの思考が一瞬止まった。その閉塞感をそのままクリエイションとして表現したもの」と振り返る。そんな前奏曲の後に開催された今回のエピローグ（後奏曲）は、吉田が環境の変化を求めて今年1月から約一ヶ月間滞在したカナダ・バンクーバーでの時間が色濃く反映されていた。　ショーの開始と同時にスモークが焚かれ、会場は霧や曇天などを彷彿とさせる空間へと変貌。霧の中からてるてる坊主を模したファーストルックが登場した。会場の環境も相まって、翌日の晴れを願うてるてる坊主は吉田がカナダ滞在中に参加したというオーロラ観測ツアーでの風景を思い起こさせる。「氷点下30度を下回る孤立したロッジで、ゴールデンタイムと呼ばれている夜中の12時から朝4時までオーロラが出ることを待ち続ける時間は孤独だった。結局、95%の確率で観ることができると言われながらも滞在した5日間の間にどんよりとした空が開けることはなく、オーロラを観ることができなかった。でも、雲があって目視できないだけで、その奥には確かにオーロラが存在している。雲の奥に"それ"があるという事実は、当時の自分の気持ちにも重なり、そこからコレクションを作り始めた」（吉田圭佑）。　立ち込める霧の中ランウェイに現れたのは、15センチほどのヒールを履いた長身のモデルたちが身体から大きくはみ出るようなオーバーサイズダウンやアウターをまとっている姿。海外の人々は、邦人よりも身長が高く、その上で寒く雨の多いバンクーバーの街を歩く地元の人々は極端なほどアウターを着込み、着ぶくれをしていたのだろう。ランウェイを通して、吉田の目に写ったカナダでの暮らしを感じることができ、コレクションノートに書かれた「コレクションというものは、デザイナーが書いた半年間の日記に似ている」という一文が胸を打つ。その他にも海外で幅広く流通している炭酸水「ペリエ」や「サンペレグリノ」のペットボトルがクシャクシャに潰されているかのようなPVC素材のパンツ、オーバーサイズのカナディアンニットなど、吉田がカナダで過ごした時間が強く反映されており、代表作であるトレンチコートやリボンディテールも、海外のウォールアートや英字新聞を連想させるものに昇華されていた。　転調のようにクリエイションが大きく変わったのは、会場にショパンの「ノクターン 第2番変ホ長調作品9の2」が流れ始めてからだ。襟や裾に大きなドレープを持たせたアウターやシースルー素材のドレスなどは、広がったカーテンを思わせる。大方、広がったカーテンの先にあるのは外を眺めることができる窓だろう。カーテンを広げ、窓を開けるという人間の行動は、内に閉じ籠もっていた人間が外に出るという希望の表現としてもしばしば使われる。閉塞感を抱き、自身の新しさを模索するためにカナダへ渡った吉田にも、内から外へという心境の変化があったという。「僕はファッションの"人が変われるところ"に魅力を感じていて、それはずっと本質にある。そう思っているはずなのに、環境を変えることで自分を変えようとしていた自分自身に腹がたった。その苛立ちや閉塞感なども含め、これまでのコレクションのように内向的に向き合ったものを経た上で、外に向けた"少しの広がり"をどうやって表現できるかを模索した」（吉田圭佑）。　今回会場となったのは打ちっぱなしのコンクリートがむき出しになった2階建ての元パチンコ屋。下見をした時はエスカレーターがあり、ショーでも使用するつもりだったがショー直前に再訪したところ撤去されていたという。「エスカレーターありきで丈の長いドレスを作っていたから絶望したが、スタッフのお陰でなんとか皆さんの前にお見せすることができた」と赤裸々に話す姿も、内向的でありながらも親しみやすい吉田らしいエピソードのように思う。　ファッションには常に新しさが求められるが、今回ケイスケヨシダが提示したのは普遍的な「新しさ」だ。ここでの普遍的というのは、生まれてからもう何万回と観ているはずなのに変わらぬ美しさがある月や空の様なものを指す。吉田は「これまでのコレクションは『以前のクリエイションとは別のものを作り上げること』に注力していたが、その一方で丁寧に今の自分を理解することをおざなりにしていた。『一歩ずつ進む』『明日を目指す』ような人間らしい前向きさを今シーズンでは表現できたらと思った」と今回のコレクションを振り返った。　ショー終盤に流れたローリング・ストーンズの楽曲「Ruby Tuesday」（ショーが行われたのは火曜日だった）のサビで歌われていた「When you change with every new day（だって日を重ねるごとに君は変わっていくんだぜ）」というフレーズこそが、今シーズンのケイスケヨシダをもっとも的確に表す言葉なのかもしれない。ファッションウィーク情報はこちら

コレクションとはデザイナーによる半年間の日記——「ケイスケヨシダ」新作で普遍的な新しさを表現

■24HOURS SHOP 第3弾販売期間：2021年11月26日（金）0:00〜11月28日（日）23:59販売スケジュール：11月26日（金）0:00〜23:59　コッキ（KHOKI）、シュガーヒル（SUGARHILL）11月27日（土）0:00〜23:59　クードス（kudos）、シューオム/フェム（SYU.HOMME/FEMM）11月28日（日）0:00〜23:59　エムエーエスユー（M A S U）、ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）特設ページあえて24時間限定で販売―「24HOURS SHOP」の始動のきっかけを教えてください。　24HOURS SHOPが立ち上がったのは2019年なのですが、ちょうどその頃は（ZOZO創業者の）前澤（友作）さんが代表を退任されて新体制がスタートした時期でした。企業としては大きくなったけれども、一方でマス化が進んでいると社員の間でも感じていたところがあり、創設当初のようにファッション感度の高いお客様にも買い物していただきたいという思いから始まりました。第1回は「ゾゾヴィラ（ZOZOVILLA）」を後に立ち上げた人間が発起人となり、第2回以降は僕が手掛けています。―何名のチームで動いているんですか？　最初は有志で集まったメンバーが手掛けていましたが、24HOURS SHOPを含むゾゾタウンにまつわる商品企画に特化したチームが昨年2月に発足してからは男性メンバー3人で運営してきました。今は女性メンバーも加わり4人体制になりましたが、24HOURS SHOPに関しては前回も今回も僕がメインでディレクションを組んでいます。―平岩さんは現在25歳と若いですよね。ZOZOとしても抜擢だったのでは？　うーん......そうなんですかね（笑）。運やタイミングがたまたま重なったのもありますが、自分のやりたいことを伝え続けてきたので、そこを汲み取っていただけたのはあると思います。―新卒からZOZOに在籍しているんですか？　実は前の会社を3ヶ月で辞めているんです。コンサルの会社だったのですが、もともとはファッションのコンサルをしたいと考えていて。やはりファッションを仕事にしたいと思い、ZOZOに転職しました。やりたいことを好きなようにやらせてもらえる環境に感謝しています。―24HOURS SHOPでは各アイテムを24時間限定販売するとのことですが、期間をより長く取った方が売り上げも伸びるのでは？　おっしゃる通り、期間を長くすればその分売れるし、いつでも買えることが通信販売のメリットの1つですが、逆に時間的な制約を設けることでお客様の心理を煽れたらと。あとは店頭での買い物のようにライブ感を楽しんで欲しいという思いもあります。―実際に、過去の販売では大きな反響があったそうですね。　前回販売した「ユースルーザー（youth loser）」と「ディッキーズ（Dickies）」のコラボ商品はかなり多くの在庫を積みましたが、0時の販売開始から50秒で全アイテムが売り切れました。あともう一つ、「シンヤ（SHINYA）」という規模としては大きくないコアなブランドがあるのですが、シャツを販売した時も2万5000円程度と決して価格の安くはなかったのに10分程度で完売しました。販売開始の0時を迎えるタイミングを楽しみにしてくださっているお客様がいるというのはすごく嬉しかったですし、企画をやる上で自信になったポイントです。―狙っていた顧客層にはリーチできたのでしょうか？　新規のお客様に加えて、昔ゾゾタウンを使っていて近年商品を購入していなかったお客様も戻ってきてくれたので、手応えはありましたね。ZOZOが“仲介役”に　別注商品の開発秘話―ブランドは平岩さんの独断で選んでいるんですか？　前回に関しては企画に参加したい社員が集まって、それぞれの社員の推したいブランドにお声がけしていました。ただ今回は性質が異なり、僕にすべて一任させてもらって、企画テーマに沿うブランドに参加していただきました。―テーマには「next generation」を選んでいます。　国内で勢いのある若手ブランドを集めたいという思いがありました。最近は若いブランドを中心に、独自のクリエイションをもつ面白いブランドが増えてきたと肌で感じていて。これからの日本のファッション業界を担っていく、いわゆる“ブレイク前夜”のデザイナーの方々をフォーカスするのは今回のタイミングしかないと思い、このコンセプトにしました。―販売に向けていつ頃から準備を進めてきたのでしょうか？　今年の2〜3月頃ですね。コロナの流行などが重なってファッションを楽しめない状況が続いていたので、こんな時代だからこそ、ブランドの皆さんにワクワクするようなクリエイションを提供していただくことで業界を盛り上げつつ、明るいニュースを届けたいと思っています。―今回は6ブランドが参加しています。　ゾゾタウンに出店いただいているセレクトショップを通じて商品が販売されたことがあるブランドが一部ありますが、ブランドとして公式に商品を出していただくのは全ブランド初めてになります。かなり個性があるブランドばかりで、ゾゾタウンが抱えている若年層のユーザーの心に響くラインナップにもなっていると思います。―数ある若手ブランドの中でも、なぜこのラインナップになったのでしょうか？　自分の主観だけで選んでしまうと、どうしてもブランドに偏りが出てしまうので、モード系のブランドからコッキのようにクラフト感の強いブランドまで、なるべく多くの方に楽しんでもらえるように幅広く選別することを意識しました。―マスなイメージのゾゾタウンに対し、ブランド側は「敢えて出店しない」という選択肢もあったかと思います。どのように口説いたのでしょうか？　すべてのブランドがこれまで取引がなかったので、まずアプローチにすごい時間がかかりました。ユーザー層やゾゾタウンの規模感を説明した上で、今回はファッションに特化した企画であること、そして販売の手法について賛同いただけたことでコラボの実現に至りました。本当はアタックしていたブランドがもう少しあったのですが、「企画が面白くない」という理由ではなくタイミングの問題でできなかったというお返事が多かったので、企画に対しては好意的な意見が多いように感じています。―12ブランドをラインナップした前回よりも規模は縮小しています。　前回は社員の好きなブランドを集めていたので、ある種の“ワイワイ感”は演出できましたが、企画を通して伝えたいメッセージがあまり明確にはなかったように感じます。今回は1つのテーマを設けることで参加ブランドにご理解いただけたというのがメリットとしてありますし、ブランドラインナップにも一貫性が出たと思っています。―エムエーエスユーはメンズブランドの中でも特に勢いがあり、業界でも注目度の高いブランドですよね。　僕自身も、今回企画する上で絶対に外せないブランドと考えていました。最初にリストアップさせていただきましたし、お声がけのタイミングもかなり慎重に選びました。―リブランディング後の1stコレクションである2018年秋冬コレクションのダウンブルゾンを復刻していますが、提案は平岩さんから？　実は最初、別の商品で進んでいたんですけど、諸事情があってそちらがストップになりまして。そのタイミングでブランド側から「ファーストコレクションで販売したダウンの復刻でどうか」と逆に提案をいただきました。ファンの方にとってはアツい話題になると思いますし、僕もこれは嬉しかったですね。 ―ブランド側も企画に積極的に参加されたんですね。他の5ブランドに関してどういった形で製品化が進んだのでしょうか？　各ブランドにとって今回の企画が多くのお客様との初めての接点になる可能性が非常に高いと思ったので、ブランドの色が出るアイテムにしてほしいとリクエストしました。　例えば、ケイスケヨシダではブランドの定番商品であるトレンチコートを入れてもらいつつ、スペシャルエディションとして学生服を作っている日本毛織の生地を使用してアレンジしました。ケイスケヨシダは「学生」という大きなブランドテーマがあるので、そこにフォーカスした形です。ローファーに関しても、学生時代に多くの人が履いたことがあるであろう靴のメーカー「ハルタ（HARUTA）」とコラボしたり。ケイスケヨシダはハルタとは直接のつながりがなかったので僕らがブランドのハブ役となって紹介することで今回のスペシャル商品が実現しました。　クードスと吉田カバン（新レーベル）、シュガーヒルと「マックレガー（McGREGOR ）」など、別のコラボ商品に関してもZOZOが仲介役として間に入っています。ブランド単体では実現できなかったコラボが今回の企画だからこそ実現するのもメリットの一つで、各ブランドのデザイナーさんにも喜んでもらえたので、ZOZOの存在意義を改めて感じることができましたね。　コッキなど一部アイテムは数量限定にはなりますがうちで買い取り、在庫を抱えます。ゾゾタウンの規模が大きいからこそロットをクリアできて商品化が実現したものもありますし、作れる枚数も売れる枚数も多くできるのが今回の企画の良いところだと思っています。―製造のフローでZOZOの生産拠点を提供するといった取り組みは？　基本的にはブランド側が持つ独自のサプライチェーンを活用して生産していただいています。なので製造の部分までは深く入っていないですが、デザインに関しては必ずチェックさせていただき、リクエストも積極的に出しました。25歳の目に映る今のファッション業界―今回は平岩さんお一人に決定権がほぼ委ねられたとのことですが、プレッシャーは？　プレッシャーはすごく感じています（笑）。けれど、ありがたいことに自分のファッションに対する熱量を会社から大事にしてもらっているなと実感できました。これを強みとして生かしつつ、責任をもって「ZOZOのファッションって面白いよね」「僕がやっている企画なら間違いないよね」と言われるようにはなりたいですね。―年1回販売のペースで24HOURS SHOPを展開していますが、今後もその方針ですか？　そうですね。まずは企画が続かないとやっていることがユーザーに伝わりづらいですし、ゾゾタウンを代表する看板企画にしたいという思いもあります。コラボしたいショップやブランドはたくさんありますし、今までメンズしかやっていなかったのでウィメンズの展開に向けても話を進めているところです。アートの企画もやりたいですね。―今回の企画を通じて業界を盛り上げたいというお話がありましたが、平岩さんの視点で現在のファッション業界をどのように捉えていますか？　昔は雑誌などの紙媒体でしか情報が得られなかったと思うんですけど、今はデジタルが発展して誰でも情報を得られるようになり、その分ファッションと触れ合える機会が増えたと思います。ただ、その発信されている情報はどちらかと言うと自分たちの若い世代からではなく、ノウハウを蓄積してきた経験のある方からの情報が多く、影響力も強いと個人的に感じるところがあります。経験という部分では絶対に敵いませんが、若い世代にしかわからないこともたくさんある。だからこそ、同年代のデザイナーが手掛けるブランドにもっと光を当てないと業界的に良くないのではないかと感じますね。ただそれは「若者のファッションは面白いだろう」と押し付けたいわけではなく、業界の先輩たちと向き合いながら独自の提案をしていくことで、新しいクリエイションや概念がどんどん生まれたらいいなと。個人的にはZOZOという“大きな器”を使ってこういった企画をどんどん増やしていって、微力ではありますがそういったところに貢献できればと思っています。―ZOZOは近年ラグジュアリーやデザイナーズブランドの取り扱いにすごく力を入れていますよね。　経営戦略の軸の一つに「MORE FASHION」を掲げていて、まさに今ファッションに力を入れているところです。ブランド側から「ZOZOと企画をやりたい」とお声がかかる状況になるのが一番いいですよね。そういったプラットフォーマーを目指していきたいです。（聞き手：伊藤真帆）

kudos

SUGARHILL

M A S U

KHOKI

【インタビュー】「M A S U」など新進ブランドをセレクト　ZOZOの25歳若手スタッフが仕掛ける24HOURS SHOPとは？

　パンデミックにより、国外での発表中止を余儀なくされる一方、前回シーズンに比べて徐々にショーを開催するブランド数が増え、ブランドを支援するプロジェクト「by R」によって国内への熱気を取り戻そうとする流れも漂っていた。　そして、その国内で熱気を熟成していく姿勢は他国でも起きている。　例えば、中国であれば昨年10月に若手ブランド支援のコンテスト「YU PRIZE」*を設立。スポンサーには、FarfetchやDidiなど業界外の企業も参加し、パートナーシップにはTHE METやBRITISH FASHION COUNCILなどが並ぶ。受賞者には、15万ドルの賞金とともにハロッズでの販売が約束されるそうだ。　一方、韓国はそのようなインスティチュートを中心とせず、やはりK-POPをはじめとするカルチャーが母国のファッションシーンを国外へ紹介する力を近年ますます発揮しているように感じる。VOGUE CHINAの編集長に27歳のマーガレット・チャン（Margaret Zhang）が就任したことをはじめ、20〜30代の感覚や価値観が未来への舵取りを担いはじめているのは確かだ。 KEISUKEYOSHIDA 2021年秋冬コレクション Image by: FASHIONSNAP.COM　珍しく爽やかな自然光に照らされながらショーを開催した「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」は、間違いなくそういった次の世代へファッションの希望を示していた。　パンデミック後、21S/Sコレクションよりグッとパーソナルな記憶に焦点を当て、未来へのまなざしを提示するブランドを散見するようになったが、デザイナー・吉田もまた21S/Sコレクションでは、生まれ故郷に由来した荒川河川敷での野外ショーで彼の心情をオーディエンスの心に投影させた。そのショーから、どことなくデザイナー自身がデビュー当時の雰囲気に再び向き合いはじめているようだった。　そうして今回のコレクションでは、より具体的なモチーフとして学生服、日本独特のじめじめとした儚さ、教室に差し込む光がショー会場に混在する。光があれば必ず影もある、影があるから光も感じることができる、そしていずれ光で導くこともできる、そういったブランドの原点に回帰しつつも、更新する姿がそこには映っていた。　俯きながら歩くモデルたち、彼らの首を重心として前に垂れ下がるカットソーやロングコート、外の明るさとは対照的に滴る雨の音。デザイナー自身の学生時代を反映したそれらの光景には、「冴えない姿こそ希望のメタファーになりうる」という逆説的な言葉が込められている。それは、葛藤を抱く学生のみ共感するものではなく、いま在る複雑な心情も受け止めながらも前向きに進む現代社会にも重なるようだった。　デザインプロセスの出発点にもなったという「俯く」人の姿は、単純に鬱々とした学生の姿にとどまらず、わたしたちの日常の光景に置き換えれば、携帯に没入する現代の人々のシルエットにも見える。この「俯き」の佇まいは、これまで90年代であれば「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」　、近年であれば「バレンシアガ（BALENCIAGA）」が時代に沿って更新してきた新しい身体のかたちに延長する近未来の人間像さえも予兆したように感じた。　都心から少し外れた馬喰町でショーを開催した「バルムング（BALMUNG）」も、また然り原点を更新するようなインスタレーションを発表した。　会場に無造作に置かれるダンボールたち。静かに出てきたモデルたちの手により、たちまち本来のかたちや機能、力から逸脱し、歪なものとして浮かび上がる。　彫刻家・鈴木操によるソフト・スカルプチャが立ち上がるまでのその一連の行為は、ここ近年ヨーロッパのデザイナーたちが描いてきたクリーチャーやメタモルフォーゼとは異なり、「物事に垣根はなく、グラデーションが存在するのみ」というデザイナーの言葉のとおり、可逆性もありうる曖昧さを含んでいた。 BALMUNG 2021年秋冬コレクション Image by: FASHIONSNAP.COM（Ippei Saito）　いまでは当たり前となった、ファッションにおけるデザイナー専制的な時代からストリートが主体となった時代への変化は、デザイナーのハチが青春時代を過ごした原宿のストリート文化に根強く関係している。原宿のストリート文化で巻き起こった現象は　―ブランドの服が持つ記号を自らの手で取り外し、カスタマイズしていく― "そうであったもの"を"そうではないもの"へ変化させ続けることで違和感が強調・肯定されるようなものだった。　そういったデザイナー自身が身体的に体感してきた服の作用が、今までグラフィックデザインと服のフォルムで表現されていたが、今回はテキスト、音楽、インスタレーションによってより一層立体的に立ち上がる。　特にショーの後半に登場してきた、変形的でアルミやキルティングなどの様々なマテリアルを組み合わせた立体的なビッグウォーマーやトップスは、モデルの身体から動的に飛び出てきた一瞬を捉えたようなフォルムにも見える。それは、流動的に動き続けるものの一瞬を捉えていく"ファッション"そのものもあらわしているようだった。　そして東京ファッションウィークのトリを飾った「リコール（Re:quaL≡）」もまた、過去の蓄積から未来へのエネルギッシュなまなざしを提示する若手ブランドのひとつ。　前回のデビューショーでは、すでに存在するものを再びなぞり、その痕跡に想いを馳せるという意味で「retrace」をテーマに掲げた。「時間の単位に常に等しく」というブランドのコンセプトのとおり、そこにはあらゆる時代の背景を持っている人、シルエットやユニフォームのような記号がデザイナーの手によって、同じ時間の中に盛りだくさんに詰め込まれていた。　ロンドンのファッションショーを彷彿とさせるような演劇チックなショーは、今回も健在。"refrppie"というテーマのもと、幼少期に訪れたアメリカでの景色をきっかけに、モード史の都でもあるパリの伝統―フレンチスタイルーとヒッピーを掛け合わせ、未来の人間像を描くとコレクションノートに記してある。　資本主義が加速したいま、人々はつかの間の休息を求め、「消費」だけでは満たされない幸福感を「時間」「無駄なもの」を通して探し求めているように思う。パンデミック以前から始まっていたそのような人間が欲する価値観の変化は、往々にしてヒッピー文化と重ねあわされ、具体的にわたしたちの生活スタイルにも影響を与えつつある。　そうした現代の時代背景に直球で挑む姿は、果敢かつ清々しい。そして大きなストロークで壮大な装いの歴史をランウェイの一瞬にぎゅっと刻み込む技は、相当のファッションオタクではないとなし得ないことであると理解しつつも、同時に具体的な記号に対しての足し引きがあることも今後期待してしまう。　現代社会の人々の佇まいやよく使う身体の箇所の変化に伴って、2015年以降、身体と衣服の重心点、隠す/顕す部分もさまざまな解釈が更新されはじめた。それは90年代後半〜2000年代初頭に起きた衣服による身体の伸縮への問いかけに似ているようで異なり、デジタルネイティブな世代を中心に起こる加工文化や画面上に広大に映る世界などの複雑さも多重に交差している。　そう一辺倒にはいかない絡み合った新たな感覚や価値観。その中にあるいくつもの歴史、社会、人々、心情、現実とファンタジーをひとつずつ紐解き、再構築していくブランドが未来を担っていくのではないだろうか。（文責：Yoshiko Kurata）*YU PRIZE

BALMUNG

BALENCIAGA

RequaL

次の時代のデザイナーに求められるものは？ - 東コレ21AW -

■「思春期」や「若さ」に今の視点から向き合う　ショー全体を通して浮かび上がるのは「学生っぽさ」。教室のような会場に登場したのは、チェック柄のプリーツスカートやハイソックス、ローファー、パーカ、ベージュカーディガンなど学生服を彷彿とさせるアイテムの数々だ。 　デビュー時から掲げるブランドコンセプトは「明るいのか暗いのかわからない青春の空気と、そこにいる彼らの装い」だが、新荒川大橋下の河川敷で行った2021年春夏ショーで向き合い方に変化が生まれたという。「初期の頃にやっていた『半径5メートルの若さ』みたいなものから、シーズンを重ねるごとに表現として遠ざかっていた部分があった。しかし、河川敷でのショーをやったことで、今一度、自分の今の視点を持ってあの頃に立ち戻るのも良いのかも、と思うようになった」（吉田圭佑）。　紫に塗られた教室、ベートーヴェンのピアノソナタ「月光」のBGM、俯くような姿勢のモデル......と演出からは思春期の鬱々としたムードも感じられるが、根底にはデザイナーのポジティブな考えが潜んでいる。「いつも以上の過密なスケジュールによる追い込まれていく感じ、そして（社会全体的に）先が見えない現在の状況に、冴えなかった自分の学生時代に若干重なる部分があった。僕はファッションに興味を持ち明るくなっていった過去があるため、『冴えない姿』そのものが、これから前向きになっていく希望のメタファーとして使えるのではないか、と」。デビューから6年目にして、ブランド立ち上げ当初に強く打ち出していた「思春期」や「冴えない学生」っぽさを改めてフィーチャーしたコレクションとなっている。　また、今季表現したのは、思春期を生きる若者の「装い」ではなく「佇まい」だといい、2枚重ねのブルゾン、そして背中部分にカットが入り身体を通すことでドレスのように着られるロング丈のジャケット（普通のジャケットとして羽織ることも可能）といったアイテムが、「うつむく」シェイプを作り出す。 ■コレクションタイトル「死んだ鳩のように」の意味は？ 　吉田のコレクション製作において重要なプロセスの一つが、リサーチを詰め込んだ『脳』を持って日常を過ごすこと、そしてそこで得た『気づき』をどう落とし込むか。今回は21年春夏の展示会終了（12月）から約3ヶ月という短期間でのショー開催となったため、いつも以上にインプットに割く時間が短かったという。　コレクションタイトル「like a dead pigeon（＝死んだ鳩のように）」は、製作期間中のエピソードから。アトリエから帰宅した際、アパートの廊下で一羽の死んだ鳩を見かけ、翌日ドアを開けるとそこに鳩の姿はなく「猫か何かに持っていかれたのか」羽根だけが残っていた光景が、数日間頭から離れなかったという。限られた時間の中でそれが貴重な気づきだったことと、「Dead Pigeon」という言葉が「救いようのない人」をスラングで意味することも重なり、タイトルに決めた。鳩や羽根は、グラフィックとしてTシャツやジャケット、パーカ等に取り入れられている。■注目は、アウターの上に重ねられた「カットソー」　注目のアイテムは、首元が歪んだ線を描くカットソー。ファーストルックのように素肌の上に一枚で着るほか、テーラードアイテムのようなかっちりとしたスタイリングの上に重ねる「外しアイテム」としても提案された。

ケイスケヨシダ 21AW：思春期の若者の装いではなく「佇まい」を表現

ースリー トレジャーズはいつ設立されたんですか？坂部三樹郎（以下、坂部）：会社は2020年3月3日に設立しました。業態は、端的に言えばファッションのコングロマリットです。ーコングロマリットというと、LVMHやケリング、OTBが有名ですが、そういったイメージでしょうか。坂部：イメージとしては近いです。ファッションブランド、学校、そして将来的には縫製工場やリテールといった、デザイナーの育成から実際のビジネスまでワンストップで運営するシステムを、日本を越えてアジアで作りたいと思い設立に至りました。中島真（以下、中島）：bigで運営しているファッションデザインコンペティション「big design award」も設立の背景としてヨーロッパ偏重ではなく、アジアにデザイナーの登竜門があってもいいんじゃないかと考えたことがスタートだったんですよね。それはブランド経営でも同じで、受け皿になるような母体がアジアにはないため「インディペンデント or NOT」という状況になっている。加えて昨今の環境変化の中、ブランドをスケールさせるためにはファイナンスや共通化するケイパビリティも当然必要になってきますから、それならコングロマリットを作ったほうがいいのではと考えたんです。ースリー トレジャーズが最初に取り組んだことは？中島：ファイナンス面の基盤づくりとグループになるブランドとの中期的な方向性の話し合いですね。今後、グループブランドの株式をスリー トレジャーズが保有し、スリー トレジャーズの株式を各デザイナーに何%か持ってもらう予定です。坂部：日本にもブランドを抱える持株会社はありますが、株式を持ち合う形態はほとんどない。傘下ブランドのことを尊重しながらも、スケールさせていくためには共同で踏み込まなきゃいけない部分があると感じたから株式持ち合いにしたんですよ。ー坂部さんと中島さんそれぞれの役割は？中島：それぞれのバックグラウンド、得意不得意があるので、坂部さんが経営はもちろんクリエイティブ面を見つつ、僕がファイナンスやデジタルなどをサポートします。ー具体的な事業内容は？坂部：若いデザイナーが世界に羽ばたいていくための戦略を練っています。傘下に入っているアキコアオキやケイスケヨシダ、パーミニット、ピリングスについてですが、彼らのように2010年代に立ち上げたブランドは、大変な時代を過ごしてきたと思っていて。ミキオサカベは2007年にブランドを立ち上げたんですが、2000年代デビューのブランドはギリギリ時代の恩恵を受けることができたんです。卸を軸にした欧州型のファッションシステムをなぞってもブランドを維持できましたが、D2Cブランドの台頭や小売店の業績低下など環境変化に伴い、僕らより下の世代はブランドが軌道に乗る前の段階でつまずいてしまう。コロナもあって変化していかなければいけない時代なので、僕はその一つの解がコングロマリットだと考えているんです。ー現状、グループに入っているのは4ブランドですか？坂部：ミキオサカベとジェニーファックスも入っています。あとブランドではないですが、ファッションスクールの「me」も。他にも話を進めているブランドはいくつかあります。ーグループブランドに対してスリー トレジャーズは今どのようなサポートをしているんですか？坂部：ファイナンス面はもちろんですが、例えばパーミニットに関しては「アウトランド（OUTLAND）」というバッグのブランドを一緒に立ち上げました。ーパーミニットのバッグは前回のショーで発表されたものですね。坂部：パーミニットのデザインを今以上に売るためにはどうすればいいかを考え、具体的に形になったものですね。展示会でオーダーを受け付けただけで実売はまだですがかなり好評みたいで、半澤（パーミニット デザイナー半澤慶樹）がデザインしたものの中でもトップクラスの売れ行きです。中島：ただ売り上げが上がれば良いのではなく、クリエイティビティをちゃんと担保しながらビジネスのベースを底上げするのがスリー トレジャーズのやるべきことだと思っていて。アウトランドも単純に売れるものを作ろうと始まったわけではなく、ブランディングを毀損させずむしろより発展させるために攻めた結果なんです。売るためだったら、クリエイティブは二の次でマーケティング偏重で良いというのは通用しません。でも才能溢れるデザイナーを世界に出していくという目標のもと、売ることを考えながらもブレずに「クリエイティブ・ファースト」でないと世界の市場は難しいと思っています。ーブランドビジネスを成長させるために、クリエイティブを重視するということですね。中島：将来的にはグループブランドのデザイナーが、経理など多岐にわたる経営のためのタスクをやらなくてすむような体制を整えていきたい。ただデザイナーがビジネスに関与しなくなってしまうのは良くないと思うので、経営には引き続き携わってもらう予定です。坂部：不得意な部分をサポートするのがスリー トレジャーズの主な役目なので、ビジネスが得意な人にビジネス面のサポートはしなくてもいいと思っています。ーグループブランドの中にビジネスが得意な人もいるんですか？中島：意識しているわけではないと思うのですが、吉田さん（ケイスケヨシダ デザイナー吉田圭佑）は得意なんじゃないかと思います。坂部：意外と何でもやっていけるタイプ。ケイスケヨシダにはいわゆるZ世代と呼ばれる若い層のファンが多く、熱量をとても感じます。ーケイスケヨシダに根強いファンが多いのには理由があるのでしょうか。坂部：従来のクールで多くを語らないデザイナー像とはまた違う、今の時代に即したカリスマ性を徐々に持ちはじめているのかなと。彼はファッションの学校「me」でも面倒見が良いため生徒からとても人気で。彼自身は野暮ったい感じでクールでは全然ないですが、デザイナーとして下の世代から支持を集められる、それはつまりファンを作れていることだと思うんです。今後もその強みを伸ばしていけばいいのではないかと考えています。ーデザイナー自身のアイデンティティを尊重して伸ばしていく、ということでしょうか。中島：そうですね。成功フォーマットに重ねるだけでは今の時代うまくいかないので、それぞれのブランドに応じた戦略、目標を設定していく必要があると考えています。ー現状、傘下にはここのがっこう卒業生など坂部さんと元々親交のあるデザイナーが多いですね。坂部：最初はそうなんですがただ内輪なノリではなく、海外含め新規のデザイナーとも話は進めています。ー今後は日本だけではなく海外のブランドも傘下に？中島：そうですね。特にアジアを拠点とするブランドについてはグループ親和性が高いと思っていて、いくつか調整している段階です。ーワンストップでということは、スリー トレジャーズでは縫製工場など共通のチャネルを持つということですか？坂部：そうですね。国内はもとより、既に発注先工場のリストは中国やインドネシアにまで広げていて、グループブランドにも共有しています。もちろん、スリー トレジャーズが契約した工場以外で生産しても全く問題はありません。ー差別化を考えると、同じ工場を嫌がるデザイナーも出てくるのでは？坂部：その通りで、縫製や生地といったディティールがブランドの根幹になるため嫌がるデザイナーは多いと思います。だからこそ、工場を取り合う必要がない状態が理想だなと思うんです。真似さえしなければ工場は共有してもいい、というのが僕の考えです。中島：生産背景を共有した方が費用はやはり抑えられることもありますし、一定の規模で対話することも工場との持続的な関係をつくる上で大切だと思っています。坂部：今、グループブランドに共通する課題として、小ロットで服を量産しているため利益率が低いということがあります。もう少し数を作れるようになるとグッと利益が増えるわけですが、若い世代のデザイナーたちにとっては中々越えられない壁なんですよ。在庫を積むには予算をどう捻出するか、検品も大変になるとか、色々な課題がありますが、スリー トレジャーズがそこを助けてあげる。そういう意味ではパーミニットの「アウトランド」のバッグは、ロット数の問題で彼らだけではできなかったけど、スリー トレジャーズが先行投資すればロット数を増やせ、適切な市場性のある価格で販売できるようになるわけです。要はクリエイティブの機会損失を無くしていきたいということです。ー若手デザイナーズブランドはデジタル施策が弱いという課題もありますね。中島：その通りで、デジタルを強化することで他ブランドとの差別化にも繋がると思っています。まず最初の取り組みとしてスリー トレジャーズのECページを開設しました。インフルエンサーマーケティングのようなものはしませんが、インスタグラムの運営や多言語対応したECシステムだったり、まずは基本的なところから構築していく予定です。ースリー トレジャーズの売り上げ目標は？中島：3年で年50億円規模にまで成長させたいです。ー将来的にはどういったコングロマリットを思い描いていますか？坂部：ファッションアワードで発掘、スクールで育成し、ブランドをデビューさせ、スリー トレジャーズでブランドを成長させていく。中島さんの助けもあって、僕が考えてきた構想というか、アイデアの最終段階という感じです。　僕はこれまでずっと、クリエイションとビジネスがイコールなゾーンを増やす方法を模索してきました。結局シンプルな服が売れるため、デザインが均質化してしまうというのがファッションクリエイションの問題点だと思っているんですが、「クリエイションの追求=ビジネスの追求」が成立するシステムを、ちょっとずつでもいいから広げていきたい。世界を見渡してもまだ誰も見つけられていないと思うので、先に見つけたいなと考えているんです。■THREE TREASURES

特集一覧タグ「ケイスケヨシダ」の記事一覧

特集一覧タグ「ケイスケヨシダ」の
記事一覧