インサイド

【リチャード・クイン】1990年イギリス生まれ。セントラル セント マーチンズの卒業コレクションで「H&M デザインアワード 2017」を受賞し、2018年春夏には老舗百貨店「リバティ（Liberty）」とカプセルコレクションを製作。同年、第1回「英国デザイン クイーン・エリザベス2世アワード（Queen Elizabeth II Award for British Design）」を受賞し、ショー会場に女王が来場したことも話題に。昨年はビヨンセ（Beyoncé）が「ルネッサンス ワールド ツアー」の衣装を手掛けた。　これまで「モンクレール ジーニアス（MONCLER GENIUS）」や「トミー・ヒルフィガー（TOMMY HILFIGER）」ともコラボレーションを実現したリチャードが今回のテーマに選んだのは、1960年代のSF映画のキッチュな魅力。そこにAi（人工知能）に支配される近未来的な美学をクロスオーバーさせた。ビジュアルにAiモデルが使われ、過去からこれからの未来を見つめている。　9月より展開される同コレクションでは、彼のシグネチャーであるフローラルプリントとブライトカラーをフィーチャー。ヴィンテージレザー調のテクニカル素材とパテントレザーのセットアップ、スパンコール刺しゅうが施されたマキシスーツなどがそろう。ミックスして着こなせる各アイテムは「スタイルは自分の個性を表すもの。ユニークに、自分らしく大胆に組み合わせやムードで遊ぼう」というメッセージを反映しているという。―今回のコレクションはスウィンギング・ロンドン（1960年代のロンドンの若者文化）を思わせます。リチャード：ええ、まさに。マリー・クワント（Mary Quant）や映画「オースティン・パワーズ」風ですよね。力強いグラフィックプリントと60年代のボクシーシェイプを採用しました。―60年代のクリエイターで尊敬している人は？リチャード：アンディ・ウォーホル（Andy Warhol）が一番好きです。アイコニックな彼の作品は、今でもあらゆる場所で目にしますよね。私のインスピレーション源となっているのが、今回のコレクションからも感じられるかと思います。―特にどのアイテムを気に入っていますか？リチャード：子ども服ですね、母子コーディネートができるようになっているんです。力強いプリントや装飾を施したイヴニングウェアやドレスもお気に入り。ロンググローブもドレスに合わせられるように作りました。―服をデザインするときはいつもプリントから考えるのでしょうか？リチャード：デザインを進行しながらプリントやテキスタイルを考えます。フィッティングをしながらプリントのスケールや色などを調整していく感じですね。私はロンドンにアトリエがあり、テキスタイルプリンターもそこにあるので同時に進められるんです。―英国人らしさはあなたのデザインに反映されていると思いますか？リチャード：そうですね、ブランドのスピリットはまさにイギリス的です。今はパリ的なものが世にありふれていますが、50〜60年代のイギリスのクチュールはフェミニン。細部まで技巧が凝らされているので参考にすることが多いです。―日本のファンにメッセージをお願いします。リチャード：実は今年の休みに来日する予定なんです。私のボーイフレンドは日本に住んでいたことがあり日本語を話せるので、彼に案内してもらおうと思っています。ずっと行きたいと思っていたので楽しみです！（聞き手：辻 富由子）

MAX＆Co.

Fashion

「マックス アンド コー × リチャード・クイン」のカプセルコレクションに込めた思い

adidas

生ける伝説　86歳の画家、田名網敬一の頭の中

「トミー ヒルフィガー」のマルチバースなランウェイ　トミー ヒルフィガーは「See Now, Buy Now（今見て、今買う）」形式で「トミー ファクトリー（TOMMY FACTORY）」 2022年フォール ランウェイショーを発表。リアルなモデルとデジタルのアバターを組み合わせたライブストリーミングも行った。「IRL（In Real Life）からURLまで、あらゆる世界にまたがるポップカルチャーとクリエイティビティの包括的な祭典、それがトミー ファクトリー（TOMMY FACTORY）」であると、トミーは今回の試みについて説明している。　このショーでは、イラストレーター兼グラフィックデザイナーのファーガス・パーセル（Fergus Purcell）とのパートナーシップで生まれた新しい「THモノグラム」を発表し、大胆でユニークなモダン・プレップを表現した。コレクションのインスピレーションとなったのは、かつてアンディ・ウォーホル（Andy Warhol）がニューヨークに構えた「ファクトリー」と呼ばれるスタジオ。会場では若いアーティストたちが作品制作を行い、ファクトリーのオリジナルメンバーであった女優・モデルのジェーン・フォース（Jane Forth）もスペシャルゲストとしてランウェイに登場した。　ショーのグランドフィナーレでは、「ブリンク182」のドラマーであるトラヴィス・バーカー（Travis Barker）が特別なトラックを披露し、会場が熱気に包まれた。都会とリゾートが融合した 「マイケル・コース コレクション」　「マイケル・コース コレクション」のショー冒頭に公開されたのはヴァネッサ・ハジェンズ（Vanessa Hudgens）とマイケル・コースの楽しい掛け合い。その映像の中でマイケルは「僕はビーチリゾートと大都市が好き。だからその二つをミックスさせ、このコレクションをアーバンリゾートと名づけた」と語った。トロピカルな植物を配置したランウェイには、都会的なエレガンスとリゾートウェアを融合させたルックが多数登場。キャロライン・トレンティーニ（Caroline Trentini）やナターシャ・ポーリー（Natasha Poly）といったベテランモデルが活躍したのも印象的だ。　客席で話題を集めたのは、フロントロウに座ったアン・ハサウェイ（Anne Hathaway）とUS版「ヴォーグ（VOGUE）」の編集長であるアナ・ウィンター（Anna Wintour）。二人の並びは映画「プラダを着た悪魔（2004年）」のワンシーンさながら。また、来場ゲストの中にはTWICEのダヒョンの姿もあり、SNS上でも大きな話題となった。軽やかさとミニマリズムが鍵となった「トリー バーチ」　「トリー バーチ」のショー会場は、ハドソン川のウォーターフロントパーク「ピア 76」。天井から吊り下げられた丸いモービルは、モデルたちが身につけていたピアスやサングラス、ミラーワークの装飾とも呼応する。テーマは「自由な実験と回顧」。「今回のコレクションは、私がニューヨークに移り住んだ90年代の記憶をもとに、パーソナルで直感的な視点から生まれた。シグネチャーである要素を新しい視点で捉え直して、今モダンに感じている要素を反映させている」とトリーは語る。　印象的だったのはシアーな素材と、それをレイヤードすることで生み出した新たなバランス感。プリント柄などは影をひそめ、繊細なニュートラルカラー、オプティックホワイト、アイシーなパステルカラーといった色合いが主役に。足元はスクエア型のソールや、ダブルアップのスリングバックなど、歩きやすさを重視したパンプスを合わせた。ショーの中盤にはハイウエストのデニムも登場し、エフォートレスな美をアピール。スクエアのモチーフがぶら下がるベルトや、90年代風のドクターバッグが、ミニマルな装いに程よいアクセントを加えていた。NYデビューを果たした「マルニ」は太陽を照らす　そして今回初めてNYでコレクションを発表したマルニ。会場となったダンボ地区は「Down Under the Manhattan Bridge Overpass」の頭文字をとって名付けられたブルックリンの人気エリアだ。クリエイティブ・ディレクターのフランチェスコ・リッソ（Francesco Risso）はショーの間、「ザ・ストリング・オーケストラ・オブ・ブルックリン（The String Orchestra of Brooklyn）」に混ざってチェロを演奏するという小粋なサプライズを仕掛けた。　コレクションのテーマは「太陽」。光の変化からインスパイアされたカラーリングや、デコルテの丸いカッティングなどが目を引く鮮やかなコレクションとなった。ブランドのステイトメントには「私たちはニューヨークで、フラミニア・ヴェロネシ（Flaminia Veronesi）が描いた、日没直後の虹を待つ仲間たちと一緒に、大量輸送を試みている」という一文も。アートやセットデザインなどで活躍する女性アーティスト、フラミニアの作品が今回のインスピレーションの一つになったようだ。会場にはマドンナ（Madonna）やドージャ・キャット（Doja Cat）など豪華セレブリティが駆けつけた。

MARNI

MICHAEL KORS

TORY BURCH

TOMMY HILFIGER

熱気を体感するトミー ヒルフィガー、マイケル・コース コレクション、トリー バーチ、マルニ＜2023年春夏ニューヨークコレクションハイライト＞

AIによる創作が議論を巻き起こす　そもそもAIによる創作は今のところ、美学や哲学の問題というよりは倫理的な問題として話題になることが多い。現にAI画像生成サービス「Midjourney」は、その画像のモデルや素材が、特定の単語に反応し指定されることが指摘されている。例えば、鬼滅の刃などで知られているアニメプロダクション「UFOTABLE」をキーワードに入れると、描画がアニメ風になることなどが発見されたり、多くの描画がコンセプトアート（※映画の世界観設定などを具体的にするためイラストレーションに起こしたもの）のようであることも指摘されている。これらはすなわち、AIによる形式化とマッチングに一程度、人間の操作が加わっていることをどう明示すべきかという倫理的な問題に繋がるだろう。他にも、ちょうどこの原稿を進めている8月29日現在、AIイラストメーカー「mimic」が「著作権を有する画像以外はアップロードしない」という規約を設けていることに対し、その"判定"をどうするのかなど、激しい議論が繰り広げられている。ここでも問題となるのは、哲学的な問いというよりは単に「権利問題」や「人間の操作はどのように明示すべきか」という問題である。アルゴリズムによるアウトプットやマッチングに恣意性が含まれる場合、それが外部からはあたかも機械的に行われているかのように見えるという倫理的な課題と言える。アート作品を"模倣"（揶揄）したTikTokでの #森美術館　AIによる生成サービスの倫理的な問題が「人間がどれほど介入しているかを明示すること」だとすれば、アルゴリズムによるマッチングの極北ともいえるTiktokは「人間を介入させずに人々を動員する」その真逆に位置するものだろう。Tiktokの視聴者は、ほとんど"選ぶ"ことを許されずに投稿を与えられ、見せられ続ける。それによってユーザーは情報の塊に強制的に飲み込まれるような経験をすることになる。　この巨大かつインスタントな総合広告メディアは、今や美術館にも影響を与えている。例えば、森美術館は2021年4月にTikTokでの発信を開始。同年5月にはTikTokが「国際博物館の日」を記念して実施した、TikTok LIVE配信リレー「#MuseumMoment」にも参加している。何より本年2月から開催された「Chim↑Pom展：ハッピースプリング」では、TikTokでの発信から多くの若者が流入したことも記憶に新しい。　TikTokは多くの場合、音楽に合わせて撮影された短尺の動画を編集したものだが、その中でも「オリジナル楽曲 - moon」の動画の中に、かなり多くの #森美術館 タグがあることは興味深い。 #森美術館 タグ自体は前述の森美術館公式がPRのために使い始めたものだが、実際に森美術館で行われた展覧会を紹介する動画は多くはない。では、代わりにどのようなものが #森美術館 を用いて投稿されているのか。それは「刺激がつよすぎた」「刺激系」というタグやコメントと共に、アート作品を"模倣"（揶揄と言っても良いだろう）した「投稿者の日常風景」だ。これらの動画は明らかに森美術館がChim↑Pom展：ハッピースプリングなどの情報をTikTok上に流し、それらによって動員された、あるいは動員が見込まれた若者たちによってアップロードされている。その多くは森美術館の展覧会を「揶揄するもの」として扱っており、いうなれば「いたずら」である。例えば「俺が文化祭で創った森美術館天才過ぎて森」という動画では、投稿者本人の「作品」であろう画像が楽曲に合わせて4〜5回ほど切り替わる。この動画はまだ数万回の再生であるが、中には100万回に近い再生数のものもある。#森美術館 のコンテンツたちは、リッチな森美術館に飾られた退屈な作品たちを15秒で紹介し、自分たちの生活を飲み込もうとする森美術館に対し、チープな日常に満ちた自分たちの生活を15秒で紹介し、アートや美術館を飲み込もうとする反逆である。ロエベ×ジブリとウォーホルの類似性　また21世紀に入り、ポップによる顧客の動員はますます露骨に行われるようになった。例えばLVMHの中で近年、顧客の年齢層を広げ話題となっている「ロエベ（LOEWE）」は、2019年10月から前職が外資系広告代理店の澤井愛佳氏をロエベジャパン マーケティング&コミュニケーションディレクターとして起用した。澤井氏は以前ポッドキャストでオノ・ヨーコへの憧れを語ったりする通り、20世紀のポップアートに造詣が深いことが窺われる。ロエベは2019年、ディズニーキャラクターの「ダンボ（Dumbo）」をモチーフとして採用し、2021年にはスタジオジブリとコラボレーションを、そして今年のキャンペーンムービーには「現代日本のカルチャーにおける偉大な参照点として北野武を迎え、King Gnu常田大希が主宰するPERIMETRONに撮影を依頼」している。この「現代日本のカルチャーにおける偉大な参照点」という言い回しは、冒頭の「アメリカで最も有名で人騒がせな芸術家は？」というのと、どことなく似通っているようにも思う。言うなればウォーホルは「現代アートにおける偉大な参照点」であり、北野武が日本で、あるいはLVMHが世界で機能しているのと同じように、現代アートにおける基準を満たしたブランドネームとして機能している。ウォーホルが獲得したブランドとしての機能性は、そのブランド自体が丸ごと忘却さえされなければ価値としてはほとんど盤石のように思える。これは根強い人気のある作品が繰り返しシリーズを発表できることに似ている。映画業界で大きく売上の一角を占めるのが人気作のシリーズであり、リバイバルであるように。　そのような時代性によってか、21世紀に入り20年以上が過ぎた現在においても、ウォーホルはますますその評価を高めているように見える。「アンディ・ウォーホルが日本最高価格23億円で落札　なぜ今」という記事によれば、ウォーホル作品が国内オークションでは史上最高額となる23億円で落札。さらに5月9日には《マリリン・モンロー》がクリスティーズ・ニューヨークで20世紀に制作された作品の最高額である約250億円で落札された。また2022年9月17日からは京都・京都市京セラ美術館新館「東山キューブ」で大回顧展「アンディ・ウォーホル・キョウト」が行われる。King Gnu常田大希の幻の楽曲がテーマソングに採用されるなど、開催前から話題だ。「将来、誰にでも15分間だけは世界的に有名な人になれる時が来るだろう」　現代アート、その中でもポップアートという20世紀後半を象徴するようなムーブメントのブランドネームとして君臨するウォーホルは、こういった様々なポップとアート、あるいは（ソーシャル）メディアとアートの距離感の問題を考える上で参照を欠かすことができなくなってしまった。あるいは1968年、アメリカでは反戦運動、フランスでは五月革命、日本では全共闘など、全世界的に大衆運動が盛り上がる政治の季節。ウォーホルは「将来、誰にでも15分間だけは世界的に有名な人になれる時が来るだろう（In the future, everybody will be famous in 15 minutes. ）」とシニカルに語った。この言葉に訂正を加えるとすれば、いまやこの「15分」は「15秒」になったことくらいだ。それは現在におけるポピュリズム、すなわち政治とポップスの融合をいち早く見越したウォーホルなりの批評だったということもできる。　このようなウォーホルの先見性と、ウォーホルの想像を超えた現在の情報社会を考える上で、進歩し続ける情報技術の存在は無視できないだろう。20世紀と21世紀の狭間である2000年はIT企業をはじめとする情報産業の株価が高騰したドットコムバブルの最盛期だった。この20世紀と21世紀の区切りとなった祭りの後、第二次世界大戦後の1950年代からメディアを変えテクノロジーを変え、姿を変えてきた情報社会は、インターネットというメディアとテクノロジーが結びついたプラットホームによってほとんど別物に作り替えられてしまった。それは例えば絵画がキャンパスの発明によって持ち運び可能となったように、メディアとテクノロジーの一致を実現した。　ウォーホルはポップアートが盛り上がった1960年代、セレブリティをはじめとする「スーパースター」から依頼をされ、ポートレイトを作るビジネスを始めた。世の中に"スーパースター "を生み出した要因には家庭用カラーテレビの普及もあっただろう。そして現代ではインターネット＆アルゴリズムの極北であるソーシャルメディアにより「インフルエンサー」が出現。ポップという概念は更なる発展段階に至った。ウォーホルからみる"ゾンビ化"に必要なプロセス　ウォーホルの作風が当時注目を集めたのにはいくつかの理由がある。高額で最先端だったであろう撮影機材を惜しみなく使ったこと、ウォーホル自身がマリリン・モンローらの「スーパースター」との距離を大胆に近づけていったこと、他のアーティストと比較してかなり多くの映像アーカイヴが残っていること、ウォーホル財団が髪の毛一本から権利書の1枚まで、ありとあらゆるものをしっかり保存し続けていることなどが挙げられる。アンディ・ウォーホル・ダイアリーズはウォーホルが残し、財団が管理する、大量のアーカイヴから多くのフッテージを採用している。しかし一方で私たちはウォーホルの音声がAIであることや、それが単なるアーカイヴでしかないことを知っている。露骨な言い方をすれば「アンディ・ウォーホル・ダイアリーズはアーカイヴを素材として、形作られた"出来の良いゾンビ"」を品評しているに過ぎない。しかし、まさにこれがウォーホルが21世紀に入っても重要なアーティストであり続ける理由と言える。　極論を言ってしまえば、情報社会は全ての創作を陳腐化させていく。画像であれ、音声であれ、文章であれ、映画であれ、あらゆる創作物、あるいはアーカイブはAIやSNS、そしてブランドネームに素材として放り込まれる。まるで、特定の単語に反応し指定されるAI画像生成サービスのように。そして素材から錬成されたゾンビの出来不出来を品評する意外に、私たちにできることがなくなる。それはTikTokで互いの生活を美術館として提案する若者たちの「いたずら」と大して変わらないだろう。しかし「いたずら」を行うためには、記録にせよ作品にせよ、あるいは単なる生活それ自体にせよ、情報のまとまりとなるアーカイブが必要不可欠だ。現にアンディ・ウォーホル・ダイアリーズという記録・作品・生活を混ぜ合わせたドキュメンタリーが、アンディ・ウォーホル財団が現在進行で残している遺産の存在を高らかに宣言している。この「情報社会による全ての創作の陳腐化」の一方にある「ゾンビ化のためのアーカイブへの先見性」こそが、ロエベ、AI、TikTokといった"21世紀のアンディ・ウォーホルたち"の中でさえ、なおアンディ・ウォーホル本人を輝かせる理由であることは間違いない。（企画・編集：古堅明日香）

"ゾンビ化"するアンディ・ウォーホル、ロエベ×ジブリやAI画像、TikTokの類似性

今、改めて知る「UT」とは？　ユニクロのTシャツと言えば「UT」。今や知らない人がいないほど、ユニクロのカルチャーと深く結びついている一大プロジェクトですが、その始まりは2007年まで遡ります。前年の2006年、ニューヨークのSOHOに、「ガンダム」や「ドラゴンボール」など日本のカルチャーをデザインに落としたTシャツ専門ストアがオープン。それが人気を博し、UTという一つのブランドとして立ち上がったのがきっかけです。Tシャツという究極の定番服に、国内外の様々なカルチャーをのせて世の中に発信することを目的に、これまでにも数多くの人やモノ、コンテンツとのコラボレーションを発表してきました。　ニコルさんはお芝居の稽古や、おうちでのリラックスタイム、お出かけにもUTをデイリーに着ているそう。TVの撮影で訪れたユニクロ 原宿店では「エヴァンゲリオン UT」に大興奮だったとか。あつまれどうぶつの森　まずは今シーズン、最も"あつい"UTコンテンツの一つが社会現象にもなった「あつまれ どうぶつの森」です。ゲームをプレイした人にはおなじみのキャラクターたちが、Tシャツやグッズなど全22型で登場します。ゲームのスローライフをコンセプトに、ウィメンズ、メンズ、キッズ、ベビーで展開されるので親子コーデにもおすすめ。 　自身のYoutubeでの記念すべき1回目にゲーム実況を生配信するなど、発売当初からあつ森をプレイしていたというニコルさん。ゲームにも登場する「DAL」のTシャツが、今回白バージョンで実際に着られることに大興奮。またゲーム内では発売を記念してユニクロの店内を再現した「UNIQLO島」が公開されており、マイデザインで制作されたUTやストアの完成度の高さに「うわー、すごい！！」と感心しきりの様子。ニコルさんが好きなキャラクターは、しずえさんだそう。Tシャツのデザインにも発見！『あつまれ どうぶつの森』石田ニコル着用デザインディズニー ミッキーマウス ＆ ミニーマウス アート バイ 吉田ユニ 　広告やアーティストヴィジュアルを数多く手掛けるアートディレクターの吉田ユニさん。こちらは誰もが知っているミッキーマウスとミニーマウスのアイコニックなシルエットの中に彼女ならではの世界観が表現されたディズニーとのコラボUTです。CGを使わず細部まで計算し尽くされた緻密なデザインは、非現実的な瞬間を切り取ったようにアーティスティック。ディズニーのドリーミーなイメージを保ちつつも甘すぎず、大人も楽しめるデザインがラインナップしています。　プリントの作品は実写で、撮影は1日で行われたそう。よく見るとシルエットの中に人や犬、花や帽子、梯子などの小道具が隠れているデザインや、ワイヤー付きのリボンでシルエットを描いたもの、スカートを履いたモデルを真上から撮影しミニーのリボンに見立てたデザインなど......。「どう撮っているんだろう？」とニコルさんも思わず手にとって見入ってしまうほど。Tシャツの上にスクエアの写真がプリントされているので、ジーンズなどにINする着方がバランスもよくおすすめの着こなしです。『ディズニー アート バイ 吉田ユニ』石田ニコル着用デザイン ※5月7日(金)モンスターハンターライズ　今季はゲームコンテンツが目白押し。人気のNintendo Switch™️用ゲーム「モンスターハンターライズ」のUTも登場します。発売は6月中旬と少し後ですが、ニコルさんも実際にプレイしているというシリーズとのことで、先取りしてチェックしてみましょう。　最新作のライズから"オトモ"に加わった「ガルク」や「アイルー」などゲームを盛り上げてくれるキャラクターや武器のアイコンがプリントされたポップなデザインです。メンズとキッズでの展開ですが、「白やブルーだったら女の子でも着られそう。最近は女子のゲーム人口も増えているので、メンズの大きめサイズをダボっと着るのも可愛いですね」とユニセックスで着られるUTならではの着こなしを提案。「街中で着ている人を見かけたら絶対じっと見つめちゃいます（笑）」とゲーマーならではのコメントも。『モンスターハンターライズ』※6月中旬発売予定ロイ・リキテンスタイン　一度は誰もが見たことある？アメリカンコミック風な作画やハーフトーンのドットなど、1960年代のポップアートを代表するアーティスト、ロイ・リキテンスタイン（Roy Lichtenstein）がUTに十数年ぶりにカムバック。作品に使われる赤や青などの原色をカラーパレットに採用し、ウィメンズ・メンズ問わないデザインで自分好みのサイズを探してみましょう。　いずれも大きめのリラックスフィットで、袖が若干長めのシルエットなのもポイント。「作品のクレジットが入っているのもお洒落ですね」とデザインがお気に入りの様子です。胸の刺繍のワンポイントが黒地に映えるTシャツは、キャミソールワンピースと合わせたコーディネートで。『ロイ・リキテンスタイン』石田ニコル着用デザインアンディ・ウォーホル／ジャン＝ミシェル・バスキア／キース・ヘリング　最後はUTではおなじみのアーティスト、アンディ・ウォーホル（Andy Warhol）、ジャン＝ミシェル・バスキア（Jean-Michel Basquiat）、キース・ヘリング（Keith Haring）のラインナップを覗いてみましょう。キース・ヘリングは、ユニクロ初のグラフィックTシャツとしてUTが始まる前の2003年から長きに渡りコラボレーションしてきた、ユニクロとゆかりが深いアーティスト。「Tシャツでまとうアート」として人気のアートコンテンツも要チェックです。 UT初のシューズやハンカチ、エコバッグなどの小物も充実。波佐見焼の豆皿や蕎麦猪口などの陶器もラインナップしてます。　「そこまでアートに詳しくない私でも、お店で見た時にデザインが目に入ったりアーティストについて知る機会になるのもUTならではですよね」とニコルさん。UTがアートとの結びつきを大事にしているのは、UTのグラフィックをきっかけにアーティストや作品と出会う入り口を広げたい、という願いも込められているそう。石田ニコルが選ぶ21春夏ベストUT3選　展示会場を一通りまわり、最後にニコルさんに特に気になったUTを3枚ピックアップしてもらいました。　「UTはたくさん持っていて今までもよく着てきましたが、改めてゆっくり見ることができて楽しかったです。自分が好きなゲームのUTはテンションが上がりましたね。Tシャツという手軽に着られるアイテムだからこそ、一枚だったり色々な着こなしにもチャレンジしてみたいなと思いました。みなさんも好きなコンテンツを見つけて楽しんでください」と話し、UTの世界を堪能した模様。　紹介しきれなかった中には、「ワンピース ワノ国」（発売中）や「リーグ・オブ・レジェンド」（5月7日発売）、25周年を迎える「ポケモン（5月下旬発売）」、写真家 森山大道（7月発売）など他にもコンテンツが盛り沢山。あなたの気になる一枚はもう見つかりましたか？▶︎▶︎石田ニコルさんが出演した「UNIQLO LIVE STATION」アーカイブ放送を公開中UT21春夏ローンチカレンダー発売中　ロイ・リキテンスタイン　　　 　ワンピースワノ国　　5月7日　ディズニーミッキーマウス＆ミニーマウスアートバイ吉田ユニ5月10日　ザ・ブランズ－ギブソン・ギター5月中旬　リーグ・オブ・レジェンド5月下旬　ポケモンオールスターズ　　　　　ポケモンのゆめのなか6月11日　モンスターハンターライズ6月下旬　アンディ・ウォーホル、キース・ヘリング、ジャン＝ミシェル・バスキア7月　森山大道　　  ブルーノートレコードUT公式オンラインストア©2021 Pokémon. ©1995-2021 Nintendo/Creatures Inc. /GAME FREAK inc.©/®/™The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.© Keith Haring Foundation. Licensed by Artestar, New York.© Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York.© 2020 Estate of Roy Lichtenstein. All rights reserved. Roy Lichtenstein™©Daido Moriyama Photo Foundation©Disney©1965 Capitol Records, LLC© 2021 Gibson Brands, Inc. All rights reserved.©Eiichiro Oda/Shueisha, Toei Animation©CAPCOM CO., LTD. ALL RIGHTS RESERVED.©2021 Riot Games, Inc. Us © 2020 Nintendo

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石田ニコルと巡るUTの世界、話題のゲームからアート作品まで...＜21年春夏＞

　ウォーホルはシルクスクリーンによる作品が有名であり、市場に出回る作品のほとんどがシルクスクリーンを用いたものだ。ウォーホルは、資本主義経済下で氾濫する商品の価値よりも、広告や紙幣などの実体のない部分に価値を置くものに関心を寄せ、その経済システムで自らの作品を流通させることを考え、一つの版を使えばいくらでも刷り出せることができるシルクスクリーン作品を多く制作した。それまでのアメリカでは絵画や彫刻など一点物の作品がメジャーであったため、彼のこのような作品の売り方は異例だった。キャンベルスープ缶や花の作品などは、アート販売のプラットフォーム「Artsy」で十数万円から数十万円程度の値段で取引されることが多く、比較的手に入れやすい。しかし、最大手オークション会社サザビーズで取引されるウォーホルの作品の最高額は日本円で100億円を超え、そのほかの作品も日本円で1点あたり数億円にものぼる。ウォーホルの作品にこれだけの価格の開きが生まれた理由については後で説明するとして、ここまでがウォーホル本人が制作した"本物"のウォーホルの作品だとして値段がつけられている。　ウォーホル作品の中には、ウォーホル本人およびウォーホル作品を管理する財団も黙認する「サンデー・B・モーニング」と呼ばれる海賊版が存在する。ウォーホルが存命だった時から彼が作成した版を使い、ウォーホル本人が刷り出しに関与していないところで別の人が制作した作品である。これらの作品は10万円を超えるか超えないかくらいでさらに安価になる。　しかしながら、新聞での凄惨な事故写真を刷った作品やジャクリーン・ケネディの肖像など、作品サイズが大きいものやエディションが少ない作品には海賊版は存在しない。作品サイズの大きくしたり部数を絞ることは、ウォーホルはこれらの作品を他のシルクスクリーン作品と別の位相で扱っていたとも言える。だからこそ、希少価値があるとして価格が高騰しやすい。ちなみに複製可能な版画や写真よりも絵画、彫刻などの方が高額になる傾向にある。　現代アートはいつのまにか値段がつり上がっていることが多いが、プライマリーと呼ばれるまだ誰の手にも渡っていない、いわば新品時の価格はそこまで高くないものがほとんどだ。例えば、ウォーホルが1964年に制作した洗剤のパッケージをそのまま木箱に描いた《Brillo Box（ブリロボックス）》はもともと日本円で10万円ほどの作品だったが、2010年にはおよそ3億3000万円まで価格が上がり、落札された。およそ50年で約330倍の値上がりである。　初めにこの作品を購入したのはギャラリストでも投資家でもなく、ましてや富豪でもなく、中流階級のアートコレクターだった。ウォーホルから作品を買ったアートコレクターの娘リザンヌ・スカイラーが監督を務めた映画「Brillo Box (3 ¢ OFF)」によると、彼女の父は1964年にウォーホルから直接作品を購入し、サインをもらった。家に飾っていた時も丁重に取り扱っていたこと、また、他の作品を買うために早い段階で手放した経緯があり、状態も良かった。この状態の良さとウォーホルのサイン付きという希少性と真正性が価格をつり上げたと言われている。今や数億円で取引されることの多いウォーホルの作品の中では高額だとして驚嘆すべき価格ではないものの、プライマリーとセカンダリーの値段の開きが激しいこともこの映画の主題の一つとなっている。映画「Brillo Box (3 ¢ OFF)」予告編より　バンクシーのように価格が高騰していく様子にも物語を創り上げ、それを操作したり、揶揄したりするようなアーティストもいる。ただ、現代アートが非常に高額であることはほんの一側面であり、実は一生かかっても買えないような作品の方が少ないのである。その楽しみ方は、ファッションをどのように楽しむかに極めて近い。ブランド物が好きか、着こなしが好きか、おしゃれな自分が好きか。アートを買うことも同様に一生好きだと思えるものを持ち続けたり、気分によって買い換えたり......そういった楽しみ方で手に入れた現代アートの中から、超高額な作品が生まれてくるかもしれない。■檜山真有（Twitter）同志社大学文学部美学芸術学科卒、東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科修了。1960年代のコンセプチュアルアートを研究対象とする。現在は美術館に勤務する傍ら、キュレーターやライターとして活動中。「現代アートへの旅」バックナンバー・まず知っておくこと編―作品鑑賞を楽しむための4つのポイント

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