ポスト

pillings

Mugita Shunichi

モードノオト2024.03.18

　今季の短期連載では、偶さかにメンズブランドだけに言及してきた。してみると、どうも偏り過ぎている嫌いがあるし、丸二年がとこ休止していたモードノオトを片手間に打っ遣るわけにもいかぬ。現に、青木明子とか砂川卓也とかの、或る意味で、東京らしからぬ欧州式の正調なプレタポルテ（この場合は、女性向けの既製服と云う意）を取材したのだから、本稿にてそのことに触れる必要があると思い立った。ジェンダーに抵触するところの、品格を備えたスタイルなら渋々ながら買うが、流行りものの性差の題目を一心に唱えるが如く粗製濫造式な中途半端なニヤケたスタイルは感心しない。それにだ、キッチリと感光して、こちらの心の印画紙に明確な像を焼き付けてくれるような、アダルト志向の歴とした女性向けの拵え（既製服の顔を持った服）は今も尚、東京には少ない、と思っている。　だから、同じドレーピングの技法を用いながら、まったく対照的な味を見せた青木と砂川のショーは私の脳髄を貫いた。今季の中では特筆された出来栄えだった。両者の作品群（断りを入れておくが、二つのブランドには何ら連絡はない）を通貫するのは、独り善がりの造形表現とか、ありきたりの情熱とか、伝統的でステロタイプ化したものとは異なる、服の基本構造を突き通す眼力の確かさである。経験により蓄積された眼の力は、彼等の内面で絶え間なく変化し、変化することで自らを創造し、自らを創造することによって生き続けていくものだ。とりわけ、今回初めてキャットウオークをした砂川の醒めた情熱（唯クールなだけと云うよりは、心に迷いがないと云う意）については、他所で記事を書くことになっているから本稿ではその印象の一端に留めておく。 　「アキコアオキ」のコレクションノートにあった「Kalevala（カレワラ）」と云う単語は私に、ほろ苦い過去を呼び覚ました。取るに足らぬ内省が進んだ結果が招いた自己嫌悪と自己懐疑と云う暗渠にドップリと嵌まり込んでいた青臭い高校生時代が脳裏を掠めた。とは云っても、此度の青木のショーに登場した「Kalevala」は、フィンランド発信のサステイナブルなジュエリーのブランド名であり、フィンランドの民俗叙事詩『Kalevala』とは別物である。一瞬、あの旋律が過ぎった。フィンランドの作曲家ジャン・シベリウスは『Kalevala』に想を得た作品を数多遺しているが、とりわけ、交響組曲『レミンカイネン 四つの伝説』を構成する『トゥオネラの白鳥』は私の愛聴する作品だった。その魅力は、イングリッシュホルンの悲痛な音色で奏でる旋律が、恰も我々を黄泉の国に誘うような、どうしようもないほどの悲しさにある。間違った聴き方をしていたのかも知れぬが、曩時の私の青臭さに、その旋律はピタリと呼応するものだった。本稿の題名のモードノオトは、モードのノオトブックとモードの音の意を重ねているから、時には斯様な脱線も好いと思う。　閑話休題。純粋に精錬された黒。暗闇の中に光の模様を集めて天使を作る時の白。凡ての色の鉱脈を含みながら、ニュートラルで、時に曖昧さを感じさせる灰色。透けて見える皮膚のウブな肌色。女性デザイナーが見せる女性のための服の官能には、捧げるだけの、女の実感の薄い男の作り手（逆に実感が薄いからこそ、その空隙を想像力が埋める面白みが生ずるのだが）にはない、或る種の厳しさが同居している。矛盾するようだが、官能に宿る厳しさは、作者のストイックな意志に基づく鍛練の過程より生ずる。青木の見せる官能は、今季に於いて、純粋な配色の管弦楽化（オルケストラシオン）を知るに至った。モノクロームに徹していたとて、彼女の服には、管弦楽のように鳴り響く色彩の輝きがある（またしても言葉の誤用であるが、意味は通ると信じて書いている）。但し、彼女は音楽的な主題を求めたのではなく、日常生活の風景の中にある服に係わる所作（脱いだり着たり、表を裏返しにしたりする普段の動作）を、作者の内部の精神に反映させることによって、純粋に音楽的に表現しただけである。服は身体を包み込むメディアであることの真を逆手にとった、身体より服を剥がす感覚を服の設計に定着させた。 　唯それが結果として、一つの音楽的な情緒に昂まると云うことはあった。青木の場合は、彼女の音楽はそこに表現された以上のものを、常に望んでいる。彼女の作品は詩的な、或いは音楽的な何ものかを端より一つの効果として要求している。そのために、（彼女が意図しているか否かに拘わらず、音楽的な主題に相応しいモチーフが、平板な設計図の中に於いて必ず中心に置かれ、全体に亘ってデコラティブな装飾が施され、意地悪く拗れたドレーピングが二次元的な設計図より主張の強い立体的な造形を立ち上がらせ、一種の非現実的な空気を漂わせる。「現実を、少しずつ、辷らせて（スライドさせて）。その時、わたしはわたしであり、あなたでもあり、だれかであり、だれでもない」とコレクションノートは記している。それは夢見られた現実であり、彼女の（同時に我々の）謂わば突き抜けたところにある現実とは少しく異なっている。彼女は一見して平凡に見える普段の生活の風景や他人の日常的な生き方に、圧倒的な迫力を与えるように創作のタクト（指揮棒）を揮う。殆ど、眼を瞑って揮っているとも云えるほどである。だが彼女は、必ずや明晰な観察と豊富な空想とに基づいて、効果の計算された音楽を掻き鳴らす。　私は青木の特性について「服の基本構造を突き通す確かな眼力」と、曩に述べた。さしあたり今季の作品群は、メビウスの帯の持つ、裏を辿っていけば表になり、表を辿っていけば裏になる式の仕掛けが施されている。だがしかし、正直なところ、青木の創作に、誰にでも分かる、それなりの服の仕掛けの妙を探すのは、私には大して興味がない。唯々私が見定めたかったのは、デビュー以来創作の底流にある彼女の拗れた視点が曇っていないかどうか、その一点だった。今季に限り、それは少しく饒舌が過ぎるセクシーボムとの均衡を見事に保っていたように思う。「確りと服と向き合っていますね」の一言を、ショーを終えた青木に伝えてから私は会場を後にした。　メビウスの帯の何処かしら奇妙で観念的な体験ではなく、自らメビウスの帯を作って遊ぶと云う、そうした拗れた帯を弄る仕草そのものが、彼女の創作の世界を讃えている明快でありながら少しく欝屈した視点に直結しているのだろう。天の邪鬼な拗れと無邪気な愛らしさは、実のところは、一枚の硬貨の裏表なのである。青木の拗れた視線は、ありふれた現実を変貌させる個性的な物指しであり、従って作品群は、現実を彼女の主観によって変容させ、定着させた産物である。それは単に、表現主義とかフォービスム（野獣派）の激しさとかアブストラクトの晦渋さと云った流派に与するものではない。現代的なプレタポルテは、それを創造する人たちによってのみでなく、それを受け取る側の想像力によっても推進されていくことを、彼女の眼は見抜いている。本稿終わり。（文責/麥田俊一）・AKIKOAOKI 2024年秋冬コレクション

AKIKOAOKI

mister it.

モードノオト2024.03.14

　二度は出来ぬ演出。それは、脚本、シナリオ、俳優（芸人の又吉直樹と好井まさお）の演技（この場合は、芸人の芸人たる即興的センスを云う）、舞台装置、照明、音楽（後半の女子バンドの酩酊麻痺の演奏）、映像効果を統合（オーガナイズ）した作品（最新コレクションの発表）だった。それは、ジャズに喩えるなら、和音に縛られないところの極めて自由度の高いモード奏法のようなもので、ジョン・コルトレーンの如く、アドリブする演奏者の技量の高さが求められた音楽である。但し、此度のコントは、モードとかフリージャズの晦渋さと云うよりは、1940年代のビバップを牽引したチャーリー・パーカーとディジー・ガレスピーがライブ音源に残した、あのスリリングな間合いを生み出したアドリブの掛け合いのイメージに近い。　颯爽と書き出したが、正直に白状する。私は具志堅 幸太の抽斗を、ちと侮っていた。新作発表会（ライブと云った方が通りが好いだろう）が済むや、私は、自分の背後に回って己が身を蹴倒してしまいたくなった。少しく酔っていたとて、甘な自分が恥ずかしくなった。開始早々、嗚呼、これはお笑いのパフォーマンスかと、端よりしらけていた自分は何奴だったのか。だから侘びの印と云っては口幅ったいけれども、せめてもの一言を本人に投げ掛けておかねば、売文稼業の渡世の道に外れることになる。泥酔していてもそれがエチケットであろうと、早くも私は気を取り直していた。彼は、自らの手仕事に恃む創作手法を前に進める質なだけに、発表点数に限りがあるし、自ずと単品志向の強いブランドだけに、通り一遍のショーイングは難しい。大方、気の利いた展示形式になるのだろうと高を括っていたのだが、蓋を開けてみたら違った。違った。違った。TOKYO FASHION AWARD 2024メンズ部門を受賞し、パリのファッションウイーク会期中の展示会に参加。具志堅は東京でのデビューを、奇抜な演出で見せた。見せた。見せた（ボキャブラリーが足りないところは容赦して下さい）。　『二十四の瞳』的交流であればまだしも、毎度お馴染み式の、教えることの不慣れな先生と、想像力が不活発な生徒が繰り広げるところの野暮な（ダサい）課外授業（囲み取材）が終わるのを待つ数十分を、私はショー会場のホワイエにて、ロハのダッサイ（獺祭）を立て続けに胃の腑に流し込む作業に費やしたのだった。何故かと云うと、警備網を掻い潜り、ショー終了後の舞台裏に潜り込む変なコツをマスターしている卑劣奴な私だとても、大勢の報道陣の顰蹙を買うのは真っ平御免（「おい、またお前か。抜け駆けは止せ」と云わぬばかりの痛いほど尖った視線を背中に受けながらも、勇み足で舞台裏に吸い込まれるように姿を消した体験は数知れずある）。其れは其れ。根がエチケット遵守主義に出来ている私は、端より詰まらぬイベントだと大誤解してしまった、自らの非を認めた後ろめたさがあって、此度ばかりは待ちの構えをとったのである。兎にも角にも本人の面前で告りたかった、その勇み足を懐りながら。見事に裏切られた私の心の激しい動揺と不思議な感激を、生な言葉で以て、烟草でも呑みながら、面と向かって本人に放り投げてみたかった（舞台裏には関係者のための喫煙ブースがあり、具志堅も愛煙家なのである）。　何が飛び出すのか、関係者以外には知らされていなかった具志堅の新作発表会は、喜劇と云うか、座興に演じる軽演劇と云うか、随所に、曩に述べたスリリングな間合いを散見する、二度と出来ぬ演出に負うところが大であった。筋書き通りの形式を脱線することの爽快感と開放感と自由であることの自信を確信したのは、何も本人の具志堅だけでない。会場に詰め掛けた老若男女もまた、そうしたマインドを同時に共有していたし、何にも増して、彼等の破顔一笑する姿がそのことを如実に物語っていた。　コントが進むにつれ、百戦錬磨の掛け合いで舞台を支配する主役であるところの彼等（又吉と好井）と、飽く迄もプロップとしての服（ニット）と云う関係が、たちまちにして崩壊した。舞台設定は仮構の古着屋かセレクトショップか。試着を繰り返す又吉と、その様子に合いの手を差し込み絡みつく好井。返しては寄せる大阪訛りの言葉の波。白熱する即興。はて、知らず知らずのうちに、ハンガーラックに吊るされたニットたちは静かに何かを喋り出すではないか。服は生き物か。いくら具志堅がレオナルド・ダ・ビンチとかゴッホだとかの名画を、自らのニットの題材に取り上げようとも、手ずから制作する彼の作品は、額縁に入れて壁に吊るす鑑賞物なぞではない。人が袖を通すことで、設計者や工場の職人たちの手の温度（敢えて温もりと云う常套句を使いたくない）を体感出来るところの、作る側と着る側の双方の心の贅沢をシェア出来る商品である。オブジェクトでも、況してや作り手の顔が見えない消耗品なぞではない。　あれ、あのニットが、確かにいま口をきいた、と云う按配式に、主役たる芸人に負けず劣らず、その存在感をアッピールしてくる。たかが一枚のニットの分際のくせして猪口才なと、こちらもそれ相応に身構える。生身の彼等（芸人）は舞台上を動き回り、言葉の連射砲で会場の空気を掌握し始めるや否や、本来であればもの云わぬ静物であるところの一着のニットが、恰も彼等の即興トークに呼応するかのように、本来であれば寡黙な唇を、カーネーションの固い蕾が綻ぶように次々に開いたのである。あれ、生きているのか。それ、次は真っ赤なニットが何か云っているぞ。酩酊故の幻聴か。勿論、プロの話芸の為せる技なのだが、ニットが、人と確りと対話をする瞬間を体感したのは、私だけではなかったに違いない（私の禿筆ではさぞやもどかしいだろうから、賢明なる読者諸氏には、どうかネットにアップされている動画をご覧になることをお勧めする）。一着毎のニットは、肉眼を通して、我々一人一人の異なった記憶の捩れを優しく解してくれ、五感に訴え掛けるような不思議な力を秘めていた。　繰り返して云うが、彼のニットはアート作品ではない。袖を通す人が居てなんぼの「服」である。人の自由なマインドにしっくり寄り添う服である。この確かな服の存在感は、誤解を承知で云うなら、レーベル（ブランド名）なぞ必要としない一着のニットの、モノがそこにあるだけで事足りる、紛れもなくそこにあることを思わせる感じ。だがしかし、その強烈な存在感は、誰でもない、彼にしか表現出来ぬ固有性に裏打ちされている。蓋し彼の服を手に取る人の幾人かは、彼の創作の背景なぞ知る由もない人たちであったとて、其れは其れ。ブランド名が遍く浸透するに越したことはないのだろうが、作り手冥利に尽きるのではと、部外者の私は思うのである。　烟草を呑みながら私は彼に、自分の仕事を全うするべき質問を投げ掛けた。ニットに固執する理由を訊いた。手仕事に根差したニットであれば、如何様にも立体的な造作にも辿り着くではないか。すると彼はこう返してきた。「僕にとって創作の題材としてのニットは、原糸の段階から始まり、染色、編み、整理などの様々な工程に於いて、限りなく自由なメディア。インターシャとか後加工による手刺繍とか、意匠を凝らすことで点描画のような微妙な陰影が表現出来る。3D的な造形ではなく、二次元的なカンバスにこだわるのはそうした理由です」と具志堅は云う。過去のコレクションにゴッホの自画像をモチーフにしたニットがあったが、原作の鬱屈とした味を、原糸の染色と編み地による微妙な陰影効果で表現していて、平凡なプリントでは再現し切れない原画の深みを再現していた。 　久しくこの仕事をしていると、仕掛けが施されていると称されるショー演出を取材する度に、この程度の趣向を仕掛けと云うのかと、なんともあっけない思いにさせられることが番度あった。いちいち実例を挙げるような、はしたない振る舞いはしたくない。此度の具志堅のプレゼンテーションは確かに魅力的だったし、然も余韻の響き、確かに意想外と称すべきものだった。と云って、しかし、我々は此度の趣向を再見する気になるであろうか。仕掛けが判ってしまえば、我々はもっと違った、予想外の見世物を期待してしまう。アート作品的な高尚なムードは扨措くとしても、アットホーム的な温もりに襲われることはないのではないか。向後の発表の仕方が問われることになる。それが具志堅の課題であろうか。但し、彼の服には、信じ難いほど何もないくせに、眼を疑うばかりにくっきりと、微妙な配色、風合い、陰影が愛らしさを競っていて、自分たちが人間の手で産み出されたことを誇りに思うその気持ちを、朗らかに、透き通った声で、それも、実に単純明快な言葉で語っている。そこに、此度の演出と云う仕掛けがあるとしたら、それは作り手以前の何者かが物語を愛らしくするために仕掛けたのに違いない。そもそも、服は寡黙な静物なぞではないから。（文責/麥田俊一）

Kota Gushiken

モードノオト2024.03.12

　映画監督の黒澤 明の作品に『どですかでん』（1970年公開）と云うのがある。黒澤初のカラー作品で、山本周五郎の小説『季節のない街』を原作とした、貧しくも精一杯生きる市井の人々の生活を明るいタッチで活写したものだ。この作品に私は強く惹かれるのだが、本稿で映画とか文学の話をするつもりはない。我々はふと気が付いたら大人になっている。大人になろうとして大人になっているわけではない。我々はいつ大人になるのか。実は誰も知らない。映画『どですかでん』は、その謎を謎のままにすることで、様々な魅力を持ったキャラクターが登場する。雑多な登場人物は、勿論、素晴らしい原作に限りなく則していることは云わずもがなである。　「fluss」は、一般社団法人日本ファッション・ウィーク推進機構の支援プログラム「JFW NEXT BRAND AWARD 2024」に於いて審査員特別賞を受賞し、メーン会場の渋谷ヒカリエ９階の特設ブースにて新作（2024-25年秋冬）の特別展示を実施している（3月11日より16日の六日間）。展示は、どちらかと云えば、たいそう地味である。数冊の文庫本の中頁を、実物大の木の葉の形に切り取った紙片が床一面に敷かれている。幾篇かの小説で拵えた木の葉を敷き詰めた空間は、さながら落ち葉が舞い散った後の街頭のようである。デザイナーの児玉 耀が手ずから見せてくれたのは、文庫判の夏目漱石の名著『こゝろ』だった。本人が意図したのかどうかは知らぬが、エゴイズムに悩みつつ、明治の精神に殉じて自死する「先生」の心を通して生の孤独感を描いた小説を選んだあたりに、何かしら特別な思惑があるのだろうか。刳り抜かれた文庫本を眼の当たりにした私は、我が身が刻まれたような気がした。柄にもなくセンチになった私は、瑣末なことだが、そのあたりの事情を訊き漏らしてしまった。 　「鼻の奥で嗅ぐような色味を意識した」と児玉が云う通り、落ち着いていながら様々な色が混じり合って生まれる配色の深みに馴染ませるように按配された展示は、地味だが滋味深くもあり、児玉の過去の創作には感じられなかった大人な雰囲気を醸し出している。訊けば、彼は今年で32歳になったと云う。 　我々はいつ大人になるのか。下戸の両親に隠れて酒の特訓をしたのは中学二年の頃だった（私は中学校に上がると、裏庭に拵えて貰ったプレハブの六畳間に隔離された。代わりに私が寝起きしていた四畳半の居室は妹の部屋になった）。私は早く大人の仲間入りをしたかった。いま振り返ると愚かな話である。馬鹿奴の私の例を引くまでもないが、斯様にして、大人であることの基準ほどいい加減なものはない。例えば、両親からの独立とか、経済的な独立とか、男で云えば妻を娶るとかが世間一般の物指しだろうか。或いは、性的な経験が物指しになった古の時代もあった。法律は二十歳と云う年齢を基準としているが、勝手都合では十八歳にすり替わる。結句はファジーなのである。往時の私みたように、大人になったと云う自覚もないくせして大人だと自称して憚らない場合が殆どではないのだろうか。いつ大人になるのか。そんなことは、実は誰も知りはしないのである。　曩に述べた『どですかでん』には、それ故に、子供のような大人と、大人のような子供が、時に滑稽に、時に悲哀感に満ち満ちた様子で描かれている。正確に云えば、登場人物が、子供っぽい大人や大人びた子供ではないところがミソなのである。原作を含めて映画は、大人と云う生き物の凡てが子供の一面を残していることを見逃してはいない。更に、子供と云う生き物が、平生そうあって欲しいと云う願望から、大人が思い込んでいるほどには子供らしくなく、賢しらにも大人の一面を持っていることを見逃さない。山本周五郎も黒澤 明も、空想とか夢を題材にする作家ではない。寧ろ、徹頭徹尾リアリズムに根差した作家であることを忘れてはいけない。このあたりに、何か抜き差しならぬ真理めいたものを感じてしまう。　私は、「fluss」の過去二回のシーズンに強く惹かれていた。一つは2023-24年秋冬コレクション。当時の彼はこう語っていた。「スポーツ＝格好好いと云うイメージ。格好好いと云う感覚は、僕の中では可愛いと云う言葉に還元されていることがあって、格好好いとはどんな感覚？そもそも、格好好いとか可愛いとかで白黒付けられるものではないのだけれど、でもこれが、僕がメンズをやっていて面白いと思うことの一つ」。そしてもう一つが2024年春夏コレクション。成熟と未熟、明るさと暗さ、格好好いと可愛い、男性と女性、従順と反発、成功と失敗、緊張と緩和等々、誰もが同じだと思うのだが、理想と現実の狭間で感じるズレとか矛盾を思い煩う彼は、居心地の好くない日常を憂いながらも創作の起点となったに違いない、相反するキーワードを紡ぎながら創作したコレクションだ。いずれも、児玉のウブな精神性を純粋培養した透き通った結晶みたようなコレクションだった。 　そして六回目を数える今季の作品群を「look back, look forward」と題した。「エレガントとナード感」と云うキーワードを彼は挙げている。過去五回のシーズンを構成するアイデアやアプローチを振り返り、更新するのが狙いである。創作の起点となる動機について彼は次のように語っている。「三十代を、二十代の頃はもっと大人な感じになっていると思っていた。でも、実際はそんなに変わっていない。年齢を訊かれれば、もう大人だねと云われるシチュエーションにもどかしさを感じてしまう。社会的な責任や立場に追い付けていない自分のメンタリティーとギャップにモヤモヤする感じが下敷きにある」。歳を重ねたからと云って忘れたり、未熟さを恥じたりすべきではなく、寧ろ、忘れるべきではない感性であることを強く認識したと云う。故に、精神的に未熟な男性像を肯定しつつ、次のステップへの成長とか希望とか夢を見出だすことが大枠のキーワードになっている。「flussに於いては少年性と云う精神は、これまで通り大切にしていきたいし、同時に、そこから先の成熟とは、と云うことを探ってみたかった」と云う。エレガントとナードとの境界。境界とは生き物のようなもので、時には調和を打ち砕き、時には姿を消してしまうこともある。子供の夢や希望が、大人の秤に掛けられることもある。「ファッションに対する向き合い方は人それぞれだと思うが、特にコレクションメーキングの過程で云えば、僕の場合は、半年分の日記のような感覚で、その時どのように感じて生きていたかを映し出すものになっているのだと改めて認識したように思う。またこの時を振り返ることが出来るようにコレクションを重ねていきたい」と児玉は云う。（文責/麥田俊一）

fluss

モードノオト2024.03.11

　彼は、高橋 盾の向こう側を目指して歩き始めた。そんな観がある。飽く迄も気配に過ぎぬが、彼の創作には恰幅が備わってきた。そもそも後藤愼平に、そのつもり（意識して高橋の背中を追い求める）はないかも知れないし、この場合、高橋を引き合いに出すことが相応しいことだろうか。私には自信がない。斯様な忖度なぞ敢えてする必要はないのだろうが、向後、後藤の創作が如何様に化けるか。てんで予想もつかぬから、尚更、私の言も頼りない。往時の東京を見事に転覆させた高橋のデビューの衝撃には到底及ばないが、それでも、昨今パリにてデビューした数多の東京発のメンズブランドに一番欠けているところの、横紙破り式な感覚、弾けた感性が後藤の創作には根付いている。ペラペラな服地のチープ感は、ブランドの懐都合で幾らでも改善の余地はあるだろうから、いまはさして気に病むところではない。　寧ろ、勘所となるのは、彼の描出する世界の独自性である。それは、彼の主体的な意義付けによって組み上げられた青写真だから代替えはきかない。ジェンダーレスと云う常套句は好きではないが、メンズブランドの「男」の記憶を、「女的」を以てソフトに水増しし、トレンド至上主義式のやわなセンスのみを拠り所に、大人的で主導的立場式の創作道徳で中和して見せるのではなく、好い意味でのナードな感受性に裏打ちされた「マス」の作品群には、世間並みのジャンル分けでは到底括ることの出来ぬ手強さがあるし、だからこそ、物の見事に陽から陰に暗転して見せた今季の「マス」のショーは、こちらの予定調和式の見解を、気持ちの好いほどにスパッと裏切ってくれたのであった。 　ズブ濡れになって取材した小塚信哉のショー同様、期せずして本稿もまた雨に係わる。怪異小説の、あの『雨月物語』ではないが、「falling rain said yes to the boy.」と云う今季の主題を膨らませた、ちと幻想的な雰囲気を醸し出す一篇の物語。雨がもたらす空間的位相には、思想の表現を容易ならしめるパトスが宿っているのかも知れない。雨礫にはエトスが宿っているに違いない。前以て断りを入れておくが、本稿は単なる報告記事ではない。飽く迄も、酒毒で多分に脳髄をやられた筆者の独断と偏見に拠るところが多く、時に、読むに堪えない駄法螺に辟易する読者も少なくないと自省するところもあるが、そもそも独断と偏見のまったくない思想の書（言葉の誤用であることは端より承知しているが）なぞあり得るだろうか。あったとても、そんなものを読む意味があるのだろうか。と云うのが、私自身の偽りない独断と偏見なのでありマス。だから勇を鼓して先に進もう。　本年睦月「エムエーエスユー」が裏日程にてパリメンズに颯爽デビューした経緯は、既に他所に書かれているから、此処では割愛する。因みに東京での展示会も終わっている。東京のファッションウイークのメーン会場を使った此度のフィルム上映会は、大人の事情により実施せざるを得なかったのだろう。パリの再演は、東京の街にはちと荷が勝ち過ぎる。あれは文字通りのVSOPだった。だが、ショーの映像を改めて大画面で見せられると、また一歩、私は妙な確信を得た。ヘンテコな喩えだが、電線の上を歩く烏の足音を聞き分ける耳と、闇夜に蝙蝠の塒を探し当てることが出来る眼を持つ者だけが知悉している静寂とか、虚無とか、孤独とか、儚さとか、哀切とかを、此度のパリでのショーは存分に描き切っていたと思う。残念ながら、私はその現場を生で体験出来なかったが、ダークなファンタジーに相応しい空間の造作を丹念に映し出した映像は、会場に渦巻くボルテージの昂りを充分に伝えるものだった。 　蜂蜜の悪どい甘さに包まれた穢れなき童心。唯々甘で蒼白いスチリストと云うのとはワケが違う、この悪どさ（番度言葉の誤用になるが、辛うじて意味だけは通るだろう）があるから、彼のロマンチスト的表現には濃くて深みのある旨味が増す。曩にも云ったように、いまはまだ、服作りの随所に拙さを散見するが、描出される世界はズシッと重く、ズンと深い。と云ったとて、巷間のマスボーイたちが近寄り難いほどの敷居の高さは微塵もない。やっとこさパリの上がり框に立てたかどうかのうぶいブランドではあるが、ドッコイ、既に風格だけはあるのだなぁ。そう云えば、クリープを入れないコーヒーなんて...と云うテレビCMがあった（この意味不明且つ時代錯誤的なロウトル感が顰蹙のタネになるのだが）。　きっと本人が聞いたら、さぞかし眉根を顰め、大方失笑を買うのが関の山だろうが、それでも最後に云っておきたいことがある。彼は、アフォリズムめいた逆説を駆使して、ほくそ笑んでいる、ふざけた奴なのだ。誤解のないよう断りを入れておくが、不真面目なほど真面目であり、真面目なほど不真面目だと云いたいのだ。勝手に私はそう思っている。なんとなれば、永遠な存在と敢えて結び着くことをせず、それ故に、一瞬の煌めきを見せておいて暗転に紛れて姿を消す君こそが、その絶えざる勝ち負けの宿命そのものから、いまは暫くは消えないでいる太陽の贋物性を情け容赦なく暴き立てるからである。君は去って行く後ろ姿で、勝者の見せ掛けの大人染みた洗練をヘラヘラとせせら嗤う不埒奴だ。事あるごとに限界に抗う君は、もしかすると、新たな秩序の限界をもいち早く見破っているに違いない。君の次の仕事を楽しみにしているのは、恐らく私ばかりではあるまい。（文責/麥田俊一）

MASU

モードノオト2024.03.10

　コンピューターグラフィックスなぞの似非に慣れてしまった現代に於いて、別の方法を以て、我々のふやけ切った脳髄を刺戟し、我々、生の人間の想像力の優位を証明してくれる、そんな夜だった。雨、雨、雨。月夜を味方に付けた前回のショーにも似た演出。が、演出と云ったとて、大それたものではない。偶さかに大気の機嫌の為せる振る舞いに乗っかっただけに過ぎぬ。但し、澄み渡った夜空を背景にしていたら、この刺さる感覚は果たして生まれただろうか。そうだ。たまには雨天を喝采する夜があったって好いではないか。　三月だと云うのに、その日は陽が落ちると更に冷え込んだ。そして「シンヤコヅカ」のショー会場は野外プールである。勿論、屋外だから屋根なぞない。開始時刻が迫っても、雨脚は一向に衰えることはない。慊りない気分は、私の隣に居座って動画を撮ろうとしていた馬鹿な若造の礼儀知らずの態度で助長される仕儀と相成った。エチケットを弁えぬ若造なぞ相手にするのは、この場合は得策ではない。私は、その男を睨み付けていた視線をやおら宙空に向け直した。すると、恰も眼前の雨粒が、水を抜いたプールに張り巡らされた紗のように私の眼に映り、照明に照らされた、薄い玻璃のような紗幕を伝う水泡が、さながら深海より立ち昇ってくる気泡のように思えてきた。ベンチシートに座して居ながら、私の心は海底（うなぞこ）を回遊していた。　寒さは、特段、こちらの想像力を萎ませたりはしない。寧ろ、この悪条件が奏効した。そもそも夜の八時を過ぎて、それも予想だにしなかった寒空が手にした巨大な如雨露より容赦のないシャワーを浴びせられ続け、それでも屋外に打ち捨てられて、濡れたベンチに凝っと座らされて居るこの状況は、だがしかし何故かしら不思議な心地好さを伴うところの、実は、既に定められていた事のようにも思えてくるのだった。雨に打たれながらショーを見ることの、はたから見れば何とも酔狂なこの場面を、端より彼は、用意周到、懐に隠し持っていたに相違ない。どうか降り続いておくれ。彼は心底念じていたに違いない。私は勝手にそう信じていた。　空っぽのプールのなかの竜宮。冷たい雨のカーテンが、私にかの浦島伝説を想起させたのだった。伊豆の岬に海市（蜃気楼）を見に出掛けるのとはわけが違うが、幻影と云う点では似たり寄ったりだろう。神秘の深海に愛される城に、ようこそ。少しくダークな幻想譚が心に沁み込んできた（断りを入れておくが、小塚信哉は浦島伝説に想を得たわけではない）。近代とは少しく異なり、かの物語は、古代に於いては、浦島子（浦島太郎）が、亀に身をやつした異郷の姫（亀比女＝乙姫）に出会い、互いに夫婦になる縁だと唆され、異郷に誘われると云う筋書きである。鯛や鮃の舞に眼を奪われながら、日毎繰り広げられる饗宴。水のないプールは、まさしく異郷にて繰り広げられる幻想世界と化した。そこにあるのは紛れもなく今様のピースなのだが、大陸（中国）伝来の神仙思想的背景に根差した浦島伝説、もそっと云えば、鎮魂の祭儀に私は思いを馳せていた。繰り返し云うが、十中八九、小塚にその意図はないのだが、どうも秀でたファッション表現の空間には、リミットを超えたイマジネーションの遊離散逸を容易ならしめる構造が宿っているように思えるのである。表現する側に魂匣が備わっているか否か。それを玉匣（玉手箱）と呼んでも好いと私は信じて止まないクチなのだ。　この寒空の下で誰一人、斯様な馬鹿げた空想に耽る者なぞ居ないだろうと、私は独り、悦に入ったのであった。唯々私は、雨に打たれながら愉快だった。私が痴れ者のように（本人の失笑を買うかも知れないけれど）、彼もまた歴とした痴れ者だと、私は密かに確信している。　小塚は、この不思議な創作の謎を追って、東から西に至る民俗、現代と過去との接点、自らの趣味嗜好、セクソロジー、心理学、宗教学、古典などの諸領域を自在に飛び回り、事実とそれを捉える精神の働きとの間を機織りの杼（シャトル）のように幾度も往復しつつ、一つの想像力のテクスチャー（織物）を織り上げたのである。時には本筋を離れて道草を喰うことをも敢えて辞さない。否、この道草のように見えるモチーフが、テクスチャーの上に面白い模様を描き出すのであってみれば、彼は必ずしも決まり切った結構（目指すところの世界）を提示することのみを目的としているのではなく、寧ろ好んで道草を喰いながら、結構に至る道程そのものを楽しんでいるのではないか、とも思われてくる。インド刺繍を思わせる細密なビーズ表現とか、寒々としたノルディック模様のほっこりとする温もりとか、人魚を彷彿とさせる鱗柄も面白いではないか。尚と腕を上げた観があるぞ。 　この作品群は、決まり切ったボキャブラリーだけに頼って書かれたエッセーとは別物である。と同時に、レトリシアンの創作、即ち軽快な遊びの創作のようにも見えるので、深刻好きな輩にはあまり馴染まないかも知れない。そもそも彼は、自らの中に汲み上げた詩と云うものを、ただ技術のジャンルの中に閉じ込めないで、凡ゆるものに通ずる純粋無垢な魂の状態と解しているのだと私は思う。そう云う認識が本当にあるのであれば、小塚は尊敬に値する人物だし、その仕事は凡てポエジーと呼んで憚かるものではない。それに引き替えズブ濡れになった私はと云えば、陸に戻れば、もう二度とこの竜宮へは戻ってくることは出来ないかも知れないことは分かっていたし、鯛や鮃の可憐な舞も、美味な晩餐も、夢のように泡の如く消えてしまうのは分かってもいた。夢のように...泡のように...軈て底冷えのする夜気に当てられてすっかり酔いが醒めてしまった私は、只管に地元の酒場を目指して帰路を急いだのである。（文責/麥田俊一）

SHINYA KOZUKA

モードノオト2024.03.06

　此度は、山梨県の富士吉田市を訪れた話。「ここのがっこう」の2021年度受講生が手掛けた作品を展示した「coconogacco exhibition 2022」（4月16日より24日開催）が同市で催された。私は審査を兼ねた取材のための日帰りバスツアーに参加した。同市を訪れるのは初めてではない。「ここのがっこう」の展示は昨年よりこの地で催されているから、その時以来だが、それとは別に、私は一年に一度、富士吉田に来る。杓子山の麓、山腹に抱きつくようにして建っている湯治場に逗留するのが、数年来の私の常となっている。人里離れた湯治場に独り隠（こも）る。隣接する硯水不動尊（けんすいふどうそん）の霊験あらたかな湧水（冷泉）を沸かした湯が私の性に合うのだ。また、キンキンに冷えた霊水を呑めば、酒に爛れた臓腑が生き返る。以前、宿主に鉱泉の来歴を聞いたところ、かつて富士吉田は染物が盛んだったことがわかった。同市が古くより織物職人の街として栄えてきたことはその後で知った。　「ここのがっこう」は山縣良和（「リトゥンアフターワーズ」）により2008年に開講された。ファッションデザインを育成する単なる教育機関の枠に収まり切らない、ファッション表現を学ぶ現代の寺子屋のようなものだ。変化が産む急流に呑み込まれることなく、また、時流に棹差すこともせず、「ここのがっこう」は様々な卵が孵化する揺籃の役割を担ってきた。山縣を筆頭にプロのファッションデザイナーが教えることの可否は大いにあると思うが、欧州に比してファッション表現を教えるスペシャリストが極めて少ない日本に於いては、それも致し方ないことなのだろう。折ある毎に私も受講生のための講評会に参加している。彼等の作品と、彼等の生の言葉を浴びて学ぶことが少なくないから続けている。但し、彼等のモチベーションは稚拙で洗練とは程遠く、咀嚼されてはいない創作主題は、切れ味の鈍い鑿で削り出した出来損ないの木像のようなものだ。粗野だから強い。だが、この太々しさが凡てではない。だから、教える側は、原木に対して尤上の対応をする。世間の眼、他人の暴言、表現の情熱、そして創作そのものの孤独に対しても、それらを切り抜けるべき難問として、教える側は彼等にしか為し得ない言動で対処してきた。未だ眼鼻の区別すら覚束ない木像が魂を持つか否かは、此処（ここ）を巣立った後の本人の心構え次第である。　インスタレーションは、前回はFUJIHIMURO（富士氷室）のみを会場にしていたが、此度は、そこをメーンに、徒歩で移動可能な三箇所を新たに会場として、各所の展示を見ながら、散策がてら下吉田地区の昭和的風情が満喫出来る趣向のようである。木造の古民家とか土蔵とか仕舞屋（しもうたや）をリノベーションした珈琲店や飲食店、宿泊施設などが街の至る所に点在している。過去より現在に続く、ハタオリマチ（機織り街）の富士吉田が経ててきた時の流れの中を逍遥しながらの取材は、痛く感慨深いものだった。彼等（受講生）は、街並みの描写はおろか、打ち捨てられた庭の溶岩やひねこびた古木とか、蔵の中の調度品やささくれだった畳の表現ですら、作品に秘めた一種の難問として描き込んでいる。それには模範解答も正解もない上に、常に審査員の冷徹な眼が光っている。「答え方」を一つでも誤れば、その瞬間に我々（審査員）は「こんなものはファッションではない」と断定してしまう。創作とは、あらゆる難問に答えていくことだが、しかし、その「答え」は一つだけである必要はないと私は考えている。此度の展示で印象に残った作品を幾つか紹介しておく。八木華の怖いマリエ、水谷透太の便所に飾った、「ワンカップ大関」の空き瓶を使った、荒川眞一郎ばりの真っ白なオブジェクト、田中優大の「レゴ」ブロック式に遊べる玩具のような服が面白かった。他にも、過去の講評会で見た制作途中の作品を前に進めた人もいれば、創作動機を曲げずに表現方法を変えてきた人もいた。個々の創作に通底する心的パターンを基軸に、手を動かすことで運動を始めた思考の軌跡が様々に変化しながら、それぞれが奇抜な紋章のようなカタチを描き出している。狭いながら、迷宮のような空間も手伝ってか、子供の精神を可能な限り保ち続けている幾人かの作品の面白さが際立った。　最後に私のメモの欄外に記した二人の名前を挙げておきたい。一人はジュエリー作家を目指す向田聡子。彼女は、微かにエロスの匂いが漂う、奇妙に捩れて倒錯した夢想を、透明な砂糖菓子のような小さなジェリーに凝縮させていた。フェティッシュな観察眼の持ち主である。もう一人は、權藤駿。素材は廃材のみ。二束三文の値打ちもないくせに、入手するためには随分と手間暇が掛かる廃材を題材にしている。此度の作品は、大いに一発芸式な作品ではあるが（原材料は山梨県内で拾った廃材なので、後日返却するとのこと）、幽暗の妖かしが天涯のカタチを得たかのようなオブジェクト。メタルと木片、その他の廃材で造形した巨大なジュエリー（？）は、まさしくラビリンス（迷宮）に棲息する幻想の海馬の如し。夥しい数のアルミ製の蛇腹ホースが編み込まれた胴体は、毒蛇が蠢くメドゥーサの頭髪のようだった。いつもながら、好みの領域に自由に遊び、気に入ったテーマで書いてきた。此度の展示に於いて総じて感じたのは、「衣装」の主題によって開かれた小宇宙が、「飾る」の主題によってその円環を見事に閉じると云った具合に、展示作品は、服そのものよりは装飾やオブジェクト表現にしなやかで奔放自在な飛翔を見たように思う。（文責/麥田俊一）

writtenafterwards

モードノオト 補遺 2022.04.18

　この稿の標題「モードノオト」には二重の意がある。「帳面」の「ノート」に「何々の音」を重ねている。と云ったとて、「音」に纏わる話をした験しは殆どない。だから、妙な巡り合わせを物怪の幸いに、禿筆を咎められるのを承知で小感を述べてみたい。此度の「アンダーカバー」のショーで使われたモダンジャズの楽曲が気になった。初手より私は、フランシー・ボラーン（1950年代より60年代のパリで活躍したベルギー生まれのピアニスト）の演奏だと思った。後で判明したのだが、「怒れるベーシスト」の異名を持つチャールズ・ミンガス（本業はベーシストであり作曲者）の、殊更珍しいピアノソロアルバムより抜粋した『Myself When I am Real』と云う曲だった。敢え無くも私はブラインドテストに失格した。鍵盤を叩く音圧の凄さ、弾力のあるピアノの音が、まるで岩石を叩き割るような印象を与えるナンバーは、一方では、叙情性と堅牢な建造物のような構造で構成された、作曲者としての面目躍如たるピアノ曲である。ミンガスのピアノソロは、同時代のセロニアス・モンクに通ずる、強い意志の張り詰めた、演奏者自身の独白のようなもので、そこには口当たりの良さとか甘さとは一線を画した荒々しさが渦巻いている。見方によっては、ショーの裏に隠されていた高橋 盾の気骨と繊細さと、ミンガスの弾き出す旋律と和音の研ぎ澄まされた感性との対話がスリリングな見物であった。　他方、昨夜の「トーガ」のショー（楽天が続ける「by R」プロジェクトで実現した）で聴いたインストルメンタルもまた、私に云わせれば、決してリラックス出来る代物ではない危険物だった。私は締まりなく崩れた。完璧なまでに1970年代的ブラックロックの陶酔境にオチてしまった。此度のショーのために録音したオリジナルだと聞いたから、もしかすると曲想は違うのかも知れない。だが私は勝手に、初期のファンカデリック（とりわけ1971年にウエストバウンドよりリリースした三枚目のアルバム『マゴット ブレイン』に収録されている標題作は、盤が擦り切れるほど聴いた）を支えていたエディ・ヘイゼル（ジミ・ヘンドリックス直系のギタリスト）の、極め付きな高揚感を引き延ばせるだけ引き延ばした演奏をそこに重ねていた。楽曲は、たぶん古田泰子の意向によるものなのだろう。但し、此処でも断りを入れる必要がある。「散々ぱら宇宙に巣くう蛆虫を喰らってきた俺だが...」的な闇のナレーションが演奏の前に挿入された『マゴット ブレイン』のどろどろした世界観と、いまとなってはプレタポルテの比類なき風格（完璧に東京の他のショーが霞んでしまった）を誇示する「トーガ」のイメージとはなんら関係はない。だが、一つだけ云えるのは、イカモノ好きな彼女の感受性は昔から変わっていない、と云うこと。妙に彼女とウマが合うのはそのためなのだ。　古田泰子と初めて会ったのは二十年以上前、東京にてショーをする前のことだった。初々しい笑顔で深々とお辞儀をされた。話をするうちに、本来の彼女のさくい感じが滲み出て、たいそう開けっ広げな性格が感じとれた。それは非常に印象的な初対面だった。独特なロマンチシズムと冷たい現実的感触との、創作と批評の一致と云うべきものが、彼女の服の動機になっている。眼力が備わっていなかった当時の私が、彼女の本質的な創作哲学に到達していたかどうか、その自信はない。　この仕事を続けていて私なりに気が付くことがある。デザイナーにとっての毎度毎度のコレクションは、場合によっては、一人の作家による連載小説のようなものなのかも知れない。或いは、毎回の作品群を、作家本人の想像上の画面に一つ一つ貼り付けていく壮大なコラージュ作品とも云えるのではないか。その伝で云えば、二十年以上の膨大な時間を費やして制作している未完のコラージュは、彼女の創作哲学と、その時々の創作動機をまさに体現している。それは即ち,,,薫り高き頽廃、潔癖な一種の禁欲主義、あられなもない官能、純血さ、人工甘味料の如きエグミ、磁石の両極、透き通った快楽主義、スキャンダラスな偶像崇拝、贅肉を削ぎ落としたロックンロール、宝石のような冷たい結晶、ギラギラと脂ぎった欲望、歪んだ平衡感覚、批評精神と叛骨精神、金属の腐食感...これだけでは到底物足りないのだが、筆の勢いが過ぎて独断に嵌まるので手控えておく。　此度の東京のショーは、ロンドンのファッションウイークにて動画配信したコレクションをベースに、そこに新たなピースを補完し、スタイリングを変えている。「分量の違うものに、繋ぎにボーンを入れ、素材が好き勝手なところに向かう形になる。洋服と身体にゆとりが生まれ、ボトムは自由となり、身体のまわりを揺れて弾むような足取りで歩く。揺れて楽しい気持ちになってきた」。敢えて此度のコレクションノートを引用してみた。会場にいた誰にも、テレパシーのように諒解されてしまったと思う。「楽しい気持ちになってきた」のくだりがいい。彼女の潜在意識の奥底より飛び出してきてカタチを現した言葉だと思った。テーラードに捧げる頌歌と伝統的な技法からの逸脱も、男と女の性の中間の葛藤を探求するロマンも、建築的で解剖学的な構造も、一着の服が持つ経験のようなものも、彼女はしっかりと手に入れている。是非にも機会を得て彼女と旧交を温めたいと私は切に思っている。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク特設サイトはこちら

TOGA

モードノオト2022.03.20

　昨日の「マラミュート」の会場にて、所用があって共同通信社の三好典子女史と立ち話を交わした。それがキッカケでこの稿を書いている。そのときの話の内容は割愛するが、米国同時多発テロ事件（2001年9月11日午前中）が、当時の欧州のファッションの現場に及ぼした影響について、またぞろ私は捲し立てていた。2002年春夏シーズンのミラノとパリのコレクション取材を通して痛切に感じたことがある。世界中を震撼させた衝撃的なテロ行為の直後だから、デザイナーたちの提言が一斉に「癒し」の気分に転じたことは、この私でさえ理解出来た。華美な演出を控え、使う筈の楽曲を選び直すだけでなく、発表することになっていたピースを急遽ガラッと差し替え、ショーそのものを構成し直したラグジュアリーブランドもあった。結果、コレクションサーキットは「癒し」一色に染まった。だが、「プラダ」だけは我が道を歩いた。眼にも耳にも優しい気分に塗り替えられてしまったミラノにあって、「プラダ」は、「癒し」ではなく「強さ」を服に盛り込んだのだった。そんな「プラダ」の荒療治式のエールに、私はヒリヒリするほど共感を覚えた。不謹慎だと叱責されるのだろうが、時代の右へ倣え的な安易な時代風潮に傾斜を深めるだけがファッションの役割ではないと、私は思った。檄文（励ましの提言）は一様である必要などないのだ。　国や地域によっては収束が見え始めたパンデミックとか、各国の一挙手一投足に注目が集まっているウクライナ情勢とかを意識したのかどうかは定かではないが、昨日の午前中に取材した「ピリングス」のショーは実に痛快だった。解離は病理なのか。それとも現実への適応か。格差で不安定化の一途を辿る現代社会を背景に、希薄な現実感と当事者意識に戸惑う我々の心理を読み解いてみせる此度のショーは、表層的な可愛い感覚を凌ぐ多重化するリアルを提示している。と云って、道理の通らぬ理屈のようで恐縮だが、村上亮太の作った服は、要は、個性を育て、守るための一種の「鎧」のようなものである。ショーは、現代社会を知るための鑑のようなものだった。万が一ショーでなかったら、斯様に強く響かなかっただろう（ショーはTOKYO FASHION AWARD 2022を受賞して実現した）。執拗にリフレーンされる蟻や虫ケラのモチーフは現代人のカリカチュールであり、ひとによっては鬱陶しいだけの存在の「毛玉」（ブランド名は「毛玉たち」の意）の気骨をジンワリと滲ませた、それこそ愛らしきアイコンである。　不揃いな風穴の開いた村上のニットは、1980年代初頭のパリコレクションを震い動かした東京のブランド（敢えて名前は伏せておく）が懐に隠していたラジカルで執拗な意思を彷彿させた。今となっては珍しい橋桁のキャットウオークで見たから、そんな連想が脳裏を過ぎったのだろうか。澄み切った、雑音のない、無菌状態の音が美しいと云うのなら、実は音楽は少しも美しいものではないのかも知れない。音楽を聴くと云う行為は、雑音など厭わず、寧ろ、一つ一つの音を魅力ある音楽為らしめる有害な菌に進んで感染して高い熱を出すようなことだ、と私は信じている。有害な菌とは言葉のアヤで、それだけ「個」の際立っている様子を喩えたまでのこと。それ以上の他意はない。此度のショーの全篇を通貫するのは、村上は自身の境涯に徴して、人間の原像の意味を追求しようとする強い意思であり、彼の私小説式の創作道程に少しく逞しさが見え始めてきたように思う。　これまでの彼が紡いできた物語の舞台にある人物や風景は、凡てが明るい照明のもとに照らし出されているわけではなかった。描写は正確を期そうと努めていたのだろうが、結果、雑然として稚拙な表現になったとて、描写の下手さなりに、却ってそこに或る種の影が生じ、その影は影として見る側（着る側）の感じ方に任せてしまうところがあったように思う。故に、往々にして「ヘタウマ」とか「可愛い」とかの修飾語が、彼自身の個性の尤も純粋なカタチを曇らせる一因ともなった。徒らに他人の眼を引くのではなく、自らのルーツや自らを取り巻くカルチャー（服作りの環境をも含む）とともに自身の存在意義を確認すること。ありのままの自分でいる方法を彼は学び、実践してきた。なにか嫌らしい味みたいなものを表現しているようでいて、実は、社会的に弱い存在に対して優しさを持ち続けることが出来るのはそのためである。我々は、凡ては異なり、凡ては等しい。村上は人間を、見て、見て、見て、それをギリギリの形と色とに絞り上げる作業を繰り返してきたのだと思う。決してテクニシャンとは云えない彼の手は、醜と美を、原始的な織物の絣のように一つの模様として織り上げ（ニット作家としての一面もあるので、斯様な表現は適切ではないのだけれど）、その斑紋は我々の意識を覚醒させる呼び水となり、我々に再び自由であることの意味を問うている。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク特設サイトはこちら

malamute

モードノオト2022.03.19

　「ソウシオオツキ」が変わった。過日、2022-23年秋冬コレクションの展示会に行った。事前に預かっていた最新ルックを見て、凛々しいだけの服に変化が見られた。「All Grown Up」と云う主題からしてそうだ。これまで頻繁に掲げていた四角な四字熟語を封印している。専ら私の場合は「酔歩蹣跚」であるが、「ソウシオオツキ」の最近の中では、「愛月撤灯」（2020年春夏）などは私のお気に入りだ。僅かなペシミズム（悲哀感）をダンディズム（伊達気質）の形骸に漂わせたこの言葉通り、一人の男の末路を描いた物語性のあるコレクションだった。此度はテーマにある通り、ブランドの「成長」を主題としている。　メンズブランドとして2015-16年秋冬より開始。プロのデザイナーになる以前より、大月壮士の創作動機は不思議な偏向の一点に凝結し始めた。そうして、まるでピアノの鍵盤の一局部のみを攻め叩くように、趣味も情操も一方向にのみ尖鋭化されていくのであった。彼の作る服は、男の服の歴史的背景を裏付けに組み上げられている。だが、このブランド特有の硬質で自信に満ちた厳格さは、たんにフォーマルとかストリートとかの語彙で括ることの出来ない、男の服の持つべきであろうとされる糊代（着る側が自由に解釈出来る余白）を備えた設計の上に成り立っている。只管に独自路線を貫き、その特異な地歩を確立することは、大月にとって、軍服（概ね旧日本軍）に厳密な未来の青写真（街着としての）を描くことだった（仏教の僧侶が纏う僧服に着眼したこともあった）。　益荒男（ますらお）ぶりの風采、朴訥で雄々しい言動故に、大月の存在は、東京発信のメンズデザイナーたちの眼の上に突き出したタンコブである、と私はかねがね考えている。と云ったとて、彼を貶しているわけでも、煙たがっているわけでもない。否、「一人の大月がなくてどうする」と、私に代わって喝破してくれる輩の一声を待ち望んでいるのだ。彼こそまさしく日本の風土に稀なる個性だと思うし、彼の作る服の独自な価値もまたそこに存在する。日和見主義者と衆を恃む非個人のウヨウヨする中に、偏奇性が流行するなどと、仮に本気で考えているとすれば、私の頭は誠におめでたい限りだと云わねばなるまい。　大月のコレクションは確かに変化を見せたが、彼が変節したわけではない。この変化は、ブランドを前へ推し進めるための仕掛けなのだ。大月特有の偏奇性を残しながら、観念への強い執着とダンディズムの揺るがぬ精神を支えに初めて実現可能な彼の目指す領域に更なる糊代を用意しただけのことなのだ。彼の心中を代弁するなら、「ニッチからの脱却」となるのだろう。因みに彼は2021年6月に法人化して自覚を新たにしている。　大月はカタチを愛する。軍服の様式にこだわるのはそのためだ。意義や内容よりは、それを包む形態の方を愛する。何故なら、「カタチ」、この場合は男の服の形とか構造を指すのだが、それは常にスタティックに自らの原理性の中に生き続けているからだ。ひっそりとだが脈々と続いてきた原理を彼は愛する。此度（2022-23年秋冬コレクション）も、その実例がある。彼の尊父のフォーマルジャケットを着想としたダブル仕様のジャケットとフロックコートがそれである。ジャケットの襟を大きく捲るように折ることで、襟の見返しと前身頃の内側にある隠し（ポケット）とタグが露わになる設計である。「父のスーツのラペルを捲ってポケットが露わになったカタチがフロックコートのように見えたので、そのままカタチに落とし込んでみた」と彼は云う。縫い付けられたタグには「ソウシオオツキ礼服」とある。モデルとなったオーダーメードのジャケット（前述の尊父の私物）のタグ（「「カジクラテックス礼服」」を引用して彼が新たに拵えた付け札である。因みに、ボタンの掛け違いでタグは隠れるようになっている。　他方、目新しさもある。顧客層の幅を広げようと試みた商品群なのだろう。多機能ベストを提案している。オーダーシートはこう記している。「休日のおじさん定番のフィッシングベスト」。布帛ではなくアンゴラ混ニットで成形しているあたりが面白い。また、カーキと黒の二種を揃えたプルオーバーニットは、ブランドロゴをケーブル刺繍することで編み地と同化させている。前身頃に穿った穴はネクタイを仕舞うためのものだ。偏奇ではなくして新奇を追うことに急な巷間の眼にはどう映るか。概して現代は、ガッチリと正道を歩く、地味な仕事には飽き易い。本当に価値あるものが栄える世の中になって欲しいと切に思う。更なるステージを歩み始めた大月壮士に纏わる寸感として記してみた。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク特設サイトはこちら

SOSHIOTSUKI

モードノオト2022.03.18

　小塚信哉は、私にとって神秘的な存在である。一昨日（3月15日）の「シンヤコヅカ」のショー後に、それもほんの一瞬間言葉を交わして、初めて本人の声を聞いたが、私が勝手に想像していた声とは違っていた。実際、声などどうでもいい。有り体に云えば、至って普通な感じがしたのだ（初対面の私がそんなことを云うのは失礼極まりない話である）。普通が悪いのではない。寧ろこちらに過失がある。これまでの幾つかのコレクションは気になっていた。とりわけ前回（2022年春夏）のスカッと抜けた感覚は、一目置かざるを得ないと思った。そうした彼の過去の創作の印象をもとに、私が勝手に厚いベールに包み込んだ人物像を作り上げていたのである。実際、小一時間でも話してみれば印象はガラリと変わるのだろうが、服を見る限りに於いて、時代の右へ倣え的な空虚な時代風潮とは一線を画する質のデザイナーだと云うポイントは、遠からず当たっていると思う。　冒頭に、知る、と云うことについて書いた。「知る」を「考える」に置き換えても筋は通るのではないか。小塚の創作哲学に論及せんがための前置きなのだが、我流を正当化するための遁辞でもある。報道する身であれば、ショー終了後のデザイナー諸氏の説明を雁首揃えて神妙に拝聴するのが筋なのだろうが、私はどうもこのシステムに馴染めない。凡てを知らなくてもいいと云う気持ちが実はある。凡てを知る必要などない場合もある。寧ろ、ハッキリ白黒つける早急さを、私は厭う質だし、物事の是非を額面通りに押し付けられるのも嫌だ。他に取り柄はないが、仕事柄、想像力だけは抜け目ない。威勢のいい啖呵を切ったが、以下、私的な寸感であることの断りを入れておく。　軍服のディテールと、渡英して自らが接した文化の多様性が小塚の創作を組み上げている。と云うと、またぞろ特筆すべき形容ではないかも知れないが、ファッションの馬鹿馬鹿しさを解体批評しようとする前衛気質の代わりに、得体の知れないモヤモヤ感を自らの懐に仕舞い込み、彼は現実と空想の境界ギリギリの線を行き来している。彼は力任せでアンチを唱えるのではない。夢と現実を気儘にぶらぶら歩きながら、統一規格的で標準規格的なるもの（換言すれば、否応なしに押し付けられるイメージ）を、やんわりと穏やかに否定する。私はと云えば、ショーとか展示会の評のようなもの（その体裁になっているか心許ないけれど）を書くことで、自分の心の中のモヤモヤしていたカタチのないものに、形を与えることが自分の救済になっているのだと信じている。私の場合は救済なのだが、小塚にとってのそれは自らのファッションを前へ進めることに他ならない。　此度の彼の着想の一つは、英国の挿話作家ヒース・ロビンソンだと云う。コレクションノートを頼りに稿を進めるのは罰符（バッドプレー）だが、私より数段的を射ているので彼の言葉を引用しておく。「（ロビンソンは）単純なことを大袈裟且つ難解且つシニカルにしている諷刺画のような絵を描いています」。そのポンチ絵が上衣の総柄に使われているから、そのあたりについても引用しておくと,,,「釣り堀で釣りをしている人たちがいて、実はその釣り堀の地下で人が釣り人の竿（垂れた糸の先）に魚をつけている絵があります。彼の描く世界と、『優れたデザインや豊かさは隠されたところにある』と云う私自身の考えが重なりました」...というのだ。　「何かの後ろ」「何かの裏」「ピントが合っていない背景」「含みを持した言葉」と云うキーワードも、我々人間の眼がいかに節穴であるかを嘲笑うかのように、誰もがわかる言葉を用いながら、小塚はそこに深み（余白）を残すことを忘れてはいない。こちらの眼の態勢が、一旦彼の仕掛けに照準が合った時に、そこに見えてくる微妙さと的確さは凄いものである。「人はツーウエー以上で提案されたとき、気に入ったワンウエーでしか使用しない、と云う勝手な持論があります」と云う彼の説もそうだ。言葉は極めて普通なのだけれど、その言葉に包まれた内容の普通が、やはり稀有の普通である。こちらに見ようと云う気持ちの芽生えがないと、見えてこない。何でもそうだと云えばそうだが、小塚の創作は、たとい大袈裟に拵えてあっても、斜めに覗いてみたり、裏を見返してみたり、そこにポンと置かれた至極普通の様子（例えば、白でも黒でもないグレーなゾーンがそこには用意されている）がひっそりと主張しているので、余計にそのことを強く感じる。「イメージを膨らませながらニッチや不明瞭なものを全力で肯定したい」と小塚は云う。常に彼の眼は、捉えどころのない、カタチを持たないものを眼で見ている。この湿った感覚（いい意味で）は、人間臭さの入り込む余地のない乾いた世界の対極にあり、それこそ普通であれば得体の知れないものなのだろうか、彼は自らその領域に身を任せようとしている。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク特設サイトはこちら

モードノオト2022.03.17

　此度の「ハルノブムラタ」のコートが、私を過去に連れ去った。随分と昔の話だが（映像は勿論、画像すら残っていないのが残念である）、二十数前、マーク・オディべ（シグネチャーラインを発表していたが、その後「エルメス」「トラサルディ」を渡り歩いた）が「サルヴァトーレ フェラガモ」のチーフデザイナーを務めていたことがある。ミラノにてオディべが手掛けた「フェラガモ」のデビューショーを私は思い出していた。どちらかと云えばコンサバティブな印象が強かったそれまでの「フェラガモ」を、彼はドレーピングの手法を駆使した量感のあるクチュール調のコートのバリエーションを以て刷新し、モードの領域に押し上げた。そのイメージが蘇った。蛇足だが、オディべの服（シグネチャーラインのショーの画像）をたまさか雑誌で眼にしたばかりに私はこの業界に身を投じたのだ。あのとき、あんなにも心が動かされていなければ、この仕事はしていなかったはずである。　ショー終了後の話では、デザイナーの村田晴信は、東京に戻って来るまでは伊ミラノでの生活が長かったと聞いたから、私の連想はまんざら偶然ではなかったわけだ。勿論、彼は「フェラガモ」ともオディべとも所縁はない。ミラノでは「ジョン リッチモンド」と「ジル・サンダー」にて経験を積んだと聞いたが、村田自身の蓄積が服のカタチとその見せ方に一種の恰幅を与えていた。因みに、古くは研壁宣男とか、最近では上榁宗範とか、ミラノでキャリアを開始したデザイナーは総じて綺麗な服を得意とする傾向にある。この因果関係と系譜を探ってみるのも一興かも知れない。　男の作る女の服は面白いと思う。TOKYO FASHION AWARD 2022を受賞したことで、村田は7シーズン目にして初のショーに漕ぎ着けた。彼が乗ったファッションパワーと云うエスカレターは、急速に高いところにまで昇りつめた。穿った見方をすると、本来はショーを見せるための仕掛けや抽斗を、まだそれほど多く持っている質ではないのかも知れない。過去の服を取材していない分際でふざけたことを云うなとお叱りを受けるのは承知しているし、現に歴とした賞を受賞しているのだから、実力はお墨付きなのだ。ショーで見せることで大胆になれた部分と繊細に詰めた部分があったのだろう。身近な存在を含め、女性と云う対象に向けて「捧げる」式な彼の創作姿勢は、生地の選択、線の描き方凡てに於いてミニマムに凝縮されてカタチを得る。マチュアを目指す服作りはその時点でほぼ完結する。だがそのままではショー映えし難い。此度は見せ方（服の着方とスタイリング）に工夫を凝らした。初めてのショーとは思えないほど服の見せ方が達者だった。　とりわけ1990年代より2000年代の欧州コレクションを取材してきて切に感じたことがある。おい、そうではないだろうと、またぞろ批難の矢面に立たされるのを構わずに云う。高級注文服とは異なり、そもそも既製服の特質は速度、即ち、常に新しさにあり、一過性にあり、その速度と鮮度をいかに美しく魅力ある価値に置き換えるかにあった。極端に云えば、デザイナーは服そのものよりもラジカルなスピードを着て欲しいと考えているのではないかと思える節があった（過去の話として云うのである）。他方、モードは表層的なものだから常に時代に先を越される（流行遅れになる）と云う宿命を背負っている。しかし、時代、或いは自己のスタイルを追求することはモードを提案することとは別の次元にある。スタイルはモードとは比較にならない確かなものだ。過去の服を継続させながら、ゆっくりと時間をかけて丁寧に進化させ、その時代の技術的、心理的な側面を投影したスタイルを確立することは、デザイナーにとって刃（やいば）となる。砥げば砥ぐほど、その輝きはブランドの品格に繋がる。品格は向後の話だろうが、少なくとも村田は既にスタイルを持ち始めたデザイナーだと私は思う。此度のショーは、見ようによっては、古いものや失われたもの（クラシカルな服）への挽歌ともとれるが、けだし綺麗な服には齢（よわい）などないのだろう。時流に竿を差すわけでもなく、ミニマムな手法の純血を守りながら、彼は静まり返った湖水に小さな石を投げ込んだ。円周状の動線を歩くモデルが行き交う様子は、水面にパッと広がる漣（さざなみ）のようである。撓むように、しなうように、舞台に登場する服は、気が付けば、私の中で静かに広がる細かな波の揺れと重なり合っていた。　此度のショーはスタイリストを起用せず、村田本人が凡てを仕切った。完成させた一着のコートに更に新たな意味を持たせるアイデア（後述するけれど）を実践するため、モデルを舞台に上げる寸前まで、凡てを本人が調えた。フォルムは機能と常に対話を試みる。形とプロポーションに関する断固とした哲学。たっぷりとした量感に差し込まれる、僅かに身体の軸とは左右非対称の均衡。モノクロームの重なりに映えるオブジェクトのような金色の大きなメタル製のボタン。頭のてっぺんより爪先までの全身に注がれたバランス感覚。流れるようにたっぷりとしたボリュームのドレーピングで身体から浮かび上がる服の輪郭。滑るように落ちた官能的な肩の線。女性の心のカタチを、作り手自らの手の感覚を頼りにモダンな筆致で象っている。　ユニークな観察眼、既存の服を見直す視点（この場合は、服を解体して再構成する意ではない）に裏付けられて今回のコレクションは組み上げられている。コートやドレスは、服地の一端を肩の上に押しやったり、背中の方にずり下げたり、ひとが見せる様々な所作（身のこなし）に倣い裁断され、身体を包み込むような量感を作り出し、ボタンで留めたり外したり、着る女性のための様々なオプションを提供している。造形しながら、服の生地をつかみ、ずり落とし、たくし上げ、巻き込みながら立体的な重ね着の量感を探る。村田の脳裡に刻まれた様々な女性の立ち居振る舞いは、アトリエでの制作過程に於けるハウスモデルのポーズの記憶として再生され、具象的なカタチとして鮮明に映し出される。文章術に喩えるなら、彼は決して過剰には書かない。単に云い切らないと云うのではなくして、そこに読者が埋めざるを得ない余白を設えるのだ。一方、読み手は知らず知らずのうちにその術中に嵌り、楽しみながら余白を埋める仕儀となる。この駆け引きは巧みで、これが彼のミニマリストたる所以なのだと思う。彼に関する小感として纏めてみた。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク特設サイトはこちら

モードノオト2022.03.16

　「アンダーカバー」が3月9日、2022-23年秋冬コレクションを東京の代々木第二体育館にて発表した。昨年3月、「by R」の下で男女合同のショーを催しているが、ウィメンズ単独のショーはパリで発表した2018-19年秋冬以来4年ぶり。「アンダーカバー」は、男の服よりも女の服の方が断然面白い。昨年より暖めていたパリでのショー再開（今年3月に予定していた）を時節柄断念せざるを得なかっただけに、此度は格段に思い入れが強かったに違いない。舞台裏で「やっぱりウィメンズ（のショー）は楽しい」と高橋 盾も話していた。ショーを見ながら、私は「パープル」コレクション（「アンダーカバー」2007年春夏）を思い出していた。パリ8区の由緒あるホテルのボールルームで取材したそのショーの衝撃は、売文稼業を細々と続ける私の血肉ともなり、その折に受けた強烈な印象は織物の絣のように一つの模様になって脳裡に焼き付いている。此度のショーは、「パープル」を取材していたからこそ新たに見えてくるものがあった。もしこのショーが凡てパリ仕様（会場は決まっていたらしい）で発表されていたなら...もっと見えてくるものがあったかしら...と、地団駄踏んでみても詮方ない。発表の場が何処であれ、一人のデザイナーとして、確実にいい歳の重ね方をしてきたブランドの、その轍（わだち）を眼にすることが出来たのは勿怪の幸いだった。尚、我がパイセンS君のリクエストに応じてこの稿を書いている。　人生百年式に云えば、まだ私などはひよっ子となるのだろうが、最近の自分の痛々しい有様（数週間前、泥酔して路上で意識を失い、またぞろ大怪我を負い○×警察署に保護された愚かな身を恨む）を顧みるならば、そろそろ晩年（否、ヤキがまわったのだ）と自覚せざるを得ない。会社勤めを止して以来、依怙地に続けてきた乱読も手伝ってか、視力の低下は著しく、重ねて老眼が追い打ちを掛け、それこそ眼も当てられない始末。加えて「世の中を見る眼」の方もかなり確実に老化が進みつつある。だが、私は一向に平気の平左なのだな。視点の老化を嘆くよりも、老いてみなければ見えてこないものが物事の下には隠されているはずで、これからもそれを発見する悦楽に勤しむつもりでいる。そんなわけだから、取材する眼も他人とは随分と違ってきたように思う。　「アンダーカバー」のショーを取材する醍醐味は、高橋が描こうとしている風景を彼と一緒になって逍遥し（私が好んで使う「共犯関係」と云う感覚に近い）、ともに作中人物たちの話に耳を傾け、時には非現実的な風物に接し新たに感慨を深め、そして様々の人生に立ち会いながら、遂には我々が享受すべき自由を探り当てるまでの過程にあると云える。彼のレンズは、普段通りに眼に見たものだけを写しても、眼に見えないものまでを見るようにこちらに強制する。ここでは敢えて服の外形とか細部とかには言及しないが、今回のショーがパンク的に見えたとて、「パンクマインド」と云う手垢まみれの語彙だけで語るべきではないと私は考えている。「このひと、根っからのパンクなのだな」と、心底私が共鳴したのは、寧ろ過去のコレクションを取材した折だった。即ち、前述した「パープル」コレクションである。スッと腑に落ちた。古い話を持ち出して恐縮だが、東京でのデビューショー（ジョニー・ロットンを偶像視した1994-95年秋冬コレクション）は、若さを口実にした挑発が日常着の枠に収まりきれない活劇的なエネルギーに満ちていた。だからか、当時、パンクと評した周囲に反駁するつもりはなかった。それに私自身も若かった。　高橋本人はどう思うかは扨措き、私はいまでも「パープル」ほどパンクなショーはないと信じて疑わない。と云って「パープル」には、いくら細部を穿って見てもパンクの「パ」の字も見当たらない。拘束風パンツもバイカージャケットもメタル鋲もない。その代わりと云うわけではないのだが、サテン生地を繊細なレースで切り替えし、マイクロミニよりスラリとした生脚を覗かせ、ビジューを刺繍したストッキングをモデルに履かせたのだ。意図して招待客を絞ったインティメートなサロン的空間も相俟って、そこで展開されているあり得ない景色を眼の当たりにした当時の私は悶絶しそうだった。攻撃的な気概とは真逆の、官能的でグラマラスな女性性を、彼は臆せず創作の核に据えたのである。このショーが以後の創作の試金石的な役割を担ったことは後になってわかることだが、それまで独自のコンセプトワークに従い躍起になって紡いできたダークファンタジーの呪縛より自らを解き放つ大胆な挑戦として私の眼には映った。凡てに於いて、現在より盤石な体制ではなかったにも拘わらず、それでもパリで意地を貫き通さんとする「アンダーカバー」が見せたコペルニクス的転回は、欧米のジャーナリストには概ね好意的に迎えられたものの、同胞の中には「ジョニオも変節したわね」と揶揄する年配編集者がいて、それが酷く残念だった。事理を弁えなくてはと思ったが、そのとき私は「わかってねえなぁ」と独り言ちて周囲の顰蹙を買った。パンクはこう云うことなのだ。私は悟った。　「パープル」のショーの選曲にも泣けた。PIL（パブリック・イメージ・リミテッド）の「This is not a Love Song」のヌーベル・ヴァーグによるカバー曲を抜粋していた。私はボサノバのリズムに酔い痴れた。ラブソングなど歌ってたまるか、と云う高橋の照れを勝手に想像して、その旋律に重ねていた。ちなみに私は当時の彼の言葉をこう書き残している。「（この大きな変化を喩えるなら）SEX PISTOLSを脱退したジョニー・ロットンが新たにPILの下でジョン・ライドンに改名したような感じですかね。『アンダーカバー』もそろそろアンダーグラウンドからパブリックを意識してもいい頃かも知れない」。彼の気が利いた語録は幾つも記憶に残っている。「パープル」抜きに現在の「アンダーカバー」はない。「パープル」にて高橋が見せた極めて挑発的とも云えるコペルニクス的転回こそ、本来のパンクが持ち得た叛骨であり、自らの殻を粉々に叩き割る気概であった。気後れすることなく、彼は実にスマートに荒療治をしてみせた。　生来のつむじまがりな質が因ではないけれど、白状すれば、私もパンクの洗礼を受けたクチである。鋏の切れ味を試していただけの粗忽で武骨な感じでキレまくっていた往時のパンクロックに浮かれて思春期を過ごした。だが、いまの時代に、それもファッションに於けるイメージの再演としてのパンクと云われてもピンとこないのが正直なところだ。切り刻み、繋ぎ止めるだけがパンクと云うなら、それは既に石化し形骸化した過去の様式に過ぎないし、それだけを謳うのであれは賛同しかねる。パンクな服を作るのであれば、いっそパンクロッカー（死語だろうね）に作らせた方がいいのではないか。その伝で云えば、消耗品（日常着）を作るのであれば、作り手の顔の見えない、それ相応のメーカーに任せた方が安上がり且つ確実である。閉塞感を感じる作り手の日常些事しか扱ってはいけない風潮が罷り通れば、益々ファッションは痩せ細っていくばかりではないか。　誤解を承知で持論を披瀝するが、ファッションデザイナーの仕事の輝かしき役割とは、しれっと「嘘八百」を並べてみせることである。彼等は平然と、或いは、声を張り上げて嘘を吐かねばならない。どんな物語も語る行為があって初めて存在するが、古今東西、物語がたんなる話であった例はない。何故なら、「物語」の「語り」は所謂「騙り」でもあるからだ。但し、物語の語りは漠然とたくらまれるべき行為ではないし、ただの法螺では語るに足らずである。けだし賢者のホキ出す嘘八百と云うものは、周到かつ洒脱な至芸より浮かび上がってくる、エンターテインメントとしてのファッションの真髄をモノの見事に射る力を備えている。老婆心から云うけれど、高橋がものしてきた「物語」をじっくり読めば、彼が一流のストーリーテラーであることに早晩気が付くはずだ。　話を今回のショーに戻そう。これまでも番度感じたことだが、今回も随所にブランドのアーカイブを散見する。自ら過去を紐解き、継承発展させる手法は彼の得手な流儀である。ショーの動機について本人に聞いたわけではないから客観性を欠くかも知れないが、とりわけ女の服を作る場合の彼の関心は、一貫して服に変容する想像力（服に姿を変えるイマジネーション）にあると私は思う。男には、女は、精神的にも肉体的にも生理的にも一切わからない存在である。だから「女とは何か」の問い掛けより始まる。彼にとって男の服は、仲間（或いは若い世代）に投げ掛けるみたく至って自然なものなのだ。しかし、女の服は、捧げるように作る。同時に凄く冷淡に作る。此度のコレクションはまさにそうして生まれたのだと思う。謙虚さと云う高橋の創作道徳がいい按配に濾過装置となって、彼が過去に見せた女性に対するアンビバレントな感情が、ちょうど綾衣の裏模様のように透けて見えてくる。いい歳の重ね方は、こう云うところに見え隠れする。　過去の「パープル」とは明らかに異なる気品と凛とした気配。エレガンスとかフォーマルとかの常套句は陳腐な感じがするから敢えて封印したい。寧ろ、内なる蒼白き焔（ほむら）を庇う服は戦士の身支度にも重なる。やり場のない怒りは何に向けられたものなのか。このあたりの連想を膨らませていくと、此度の物語（ロマン）が暗闇の中に浮かび上がってくるのではないだろうか。あの頃の突っ張った文体は校閲が行き届いて随分と口当たりがよくなった。同時に、「高橋 盾」と云う仮面の下に隠された、ナイーブなひとりの男のプロフィールがクッキリと浮かび上がってくる。興味深いのは、創作動機が彼自身の私的なエピソードと見果てぬ夢に貫かれていることである。だから彼がデザインする女の服には終着などありはしない。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク特設サイトはこちら

UNDERCOVER

モードノオト2022.03.15

　「カラー」の東京でのショー（2022年春夏コレクション）は、楽天「by R」の支援で参加したRakuten Fashion Week TOKYO 2022 S/Sの最終日（9月4日）に発表された。既に各所の報告記事にてその概要は報じられている筈なので、この稿では私が得た小感にとどめておく。ショーのために誂えた貸し切りの４輌列車（京急電鉄デハ1000形）の中は、両隣と間隔を開けた座席指定になっていた。偶さかに私は優先席に振り分けられた。さして混んでいない車中にあって不思議と両隣が開くのが私の常だから慣れたものである。 　これよりショーの舞台となるに違いない列車に乗車していながら、車窓には、同じ区間を通常ダイヤで疾走していく快特電車の乗客の姿が映る。普段は見慣れた景色だが、今は普通に車中の人となっているわけではないことに少しく違和感を覚える。実際のショーが開始した京急蒲田駅に向かう中途の駅で停車した折である（特別列車なのでダイヤグラムの都合上必要だったのだろう）。何処で聞き及んだのか、幾人かの「撮り鉄」がプラットホームより我々の列車にレンズを向けてきた。通勤、通学などの日常的な移動手段とショーと云う非日常との面白いギャップに、車中の人は浮かれ気味になる（私が乗車した車両だけだろうか）。この懐かしくもワクワクする感覚は、勿論、普通のショー会場では味わうことの出来ぬもので、遠い昔の遠足や修学旅行のノリに近く、乗客（招待客の面々）はいい大人のくせして皆一様に陽気になって口々に騒いでいる（与太リストの私もついつい悪ノリをしていたのだけれども）。皆が皆、デザイナー（阿部潤一）と演出家（若槻善雄）が周到に用意した術中に見事に嵌ったわけである。それは合成画面や動画では味わうことの出来ぬ、実際のショーと云う現実であり、その場に居合わせた我々（それも限られた人数）にしか共有出来ぬスペシャルな時間であったことを差し引いても（パブリックな空間を会場にすることでアナクロニズムと云われようが）、粋なエンターテインメントだった。秀でたエンターテインメントは、作者の全力疾走であり、一気に飲み乾すカクテルである。強く効き、すぐに終わる。熱を出して、冷めても、後に残る。　たとえば、野性と洗練、粋と頑迷、都会と田舎、男性性と女性性、スポーツとテーラード、アウトドアとエレガンス...相反する様々な要素を、ある程度の許容範囲の内に矛盾なく収めたコレクションは、一足先にパリメンズのオンライン形式で発表した男物に、更に女物を足した、飛び切りプレーフルなピースの寄せ集めだった。恰も現実と非現実の境界を交差するように、普遍的な服のコードを「カラー」流儀の新たな文脈に置き換えている。重ね合わせ、捻り合わせ、巻き込み、上下や裏表を反転させ...複数のジャケットやコートの様々な部位や縫い目は、パズルのピース、それも普通のジグソーパズルではなしに、三次元のパズルに於ける一片のピースの役割を担っていて、種々のピースの集合体は、個性を映し出すツールとして表現されている。歪に、それも最小限の大きさで切り取られた服の部位をアイコン的に使った継ぎ接ぎの歪んだ断片の重層構造は、アングルに応じて様々なルックスを愉しむことが出来る設計である。　一着の服のキワはもう一着と交叉して互いに照応し合い、細部は捻られ、混じり合い、時には調和を打ち砕き、時には服の境界そのものが姿を消してしまうと云った設計。パーツが組み合わされて生じるポップで強い色彩の衝突は、抽象的な油絵の中に見られる、強靭な筆触を盛った線的画面構成のようにも思える。こうしたコラージュは複数の相反撥する力が陰に陽に卍巴になっていて、一着の服と云う完成形を軸にグルグルと無限の追い駆けっこをしているように見えて愉しい。阿部の言葉とは、理論で繋がる言葉ではなく、意味を破壊し、その都度の偶然の中で動いていく言葉だ。否、それは必ずしも偶然より産まれ、恣意的な言葉と云うべきではない。その意味は、着る側の自由に委ねられるべく、彼にとっての必然の言葉なのだ。遊び心のある美しさ。そしてそれは、屡々破壊的なものである。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク情報はこちら

kolor

モードノオト 2021.09.05

　「FACE.A-J」の2022年春夏シーズンのプレゼンテーションを見て思うところがあった。公園通りを目指して霧雨の中を歩いた（会場は渋谷パルコだった）。渋谷は時節を弁えず人流が多い。相変わらずモノも多い。モノは、それでも溢れ続ける。消費社会の宿命だ。モノとしてのモノから、記号としてのモノへの方向に拍車が掛かり、モノと人間の関係が曖昧になってきた。古くは人間が中心にあって、人間のシステムにモノが適合していたのが、いつの間にか、その関係が逆転してしまった。モノは機能的かつ合理的に進化を続ける一方で、人間はそれほど機能しなくなり、寧ろ不合理になりつつある。（かく云う私もその中の一人なのだけれど）昨今の状況に照らし合わせるなら、この渋谷あたりの人流もまた不合理を絵に描いたような現象だと思う。　この場合のモノは、そのまま服に置き換えることが出来る。即ち、服を着る側と作る側の関係が逆転してしまった。これは今に始まったことではない。表層、即ちトレンドを追い求めると本質を見失うことがある。表層は屡々蛇行するものだが、底流は蛇行するものではない。外観（うわべ）と高級イメージを人質に、お客の足もとを見て、とことん小馬鹿にしてきたブランドもある。そんなブランド群が潮流の先頭を切っていたこともあったし、そのせいで、真摯な作り手の言葉がギスギスとして痩せ細っていくのを眼の当たりにして、正直、切ない、と思うことも屡々あった。だが、パンデミックが思わぬ奇貨となった。ブランド（作り手）と消費者の意識や視点を大きく変える契機になった。システムがどのように転換しているかは紙数の都合で割愛する。　アフリカと日本のクリテーティブ産業を繋ぐプロジェクトとして産声を上げた「FACE.A-J」は、国内外の様々なクリエーターやブランドと協業してきた。デビューとなった2019年10月のプレゼンテーションより欠かさず見ている。４回目を数える今回も民族的な意匠をスタイリッシュに見せていたが、それ以上に含蓄に富んだ提言を感じさせた。南アフリカのコサ族の伝統的なビーズワーク、シンボル、色彩に鼓舞されたポップな意匠を裏書きする人間の叡智に感銘を受けた。ここには、モノと人間との正常な関係が成り立っているのだ。最新のプレゼンテーションは、起業家でありクリエーティブアーチストであるラデュマ・ノゴロが2012年に設立したアフリカのラグジュアリーなニットブランド「MaXhosa Africa」と、東京のニットファッションの製造業者で構成されたプラットホームである「TOKYO KNIT」に参加する６社との協業により実現した。プレゼンテーションでは、初回より「FACE.A-J」のディレクションを担当している栗野宏文氏がDJを務め、点睛も忘れてはいなかった。　洋の東西を問わず、その地に育み培われてきた伝統的な手工芸の木霊は、多様で異なる要素の中に美を求める。そして人間の手を通して、それは自由闊達で放浪的な探索を経て、素朴だが輝きのあるモノへと変換される。伝統が更新される外観以上に、大切なのはそれがどのようにして作られるかに重きを置くことだろう。ラグジュアリー（本質的な豊かさとか、言語や文化が育む豊かさ）とは時間であり、時間は痕跡を残す。それは伝統についての様々な参考図書を通してのみ得られるのではなく、人間の言葉と叡智より産まれた技術（素材に見られる意匠）に容易く見いだすことが出来る。これら総てに於いて、学び、発展させ、完成させるには相当な時間を要するに違いない。「私たちは、私たちの祖先の見果てぬ夢である」と云うのが「MaXhosa Africa」のメーンテーマだと云うが、それは確固たる意志とともに歩む旅を示唆しているのだろう。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク情報はこちら

FACE A-J

モードノオト 2021.09.04

　私は紙に文字を残すことにこだわってきた。紙媒体が斜陽な時代と云われようが、ファッションと云う行為を紙に記録することが自分の生業だと私は信じて疑わない。売文稼業と称して、消閑の遊戯的気分と幾許かの自嘲味とから、やや世を拗ねた脱俗離世のポーズを見せながら、四角な文字を連ね、しかつめらしい文体でファッションの艶冶（そもそも私にとってのファッションはなまめかしく美しいものであった筈なのだけれど...）の情を写しては可笑しみをとるような筆荒みであっても結構、と私は思っているし、たといインクのシミのようなものでも、私は紙に私のファッションの記憶を刻み付けておきたい、と念ずる人間だ。日和見主義者と衆を恃む非個人のウヨウヨする国に、こうした野暮で偏奇な目論見が生き残ると本気で考えているとすれば、誠におめでたい限りと云わねばなるまい。何故このような愚かしい戯れ言を得たのか。朝まだきの雨に烟る静寂がそうさせただけではない。　そのときの小塚信哉は、口振りは静かだったが、きちんと端座した姿勢や眼差しには、これまで見たこともない屹度したものがあった。私は彼に対面したことはない。こうした勝手な像は、過日取材で訪れた「シンヤコヅカ」の2022年春夏コレクションを見て得た印象である。屹度したと云う形容は、ゆったりとした服の仕様と、ひと刷毛掃いた描きかけの青の残像（真っ青なイメージ）には相応しくないことは承知している。今回の創作過程に於ける彼の姿勢や思考方法を私なりに想像してみた結果、この言葉が浮かんだ。人（この場合は作り手）が自分の性格的なものを曝け出す瞬間が、私のノオトのシャッターを切る、所謂決定的瞬間である（変な喩えだけれど）。　小塚の生活観や美意識をそのまま、今回の男女のモデルのキャラクターに反映させたものかどうかは彼に訊いてみないと定かではないが、作品群は、現実の我々の苦悩を捨象することなく随分と解放的で見晴らしがいい景色を彷彿させる。ジンタジンタのワルツの音楽も心地よかった。コレクションノートに彼は次のように記している。曰く「オーバーサイズを作りたいのではなく、オーバーサイズによる身体と布の空間を作りたいと云うこと。優れたデザインは隠れていると云うこと。総ての物事が明瞭では面白くないこと。自身のファッションや服に対するプリミティブな部分を考えたときにこのような言葉が出ました」と。表現の現場に向き合ったとき、無意識のうちに身体感覚として沁み込んでいたこうした考えが、彼にこうした文体を選択させたと云えるが、我々がいま置かれている状況と服との空隙を、作り手本人ではなく、あくまでも服を着る人の想像力によって埋めることを彼は選び、その作業に忠実だったのだと思う。踏み込んで云うなら、見て見ぬふりをしない勇気となるか。　再度コレクションノートを引用する。今回の題名である「素敵な下書き」に言及した彼の言葉はこうだ。「下書きと云う行為は、絵であれば作品をより美しくしようと云う行為であり、手紙であればより気持ちを伝えようと考える準備の時間であると思い、その下書きの時間や空間がとても素敵であると気付きました」。たぶん小塚はこう思ったのだろう。屡々、人は、自らの記憶に残った僅かばかりの事実がその人自身に与える意味を、みだりに水増ししようとはしない。そこには想像力の問題もあるだろうが、他人によって自分の記憶の空隙が埋められるよりも、人は屡々、自分の想像力によって埋めることをよしとするのだと云うことを。押し付けがましさを感じさせることなく、彼の服が時代に寄り添っていると思ったのは、そうした理由からである。本来であれば完成した絵画、清書した手紙を作品とすべきところだが、敢えて彼は「下書き」を隠すことなく表に立てた。様々な要素のコラージュは、時間、国籍、記憶、主観、客観を曖昧にし、いつの時代の誰の記憶から寄せ集められたものかをぼかし、総てを抽象化している。定義するのではなく曖昧さをよしとする価値基準。価値基準としての強い自己信頼。小塚のユニークな価値基準が、生地と身体、服と心を見事に繋ぎ合わせている。感情の水門を完全に開き、理屈抜きで好き嫌いに溺れるように按配された一着である。初めてのキャットウオークと云うことも手伝ってか、スタイリングが冴えていただけに、自ずと服に込めたコンセプトが明確に浮き彫りになっていた。但しこれも私の勝手な解釈に過ぎないのだけれど。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク情報はこちら

モードノオト 2021.09.03

　この異端の創作は、底の浅い古着のリメークやコロナ禍に応じた俄な仕立ての自然志向のショーに慣らされ鈍ったこちらの皮膚感覚を一気に覚醒させてくれ、心の奥底に澱んでいたオリを綺麗に洗い流してくれた。私はショー終了後の楽屋に飛び込んだ。この湧き上がる感情を作り手本人に伝えたかった。それに彼と会話をしてみたかった。岡﨑龍之祐は「祈り」「左右対称」「縄文土器」「自然界の循環」と云うキーワードを挙げてくれ、その時点で私の予想は確信に変わった。と云うか、不遜に聞こえるかも知れないが、彼の言葉を聞く前に実は知っていた（身体がわかると云う感覚だろうか）。「リュウノスケオカザキ（RYUNOSUKEOKAZAKI）」のドレスは、服に似せたオブジェクトなのか。そんなことは瑣末なことである。少なくとも私にとっては。作り手の特異な創作行為に完璧に呑み込まれたのだから。取材の俎上にのせる所謂ファッションデザイナーとは、岡崎は現時点ではその質は確かに異なる。寧ろ、未だファッションの部外者に近いかも知れない。だがしかし、気力や勢いを削がれて閉塞状態にある今だからこそ、彼の創作はファッションに於ける真摯な行為と云うことが出来るし、私はその行為に与したいのである。 　旧石器時代以後の縄文時代。大陸、朝鮮の影響を受けて農耕石器や金属器が生まれる弥生時代の前の、洗練された弥生土器にはない縄文土器を生み出したその時代の只管に土着な風土、風習に、岡﨑は大いに触発されている。プリーツやドレープと云った服作りの基本となる技巧的な手法（正統的な服作り）を一切使わずに（この点が重要で、異端の創作と形容した所以である）、もっと稚拙で素朴な、それでいて尤も根源的な造形手段（たとえば、骨組みとビニールで出来た巨大な洋凧のようなドレス。勿論、生地はビニールではない）、即ち、作り手自らの手を動かす行為でカタチは成形されている。それは、往時のサンドラ・バックランドが棒針（編み棒）だけで度肝を抜くほどの紡毛ニットの立体ドレスを造形した手法に似ている。「僕はデザイン画を描きません」と岡﨑は云っているが、彼女（サンドラ）もそうだった。ウネウネとした造形線、鳥居（神社の参道入り口にある）を思わせる、完璧なまでのシンメトリーな造形線、縄文土器の持つ原始的な力強さ、曲線と直線が織り成す神秘的なカタチ、奇っ怪な縄目紋様と凸凹の土器の表面に見られる当時の人間の叡智とグロテスクな審美眼、土偶に見られる占術的で宗教的（いずれも自然崇拝と云う意味で）な意匠等々。リブニットや伸縮素材にボーンテープを縫い込みハリのある面や鋭角な線を描き、芯を入れたニットのテンションを活かして曲線を作り、無数のパーツを幾重にも繋ぐことで、「自然を内包し、自然に擬態し、自然に還っていく循環」を具現する限りなく放胆なカタチを造形している。その実、恣意的なカタチは随分と外に向けて開かれていて風通しがいい。決してテクニシャンとは云えない作者の手は、醜と美を、原始的な織物の飛白のように一つの模様として織り上げ（或いは、縄文土器のボコボコの表面のように）、その斑紋は我々の無意識の記憶を覚醒させる明快なサインとなっている。　今回の岡﨑のドレスが偶さかにオートクチュール的なフォルムに映ってはいても、クチュール的な過程や景色を端より念頭に置いた創作ではない。それとは真逆な、服飾史に於ける異端な手法を以て、恰もオートクチュール的なフォルムを模写している。フォルムは岡﨑の特異な美的感覚と好尚によって篩に掛けられ、模写される対象に彼の野性的な感覚が加わり一層大胆な表現に磨きが掛かる。こうした、思わず超自然的な力の存在を信じてしまうほどに神秘的で美しい詩情は、武骨なユーモア（クチュールの模写）とか、魑魅魍魎の猥雑さと境界を接し、審判を下す者であると同時に、紛れもなく作り手の共犯者でもあるのだ。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク情報はこちら

RYUNOSUKEOKAZAKI

モードノオト 2021.09.02

　今回、石田萌がものする散文には、軽やかさ、優雅さ、伸びやかさ、それに多少の卑俗さが感ぜられた。卑俗さと云うと大いに誤解を招くが、豊穣のときを過ぎた田園風景を偲ばせる田舎びた素朴さを卑俗と云う言葉に置き換えてみた。また、有機的なモチーフを服の裁断、形、細部に大胆に落とし込んだ様子は、たとえば往時の「コム
デ
ギャルソン」とか「アレキサンダー
マックイーン」の目眩くドレス類に些か重なって見えてしまったため、この既視感を敢えて卑俗と云う、普通ならばネガティブな言葉に置き換えてみた。だが、だからと云って、私は今回の「ホウガ」を、そんな理由で否定するつもりは更々ない。寧ろその逆なのだ。過剰な装飾故に現実味を欠いている風を思わせるが、彼女の見せるドレス表現は、激しく吹き寄せて私の脳裏に様々なイメージとビジョンを呼び起こした。未だ硬い花の芽の、段々とその螺旋状の蕾を膨らませ花を結ぶ瞬間の、何者にも束縛されない生命の神秘的な力とその滾りを、彼女は創作の源に据えているように思う（「ホウガ」＝「萌芽」の意のブランド名にもその意図が伺える）。　小さな花弁を幾重にも配したようなフリルの波、花壇に咲き乱れる花々を連想させる小さな起伏に富んだプリーツ生地、植物柄の鉤針編みの付け襟などは牧歌的に映るが、限りなく凝縮されたモチーフの数々が放つ強かさとエグミを引き出している。素朴に見えて、その実、少しく手強い。また、19世紀や20世紀初頭の服飾史を紐解きドレス表現に重厚な味を加えているあたりも面白い。どうやら彼女の服には、生きた現実生活よりも、もっと生々しい現実があり、人間の感情や心理の捉え難き明暗表現が浮き彫りになり、絶望や不可能を前にして、希望や可能を見出す芽が宿っているようだ。　「大人らしく」「女らしく」「男らしく」「母親らしく」と云う言葉が今回のコレクションノートに記してある（因みに、彼女はブランドを立ち上げる前に前職の「フラボア」の企画職を出産を機に退職している）。彼女は数々の言葉を甦らせ、生き生きと躍動させ、舞い踊らせている。この作品群に描かれているファンタジーは、フェミニンな服を目指すと云ったありきたりの情熱とか、伝統的でステロタイプ化した性差の区分とは異なる、誤解を承知で云えば、戦闘的な意志に根差したファンタジーである。即ち、「○○らしさ」からの解放を謳うドレスなのだ。この特異なファンタジーは、作り手の内面で絶え間なく変化し、変化することで自らを創造し、自らを創造することによって生き続けていく筈である。この作品群に於いては、草木がひねこびることなくスクスクと繁茂し、神秘の星々がチカチカと煌めきながら巡り、血液がドクドクと体内を駆け巡るようにごく自然に日常的なものと非日常的なものが一つに結び付いている。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク情報はこちら

HOUGA

モードノオト 2021.09.01

　東京のファッションウイークの前に、大野陽平の展示会に行った。何度か、こんな炎天下に彼の展示会に足を運んだ記憶がある。一服の清涼剤を期待して行くものではないが、彼の目指す服作りは、他のデザイナーとは少しく毛色が違っていて面白い。世辞にも種類に富んだ作品群とは云えないが、型数が多くないのが幸いしてか、たといこちらが裏切られることがあっても、彼の特異な思考の痕跡が服の形や細部に滲み出ているから愉しい。創作の呼吸を体感することが出来るし、媚びを売るような仕草が微塵もないところが快かった。大野渾身の一着が、果たして売れるか売れないかは扨措くとして、その一着は、紛れもなく大野の流儀で忠実にデザインされている。そんな濃密な一着がそうそう売れる服だとは思えなかった。　さて、2022年春夏向けの展示会は大盛況だった。たまさか私が居合わせた時間帯が混んでいたのか、大野の展示会で活況を見るのは初めてのことだった。私が思っている以上に彼の服は売れているらしい。「もうすぐ7年。今回で14シーズン目を迎えます」と彼は云う。本人に会う前に、ルック撮影のデータ（デビュー時）を見て、そのユニークな世界観に強く惹かれたことは記憶に残っている。女性服でありながら、服が、着る女性のイメージを軽々と飛び越え、それが静物のように凛とした佇まいを持っていた。本来なら、服としての機能や魅力に甚だ欠けるものだったから、それ相応の印象の方が強い筈である。それにも拘わらず、経験の浅さ、技術の未熟さを差し引いてもなお、気骨のある服だと思った。その後の番度のインタビュー取材を通してわかってきたことも少なくなかった。　大野の創作に触れる度に、私は私の近視眼的なモノの見方を憾む。「木を見て森を見ず」と云う常套句がある。眼前にあることしか見ずに、周囲のことが見えていないことを表す場合に用いられる、まさにその言葉通り。細部にこだわるあまり大きく全体や本質を掴めないことを嘆くのだ。仮に「彼の世界」なるものが茫々ながらも存在するとしよう（私にはその軌跡が見えるように思うし、それは活発に運動しているように感じるのだけれど）。して、この大野の「ワールド」と向かい合うときには覚悟が要る。覚悟と云っては大袈裟だろうから、喩えばこう云うイメージである。シーズン毎に木だけを見て、一生懸命に木だけを見続けて、その結果、いつの間にか鬱蒼と茂った森が自ずと姿を眼前に現す。それが彼のワールドではないだろうか。彼のワールドが常に運動している所以はそこにある。そして彼の内には夢の実を結ぶ秘密の木がすくすくと枝を伸ばしている筈。と、まぁ、私の中で彼の創作の道程はこんなイメージとして膨らんでいる。勿論、ここで云う一本の木は一着の服の喩えである。　一つ前のシーズンを検証する。また過去の創作を更新する。そして新作として幾つかの細部を積み上げ、織り上げる。意外と思われるかも知れないが、地道な作業が大野の創作の根底にある。アッと云わせる奇抜さや目新しさを彼は狙ってはいない。彼独自の創作のループがある。「私はオーセンティックな服を作ろうとはしていません。一つ一つの素材に対して、先人たちのチャレンジを踏まえつつも自分なりの新しい考察や形に対するアプローチ、プロポーションを作り出してみたい」と云うのが彼の考え方だ。煎じ詰めるとこうなる。「（おおまかなフォルムを作ることを先に考えるので）服ではなく、服のように着られるフォルムを持った何か、を作っているイメージです。それを服のマーケットの中で日常の服として受け入れてもらうまでは多くの試行錯誤と時間が必要なので、シーズンを跨いだブラッシュアップを心掛けています」と彼は語る。　日常とエレガンスの接点に於いても大野は個性的な見解を持っている「（そもそもファッションとはそう云うものであって欲しいのですが）今までに感じたことのないふとした新鮮さや、新しい発見を見出せるような、それでいて単純に気分が上がる『日常の服』を提案したいのです。そのためには決まりきった美しさや上質さではなくて、『少し変かもしれないけど、これはこれで素敵かも』と思えるような『ある種のエレガンス』が必要だと思っています。バランスを一部壊してみたり、本来必要なものを削いでみたり、必要ないであろうものを加えてみたり、フォルム作りを含めた様々なアプローチを試しながらも、あくまで実用性のある着地を意識しています」。たとえば、ドレスに薄いナイロン素材を使用し、ドローコードを仕込むことでカジュアルダウンさせ、アウターやパンツも実用性のあるポリエステルツイルやコットンポリエステルを用いているのはそのためだろう。ロングシルエットは手工芸的な透明感を持ったテクスチャーによって非物質化され（着る女性のイメージが生まれ）、多層化することで重さを感じさせることなく服としての深度が生まれる。　今回の展示会で感じたのは（実は一年振りに彼の服を間近で見たのだけれど）、女性に歩み寄る彼なりの姿勢だった。最後にそのあたりを彼の言葉に置き換えておこう。「『ヨウヘイオオノ』は『探求』をモチベーションにしていますが、あくまでも女性に向けたビジネスをしているので歩み寄りは当然だと思っています。ユニークなフォルムを作ると云っても、着る女性に（前述したように）私の思うエレガンスを提案出来るように美しく仕上げようと思っています。そうして続けてきたパンツやシャツ、一部のドレスなどはブランドの主力アイテムになっています。今シーズンに関しては、素材を敢えてシンプルな、いわゆるワードローブ的なものにすることで、（今まで印象として持たれがちだった）難しさや複雑さ、試行錯誤的に見えてきたものを一切取り去ってサッパリとした仕上がりを意識しました。ただ、方向性としてはかなり手応えを得たので、今後もワードローブ的なアプローチは意識したいと思います」。ヤサ男風の外観と煮え切らないような受け答えに騙されてはいけない。私感とハッキリ断った上で云うべきことだろうが、いまもなお私は彼を、気骨のあるアウトサイダーだと思っている。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク情報はこちら

YOHEI OHNO

モードノオト 2021.08.31

　人の揚げ足を取るような言動は、今のように閉塞感が蔓延した瞬間に限らず頻々に表出するのが世の習いである。作品の一部を「エヴァンゲリオン」と協業した此度の「アンダーカバー（UNDERCOVER）」のショーに対して甲論乙駁が書き込まれたと聞いた。オマージュした高橋 盾の肩を持つわけではないが、眼を三角にしてあげつらう論点ではないような気もするが、マニアの執心を此処で忖度しても始まらぬし、況してや、高橋は当該の物語を新たに語ってみせたわけではない。強い自我意識に縛られ、それでも止むなく自粛を迫られ、骨身を削られるようなストレスに晒され続けている現代人に届けられた素敵な贈り物として臆せず享受する方が得策だろうと私は思う。わざわざ高橋
盾は、十人十色の夢のバリエーションを手渡してくれたのだから。彼の意図は判らぬが、此度のエンターテインメントは、主義、思考、趣味、性質のまったく異なる人たちが各々抱くに違いない夢の変奏曲としての体裁を採っていたように思う。一段と懐が深くなった。ショーに登場したスタイルは、一枚のフィルターのように日常と頽廃的な幻想の間に明確に存在する服としてのカタチが与えられ、自らが発光する多面体の如く、クッキリと薄闇に浮かび上がる仕掛けである。入り口が複数ある部屋とか、二つ以上の結末が用意されたミステリーのように、多面的、且つ紆余曲折的に入り組んだ物語（のようなもの）が累積したダークな世界にあって、最終的には一筋の光明が射し込むように設計されたエンターテインメントである。酔いに任せて私は、「あなた方は、今なすべきことをしっかりとせよ」と云うブッダの言葉を此度のショーに重ねてみた。そして「時代」とは、「今のこの瞬間」なのだと悟った。　密かに私は、東京での最後のショー（2002-03年秋冬ウィメンズ）を思い出している（東京でする単独のショーは19年振りだと云う）。あの時は、一枚のTシャツを魔女の細胞に喩え、それが分裂し増殖する様を見せたショーだった。頽廃的な気分は今回と似通っているし、メタモルフォーゼ式の展開も共通している。と云うのも、今回の物語を、私は「蛾」の一生に重ね合わせて見たのである。蝶を綺麗と喩えるなら、誰しも、蛾には汚いイメージを持ってしまう。人間が勝手にその形態や生態で分類しただけで、もともと蝶も蛾も同根なのだから、蛾にしてみれば甚だ迷惑な話である。馥郁たる花畑に飛び交う蝶と、日が暮れて活動し始める蛾。そのあたりの伏線も高橋らしいと勝手に思っている。私が描いたストーリーは、憂いに満ちた時代に孵化した蒼白い青虫や毛虫たちが、やがては成虫となり月光に向かい、自由気儘に、互いに別々の光を目指して飛び交うと云う、当今のパンデミックを背景とした幻想譚である。その伝で云えば、コートのフードマスクに仕込まれた探照灯（あの「グレース」を彷彿させる）は誘蛾灯であり、モデルのメークは毒々しい鱗粉のように見える。そもそも蝶と蛾は何処が違うのか、と云う話なのだけれどもね。　当の高橋はと云えば、書斎（デザイン室）に自己隔離しているようでいながら意外に世間智もあって、それならば俗かと云うと断乎厳格を貫いていると云う、或いは、のんびり、ゆったり、うららかにやっていながら、実は途方もない緊張感に支えられていると云う、結局、彼一流の創作道徳みたいなものがデザインに無理なく反映しているのではないかと思う。以前他処で彼のことを、「オチる人が好きだ」と書いたことがある。長いキャリアに付き纏う、「今更なんでアンダーカバーなの？」的な雑音に対して、本人は憤りより諦観の態度を取らざるを得なかったと本音を吐露したことがあった。私は、そんな彼の「生」な感じに心を打たれた。往時のアナーキーであり得た彼の創作世界が、様変わりする時代の要求に偶さかにピッタリと合致してしまったとか、それどころか時代に追い越され、かつての雄々しさを失ってしまった、と云う論旨で「今更」を引き合いに出した輩は、いずれも「時代」が好きな人たちなのだろうが、面白いのは、実はそんな人たちも高橋が紡ぎ出してきた物語を愛していたわけで、かつて我先にアンダーカバー的「ランド」に入場して喜びを得た人たちが、そんな自分の過去に少しく嫌気が差して、その当時の「今」と云う時代の変化の方に批判原理を移そうとしただけのことなのだ。　幾分私的な感情が重なってしまったようだが、勿論、高橋の作家人格と云うのは、彼の語る物語（エンターテインメントとしてのショー）そのものの中にしかあり得ないわけで、ダークなファンタジーが頻々と繰り出されるエンターテインメント故に、彼の創作世界は現実離れしているように思われがちだが、実はその逆で、寧ろ「時代」を実にちゃんと見ているのではないかと思える節がある。意外かも知れないが、ひょっとすると、生来の批判精神と云ったものを、止むを得ず具えている人かも知れない。と云っても、勿論、所謂政治的、時事的問題に対して一家言持っている、と云うような次元のことではなくて、なんと云うか、彼の物語は、時代の現実との間にある並大抵ではない緊張感に裏打ちされていると思う。だから、いくら幻想的な領域に遊ぼうとも、服の土台は普段着であるとする彼一流の創作的道徳が種々のエンターテインメントを通貫しているから、幾ら時空次元を超えようとも、それらが絵空事に終わることはないのである。また、高橋のショーには、リアルとファンタジーの間合いが巧妙に縮まるタイミングが屡々ある。即ち、物語の「魔」が立ち上がる瞬間である。例えば、パリメンズで発表した『蜘蛛巣城』（黒澤
明監督 1957年公開）に着想した物語（2020-21年秋冬コレクション）を思い出して欲しい。近年に至って円熟した大人の語り口を身に付けた「語り」の錬金術師として我々を楽しませてくれた。間違いなく向後も、日常の「魔」とか幻想の「魔」は、我々がそれとは気が付かない程の巧妙さで、彼が語る物語の中にうっそりと立ち上がり続ける筈である。（文責/麥田俊一）ファッションウィーク特設ページはこちら

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