インサイド

新宿に潜む、「かわいい」の源流⎯⎯ 新宿に本店を構えるシュクルですが、もともとのスタートの場所は？　シュクルは、オーナーのヒロが埼玉の川越にあったマンションの1室で1人でスタートしたお店で、今年で11年目になりました。オープンから1〜2年目くらいのタイミングで、僕は3人目のネイリストとして加入し、その後東京に移転を決めた際に最初に選んだのが新宿。今の店舗のすぐ近くの、狭くてボロボロのマンションでした。⎯⎯ なぜ東京の中で新宿を選んだのでしょうか？　よく聞かれるんですが、「新宿」ってどんな人でも受け入れてくれるというか。二丁目もあれば、西新宿の方はオフィス街ですし、南口の方にはおしゃれなお店があって、少し外れたら歌舞伎町があります。当時はまだ漠然としてはいましたが、「シュクルのやりたいこと」の雰囲気に合っている街だなと思いました。　僕は元々絵を描くことが好きだったんですが、ネイルに関しては全くの素人で、このお店に入ってから勉強したんです。当時のネイル業界はコンサバ寄りの綺麗めなテイストが主流で、まだ奇抜なデザインのネイルをするサロンは少なかったのですが、素人の僕に声をかけてくれたオーナーは「好きなようにやっていいよ」と言ってくれて、遊び感覚で始めました。「その爪で日常生活が送れるの？」と言われそうなネイルばかり作ってきましたが、色々な人がいる新宿には、そういったものを受け入れて、面白がってくれる人がいるんじゃないかと思ったんです。⎯⎯ オーナーはなぜ、初心者だったYOUさんに声をかけたのでしょうか？　男性のネイリストを採用したかったそうです。今では、男性のお客さまもネイリストさんも増えてきましたが、当時はかなり珍しくて、初めはお客さまとのコミュニケーションがかなり大変でした。でも、マンションの1室で初対面のお客さまを迎えて、手に触れて施術するんですから、男性のネイリストが出てきたら女性のお客さまは当然警戒しますよね。⎯⎯ 顧客から信頼を得るために努力したことはありますか？　ネイリストはお客さまからの評価やリアクションがダイレクトにその場でもらえるので、気に入って喜んでくれているのかそうじゃないのかは雰囲気ですぐにわかります。そういった反応を見ながら、その場で少しでも喜んでもらえるものを作っていくことでしか信頼は得られないと思います。⎯⎯ 手元は常に視界に入るので、ネイルの出来栄えが良いだけで毎日元気をもらえる気がします。　僕たちの仕事って、1ヶ月で取れてしまう“たかが爪の上のアート”を作ることなんですが、お客さまから「サロンに行くのを楽しみに、嫌なことも乗り越えられました」と言っていただくこともあります。　1人のお客さまに対峙するのは約2時間で、僕らにとっては1日8～10時間接客する中の2時間、もっと言えば30日間の中の2時間ですが、お客さまにとっては1ヶ月楽しみに待っていた大切な時間ですし、その期待に応えなくてはと思います。NewJeansも着用、新しいデザインが生まれる理由⎯⎯ デザインを作る時にはどんなことを考えていますか？　常に「新しいもの」を作りたいという気持ちは強いです。デザイン自体の新しさというよりは、「これを使ったネイルは見たことがない」とか、「このイメージをどう表現しよう」といった感覚を表現できそうな材料を探して作ってみると、新しくて面白いデザインが生まれます。楽しみながら新しいものに挑戦していると、自然とお客さまも面白がってついてきてくれる気がしています。⎯⎯ 着想源にするのはどんなイメージですか？　僕が特にこだわっているのは質感です。例えば、1枚の風景写真の中に写っているものがひとつじゃないように、光や金属、水の質感だとか、何かに反射したツルンとした柔らかいものだとか、そういうものを爪の上で表現したいんです。　でも、実はそれをネイルで実現するのは意外ととても難しくて。ネイルアートは丈夫に仕上げるために必要な工程がある程度決まっていますし、人体への影響も考慮した上で使用できる素材が限られています。ただそういった縛りの中で、いかに自分が目指すものを表現するかということを考えていますね。⎯⎯ NewJeansが着用したネイルチップにも採用された3Dの動物ネイルは、人形のような質感も独特です。　動物のモチーフなどは、ヴィンテージのぬいぐるみのような毛の質感や古びたようなニュアンスを出したくて、少し茶色く汚したりしています。 ⎯⎯ パーツは事前に用意するのではなく、爪の上で作るんですね。　はい、全部お客さまの爪の上で作ります。ネイル用のパーツ以外のものを使ったり、市販のパーツを壊して作り替えたり、お客さまの目の前で作り上げるパフォーマンス的な部分も込みで、自分だけのネイルを生み出す時間もこだわりかもしれません。⎯⎯ ご自身の「好きなもの」から着想されていますが、トレンドを意識することはありますか？　流行は意識しませんが、SNSで他店のデザインを見て、僕たちと似たようなムードが来ているなと思うことはありますし、気になっていたものがネイル以外の領域で登場し始めていることはあります。例えば、「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」の2024年「アーティザナル」に登場した陶器のようなメイクのパール感や質感は、同時期に僕たちが作っていたネイルに通じるものを感じました。それが正解なのかはわかりませんが、「この方向性でいいんだ」と自分の中で自信が持てたら、信じて突き詰めて広げていきます。　トレンドって、自分たちが良いと思うものを自ら発信して作るというか。「こういうのが良いと思うよ」と提案していくうちに、そういうムードができていくのかもしれません。「かわいい」とは何なのか⎯⎯ 一方、東京の店舗には後輩スタッフも多く在籍されています。「シュクルらしさ」を持つ若手を育てるためにどのような教育をしていますか？　「アートの時間」という、お客さまに提案する際に必要な耐久性や安全性などのルールを一旦無視して、各々が今作りたいデザインを自由に作って見せ合う時間を月に1度設けて、みんなで意見交換をしたり、僕からもアドバイスをしています。　実際のサロンワークでの方針は、打ち出していきたい方向性を毎月僕が示すんですが、僕がヒロと同じ最年長の37歳なのに対して、若いスタッフだと20代前半の子もいるので、そういう若い子たちの感覚を常に聞いて、どんなものが流行っているのかは勉強させてもらっていますね。⎯⎯ 若いメンバーとの会話で最近印象的だったことは？　5〜6年以上前に入荷して、ずっと眠っている蛍光色のホログラムがあるんですが、最近若いスタッフから「気になります」と言われて発掘しました。それまでは「ずっと前からあるやつ」程度に思っていましたが、若い子の新鮮な意見を聞いた後からは、すごくそれが自分の中でもかわいく見えてくるようになって。　そこから生まれる新しいデザインもありましたし、自分だけの発想では絶対に生まれなかったものが、別の世代とのコミュニケーションを経て身近にあることに気がつくと言うか、初心に返るというか。何事も自分1人では作れないなとすごく感じた出来事でした。⎯⎯ YOUさんは、どんなものを「かわいい」と思いますか？　難しいですね。でも、「ギャップがあるとかわいい」んですよね。僕が作っている動物の人形のデザインも、かわいいと思いますけど、ちょっと不細工というか下手くそというか、偽物っぽさがあります。かわいいのに質感が汚かったり、汚れていたりという「真逆のようなものが同じところにあるとかわいい」という感覚があります。　特に海外の方からは、柔らかいデザインでも少しグロテスクな要素が入っているデザインが好まれます。今まで色々なデザインを作ってきましたが、少しクセになるようなギャップがあるものは変わらずにずっと好きですね。⎯⎯ その感覚はネイルにだけ、ですか？　服装もそうかもしれません。綺麗なアイテムを綺麗に着れなくて。気恥ずかしさのようなもののせいか、少しサイズ感を崩したり、アイテムもカスタムしてしまうことが多いです。「着方、それで合ってる？」みたいな合わせ方をしたり。加工したものは、気分じゃなくなると着られなくなるので後悔することも多いですが、どうしてもその時の気分を最優先してしまいます。そう考えると、ネイルのパーツをすぐ壊しちゃうところとか、不自然なパーツが好きなところにも似ていますね。海外客がお土産感覚で楽しむネイルをNYへ⎯⎯ 海外からの観光客の来店がとても多いそうですね。　海外のお客さまが店内の様子や施術風景、仕上がったネイルをSNSで紹介してくださったのが話題になったようで、今ではお客さまの約半数が海外の方です。　すごい時だとたまたま同タイミングに来店された海外のお客さま同士が2時間の施術中に仲良くなっていたり、家族が10人くらい付き添いで来て施術台を囲んで見守っていたり、お店の中で待っていたり、もはや僕たちの方がアウェイなくらい英語しか聞こえないこともあります（笑）。⎯⎯ どんなオーダーが多いですか？　お任せの方もいれば、インスタの投稿を見て指定してくれる方もいますが、特に多いのはやはり動物やキャラクターの3Dのデザインですね。僕らしいと言っていただく機会が多いデザインなので、お土産感覚でオーダーしてくださるのかな。⎯⎯ ニューヨークにオープンする新店舗でも、提案するデザインの方向性は変わらず？　当面の間は今の感覚のままやってみます。「今のまま」と言っても、きっと日本にいても1ヶ月後や半年後にはやってることや好みは変わっていると思います。でも、僕がその時に気分なデザインを提案するということは変えるつもりはなくて、もしそれが受け入れられないとしたら、その時はその時ですね。⎯⎯ 新宿で「やりたいこと」を叶えたシュクルがニューヨークで「やりたいこと」は？　海外へは初出店なので、より多くの人に作品を見てもらいたいです。日本は世界的にみてもネイルの技術やデザインが先進的だとよく言われますし、確かにそういった器用さや丁寧さといった日本人的な特徴は世界に出た時にも強みにしていきたいと思います。でももちろんアメリカにもヨーロッパにも、優れたネイリストさんはたくさんいらっしゃいますし、そういった方々と一緒に何か面白いことをしてみたい。　一般的にネイリスト業界の横の交流や繋がりってかなり希薄だと思うんですが、そこを繋いでいきたいです。ネイリストの作風にもいろいろなジャンルがありますが、そういったものを跨いで違うジャンルのクリエイター同士が一つのものを作るのも面白そうだなと感じています。edit&text：Chikako Hashimotophotographer：Yuzuka Ota

Fashion

“新宿系かわいい”を作ったネイリストのキャリア

NewJeansやXGも担当、インバウンドが殺到する「シュクル」の男性ネイリストが駆け抜けた10年間

　ショー数日前からミラノの街の至るところに登場したボルドーに「GUCCI ANCORA」の文字。建物の壁や市民の足でもあるトラムが特別にラッピングされるなど、ファッション関係者だけではなく、ミラネーゼも目を留める広告が街中でも多数展開され、ショーへの期待が高まります。　ショー出発前の滞在先のホテルにて。先シーズンのエアリーで透け感のあるドレスとは異なり、ゲスト個々のスタイルを尊重したいというサバトの思いから、新作コレクションから薄手のニットタンクトップに伝統的なフルキャンバスで仕立てられ立体感の美しいジャケットを羽織ったスペシャルなルックがセレクトされました。1960年代のアーカイヴを復刻したゴールドの大ぶりな「マリナ チェーン ジュエリー コレクション」が輝きを放ち、クラス感をプラス。ベルトにはお馴染みのタブルG、バッグはクラシックな「グッチ バンブー 1947」と、ブランドのアイコニックなエッセンスも効かせたスタイリングに。　「ジャケット」は、サバト自身がパタンナーとしてキャリアをスタートしたことに加え、サバトとグッチの運命的な出会いを語る上でも重要なアイテム。南イタリアの小さな村出身のサバトがファッションデザイナーに憧れ、初めて訪れたラグジュアリーブランドのブティックがグッチであり、その時購入した当時のデザイナー トム・フォードがデザインしたジャケットを今でも大事に持っているのだとか。　三吉さんが着用したブラックのダブルジャケットはミニマルなデザインのなかに、仕立ての良さが際立つソリッドな一着。「シンプルなのに存在感がある。これが昔ながらの仕立ての良さなんだな、と感じます。背筋が伸びるような気持ちです」と三吉さん。招待状を携え、ショー会場へと向かいます。 　2月に開催された2023年秋冬コレクションのショーも現地ミラノで鑑賞した三吉さん。今回実は、本来であればデビューショーは昔からの建物や石畳が残るブレラ地区で開催が予定されていました。しかし、あいにくの雨予報で前日にやむを得ず会場の変更が決定。毎シーズンショーが行われる本拠地「グッチ ハブ」に場所を移します。グッチの新たな門出の瞬間に立ち会える貴重な機会。期待と興奮を胸にショー会場に到着です。　ショーまでの時間、VIPの待合室でゲストたちとグリーティング。初対面のセレブや、グッチのショーやイベントを通して顔なじみになった面々と久しぶりの再会も。近況報告や撮影で盛り上がります。　真っ赤に染まった会場内では、続々とセレブリティが到着。ショーにはサバトの友人やブランドのアンバサダー、フレンズと呼ばれるゲストが集まり、ショーのスタートを待ちます。ジュリア・ロバーツやライアン・ゴズリング、ジェシカ・チャスティン、ハリー・ベイリーといったハリウッドスターをはじめ、グローバル・ブランドアンバサダー NewJeansのハニや最新キャンペーンに出演したケンダル・ジェンナーやバッド・バニーといった豪華な顔ぶれがフロントローに並びます。　中にはサバトが初めて手がけたグッチ マリナ チェーン ジュエリー コレクションの広告に出演したモデルのダリア・ウェーボウィの姿も。サバトがキャリアをスタートした頃、初めて立ち会った撮影時のモデルだったことからオファーに至り、今回の出演が実現したそう。しばらく表舞台から遠ざかっていましたが、広告への起用のニュースはトップモデルのカムバックとして注目を集めました。　サバトは「プラダ」や「ドルチェ＆ガッバーナ」といったブランドに在籍後、グッチ加入前まではピエール・パオロ・ピッチョーリの右腕として「ヴァレンティノ」のメンズ＆ウィメンズ ウェアを統括するファッション・ディレクターを務めた経歴の持ち主。14年という長い歳月を共に歩んだかつてのボスであるピエール・パオロも、愛弟子の晴れの舞台に愛犬を伴って駆けつけました。　いよいよショーがスタート。ショートパンツにロングコートを合わせたファーストルックは、これからのグッチのかじ取りを担うサバトのビジョンを示すかのようなシンプルながら洗練されたルック。ジャケットはもちろんのこと、コットンシャツやジップアップジャージー、ニットやデニムのジャケット＆ボトムスといった、「着る」ということをイメージしやすいワードローブのエッセンシャルアイテムの数々。ロゴの主張は控え目にエンボスや刺繍であしらわれ、50年代やトム・フォード期のアーカイヴからインスパイアされたエンブロイダリーのアイテムも登場しました。ショーのタイトルである、イタリア語の「ANCORA」（アンコーラ）は、日本語では"もう一度"や"さらに"という意味。イタリアのクラフツマンシップに立ち返り、グッチをもう一度見つめ直し、もっと好きになってもらいたい——。そんな思いが込められたデビューコレクションとなりました。　「全てのルックがシンプルながらディテールにこだわっていましたし、その中にカッティングなどの大胆さもあったり。今回のショーのテーマカラーであるバーガンディに近い深みのあるレッドカラーのルックも印象に残っています。サバトのグッチへの愛を感じるショーでした」と三吉さん。　偉大な前任者たちのグッチでの華々しい功績を考えれば、この日を迎えるまでに様々な困難やプレッシャーを抱えていたはず。前日の会場変更など予期せぬハプニングがありながらも、ショーを終え、会場から温かい拍手で迎えられたフィナーレではリラックスした笑顔を浮かべていたのが印象的でした。　ショーが終わり会場から出ると、先ほどまで降っていた雨がやみ、雲間からは青空がのぞいていました。サバト・デ・サルノのグッチでの旅は始まったばかり。これからどんな表現で新たなブランドの一面を見せてくれるのか、新生「グッチ」に期待が高まります。グッチ ジャパン クライアント サービス/ 0120-99-2177Photo：Koji HiranoText & Edit：Yuui Imai（FASHIONSNAP）

三吉彩花がまとう新生「グッチ」　サバト・デ・サルノのデビューショーへ

松野仁美サロンワークとヘアメイクアシスタントを経て2013年に独立。雑誌やカタログ等でヘアメイクアーティストとしての活動と並行して、2019年にアートピースの制作を開始した。2022年に渡韓し、現在は日本を拠点に活動。これまでにアーティストのコムアイや(G)I-DLEのミンニ（Minnie）のほか、Red Velvetが「Feel My Rhythm」のMV内で着用したヘッドピースを手掛けた。Instagram：hitomi_matsunoマックイーンのショーに衝撃を受けて...美容師の道に？ー幼いころからメイクやファッションに興味があったんですか？　最初に興味を持ったのはファッションなんですよ。それまでも着飾ったりすることは「普通に好き」でしたけど、あるとき偶然ファッションショーの映像を見てから、「これだ！」って強烈に惹かれるようになりました。ーファッションデザイナーの道は考えませんでしたか？　服自体よりも、もっと全体の世界観やショーを構成するもの、いろんな要素で作り上げられていることが面白いと感じたんですよね。だから、自分がデザイナーになるっていう気持ちはなかったです。私も、この衝撃的な世界観を構成するひとつになりたいというか、メイクも好きだったし、ファッションを裏方として支えるってかっこいいなって子どもながらに考えたりして。それでヘアメイクになろうと思いました。ーちなみに、ファッションはどんなブランドを見ていたんですか？　ランウェイのインパクトに惹かれて、特に2000年代初期のファッションシーンが好きです。最初に衝撃を受けたのは「アレキサンダー・マックイーン（Alexander McQueen）」。ほかには、「ジョン ガリアーノ（John Galliano）」、「ヴィヴィアン・ウエストウッド（Vivienne Westwood）」、「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」、「ヴィクター＆ロルフ（VIKTOR＆ROLF）」とか。着るよりも構造やディテールを見たりするのが好きなんです。はじめに自分はこういうブランドが「ファッションなんだ」って認識しちゃったので、成長するにつれて、「あれ、私が思うファッションって一般的なわけではないんだ」っていうギャップに気がつきました（笑）。この時期のファッションシーンに対する憧れは今でも持ち続けてますね。ー確かに、入り口がマックイーンだと「マスのファッション」とはギャップが生まれそうですね（笑）。キャリアのスタートは美容師と伺いました。　当時はSNSもネットも今ほど成熟していなかったので、ヘアメイクになる方法がわからなかったからなんです（笑）。だから、ノーマルなルートとして専門学校に行って、大阪で美容師になりました。サロンワークではヘアとメイクのリアルな技術を学ばせていただきましたし、バーバー「リッパーズ（RIPPERS）」の柳川康志さんに出会うことができて、顧客の要望にどう応えるか、ヘアスタイリストとしての提案力とか、何のために現場でどう動くか、みたいなノウハウに触れることができて、本当に必要な経験だったなって思っています。それから、右も左も分からないまま勢いで上京してしまって。どうやらヘアメイクになるには誰かのアシスタントになって経験を積む必要があると分かって、ようやくヘアメイクのレールに乗っていった感じです。リッパーズ：大阪・北堀江のバーバー。日本のバーバーブームの先駆者のひとり、柳川康志さんが2017年にサロンのビルの4階で開業。2019年1月に北堀江に移転オープン。ヘッドピースの誕生はフラストレーションからーアシスタントを経て、2013年に独立していますが、ヘッドピースはどのタイミングで作り始めたんでしょうか。　アシスタント時代から、作品撮りでヘッドピースのような物を試しに作っていたんです。まあ、師匠や周りの人たちからは「日本ではあまり必要とされないよ」って言われちゃいましたけど（笑）。それもそのはずで、当時はファッションシーンでは「ノームコア」がトレンドで、作り込んだとしても目に見えるものは限りなく削ぎ落としたシンプルな美しさが求められていたんです。だから仕事でヘッドピースが登場することはなくて、自然とヘアメイクの仕事に注力していきました。ーなぜ、ヘッドピースに気持ちが戻ってきたんですか？　ノームコアやストリートが流行ったことで、ヘアメイクでインパクトやクリエイティビティを強く求められることが少なくなり、自分の成長を顧みたときに、物足りなさを感じるようになってしまったんです。もちろん求められる仕事に対しては、自分なりに工夫して、期待以上のアウトプットで答えていくっていうのは常に心掛けていましたけど。何となく焦燥感みたいなものがあったんです。だから、自分のスタイルを見直そうと思って、元々憧れていたファッションシーンのことを思い出したりして、2019年くらいからヘッドピースを本格的に作るようになりました。今振り返ると、フラストレーションをヘッドピースを作ることで解消していた部分もあると思います。ー松野さんのヘッドピースには、花や草木、昆虫の翅脈（しみゃく、昆虫のはねに見られる脈）のようなモチーフがよく用いられていますが、なぜでしょうか。　有機的なものに惹かれるんですよ。細かいものが集まって何かができているっていうところや、植物が持つ生命力と、その裏返しのような枯れていく儚さに美しさを感じるというか。それを人工的にどう表現できるのか、っていうのを追い求めているんだと思います。 ー神話やアニメもインスピレーションになっているいうのも過去のインタビューで語られていますね。　SFやアニメは私自身が好きなものなので、アウトプットするときの根底に少なからず影響しています。あとは古典的なムードとフィーチャリスティックな要素を組み合わせるのにもハマっています。神話に惹かれるのは、「人であり人を超えたもの」を目指したいなと考えていたときに、どことなくリンクすると思ったからです。ただ、「人を超えた」とか、「リアリティのなさ」を意識してはいますが、「コスチューム」にはしたくないんですよね。装備というより、つける人のキャラクターがにじみ出るものとか、ヴィジュアルの世界観としてヘッドピースがしかるべき仕事をするようなものを作りたいと思っています。　それから余談ですが、会ったことはないんですけど、祖母が尺八奏者で祖父は着物を縫っていたそうなんです。父ははんこを掘っていたりと、あまり意識していなかったけれど日本の伝統が根付いている家系のようで、古典や日本的なものに対して無意識のうちに親近感があるのかなと。Red VelvetやNewJeansにも作品を提供　韓国のシーンで感じたことーヘッドピースで手応えを感じるようになったのはいつからでしょうか。　2021年にご縁があって、韓国に活動拠点を移したことが大きいです。それまで国内では、地味に作品撮りを続けて、時々リースの依頼がある、という感じでした。その時から、SNSの投稿は海外からの反響が大きくて、シンプルに面白い、クールだと思ったものに対してリアクションしてくれるので、モチベーションにもなっていました。なんとなく、「海外の方がより作品を見てもらえるのかな」っていう気はあったんです。ー韓国での活動はいかがでしたか？　当初はヘアメイクとして事務所と契約して渡韓したのですが、コロナ禍だったのでヘアメイクの仕事は予想よりも少なくて。でも、事務所の方々が寛大で、自由にヘッドピースの活動もしたらいいよと言ってくれて。発信を続けていくうちに、グローバルで活動されているフォトグラファーのチョ・ギソク（Cho Gi-Seok）さんの撮影に呼んでいただいたのが一つの転機になりました。韓国では日本との違いをうらやましくも感じましたが、自分の作品を使いたい、一緒に撮影したいと言ってくれる人たちに出会えて、エネルギーをチャージすることができました。松野さんが参加したチョ・ギソク撮影の作品ー韓国の方がうらやましい？ どういったところに違いを感じましたか？　表現のアプローチや意識はもちろん違いましたが、カルチャーショックだったのは、フォトグラファーがスタジオを所有していること。事務所がスタジオを持っていることも多いです。そうするとスタジオのレンタル費用をバジェットに入れなくていいし、撮影時間も比較的余裕を持って組めるんです。もちろん、限られた時間の中で最適解を探るのはトップクリエイターの条件のひとつだと思いますが、挑戦しやすい環境というのも大切だと感じました。　あとは、「いいものはいい」とはっきりと評価してくれるのが純粋に嬉しかったです。Red VelvetやNewJeansの撮影に使っていただいたときは、ヘアメイクの方やヴィジュアルを手掛けている関係者の方から連絡をいただいたのですが、ほぼ無名の作品でも、「可愛いから使わせて！」と言ってくれました。松野さんの作品が使われたNewJeansのヴィジュアルー将来的に、活動拠点を海外に移すことも視野に入れている？　これまでの反響から、海外での活動は可能性があると思っています。実際に、インスタグラムのDMで海外から依頼を受けることは少なくありません。ただ、こういう時代だからこそ場所はそこまで重要ではない気がしています。もちろん、呼ばれたら日本でも海外でも、どこへでも行けるように、語学やフットワークの軽さは必要で、そこは積極的にならないといけないなと思っています。ーちなみに、ヘアメイクとヘッドピースの仕事をする時のアプローチは異なるのでしょうか。　全く違いますね。ヘアメイクの場合はある程度時代のムードを汲み取りながら共感できたり、真似したいと思ってもらえるようなルックを提案する必要がありますが、ヘッドピースの場合はヴィジュアルのクリエイティビティを求められることが多いので、使う“脳みそ”が全然違うというか。アートピースでも既にある作品ありきで相談される場合と、制作から入る場合とでまた異なりますね。どちらもやっていると、何か一つの要素が悪目立ちするのではなく、トータルでそれぞれがハマる仕事をしてるかが重要なんだっていうのを改めて考えるようになりました。個人的には、クリエイターが集まり、各々の表現を引き出し合いながら世界観を作り上げていく現場と、そこで生まれるものに興味があります。ー最後に、今度の展望を教えてください。　ヘアメイクもヘッドピースもどちらも続けていきたいです。欲を言うと、どちらも任せていただける撮影をもっと経験できたら嬉しいです（笑）。これまで、アーティストの方々の撮影で使っていただく機会が多かったので、制作から一緒に作りあげていくお仕事にも挑戦したい。なので声をかけていただけるように、作品を磨いていかなければいけないなと思っています。

Beauty

国内外から注目を集める松野仁美にインタビュー

Red VelvetやNewJeansも使用　松野仁美がヘッドピース制作にたどり着くまで

MUSINSAって？2001年に靴とファッション好きのオンラインコミュニティからスタートしたMUSINSA。「ムジンジャン・シンバル・サジン マヌンゴッ（＝ものすごく靴の写真が多い所）」が名前の由来。Eコマース「MUSINSA STORE」を2009年にオープンし、韓国ブランドを中心に取り扱う。自社ブランド「musinsa standard」をオンライン・オフラインで展開。2021年の年間取引額は韓国のファッションECにおいて最大規模の2兆3千億ウォン（約2400億円）に達し、韓国10社目のユニコーン企業（企業価値1兆ウォン以上のスタートアップ）として名を連ねる。韓国国内の会員数は約1000万人（人口の約1/5）、月間アクティブユーザー数は400万人を超え、7,000以上のファッションブランドが入店。韓国のファッションプラットフォームでは圧倒的な知名度を誇る。日本には昨年夏に上陸した。韓国最旬ファッションが神宮前交差点に　ポップアップストアは多くの人が行き交う東京・原宿の神宮前交差点に位置する原宿八角館ビル1階＆地下1階に位置。入口ではグローバルアンバサダーを務めるNewJeansのポスターが出迎えます。　4つのエントランスをくぐると、今韓国でも話題のアップカミングな4つのファッションブランドを紹介する"Trending K"のセクションへ。フロアは「アモメント（AMOMENTO）」「サグクラブ（THUG CLUB）」「キジュン（KIJUN）」「2000アーカイブス（2000 Archives）」それぞれのブランドの世界観が作り込まれたブースとブランドをミックスしたディスプレイで、K-ファッションの最先端を感じられる空間にキュレーションされています。今、注目のK-ファッションは？　地下1階に降りると、ファッション＆ビューティブランドの展示ブースが広がります。MUSINSAが運営するオリジナルブランド「ムシンサ スタンダード（Musinsa Standard）」をはじめ、「マルディメクルディ（Mardi Mercredi）」「マーティンキム（Martin Kim）」「クアー（COOR）」といった日本でも人気のトレンディなブランドがラインナップ。ベーシックからコンテンポラリー、ストリートまで様々なスタイルのメンズ・ウィメンズウェアを手に取ることができます。　ポップアップストアで展示しているアイテムには全てQRコードが付いており、スマホで読み込むとMUSINSAのサイトへ移動。欲しい商品はオンライン上で購入するというショッピングフローです。フロアにはフィッティングルームもあるので、サイズ感が気になる場合は試着ができるのもオフラインイベントならではの嬉しい点。　ポップアップ内ではその場で購入できる限定アイテムも登場。今、新宿・歌舞伎町のホストのキャラで韓国芸能界でもブームを巻き起こしているコメディアン TANAKAの限定版T-シャツ（5800円）はここでしか買えないインパクト大のアイテムです。推しのファンミーティングに着ていけば、話題になること間違いなし！？最新韓国カルチャーを体験　同じフロアには、韓国のドーナツブームの火付け役でソウルの主要なエリアに出店するドーナツ専門店「ノテッド（Knotted）」が日本初上陸。6種のドーナツ（各480円）を販売するほか、会場で"ミッション"（①MUSINSAのアプリをダウンロード ②公式Instagram @musinsa_japanをフォロー ③ポップアップ写真をフィードに投稿）をクリアすると、期間中12時から17時までの毎定時50個ずつ、先着で無料配布されるイベントも実施中。ブランドのキャラクター「シュガーベア」のぬいぐるみ（3500円）とスマホグリップ（1500円 /いずれも税込）はゲットしておきたいキュートな限定アイテムです。　上記①②のミッションをクリアすると、ガチャを引けるチャンスも。出展ブランドのノベルティや、韓国のZ世代を中心に一大ブームを巻き起こした韓国式プリクラの4カット写真「Photoism」のNewJeansスペシャルバージョンの撮影券といった景品が当たるそう。 　会期中には金・土曜日限定で、ソウルでも盛り上がりを見せる聖水（ソンス）エリアのホットスポット「Kompakt Record Bar」のDJブースもオープンするなど、イベントも盛りだくさん。詳しくはこちらから今、最も熱い次世代K-POPガールズグループも来場！　ポップアップストアのオープン前日には、今K-POPというジャンルを超えてグローバルの音楽シーンで旋風を巻き起こしている話題のNewJeansが来場。日本メディアからの関心度も高く、多くの報道陣が駆けつける中、記者会見が行われました。　会見ではMUSINSAで取り扱いのあるブランドで組まれたコーディネートを披露し、ファッションポイントなどのQ&Aに回答。メンバー内でキーリングを集めるのがブームと明かすほか、覚えたての日本語に「ひまわり」「さくら」「お花見」などを挙げ、会場も思わずほっこりとした空気に。ストアの外で彼女たちの姿を一目見ようと多くの人だかりができるなど、デビューから1年も経たずして日本での注目度も高まっています。　最後に入口・出口のNewJeansのポスターに再度注目。スマートフォンで読み込むとARフィルターが起動し、内蔵カメラに切り替えるとスペシャルフレームが出現、NewJeansとのセルフィーを楽しむことができるサプライズな仕掛け。"バニーズ"（NewJeansのファン名）なら必ず押さえておきたいフォトスポットですね。　ファッションやフードを通して最旬の韓国カルチャーを体感できる10日間だけの特別な空間。コンテンツ盛り沢山のポップアップストアでMUSINSAの世界観をリアルで体感してみては。

特集一覧タグ「NewJeans」の記事一覧

特集一覧タグ「NewJeans」の
記事一覧