インサイド

＃21 和田流星　わだりゅうせいインスタグラム1996年5月10日生まれ。北海道出身。北海道理容美容専門学校卒業後、MINX入社。入社から青山店に勤務し、昨年MINX aoyamaの副店長に就任。昨年の社内カットコンテスト優勝、2024年度社内フォトコン優勝の実力派。ひと癖あるボブやショートを得意とし、一眼レフで自ら撮影も行う。客層は10代～60代と幅広く、カジュアルで今っぽいヘアスタイルがポストされるInstagramも人気。【店舗プロフィール】MINX aoyama日本を代表するトレンドヘアアサロン。青山店は3フロアに分かれており、トップレベルのヘアスタイリストが多く所属している。雑誌撮影やヘアショーなどメディア露出も多数。流行をとらえるデザイン力だけではなく、確かなカットメソッドによる再現性の高いヘアスタイルも自慢。⎯今年社内のフォトコンで優勝されたとのこと。おめでとうございます！　ありがとうございます。昨年も一昨年も2位だったので、今年優勝できてほっとしています。じつは昨年、社内カットコンテストでも1位をいただくことができて、「2冠」をやっと取れて本当に良かったなと思っているところです。　ただ、まだ社外のコンテストでは思うような結果を残せていないので、今後どんどん挑戦していきたいと思っています。これからたくさんエントリーしていくつもりです。⎯和田さん自身も写真を撮られますか？　一眼レフを持っていて、自分で撮影をすることも多いです。世界観がつくりやすいという点では自分で撮影する良さもありますが、でも最終的にはやっぱりカメラマンさんの方が良いなと思っていて。「こっちのほうが良いよ」「毛先の向きこれはどう？」などという撮影中の掛け合いで作り上げていく感じが好きなんです。 ⎯作品をつくるうえで、どのような取り組みをしていますか？　社内に代表の岡村（享央さん／MINX代表取締役社長）が主宰するクリエイティブスタイル撮影レッスン「ネクストクリエイティブ」があり、そこに所属しています。外部のコンテスト対策のプロジェクトで、モデルとイメージを決めてデザインを突き詰めていきます。⎯代表の岡村さんは、和田さんにとってどういった存在ですか？　お話させていただくたびに、昔考えていたことや今感じていることなどに近いものを感じるなと思っています。恐れ多いのですが、もしも僕と同世代だったら、きっと同じようなことを考えているんだろうなって。⎯具体的には？　例えば、何か優勝したとしても、自分が納得していない状態での優勝では意味がない。デザインにちゃんと向き合って、ファッションもメイクも全部突き詰めて作ったものだけが本質なんじゃないか、納得いくもので成功することこそが本物だ⎯⎯ そういった話を岡村とよくするのですが、毎回ものすごく共感しています。僕もそういう美容師であり続けたいと思います。⎯クリエイションのアイデアはどこから得ますか？　昔は、絵画などを見て直感的にインスピレーションを受けるタイプだったのですが、最近はモデルの骨格からスタートすることが多いです。「この子良いな」と思ったら、どう似合わせていくか理論から考えます。その後、似合うファッションを当てはめながら僕が好きなファッションも組み合わせて、徐々に世界観をミックスさせていきます。⎯和田さんが好きなファッションのテイストは？　9割くらいは古着です。青山にいる美容師にしてはカジュアルすぎるかもしれないです（笑）。最近は、少しスポーティーなテイストが好きで、古着でもぼろつかないくらいの感じが気分です。⎯感覚的な作品のつくり方から理論的なつくり方に変化したのは理由があるのでしょうか。　自分の好きなテイストだけを作っていても、多くの人には刺さりづらいんだなと気づいたのが大きかったかもしれません。理論的にアプローチすることによって、外しにくいというか、間違いないものができる。　理論的に組み立てていったとしても、結果的には自分の好きな古着の要素などもミックスされていくので、納得いかないことはないです。⎯その気づきはどこから？　僕ひとりで作品撮りをしていた時は客観視ができていなかったのですが、「ネクストトレンド」という池戸（裕二さん／MINXディレクター・取締役）が主宰する社内の作品撮影レッスンを受けるようになって、「世の中に刺さるデザインかどうか」という部分を詰めてもらえたような気がします。⎯「世の中に刺さるデザイン」とは？　今っぽさに加えて、半歩先のテイストを組み合わせたデザインのことだと考えています。ネクストトレンドのレッスンでは、ヘアスタイルに対する骨格、ジャンル、そのバランスとファッションとの兼ね合いをしっかり勉強してから撮影に臨みます。あらかじめメイクイメージを出したり、狙う女性像を決めていく過程で、僕がつくるヘアスタイルは微妙に「世の中に刺さるデザイン」にフィットしていなかったんだなと気づくことができました。⎯和田さんは、ご自身をどういう美容師だと感じていますか？　MINX内では「作品撮りをよくしている人」というイメージがついていると思います。インスタでも作品のポストを頻繁にしているので。　あとは、「サロンワークが全部好きな美容師」ですね。ポリシーみたいな感じなんですが、サロンワーク中は、シャンプーやヘッドスパに入れる時は全部入るようにしているんです。カットやカラーだけではなく、全部が上手い美容師でありたいと思う気持ちが強いです。⎯規模が大きく客数も多い大手美容室の中で、「できるだけシャンプーに入るサロンワークスタイル」は珍しい気もします。　マンツーマンのサロンワークが良いかと言われればそうではありません。規模を小さくして100%マンツーマンでやり続けたらきっと単価が上がっていくと思うのですが、それが通いにくさにつながってお客さまが離れていくのは嫌なんですよね。だから、持続可能な範囲でお客さまに関われる今のスタイルが自分にも合っている。　それに、僕がシャンプーに入るとお客さまが本当に喜んでくださるんです。僕が体現していけば、下の世代も続いていくと思っているので、今後も続けていくつもりです。⎯いわゆるアシスタントをたくさんつけ、どんどんお客さまの数をこなすサロンワークスタイルもあると思うのですが。　それもやり方の1つなのでダメではないのですが、「シャンプーはアシスタント」という慣例に昔から少し違和感があって。手が空いていたら、お店のヘアスタイリストはカラーも塗るし、ブローにも入るのに、なぜかシャンプーだけはアシスタント。せっかくお客さまと関われる機会なのだから、僕はできるだけシャンプーやヘッドスパにも携わりたいなって。⎯それが、和田さんにとってのなりたい美容師像だったのでしょうか？　そうですね。就活中にMINXの試験を受けたとき、2日間お店の手伝いをやらせていただいたのですが、カラー剤のカップ洗いや床の掃き掃除、すべてがとっても嬉しくて。その感覚をずっと忘れていない、というのがあるのかもしれません。　花形の仕事ではないとは思うのですが、それらは全部お客さまを迎えるサロンワークにつながっている。それも1つの美容師像なのかなって。⎯学生時代、MINXは第一志望でしたか？　そうですね。北海道の美容学校に通っていたのですが、本当に無知で撮影やヘアショーのことをよく理解していなくて（笑）。とにかくカットが上手くなりたかったので、MINXを志望しました。当時は、作品の撮影をしたいというより、セミナー講師になりたかったんです。まあ、入ってガラっと変わったんですけどね（笑）⎯講師になりたいとなると、技術がしっかり学べるMINXを志望するのはうなずけます。　誰かに教えることが好きで元々は小中学校の先生になりたかったというのも理由の1つかもしれません。進路で悩んでいた時、美容学校に進めば、美容学校の先生にもなれるなと思って美容師になったんですよね。⎯今年で8年目。大手美容室にいるからできると実感していることはありますか？　やりたいことにフォーカスできる環境があることですかね。僕は副店長という立場でありながら、全員を養うための売上への意識に加え、作品づくりだったり、コンテストへの挑戦だったり、やりたいことにフォーカスさせてもらえる環境がある。そういった点は大きな基盤を持つ大手サロンならではなんじゃないかなと。　MINXには本当にさまざまな美容師がいます。おしゃれなクリエイションをやっている人、技術をとことん突き詰めている人…。もちろん、日々のサロンワークでしっかり結果を出すことが大前提ですが、その上でそれぞれやりたいことができるというのは、MINXの強みだと思います。⎯副店長に就任してから1年が経ちます。やってみていかがですか？　副店長には、副店長業務に加えてメンターという、いつでも相談に乗るお兄ちゃん的な役割もあります。日々スタッフのメンタルケアを行ったり、悩みがあればすぐに相談ができる環境を作ったりしています。　大変だなと思うことももちろんありますが、自分にとって必要な経験だなと思っていて。そういう立場になりたいとずっと考えていたので、ありがたくやらせていただいています。⎯これからの目標を教えてください。　今後は社外コンテストで結果を残したいです。とにかく「美容師に認められたい」という気持ちがあります。あとは、10年後も同じように作品撮りやクリエイションをしている自分でいたいです。10年後は僕も40手前くらいになっていますが、その頃になると家族ができていたり、ライフステージが変わっていたり、クリエーションをやっている美容師って限られてくる気がしていて。だから、年を重ねたとしてもデザインの第一線にいたいなと。そういう美容師で居続けることが目標のひとつです。（写真：和田流星、編集：藤原野乃華）

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now＆then -ヘアスタイリストの現在地-#21 和田流星（MINX aoyama）　「10年後もクリエイションをしていたい」

青山への出店から10年、ブランドは原点回帰へ─まずは青山店の10周年、おめでとうございます。　ありがとうございます。青山店はレッドウィングの国内1号店なんですが、会社の足跡を祝うというよりも、私たち含め、“ずっとレッドウィングのブーツを履いてくれている皆さんの10年”を振り返る機会にしたいという思いから「NOW AND THEN（今とあの時）」をテーマに据えた記念イベントを実施しました。ブーツは履いていくうちにエイジング（経年変化）していきますが、少しずつ変化していくから、意外と新品の時の姿を忘れてしまうんですよね。だから新品の靴とエイジングした靴を並べて、靴のエイジングとともに自分自身の成長や変化を振り返れるようなイベントにしました。─青山店のほか、2021年以降は渋谷パルコや大阪駅直結のルクアイーレなど、都市部への出店を加速させていますね。　都市部はもちろん、ここ数年で滋賀や札幌などの地方にも出店を進めましたが、それには大きな理由があるんです。私は2020年3月にレッドウィング・ジャパンの責任者に就任したんですが、ちょうどその頃、レッドウィングのアメリカ本社がサイバーテロの被害に遭ってしまって。本社から世界中にネットワークが繋がっているので、子会社も含め、靴の生産方法や製品情報など、ありとあらゆるデータを全て失ってしまったんです。─それは深刻な問題ですね。　コロナの影響ももちろんありましたが、それ以上に「靴が作れない」という状況に陥ってしまったので、会社としては非常事態でしたね。当時、ヘリテージ部門全体で100品番を超えるシューズを抱えていたんですが、印刷物として残っているデータやアーカイヴをかき集めたもののやはり被害は大きく、その状況下で製造できたのは、グローバルで最もアイコニックな10品番のみでした。日本国内で名品とされていた様々な品番が製造中止となってしまったのです。─その状況下で、出店拡大を決めたのでしょうか？　当時のレッドウィングは、コアなリピーター層をターゲットに据えていたので「多くの顧客がすでに持っているアイコニックなブーツしか展開ができないなら、新規顧客を開拓する必要がある」と、出店拡大を決めました。それまでは青山の骨董通り沿いと大阪、仙台に3店舗を構えていたんですが、いずれもデスティネーションエリアと呼ばれる、店舗の場所を知らないとたどり着けないような立地だったことから、ブランドの存在を色々な層に知ってもらえる立地として、駅ビルやトラフィックが多い場所への出店を決めました。これまでレッドウィングに親和性の少なかった方でも、とにかく気軽にモノを見て欲しかったんです。　店内に入らなくても通りがかりに商品が見えるような場所にあえて出店を増やす戦略で、店舗数はこの4年間で3店舗から9店舗に増えました。その結果、リピーターがほとんどを占めていた2020年以前と比較して、今では売上の50％以上が新規のお客様です。売上自体も、2020年には前年から少し落としましたが、2021年にはコロナ前の2019年の売り上げを超え、その後も成長を続けています。─出店拡大による客層の変化はいかがですか？　これまでは40代の男性がコア層でしたが、今、新規のお客様は20代が最も多くなっています。その他にも「レッドウィングが流行っていた頃は高くて買えなかった」という4〜50代のお客様もいたり。会社として「ボーダレス」をテーマに掲げているんですが、その言葉の通り、既存の枠組みにとらわれることなく、幅広い層のお客様から反響があり、嬉しい限りです。─サイバーテロがなかったら、今とは方向性が違ったかもしれませんね。　全く違ったと思います。問題が起きた直後は、コロナのこともあったし「なぜ自分が代表になった途端に...」とネガティブな感情になってしまったこともありましたが、大切なのは「どのような姿勢で対応するのか」なのだということを学びました。ピンチがチャンスになるというのを身をもって体感しましたね。当時はどん底でしたが、これらの経験を柔軟なアイディアで乗り切ったことで、チーム全体のマインドセットも変わって本質に立ち返ることができました。─レッドウィングはYouTubeなどの自社コンテンツの制作にも力を入れている印象がありますが、それも新規顧客獲得のためでしょうか？　出店を加速したのと同じタイミングで、チャンネルを開設しました。当時はやらなければいけないことが盛り沢山の中で、廃盤になるアイテムが増えたことで色々な噂が流れてしまったんです。そこで、今の会社の現状を自分たちで伝えたいという思いからYouTubeを開設しました。ありがたいことに反響も大きく、ブランドとして伝えたいことをダイレクトに伝えるためのツールとして発信を続けています。─今後は、サイバーテロに遭う前の品番数まで戻していく想定ですか？　全てを元に戻すことはできないかもしれません。それまでは日本国内のコアなアメカジ層をターゲットに据えて新商品を出していましたが、日本以外のグローバル市場では販売できないようなデザインが多くありました。レッドウィングのヘリテージ部門の製品はすべてアメリカで製造してるのですが、以前のように少量のロットで作る製品が多くなると、製造部門のコストやリソースを大きく圧迫してしまいます。部材や人件費が上昇し続ける今、「MADE IN USA」を続けるのは簡単ではありません。そういう反省点も含めて、これからはレッドウィングの本質に立ち返った、よりサステナブルな商品展開を進めていきたいです。あえて等身大のユーザーをモデルに起用？サイバーテロを経て見えたもの─ブランドの本質に立ち返ることが、流行に左右されず自分らしいスタイルを貫く人に焦点を当てたキャンペーン「OUT OF FASHION」にも繋がったんでしょうか。　はい。OUT OF FASHIONは、サイバーテロの被害に遭った後、「改めてレッドウィングのスタイルとは何なのかを考えよう」「原点回帰しよう」と始まったプロジェクトです。レッドウィングは1905年の創業から約120年、「流行に流されることなく自分のあり方やスタイルを貫き通す」を信念に、品質や耐久性、職人技によってタイムレスな製品を作り出し、人々の生活を足元から支えることに焦点を当てています。「out of fashion」とは「時代遅れ」という意味なんですが、最新のファッショントレンドに合わせるのではなく、あえて「時代遅れ」の自分らしいスタイルを貫くことで、究極の格好良いスタイルに繋がるのではないかという提案とともに、等身大のユーザーの皆さんにスポットライトを当てて称えたいという思いから、キャンペーンのスタートに至りました。─「時代遅れ」というネーミングは挑戦的ですね。　時代遅れというとネガティブに聞こえるかもしれませんが、「トレンドに流されない」「自分らしさを確立し貫くことは素晴らしい」というメッセージが根底にあります。─スタイリッシュなヴィジュアルが目を引きますが、どこで撮影したんですか？　日本人の方をモデルに起用したものは、全て彼らの職場や自宅で撮影しました。等身大の普段の姿を捉えることにこだわったからです。そのほか、香港や台湾など、他のアジアの国でも撮影しています。先ほどお話しした「ボーダレス」は、今回のキャンペーンにも通じているテーマです。レッドウィングは、どこに住む、どんな世代の人でも履けるし、性別やファッション、ライフスタイルも関係ないということを伝えたかったんです。 ─モデルの人選も多種多様ですよね。　色々な方を起用しましたが、共通点は自分の持つライフスタイルや個性を貫いていて、かつファッションではなく自身の仕事でレッドウィングを愛用してくれていること。日本国内では、レッドウィングのシューズを修理してくれている職人の方や、ジムのトレーナー、モンゴルの民族楽器である馬頭琴を演奏する奏者の方などにお願いしました。みなさん、実際に仕事中に履いているので、エイジングもそれぞれユニークな味が出ています。若年層の人気が加熱、ヴィンテージ市場から見るサステナビリティ─エイジングといえば、レッドウィングは近年、ヴィンテージ市場でも人気を集めています。　古着市場での人気が、若い世代にブランドを知ってもらうきっかけになっているようで、古着屋さんを経由して直営店に来てくださるお客様も目立つようになりました。ヴィンテージを買うのも良いんですが、できれば新品を買って経年変化を楽しんで欲しいという思いもあって。先日、店舗のスタッフから「ヴィンテージショップでレッドウィングを買おうとしたら、店員さんから『初めてのレッドウィングなら、中古ではなく新品で買って一から育てたほうが良いよ』とアドバイスをもらったので買いに来ました」という若いお客様がいたと聞いた時は、ヴィンテージショップの利益にならないのに、レッドウィングの物の良さを知ってくれているからこそのアドバイスだなと嬉しく思いましたね。─ヴィンテージ人気で、直営での人気モデルに変化はありましたか？　新品でもヴィンテージでも、「875」と呼ばれる6インチの「クラシックモック」が一番人気なことに変わりはないですね。1950年代から同じ品番でずっと作り続けている商品で、レッドウィングといえば一番に名前の挙がるアイコンモデルです。若い世代はもちろん、彼らのお父さん世代も履いていたモデルだったりするので、改めて「サステナブル」を体現しているブランドだなと実感しています。─レッドウィングはサステナビリティにも力を入れていますよね。　レッドウィングでは、サステナビリティの観点から「耐久性（durability）」「リサイクル性（recyclability）」「修復性（repairability）」の3つを軸に商品開発をしています。革は雨に濡れても大丈夫で、ステッチもワックスを染み込ませた糸で縫っているので、履いていくうちに針穴にワックスが埋まって防水性が高まる。履けば履くほど革が柔らかく丈夫になるのが、耐久性をクリアしているポイントです。修復性の観点では、革を自社で作っているので品質を保ち続けることができたり、ソール交換が可能で、ステッチもほつれたら直せるんです。細部までシンプルなデザインにしているので、逆を言えば、見た目のかっこよさなどのデザイン性は全く考えられずに作られていると言えますね。リサイクル性は、いわゆる再利用という意味ではなく、長く履き続けられることで、メンテナンスをしながら人から人へ、親から子へ、と長い年月にわたって履くことができる、という意味が込められています。 ─レッドウィングのブーツは、全てアメリカ製なんですか？　レッドウィングは、工事現場などで必要とされる本格的なワークブーツを展開する「ワーク」と、ファッションシーン向けのアイテムを集めた「ヘリテージ」の2つのラインを展開しているんですが、日本国内で展開しているヘリテージのアイテムは、全てアメリカで生産しています。─アジアなどに製造拠点を移すブランドも増えていますが、レッドウィングはいかがですか？　近年は、原価や人件費がどんどん高騰しているので、利益の追求だけを考えたら、他の地域に移すことも考えられると思います。正直、生産地については社内でも論争が起きていて、継続することの難しさを実感しています。「MADE IN USA」のこだわりを持ち続けているレッドウィングだからこそ、唯一無二でユニークなポジションをキープできていると思うので、これからもアメリカで生産し続けることは変わらないと思います。女性からの支持も拡大、日本の成功体験をアジア全域に─ちなみに、小林さんは今日何を履かれているんですか？　「クララ」というウィメンズ限定のモデルです。歩きやすくスーツに合わせることもできるので、お気に入りのモデルです。─レッドウィングはメンズのイメージが強いですが、客層の男女比はいかがですか？　今は売上の90％がメンズで、10％がウィメンズです。2020年には、ウィメンズの売上は全体の1%以下だったので、女性の購買客もかなり増えていますね。海外だけで展開していた「ヘリテージウーマン」というウィメンズ向けのラインが2019年に日本に上陸して、店舗数の増加とともに女性の認知度も増えつつある状況です。─女性に人気のモデルは？　「モック」や「アイアンレンジャー」「ポストマン」など、メンズ向けのものをベースにしたモデルが主に人気です。今日、私が履いているクララも人気。「クラシックモック」をベースに作られているんですが、3本ステッチなどのディテールは残しながら、より女性がエレガントに楽しめるようなシルエットに変化させたモデルです。─女性としてレッドウィング・ジャパンのトップを務めていることへの思いは？　私は、レッドウィング・ジャパンのスタートアップメンバーなんですが、立ち上げ当初は、主に男性をターゲットにしていたこともあり、ブランドに深い親和性を感じられず、「自分は他の男性社員のようには履きこなせない」という劣等感や疎外感をどこかで感じていたんです。男性向けモデルの小さいサイズをたまに履いても、自分にピッタリ馴染まず、なんとなく違和感を感じてしまう。そういう経験があったので、ヘリテージウーマンの展開が日本でスタートした時の感動は計り知れませんでした。それからは、女性にもレッドウィングの良さを知ってほしい一心で広報活動にも身が入るようになりましたし、代表の私が女性として発信を続けることで、レッドウィングというブランドをより身近に感じてくれたら嬉しいなと思っています。よりインクルーシブに運営をしていくことで、レッドウィングを性別や年齢、ファッションの枠組みを超えたブランドとして再定義していきたいです。─来年迎える20周年に向けて、今後の展望を教えてください。　私は今、日本だけではなくアジア全域を担当しているんですが、アジア全体でも出店を拡大していく計画です。レッドウィングは、日本のアメカジブーム、裏原ブームを通してファッションシーンで注目されるようになったという背景があります。日本のファッションシーンでの人気が逆輸入的にヨーロッパやアメリカに広がったように、日本での出店拡大が奏功した成功体験をアジア全土にも波及していきたいと考えています。国内でも、名古屋1号店として、4月にリニューアルオープンする栄の中日ビルに出店したりと、店舗数は増やし続ける予定です。来年日本法人ができて20周年になるので、これまでの歩みとともにお祝いするようなイベントや、コラボレーションも企画しています。また、サステナビリティについての発信などを通して、さらに社会により良い変化を与えられるブランドに成長していけたらと考えています。

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サイバーテロを経て原点回帰　女性として発信を続けるレッドウィング・ジャパン代表に聞くブランドの今

＃18 佐藤比香瑠　さとうひかる インスタグラム1995年4月21日生まれ。山梨県出身。東京文化美容専門学校卒業後、都内1社を経て、SHEAに参加。現在、SHEA 副店長／トップデザイナー。20代から50代と幅広い顧客層に支持される似合わせカットを得意とする。Instagramではメイクやヘアアレンジ動画など独自の発信を続けている。【店舗プロフィール】SHEA　シア高い技術力で、日常にとけ込む心地よいヘアスタイルを提供する美容室。現在、表参道店・青山店・学芸大学店の3店舗を展開中。ライフスタイルに寄り添うSHEAのヘアデザインは、どんなシーンでもその人を輝かせる。実力派のヘアデザイナーが多く在籍し、メディア露出も多数。ー美容師になったきっかけを教えてください。　美容師になりたいという気持ちは小さい頃からありました。友達や母の髪をセットしたり、眉を少し整えてあげたりしたときに「喜ばれる」という感覚がすごく嬉しいことなんだと、年を重ねるごとに実感するようになったことが大きいかもしれません。　本気で目指そうと決めたのは中学生のとき。当時山梨県内の美容室に通っていたのですが、担当の美容師さんに「それなら絶対東京に出たほうがいいよ」と言われたのがきっかけで、じゃあもう高校から東京に行っちゃおうかなと。ー高校から上京！？　はい、母親にも相談して、東京の公立高校に通いながら一人暮らしをさせてもらえることになったんです。今思うと母は大きく背中を押してくれる存在だったんだなと感じます。本当にありがたかったです。　在学中はいろんな美容室に行き、東京の友達と一緒にファッションやメイクを学ぶことができたので、早めに東京に出てよかったと思っています。ーその後は美容学校へ？　自分で学費を払うために、ちょっとでも安いところを探して入学しました。1番の目的は美容師になることだったので。　練習は頑張って取り組んでいたのですが、とにかく私は不器用だったので「みんなと同じくらいにならないと！」と思いながらいつも必死でした。「努力しないと人並みになれない」と感じていたので、自分に残されているのは努力することしかないなと思って。負けず嫌いというのもあるのですが（笑）。ー就活はどのようにしましたか？　ヘアメイクのお仕事もできる青山・表参道エリアの美容室に就きたいという気持ちがありました。でも、いわゆる大手サロンに行く勇気はなくて…。たくさんの人の中でやっていく自信がなかったんです。だから、規模は少し小さめで柔らかい雰囲気のところを探して、見つけたのが1社目の美容室でした。ースムーズに就職できたのでしょうか？　実は、入りたいと思ったときにはすでに募集期間が終了していました。それでも諦めきれず、当時、入りたいと思っていた美容室に在籍していた坂狩（現・SHEA代表）にお客さんとして切ってもらっていたので、「入社試験を受けたいです」と直談判。「履歴書だけ送ってみたら」と背中を押してもらい、どうにか面接だけは受けられたのですが、やはり定員オーバーで落ちてしまったんです…。ー別の美容室は探そうと思わなかった？　しっくりくるところが他になかったんですよね。1年後にもう1度受けようかなと考えていたときに、突然電話が掛かってきて「辞退者が出たので2次面接を受けてもらえませんか？」とチャンスが来たんです！その後、無事に内定をいただくことができました。ー美容師1年目を振り返るといかがですか？　私、本当に仕事ができなかったんです。カラー剤すら作れなくて、「美容師向いていないんじゃないかな」って思ったくらい。　当時は同期がもう1人いて、その子はすごく仕事ができる子だったんです。その子と何もできない自分が比べられるのが辛くて、辞めたいと思ったこともありました。でも、夢だった表参道エリアのお店で働けていることと、今の環境は恵まれているいうことを思い返して、何とか頑張ってみようと努力を続けました。ー大変な状況だったんですね。　ある先輩から掛けられた言葉を今でも覚えています。「今、自分ができないと思っているでしょう。あなたはすごく真っ直ぐな人だから、周りが見えなくなっちゃうんだろうね。でも真っ直ぐでいられるってことは、すごく素敵なことなんだよ」と、何もできない私に声をかけてくれたんです。その先輩は私の悪いところじゃなくて、良いところを見つけてくれた。私もそういう人になりたいと思いました。ーその後、SHEAにはどのように参加したのでしょうか？　1社目がなくなるタイミングで坂狩がSHEAを立ち上げるという話になり、ご一緒させていただきました。「この人に教わりたい。この人に絶対ついていきたい！」という気持ちで迷いはありませんでした。ーメイク動画の発信もしている佐藤さん。いつ頃始められたのでしょうか？　当時、カットがあまり得意ではなかったので「自分にできることはメイクなのかも」とメイク動画は1年目から始めたんです。そのときはメイク動画を発信している人があまりいなかったというのもあって、まだアシスタントなのに雑誌やメディアでメイクのお仕事をいただける機会が結構ありました。ーアシスタント時代からメディア露出があるなんてすごい！　3年目のとき、そろそろちゃんと髪に向き合わないといけないなと思って、練習に本腰を入れ始めました。デビュー目前にですが、武器を増やしたくてヘアアレンジの動画の発信も始め、根気強く続けていたら、今度はヘアアレンジでメーカーさんやメディアの方からお仕事の声がかかるようになって。ありがたいことに、パンフレットの表紙やセミナー講師などの依頼をいただくようになったんです。ーアシスタントで、セミナー講師を任されるってすごくないですか。　でも、それが恥ずかしくて…。ほかのセミナー講師陣の肩書は「店長」や「トップデザイナー」なのに、私だけデビューしていない「アシスタント」。なんだか申し訳なくなり、早くデビューしなくちゃという気持ちも強くなっていきました。ちょうどデビュー試験がセミナーのお仕事の2ヶ月先だったのですが、試験を早めてもらいセミナーの前になんとか合格。3年半かかりましたが、デビューできたんです。セミナーでの肩書も無事に「ヘアスタイリスト」にしてもらいました（笑）。ーこれまで辛かった経験はありますか？　デビュー後、売上が全然なかった時期は辛かったですね。インスタグラムの発信はメイクやヘアアレンジに特化していたので、あまり集客には結びつかず苦戦しました。そこからは、直接お客さまをハントをしたり、自作のチラシを配ったりと地道に頑張った結果、自力で月売上80万くらいまでは達成したかなと思います。ー現在は「副店長」ですが、いつごろ任されたのでしょうか？　デビューした翌年には副店長でした。ーえっ、早すぎる！　私もびっくりしました（笑）。その頃は売上も全然ない時期で、がむしゃらにやっていた時期だったので…。ーでもきっと佐藤さんに任せたくなる何かがあったのだと思います。　自分のことにも必死でしたが、同時に後輩もできたので「どうしたら下の子たちを成長させられるか」と当時はいつも考えていて。個人的に続けていた撮影で、有志の後輩たちを呼んで指導するようになり、今思えばもしかしたらそういった姿を見て評価していただいたのかなって。ー佐藤さんは無類のコンテスターでもあります。チャレンジし始めたのはいつごろでしょうか？　2年目から挑戦し続けています。結果を出したいという気持ちもありますが、普段のサロンワークではやらないクリエイティブなスタイルを作ると学びがあるんですよね。毎回悔しい思いをしながら自分がどんどんレベルアップしているような気がしていて。それが挑戦し続ける理由の1つかなと思います。ー最後に、10年後の目標を教えてください。　とにかく「美容師」が好きなので、10年後も変わらずお客さまもスタッフも幸せにしたい。そのためには技術はもちろん、人として進化し続けたいなと思っています。正直、ビッグになりたいという野望みたいなものはあんまりなくて、ただ、美容師として輝いていたい。それが誰かにとって良い影響になれば嬉しいです。　また、私にとって家庭もすごく大事な存在。もしかしたら10年後、家族が増えているかもしれないので、どうやって大好きな仕事と両立できるかということを今考えています。美容師としても、一人の女性としても、かけがえのない存在になりたいです。（写真：佐藤比香瑠、企画・編集：福崎明子、山本真由香）

now＆then -ヘアスタイリストの現在地-#18 佐藤比香瑠（SHEA）　アシスタント時代からメディアへ露出していた一方で苦悩も

第2の旗艦店をオープンした日本は、深い繋がりを感じる場所ーまずは、世界2店舗目となる旗艦店を日本にオープンした理由を教えてください。　日本を第2の旗艦店の場所として選んだのは、私たちにとって最も大きく重要なマーケットであり、非常に繋がりを感じる場所であるからです。これまでに何度も日本を訪れましたし、「第2の故郷」とまでは言わずとも、いつも来るたびにとても歓迎されているように感じる場所だと思っています。ーなぜ青山というロケーションを選んだのでしょうか？　それは、私自身が青山エリアやここに立ち並ぶリテール店舗のデザインが好きだからです。そのため、ブランドの世界観をフルで見せるために小規模かつ2階建ての物件を青山で探していたのですが、理想的な場所を見つけるのはすごく大変で、かなり時間がかかりました。ーいつ頃から東京出店を計画されていたんですか？　コロナ前からです。コロナのせいで計画がストップしてしまい、去年の春にようやく日本への入国規制が緩和されたので、すぐに日本行きのチケットを取って来日し、ふさわしい物件を探しました。ーようやく完成した店舗を見て、今どんなお気持ちですか？　とても嬉しいです。自分が夢見ていた通りの素晴らしい店舗が完成したので、すごく満足しています。ー店舗デザインでこだわった点や気に入っている点を教えてください。　特に気に入っているのは、1階と2階の二面性ですね。1階が店舗、2階が招待制のギャラリーになっているのですが、それぞれの階の異なる雰囲気がとても良いバランスを生み出していると思いますし、私たちがどういったブランドかということを、商品だけでなく背景にある様々な着想源などとともに、より深いレベルでお客様にお見せすることができる店舗になっていると思います。ー2階のギャラリーは、北欧と日本のデザインの融合や、ブランドの日本進出の背景にあるストーリーやインスピレーションなどを視覚的に表現したと伺いました。モナさんやブランドと日本には、どのような繋がりや関わりがあるのでしょうか？　実は日本というよりも、アジアという地域全体にずっと強い繋がりや親しみを感じてきました。18歳ぐらいの頃に、4ヶ月間かけてアジアの国々を旅したことがあったのですが、その時にアジアの文化や人々に触れて魅力を感じ、結びつきを感じるようになったんです。日本を初めて訪れたのは12年ほど前だったと思うのですが、ヴィジュアルや建築をはじめ、ここで目にする全てのものに魅了されました。なので、人々と関わった経験はもちろん、目にしたものへの賞賛の気持ちも含まれていると思います。ー具体的に、日本で訪れた場所や見たものなどからインスピレーションや影響を受けたことはありますか？　東京という街は、大都市で多くの人がいるにもかかわらず同時に静寂さを感じる場所で、そこが魅力的だと感じています。京都も、まるで今でも忍者がそこにいるかのように、歴史が手に取るように見えるところが素晴らしく、非常にインスピレーションを与えてくれる場所ですね。あとは、安藤忠雄などをはじめとした日本の現代建築や住宅も大好きですし、デザインという点で言うと、陶器作品やガラス作品が持つ、それを手掛けた人々の顔や姿、ものづくりに対する情熱的な思いが見えるような、日本の職人技ならではの独特のタッチや風合いもとても美しいと思っています。なので、これまでとてもたくさんの日本のものから影響を受けてきました。ー今回、石巻や京都、益子など日本の地方の工房や職人が手掛けた家具や器などを展示品としてセレクトされていますが、選定の基準は？　私自身にとってパーソナルで親しみを感じるような、自然で違和感のないものを選びました。ここには、私が自宅でも使っているノルウェー製のソファや椅子などの個人的なお気に入りの家具も持ってきていますし、一方で日本独自のタッチがありつつも自分自身との深い繋がりを感じるような、日本のデザイナーや職人が手掛けたものもセレクトしています。たとえば、益子の職人の手による陶器は実際に自宅で使っているものもありますし、家の壁に使っているのと同じ色の木を用いて石巻工房で製作してもらった、ダイニングテーブルとベンチなどもあります。全く同じではないですが、私の自宅と近しい雰囲気の空間を生み出すことを目指しました。ー来店する人に、特におすすめしたい商品は？　一番見てもらいたいのは、青山店限定の「マインド リング レッド ガーネット（Mined Ring Red Garnet）」ですね。でも、日本でここまで幅広い品揃えを展開するのは初めてで、オンラインで見られるフルコレクションを全てお見せしているので、いろいろなバリエーションを手にとって頂ければと思います。デビューから10年、トムウッドは自分の分身であり代弁者ー2013年のブランド設立から10年が立ちましたが、今の率直な気持ちを聞かせてください。　まるで昨日のことのように感じます。本当にあっという間の10年でした。とても良い気分ですし、これまで頑張ってきたことが意味ある形で結実したことに達成感を感じています。そして、今やノルウェーのチームも大きくなり、日本でも大きなチームが出来つつありますし、ノルウェーと日本に2つの店舗を構えられたことに、とても満足しています。ー始めた当初、「トムウッド」というブランドやその名前にはどのような思いを込めたのでしょうか？　10年前、ジュエリーのデザインはとてもフェミニンなものが多く、ジュエリー自体がフェミニンなものだと考えられていました。でも、私自身は一女性として、ジュエリーにもっとマスキュリンな要素を加えたかったし、男性も身に付けられるブランドにしたかったんです。いつも言っているのですが、トムウッドは私の分身みたいなもので、私の中にある男性的な部分だと思っています。今ではトムウッドというブランドは、それを通して私の思いやパーソナリティを伝えてくれる代弁者のような存在になりました。ー10年経って、ブランドはモナさんが予想していたようなものになりましたか、それとも違うものになりましたか？　難しいですね。現在はトムウッドに多くの人が関わっていて、それぞれのやり方でブランドを成長させようと働いてくれているので、それはいいことだと思います。私1人だけだったらもっとブランドは小さかったと思うので、良い意味で予想していたのとは違う結果になっているのではないかなと。ーモナさん自身について、この10年間で変わったことと変わらないことは？　変わったのは、内省する時間を持てるようになったことですね。特にコロナ禍でステイホームの時期が長かったことで、自分自身についていろいろなことを学びましたし、以前よりも忍耐強くなり、冷静さを保つことができるようになったと感じています。一方で、10年経った今でも、始めた当時と変わらない情熱やエネルギーを持ち続けていますし、まだまだもっと多くのことを実現したいという意欲があります。私は決して満足しないので（笑）。デザインからプロセス、働き方、生活まで、全てに通底するサステナビリティーデザインする上で、最も大切にしていることはなんですか？　私がいつも大切にしているのは、まず第一にハイクオリティなものを作ること。そうすれば、アイテムは恒久的なものになり、長く残るからです。そして、実用性や着け心地の良さ、サステナビリティは常に頭の中にあります。材料調達や製造に関しても、新しい業者を探すときは、倫理的な労働環境や条件で労働者を扱っているかどうかを確認するために、厳しいルールを設けて協業する相手を選んでいます。このように、大切にしていることはとてもたくさんあります。形だけではなく、アイデアから最終製品に至るまでの全ての過程を考慮しなければならないので、その分難しさはありますね。ー近年リサイクル素材の使用率を大幅に増やし、今年末までに全てのジュエリーをリサイクル素材に切り替えることを公言しているほか、自宅の素材や設備も環境に配慮したものを採用しているなど、公私共にサステナビリティをとても重視されているのが印象的です。サステナビリティに対する、モナさんの考えを教えてください。　「サステナビリティ」という言葉にはいろいろな側面があると思っていて、自然環境だけでなく、私たちの周りの世界や人々も含まれます。日常生活において個人的な選択をすることはもちろん大切ですが、ブランドとしては、私個人よりも大きな影響力を持っているからこそ、サステナビリティについて発信していくことが重要だと考えています。だから、私たちは常に学びを深めてきましたし、それを発信するための新しい方法を模索してきました。このトピックは間違いなく全ての人に関係することですが、比較的新しく、国によって知識や考え方も変わってくるため、とても複雑なテーマであることも確かです。でも、ノルウェーはサステナビリティに関しては非常に進んでいる国なので、私たちがこれからやっていくべきなのは、他国の人々のサステナビリティに対する考え方を学ぶとともに、彼らがもっと興味を持てるように働きかけていくことだと思っています。みんなが小さいことをすれば、それが大きな変化に繋がっていくので。ーノルウェーは、全体的にサステナビリティの観点で進んでいるのでしょうか、もしくはトムウッドがより先進的ですか？　どちらとも言えないですね。サステナビリティという考え方は昔からありました。でも私たちの会社は、他社よりも多くの時間とお金を投資して非常に良い形での運営を行ってきたので、サステナビリティの実践をどの会社よりも日常レベルで浸透させているのではないかと思います。ーモナさんが考える、ノルウェーの文化やデザインとはどのようなものですか？また、それはご自身のクリエイションに反映されていますか？　ノルウェーでは、実は近年まであまりデザインの分野では目立ったものがなかったんです。北欧だと、たとえばデンマークは、アルネ・ヤコブセン（Arne Jacobsen）などの家具デザイナーが昔から有名ですよね。最近はノルウェーも、建築ではスノヘッタ（Snøhetta）、家具デザイナーではアンドレアス・エンゲスヴィック（Andreas Engesvik）などが知られるようになりましたが、それもここ20年くらいの話です。だから、私はノルウェーというよりも、北欧のライフスタイルやデザイン、自然から影響を受けてきたと思います。ー最後に、今後新たなカテゴリーを手掛ける予定やアパレル復活の可能性など、ブランドやご自身の将来の展望を教えてください。　楽しみ続けることと長く残る良いものを作ること、あとはさらにサステナブルになることですかね。新カテゴリーについては、時が来ればわかると思います（笑）。アパレルの再開は、サステナビリティの点で今は考えていないですね。だって、私たちにこれ以上洋服は必要ないと思うから。（聞き手：佐々木 エリカ）

Tom Wood

「トムウッド」のモナ・ヤンセンが語る　日本を第2の地に選んだ理由、全てに通底するサステナビリティ

「売れそうなもの」ではなく「自分が良いと思うもの」を届けたい─ジュエリーにはいつから興味を？　母がジュエリー好きで、幼少期の頃から実家にあるジュエリーに触れる機会が多く、憧れがありました。ジュエリーが載っている雑誌やチラシを切り抜いて、スクラップブックを作ったりしていましたね。大学卒業後は、大手の総合アパレル商社に就職したんですが、就職して2年が経った頃、マスのお客様に向けた商品作りに違和感を感じ始めて。デザイン性や使い心地など、作り手が良いと思っているものでも「これは売れないからやめよう」と、本当の思いを無視したやり方に対するモヤモヤが募っていって、「本当に自分が良いと思うものを届けたい」と思い独立を決めました。その後、会社に通いながら彫金の学校に通い始めて、仕事終わりや有給を使いながら、4年ほど通って卒業した後、ブランドを立ち上げました。─ジュエリーデザイナーになるために、最初に選んだ道は彫金学校に通うことだったんですね。　本来、ジュエリーのデザイナーを志す場合は、コンピューター上で組み立ての知識を勉強するのが一般的で、彫金の知識がなくてもデザインしている方は沢山います。それでもはじめに彫金を学ぶことを選んだのは、コンピューター上のデータだけでは、デザインを形にするためにどれほどの技術が必要なのかわからず、職人さんへのリスペクトがないまま指示をすることになると思ったからです。私が作るジュエリーは全て付け心地にこだわっているんですが、どのように内側を処理すれば良いかなど、彫金の知識があるからこその提案ができるようになったと感じています。─ブランド名の由来は？　ロロは、イタリア語で「金色に光る」という意味と、英語の「回す（roll）」という単語をかけ合わせました。購入したお客様からそのお子様など、世代を超えて長く愛してほしいという思いを込めています。　1117は、エンジェルナンバー（※天使からのメッセージを表すとされている数字の組み合わせ）から来ています。彫金学校に通っていた頃、ブライダルリングはベーシックなデザインしか作れない、という固定観念から多くの生徒が専門的に学びたがらなかったんですが、4年前にニューヨークでロロの展示会を開いた際に世界中のさまざまなジュエリーに触れて「ファッション性の高い婚約指輪やオーダーリングをやってみたら面白いかもしれない」と思い、スタートに至りました。エンジェルナンバーは数字の組み合わせによって意味合いが違い、1117は「背中を押す」「今、あなたのいる場所は間違っていませんよ」という励ましのニュアンスがあるんですが、ちょうどニューヨークでさまざまなブランドのジュエリーを見たばかりで「自分のデザインは世界では通用しないかもしれない」と自信を失っていた時期でもあったので、自分のやっていることに自信を持つためにそのナンバーを名付けました。─2つのブランドを手掛ける上で、それぞれどんなインスピレーションをもとに制作を行っていますか？　1117は、自分が育った故郷の記憶をベースに作っています。祖母の家が和歌山の田舎だったんですが、たとえばダイヤを使用する際には、秋の稲穂が垂れているようなイメージを落とし込んだり。それに対して、ロロは、東京に出てきてからの自分を反映したような都会的なイメージで作っていますね。─ジュエリーをデザインする上で、一貫して大切にしていることは？　「売れそうなものを作る」という考えを捨てること。ブランドの規模が大きくなると、どうしても売り上げを意識したものづくりになってしまうと思うんですが、これまでも、自分が本当に作りたいものだけを作るという理念を大切にしてきたので、それはこれからも変わらないと思います。─菅原さんはファッションとジュエリーの関係性について、どう考えていますか？　実は、ジュエリーをデザインするときには、ファッションとの組み合わせを考えすぎないようにしています。ファッションとジュエリーを繋げて考えるのって、いわゆるピラミッドの一番上というか、本当にファッション感度の高い人たちだけだと思うんです。ファッションに興味がなくても、ジュエリーだけを集める人は沢山いて、美術品を集める感覚で細かいディテールを見て選ぶ人も多いので、どんな人でも楽しめるようなジュエリーブランドでありたいと考えて、日々デザインしています。─菅原さんのクリエイションに影響を与えているものは？　建築様式やインテリアからインスピレーションを受けることが多いんですが、特にアール・ヌーヴォーからアール・デコへのデザインの移り変わりの時代が好きで。同じ柄の連続や曲線など、デコラティブすぎずシンプルなアール・デコのデザインからよくインスピレーションを受けます。あと、東京都庭園美術館にはアール・デコの様式が取り入れられているので、よく訪れています。目標は緩やかな成長、リニューアル後もブレないブランドの指針─ブランド設立から4年後の2020年、青山に直営店をオープンしています。順風満帆のように見えますが、その理由はどう捉えていますか？　設立当初は、こんなに立派な場所でお店を持てるとは思っていませんでした。支持してもらえている理由は「これ」と断言はできませんが、挙げるとすれば、前職の経験もありお客様一人一人に寄り添うよう丁寧な対応を心がけたことなのかなと考えています。─このタイミングで店舗のリニューアルに至ったのはなぜでしょうか？　実は、私の他にもう1人、ディレクターが入って、ブランドの方向性を変えていくことになったからです。 新しいディレクターは元々友人で、これまで会社の数字を見るのも、デザインも生産管理も、ほとんど私1人でやっていたのを知っていて、「アイテムのラインナップを変えていきたい」という相談もしていたので、よりデザインに注力できるようサポートしてもらうことになりました。そこで、ブランドを変えていくための決意表明の意味を込めて、このタイミングでのリニューアルを決めました。─リニューアルした青山店の設計は、二俣公一さんが手掛けていますね。　以前、ジュエリーデザインに悩んでいた時期に二俣さんが設計を手掛けた「イソップ（Aesop）」の新宿店に伺ったんですが、左官壁にステンレスの什器を組み合わせていることに衝撃を受けて。壁面に合わせて温かみのあるデザインで統一するのではなく、無機質な什器を組み合わせるやり方を面白いと感じました。元々、二俣さんのことは存じ上げていたんですが、ちょうど自分自身がデザインに悩んでいたというタイミングも相まって、今回、オファーさせて頂きました。─ブランドは、具体的にどういった部分が変わっていくんでしょうか？　これまでは、地金を中心にデザインをしてきたんですが、これからはジルコニアや、ストーンを取り入れたアイテムを展開予定です。ヴィンテージのファインジュエリーをデザインソースに、おもちゃっぽいデザインで付けやすい価格帯のトラベルジュエリーなども作っていきたいと考えています。シンプルなだけではなく、遊び心を入れたようなイメージですね。─リニューアル後の店内でこだわったところは？　全てです。1117のスペースは、私の地元の和歌山だったり、日本の伝統的な要素を入れて作ってもらいました。ブランドらしさを形作る上で、パッと見たときに日本発のブランドだとわかるスタイルでありたくて、自分のルーツである日本らしさを演出するために、日本製の素材や家具だけを使うようにしました。　ロロのスペースは、1117との差別化として、モダンで高級感のあるイメージを中心に、有機的なジュエリーデザインに合わせて、丸みのある空間にしました。今回、2つのブランドを1つの空間で表現するために壁を設けているんですが、客層が異なるのと、1117はオーダージュエリーでマンツーマンでの接客になるので、しっかりとヒアリングするため、営業時間や定休日も変えています。─以前ニューヨークで展示会を行ったとのことですが、リニューアルに伴う海外展開は視野に入れていますか？　挑戦してみたいです。台湾では、すでに2年前から展開をしていて好調なのと、青山の店舗も、ご来店のうち2割がインバウンドによるもので台湾や中国、韓国のお客様が多いので、今後、展開を広げるとしたらアジア圏からになると思います。─今後の目標は？　少しずつ、緩やかに成長できればいいと考えています。ロロは、社内のスタッフの人数に合わせて販売数を決めていて、コロナ禍含めこの3〜4年は制作個数を変えていないので、ロロだけだと売上はほとんど横ばいです。今年は、昨年対比で売上は2倍に伸長していますが、それはコロナ禍が明けて1117のオーダー数が増えたのが主な理由ですね。先ほどもお伝えしましたが、やはり自分が作りたいものから遠のいてしまうことだけは避けたいので、売り上げを上げるためのものづくりではなく、自分らしいデザインを中心に据えながら、色々な人にジュエリーを届けていきたいです。

「売れそうなものではなく自分が良いと思うものを届けたい」　LOROを手掛ける菅原美裕のブレない哲学

まずはオーダースーツの種類をおさらい　「オーダースーツ」は、大きく3つに分けられます。どこまでを自分仕様にしたいのかによって選ぶべき種類も異なるので、実際に店頭に行く前に確認しておきましょう。ちなみに...オーダースーツの種類を知る前に押さえておきたいのが「吊るし」の存在。「吊るし」とは既に完成している既製品のスーツのことを指しますが、「吊るし」の場合にも袖の長さや股下、ウエストといった簡単なサイズは直すことができます。パターンオーダー　まず1つ目に紹介するのが、パターンオーダー。呼び方はブランドによって異なりますが、基本的にはゲージ服（着用ができる見本）をもとに、着丈や袖丈、股下などの縦の補正と、チェスト（胸囲）やウエストといった横の補正ができるオーダー方法です。体型補正に加えて、生地やボタン、ライニングも選ぶことができ、一番簡単なオーダースーツとされています。カスタムオーダー　次に紹介するのが、「カスタムオーダー」と呼ばれるオーダー方法。パターンオーダーよりも細かい体型補正ができるのが特徴で、例として、ジャケットの場合には「いかり肩」や「なで肩」「屈身（身体が前傾した体型）」「反身（身体が後方に反った体型）」の4つの体型に合わせた補正ができ、ボトムスの場合は、お尻が出ている「出っ尻」とお尻が出ていない「平尻」の2つの体型に合わせることができます。「セミオーダー」や「イージーオーダー」「メイドトゥメジャー」と呼ばれることもあり、ブランドによって呼び方が異なるので注意が必要です。フルオーダー　「オーダーメイド」とも呼ばれる「フルオーダー」は、自分の好みを反映したスーツを作ることができます。パターンオーダーやカスタムオーダーと大きく異なるのが、「型紙が作られるか」「仮縫いがあるか」の2点です。フルオーダーは、その人に合わせた寸法をもとに、「仮縫い」と呼ばれるゲージ服を作成します。仮縫いを試着した上でさらに微調整を加えて作るので、完成までは半年ほどかかります。　フルオーダーの場合は、制作時間が長いことから、完成までの間に趣味が変わってしまったり、体型が変わってしまうことがあります。そのため、再確認として仮縫いの後に「中縫い」と呼ばれるチェックを挟んでから最後の本縫いをするブランドもあります。フルオーダーとビスポークの違いは？　よく耳にするオーダースーツの種類に「ビスポーク」というものがあります。しかし、呼び方が異なるだけで、ビスポークとフルオーダーの内容は全く同じです。　ビスポークの語源は「be spoken（話す）」。テーラーとお客さんが対話をしながら作っていくものとして名付けられているので、髪色や目の色、骨格を見て似合うものを相談したり、好みや着用するオケージョンを話しながらふさわしいスタイルに寄せる方法です。まっさらな状態から自分だけのスーツを作ることができるので、対話はビスポークの醍醐味とも言えますね。押さえておくべきスーツのマナー　スーツは、オケージョンによってふさわしいマナーが変化するのが特徴です。そこで今回は、スーツを着用するときに押さえておくべき着こなしのポイントをご紹介します。クリース　まず、マナーとして押さえておくべきなのが、パンツのセンタークリース（センタープレス）です。口元さん曰く、スーツは縦のラインが大事なので、クリースが入っているだけで足長効果が期待でき、印象が大きく変わるそう。ポケットチーフ　スーツ着用時には、襟の後ろと袖口、胸元のポケットチーフの3つが覗いているとバランスが良く見えます。モダンなスタイリングを楽しみたい場合には入れなくても良いですが、ビジネスシーンでは入れておくことをお勧めします。ネクタイ　ネクタイの結び方は、最も基本であるとされる「プレーン・ノット」がおすすめ。結び目は程よい大きさで、後ろが短くなるようにしましょう。「私はアクセントとして小剣（後ろ）が長くなるように結んでいますが、フォーマルな場面では絶対にNGなので、真似しないようにしてください（笑）」とのこと。クリーニングに出しすぎるのはNG？スーツのケア方法　マナーと一緒に押さえておきたいのが、スーツのケア方法。スーツは自宅で洗うことができないので、クリーニングに出してしまいがちですが、出しすぎはNG。「クリーニング店では、他の洗濯物と一緒に洗うため、油汚れなどが付着してしまう恐れがあります。また、クリーニングをしすぎると生地が痩せて本来の布の光沢が無くなり、生地が薄くなってしまいます。どうしても出したい場合には、信頼できるクリーニング店を選ぶことをおすすめします」。　そこでおすすめのケア方法がブラッシングです。埃を取り除くことができるほか、ウールの場合には、着続けているとどうしても毛が寝てしまうので、それを立たせるためにも、毎日のルーティーンとしてブラシを通すようにしましょう。クリーニングの頻度は？　そうは言っても、やはり汗をかいたりすると洗いたくなるもの。そこでスーツを良い状態のまま保つ目安として、夏のスーツの場合、クリーニングの頻度は1年に1回で十分。夏が終わったらクリーニングに出す、というサイクルがおすすめです。冬に着るコートやスーツは、汚れが気になったときに出すようにしましょう。それでも気になる方には、水洗いのクリーニングがおすすめです。また、ウールやカシミヤは虫が好む素材なので、虫食いが起きないよう、必ず防虫剤と一緒に保管することが大切です。【Q＆A】オーダー当日に迷わないために知っておくべきことは？Q. イメージに合ったスーツを選ぶためのコツは？A. いつもスーツと一緒に着用している靴やワイシャツ、ネクタイを持参すること。採寸時にいつものアイテムがあるとイメージが湧きやすく、自分に似合うスーツを作ることができます。Q. オーダースーツの作成にはどのくらい時間がかかる？A. 最低でも1時間30分ほど。時間に余裕があった方がじっくり細かいところまで悩みながら作ることができるので、満足できるスーツになります。完璧に仕上げるためのチェックリスト　オーダースーツを作る時には、何をチェックするべきなのでしょうか？スーツ作成時に確認しておくべきポイントを教えてもらいました。✔︎サイズ感✔︎試着した時の第一印象✔︎着心地とフィット感オーダースーツを作る時の流れ　続いては、オーダースーツを作る際の手順を確認していきましょう。手順は、パターンオーダーとカスタムオーダーの場合と、フルオーダーの場合の2通りに分けられます。パターンオーダー・カスタムオーダーの場合1. カウンセリング　まず最初に行うのが、オーダーの中でも肝となるカウンセリング。カウンセリングでは「何のためにスーツを作るのか」「どういうオケージョンで着るのか」というイメージを膨らませますが、それをもとにゲージや生地を決めることになるので、カウンセリング時にどれだけ細かい要望まで伝えられるかが、良いスーツを作るための手助けになります。2. 生地選び　カウンセリングで話し合ったイメージをもとに、生地を選びます。生地の素材感によってシルエットの出方が異なり、印象も大きく変わります。3.ヌード寸を測る　カウンセリングが終わったら、次にするのがヌード寸の測定です。ここでの採寸をもとに、元となるゲージを決めることになります。4. 試着　ヌード寸をもとに、ゲージ服の試着をします。ゲージ服にはさまざまな種類がありますが、着てみたときに、自分で「合う」「合わない」を感じるので、それに合わせてより自分の体型に合うゲージ服を選ぶことが大切です。型紙にはたくさんの種類があるので、自分の好みやイメージが明確であるほど、決めやすくなります。5. 採寸　自分に合う型紙を決めたら、最後に試着をしながら採寸を行います。この採寸をもとにスーツを作ることになるので、違和感を感じる部分があったら必ず店員さんに伝えてください。6. 副資材を決める　スーツのライニング（裏地）やボタンなどを決めます。生地にあったものを選ぶようにしましょう。7. 完成　採寸したスーツが仕上がったら、完成です。ブランドにもよりますが、採寸から完成までは4週間ほどかかります。完成時には、必ず店頭でフィッティングをして確認することをおすすめします。フルオーダーの場合1. カウンセリング　フルオーダーの場合にも同様に、1番最初にカウンセリングをして、どのような目的でスーツを作るのかを確認します。2. 採寸　フルオーダーの場合には、生地選びの前にヌード寸を測ります。3. 生地選び　生地によってスーツのゆとり幅が変わるため、選んだ生地をもとに、作成するスーツのサイズを調整します。4. 仮縫いを試着　採寸をもとに出来上がった「仮縫い」と呼ばれる仮のゲージ服を試着します。その際に着用イメージと異なる場合には、再度サイズの微調整をすることができます。5. 完成　仮縫い試着時の要望をもとに、本縫いをしたスーツが完成します。最初の採寸から完成までは半年ほどかかります。また、本縫いの前に中縫いができるお店もあります。オーダースーツの予算相場　オーダースーツの予算は、種類やお店、ブランドによって大きく異なるため、自分の中で決まった予算がある場合には、それをもとに色々なブランドの価格を比較するようにしましょう。三越伊勢丹では、パターンオーダーが5万9400円〜で、セミオーダーは7万5900円〜。フルオーダーだと29万5900円〜ですが、使用する生地によって変動します。オーダースーツが作れるブランド　ここからは、実際に自分だけのスーツが作れるブランドやテーラーをご紹介。本格的なビスポーク（フルオーダー）が楽しめるテーラーをはじめ、全国に店舗を展開するブランドまで、幅広くピックアップしました。ビスポークテーラー3選SARTORIA TRAMONTO　横浜の馬車道に位置するテーラー「サルトリア トラモント（SARTORIA TRAMONTO）」。ビスポーク職人の佐々木聖男氏が、イタリア・ナポリでの経験を生かしたスーツやコートを手掛けています。価格帯は、スーツが44万円～で、ジャケットが33万円～、コートが55万円～（いずれも税込）。納期は約6〜8ヶ月です。所在地：横浜市中区相生町4丁目 ラタンビル7階■公式インスタグラムFUMIYA HIRANO BESPOKE　イギリスでテーラーの経験を積んだ平野史也氏によるアトリエ「FUMIYA HIRANO BESPOKE」では、日本人に合わせたブリティッシュスタイルのスーツを提案しています。価格帯は、スーツが55万円～、ジャケットは42万3500円～、パンツは16万5000円〜（いずれも税込）で、完成までの納期は1年半ほど。所在地：東京都港区西麻布2-23-8 南雲ビル1階■公式サイトSartoria Icoa　「サルトリア イコア（Sartoria Icoa）」は、イタリア・ナポリの「サルトリア ピロッツィ（Sartoria Pirozzi）」で修行を積んだ職人 石津 健太氏によるビスポークテーラー。今年からはビスポークに加えて、カスタムオーダーの一種であるメイドトゥメジャーをスタートしました。価格帯は、ビスポークの場合はスーツが38万5000円〜、ジャケットが28万6000円〜、パンツが9万9000円〜。メイドトゥメジャーの場合は、スーツが18万7000円～で、ジャケットが13万2000円、パンツが6万500円（いずれも税込）。所在地：東京都中央区新川1丁目11-10 明祥ビル 2-B号室■公式サイトパターンオーダーから作れるブランド・お店6選伊勢丹新宿店 メンズ館　三越伊勢丹では、「パターンオーダー」「メイドトゥメジャー（カスタムオーダー）」「フルオーダー」の3種類を展開。パターンオーダーとメイドトゥメジャーの場合の納期は4～6週間で、フルオーダーは半年ほど。さまざまなブランドや世界中から厳選した生地を取り扱っているので、自分好みのスーツを作ることができます。■伊勢丹新宿店 メンズ館：公式サイト■日本橋三越本店：公式サイト麻布テーラー　麻布テーラーは、全国に26店舗を構えるスーツブランド。4つのハウスモデルを基本スタイルとした日本製のウール100％の生地に、メイドインジャパンの縫製を施したスーツを展開しています。価格は4万4000円〜で、納期は最短で3週間。■公式サイトFABRIC TOKYO　全国に11店舗を展開する「ファブリックトウキョウ（FABRIC TOKYO）」は、店頭で採寸をしたら、そのデータをクラウドに保存することができるサービスを提供しています。その後いつでも購入することができるので、まだ買う予定はないけど、自分のサイズを知っておきたいという人にもおすすめです。価格は3万8000円〜で、納期は4〜7週間。■公式サイトDIFFERENCE　コナカが展開する「ディファレンス（DIFFERENCE）」は、サステナブル素材を使用したオリジナル生地によるスーツを展開。店頭でのパーソナライズサービスに加え、専用のAI採寸アプリで測ったサイズをもとに購入できるサービスも行っています。メンズのオーダースーツの価格は4万1800円〜で、納期は5週間前後。■公式サイトKASHIYAMA　オンワードが運営する「カシヤマ（KASHIYAMA）」は、ビジネススーツに加えて、礼服やセレモニースーツのオーダーを展開。入学式や新社会人向けのオーダースーツは、2万2000円〜とリーズナブルな価格で販売しています。■公式サイトSHITATE　青山商事が「洋服の青山」や「ザ・スーツカンパニー」の店舗に導入しているオーダースーツブランド「シタテ（SHITATE）」。ベーシックとスリムの2種類のスタイルと、200種類以上の生地から選ぶことができます。価格帯は3万1900〜8万6900円（いずれも税込）で、納期は最短で14日間なので、「オーダースーツが欲しいけど時間はかけたくない」という人におすすめです。■公式サイト＜連載：同期と差がつくビジネスファッション＞1. 新社会人はリクスーはNG？先輩たちに適切な服装をアンケート2. 上司に好感が持たれる新社会人のスーツの選び方3. 新社会人の好感度の高いシャツ・ネクタイの選び方4. 新社会人が履くべき革靴は？5. 新入社員が持つべき最初のバッグは？

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