インサイド

「リミナル・ウェア」とは何か？　2010年のブランド設立当初、ハトラは「部屋」をコンセプトに掲げ、柔らかな素材を用いたパーカをはじめとした、居心地の良い「自分の部屋のような服」を手掛けてきた。しかし、2021年秋冬シーズンからブランドコンセプトを大きく刷新し、文化人類学の領域で「境界性」という意味で用いられる"リミナリティ"に由来する、「リミナル・ウェア（LIMINAL WEAR）」を提案するようになる。　長見はその理由について、「『部屋』をコンセプトに制作を続けてきたものの、コロナ禍に入って移動ができなくなった状況に精神的な負荷を感じる中で、『部屋』という概念も含んだ上でハトラの考え方をより広くストレートに伝えることができる、『リミナリティ』という概念がとてもしっくりきた」と話す。そして、「旅や祭のように自分の社会的な位置付けが一時的にキャンセルされる時間を、服を着るだけで演出することができないかと考えた」という。それはどういうことだろうか。　ハトラについての論考「脱人間中心主義的なファッションデザイン──HATRAのリミナルウェアがめざすもの」の中で、蘆田裕史は「出発点と目的地、原因と結果、もっと言えばなにがしかの二つの領域の『あいだ』にこそ、HATRAの作品を理解するための鍵があると考えられる」と述べている。そして、論考の内容を頼りに考えてみると、長見は、日常からの“移動”や“浮遊”である「旅」という行為には、人が一つの場所に留まることによって凝り固まってしまった社会的なあり方や価値観、周囲との関係性を解きほぐして変容させる効果があると考えており、そういった「『移動』の効果」を生み出すことのできる服を作ろうとしているのだということがわかる。　このリミナリティという概念は、もともとは人類学者のヴィクター・W・ターナーが「儀礼」について論じる際に用いたものである。だが、長見はそれを敷衍してこの世界のあらゆるもののあいだにある境界について思索と制作を行う。　　長見がここで念頭に置いているのは、「部屋」から「旅」に出て、ふたたび「部屋」へと戻るさいの「移動」の効果である。かつて部屋にいた自分と、旅に出かけ、そして帰ってきた後に部屋にいる自分とは、一見したところ同じように見える。しかしながら、同じ場所にいたとしても、そのあいだに生じるさまざまな経験によって世界の見え方が変わることもあるというのは当然のことだろう。蘆田裕史「脱人間中心主義的なファッションデザイン──HATRAのリミナルウェアがめざすもの」より衣服が物理的・意味的に揺れる“瞬き”　そんな「リミナリティ」の概念を背景に、長見が「衣服が物理的に、または意味的に揺れることについての観察を軸に制作」し、「着用者の動きによって絶え間なく変化し、さまざまなイメージが生まれては消え去っていく『瞬き』を表現した」という2025年秋冬コレクション「WALKER」は、ファーストルックが登場した瞬間にすぐさまその意味を理解できるほど、確かに物理的・視覚的に“瞬いて”いた。　まるで海中にいるような青い光に照らされた、照明も客席もゆるやかな曲線を描くように配置された空間の中で、サックス奏者 松丸契による軽快で豊かな音楽に乗せて歩くモデルたち。一歩踏み出すごとに、その振動に合わせて纏う服やアクセサリーのいたるところがリズミカルに揺れ動き、光が反射して煌めき、まるで太陽の光に照らされ表情が刻一刻と変化する川面のように、ちらちら、キラキラと瞬いていた。　地球や宇宙の風景が流れ込んだような柄の透け感のある素材のドレスの袖や裾、歩くたびに裾が不規則に揺れ動くプリーツパンツ、左右のウエスト部分にシャツの襟のようなパーツがぶら下がった立体的な構造のパンツ、フーディーやクラッチバッグの下から床まで垂れ下がるクラゲの触手のような無数の白い紐、大半のモデルがかけたメタルフレームのアイウェアの長いシルバーチェーン──長見の言う「衣服が“物理的に”揺れること」は、おそらくあの場にいた誰もがすぐに体感し理解したはずだ。　しかし、問題はもう一つの「衣服が“意味的に”揺れること」である。「意味的に揺れる」とは、何を意味しているのか。それを考えれば考えるほど、筆者は迷路に迷い込むような気持ちになったのだが、ブランドや今季のコレクションを構成する要素と長見の発言を手がかりに、その言葉が表すものについて考えてみたい。人間、地球、デジタルが等置されることで見えてくるもの　「リミナルウェア」をコンセプトに掲げて以降、ハトラはいち早くファッションとテクノロジーの“関係性”に着目し、近年は3Dシミュレーションや生成AIといったデジタルツールを積極的にデザインプロセスに取り入れ、活用してきた。例えば今回のコレクションでも、すべてのアイテムの型紙造形は3Dシュミレーションソフトウェアの「クロ（CLO）」を用いて行われ、コレクション全体に生成AIによって生まれた柄やデザインを採用している。長見にとって、制作におけるデジタルツールの活用は「効率化」のためではなく、「人間とは少し違う視点を借りた服作り」であり、「ファッションデザインというものに出合い直すこと」なのだという。“制作過程で何千、何万と生成を繰り返すうちに、ドロドロに溶けた意味のスープの中を旅しているような感覚に陥り、それはまさに思いがけない瞬きの（非）連続と言える体験です”「HATRA」2025年秋冬コレクション「WALKER」ステートメントより　今季のコレクションで表現されている「瞬き」について、長見は「目がチカチカして服の印象が認識に収まらないこと」だと説明していた。その一方で、制作過程における生成AIとの濃密なコミュニケーションの中で「ドロドロに溶けた意味のスープの中を旅しているような感覚に陥」ったこともまた、「瞬き」の体験だとしている。　それを考えると、「認識に収まらないこと」を表現することを目指し、「ドロドロに溶けた意味のスープの中を旅し」た結果として生み出された服について、明確に意味が理解できるものとして認識しようとすること自体がそもそも間違っており、できるはずのないことであるのかもしれない。そして同時に、その「はっきりと認識や理解ができない」という体験自体が、“意味的に揺れる”という意味での「瞬き」なのではないかと解釈できる。　しかし、「認識や理解ができない」側面がある一方で、筆者がショーを見る中で、ハトラの服が旅のような効果を持つ「リミナル・ウェア」であることに関連して気づいたことがあった。それは、今回のショーやコレクション全体が、人間と、その周囲の環境である地球、デジタルな世界との関係性についての認識を変化させる効果を持っているということだ。　今回のショーの各ルックでは、モデルたちが手に持ったり身につけたりしている小物がとても印象的だった。作家の久米圭子による「ひとつの世界をオーブ型に象ったような彫金作品」をはじめ、“地球の具体的な欠片”である水晶などの鉱物、「シュンオオクボ（SHUN OKUBO）」による「中央に地球を据えたサークル状のリング」、現代美術作家 「ルヌルヌ（runurunu）」の川邊靖芳とコラボレーションした軟体動物のような曲面形状のバッグ「Sucker」、タブレット端末など、地球や大地、海の生物を彷彿とさせるものからデジタルデバイスまで、それらは多岐にわたっていた。　ショー終了後、「『地球』のいろいろな遠近感が一つの空間にあって、見ている側の縮尺や宇宙のスケールが伸び縮みしているような感覚というのを持ってほしいと思った」と語る長見の言葉を聞いて、筆者は「ハトラの世界では、人間と、地球上の生物や鉱物などを含む自然環境とデジタルな世界は、すべて“等価なもの”として並列されているのかもしれない」と気がついた。ニットの柄やメッシュの編み地、ジャケットのフロント部分の形状、ドレスのパーツなど、多様なスケールとデザインで同じ「菱形」のモチーフが落とし込まれていたことも、一つのものを異なる視点や距離感から捉えることを促す仕掛けになっていると考えられる。　同じように、ブランドのシグネチャーである6色の原色糸を編み上げて柄を表現したニットアイテムは、近くで目を凝らしてみると、まるでデジタル画像のピクセルのように6色の粒で柄が構成されていることがわかる。しかし、アイウェアのロングチェーンが歩くたびに揺れてランダムに反射し、無数の光の粒が瞬いているショーの光景の中で、モデルの身体が纏った状態のニットの柄が無数の「粒」で構成されているのを改めて目にしたとき、筆者はふと「人間の身体も、“原子”という微細な粒が集まってできた存在である」ということを思い出した。そんな気づきに至ったのも、まさに長見の思惑通りだったのではないだろうか。　そして、衣服が持つ「身体の保護や装飾、社会的地位の表象」といった基本的な役割や意味を超えて、人間とその外部を取り巻く環境やそこに存在するものとの「関係性」を可視化したり、人間中心主義的な視点とは異なる方向や距離感から思いを巡らせたりするようなきっかけを与える機能を持っているという意味で、「衣服としての意味が揺れる」と言っている部分もあるのではないかと、筆者は受け取った。　物理的・意味的な揺れである「瞬き」を生み出すハトラの服は、ただその服を着るだけで、着る人と見る人の双方に、常に「旅（揺らぎ続け、変化し続けること）」を経験させてくれる。普段は人間中心主義的であることに気がつかないほど人間中心にものごとを見て生きている私たちが、本来は宇宙や地球の中に存在する一部として、海や鉱物、生物、デジタルの粒子といったあらゆるものと等価に存在しているということに気づかせ、世界の見方に変化を与えてくれる。実際、筆者は今回のハトラのショーを見ることを通して、服や世界、デジタルなものに対する見方や捉え方、人間である自分との関係性が、見る前とは確実に変化したと感じている。　そして、そのような“脱人間中心主義的”なまなざしやスケールのもとで作られているからこそ、ハトラの服にはウィメンズとメンズの区別がなく、「ジェンダーレス」という概念や次元すらも飛び越えているような自然なあり方が可能になるのだろう。　ここまでかなり長々と考察を書き連ねてしまったが、結局のところ、ショーを終えた後の取材で長見が話していた言葉に、今回のショーがどのようなものであったのかが集約されていたように思うため、最後に引用したい。　“僕は、AIの世界と現実の世界が混同している状態は美しいとずっと思っていますし、それに尽きるんですよね。でも同時に、AIという海の中に飛び込むような感覚というのはずっとあって、その視点から見たときに、アトリエにある普通のありふれた布を見て「なんて美しいんだろう」と思ったり、デジタルの世界から見たときにフィジカルのすごさみたいなものを改めて感じることがある。その往復なんですよね。こちらから見たときに見える新しいものもあるし、向こうから見て「なんて情報量なんだ」と感じることもある。たぶん、それをずっと続けていくんだろうなと思っています”　今回のハトラのショーやコレクションは、現実世界に身を置きながらもAIという海の中を泳ぎ続けてきた長見の、双方を行き来し続ける中で出合い、見出した美しさや新しさ、驚き、感動などを、可能な限り忠実に具現化した形で垣間見させてくれるような、これまでの15年間の“歩み”を走馬灯のように総覧させてくれるようなものだったのではないだろうか。長見が「AIと現実の世界が混同している状態は美しい」と語っていたように、あの日あの空間で筆者が目撃し体感した世界は、確かにとても美しかった。　そして、ショーから数日間におよぶ長い思考の行き来を経てようやくこの文章を書き終えようとしている今、「ここに至るまでの一連の過程も、まさに長見が言う『旅』そのものであったのかもしれない」と、小さな感動とともに実感している。photography : Ippei Saito

HATRA

Fashion

「ハトラ」の服の“瞬き”が体験させてくれる、現実とAI世界を行き来した先に見えるもの

境界と過渡　まずはHATRAのデザイナー、長見佳祐自身の言葉を確認しておこう。長見はリミナリティという概念についてインタビューで次のように語っている。少し長くなるが引用したい。“現在までにHATRAが行き着いたのは「liminality」（リミナリティ）というキーワードです。2021年秋冬シーズンから「リミナル・ウェア」（LIMINAL WEAR）の展開を始めました。「リミナリティ」は文化人類学の領域で「境界状況的」と訳されます。（中略）レベッカ・ソルニットの『ウォークス──歩くことの精神史』（東辻賢治郎訳、左右社、2017）を読むなかで、「リミナリティ」という言葉を知り興味を持ちました。人はひとつの場所に根を張って暮らしているとどうしても社会的なあり方が硬直していきます。「旅」という行為には、その凝り固まった自我や場所との癒着を時間をかけて引き剥がしていく効能がある。そして戻ってきた時も、以前とは異なるひとつ上のレイヤーで、さまざまな関係性を構築し直すことを可能にさせる。かつての巡礼にはこうした効果があったという分析に、非常に共感しました。「部屋」をコンセプトに掲げてやってきたら、奇しくもみんなが部屋にいる事態になってしまった（笑）。そんな社会で、ブランドのコンセプトに「部屋」を掲げるとは一体どういうことなんだろう、と自然と考えさせられました。僕自身も移動を制限され、衣服のつくり方や考え方を見直す時間が増えた。その結果、こうしたコンセプトに行き着きました。「部屋」というコンセプトには収まりきらなかったHATRAのフレームを補足するのが、この「リミナリティ」という概念だと思っています。”（浅子佳英による長見へのインタビューより。「3Dでかたちにする、衣服と建築の可能性の中心」『LIXILビジネス情報』）　このリミナリティという概念は、もともとは人類学者のヴィクター・W・ターナーが「儀礼」について論じる際に用いたものである。だが、長見はそれを敷衍してこの世界のあらゆるもののあいだにある境界について思索と制作を行う。　長見がここで念頭に置いているのは、「部屋」から「旅」に出て、ふたたび「部屋」へと戻るさいの「移動」の効果である。かつて部屋にいた自分と、旅に出かけ、そして帰ってきた後に部屋にいる自分とは、一見したところ同じように見える。しかしながら、同じ場所にいたとしても、そのあいだに生じるさまざまな経験によって世界の見え方が変わることもあるというのは当然のことだろう。　あるいはまた、たとえば家から学校や職場に行くことを考えたときに、目的地に到着するという「目的」だけを考えれば、どのようなルートを通るのかは重要ではない（もちろん所要時間は考慮の材料になるが）。もし目的地にたどりつくことだけが考慮されるのであれば、歩いて行くか、自転車で行くか、車で行くか、電車で行くか、所要時間やコスト以外は等価なものと考えられる。だが、その過程はひとつひとつまったく違うものである。歩いているときに見える景色と車に乗っているときに見える景色はまったく違うし（歩くといままで気づかなかったものを発見するということはよくある）、それは数値に還元されることのない異なる経験となるはずである。*¹　これは哲学者の國分功一郎が指摘するような、目的や効率（のみ）を求める態度への批判とも通ずる。*² 近年はタイパ（タイムパフォーマンス）という概念が重視され、いかに効率よくものごとをこなすかが求められる。だが、上で述べたような「過渡」の重要性に着目するのであれば、出発点と目的地、原因と結果、もっと言えばなにがしかの二つの領域の「あいだ」にこそ、HATRAの作品を理解するための鍵があると考えられる。*¹ 近年ネットミームとして流行しているリミナルスペースはこの「境界」を拾い上げて前景化させたものとも考えられる。『ザ・バックルームズ』や『8番出口』などに見られるような、延々と続き、どこにもたどりつくことのできない、不安を引き起こさせるような場所──誰もいないホテルの廊下や地下鉄の通路など──がリミナルスペースと呼ばれるが、これも境界状態の「どこにも属することのない」「不安をあおる」性質を言い表したものとも言えよう。*² 國分功一郎『目的への抵抗』新潮社、2023年選択肢の拡張　次に、HATRAのデザインプロセスを見ていこう。先に述べたとおり、近年のHATRAの特徴のひとつとしてデジタルなツールの活用がある。伝統的なファッションデザインのプロセスは、デザイン画を描いて、それをパターンに起こして、トワルを組んで、サンプルを作り、それをもとに量産するといったものであろう。けれども、HATRAはそこにふたつのツールを取り入れている。それはCLOとAIである。 HATRA 2025年春夏コレクション　これまでファッション業界でもパターンメイキングにおいてCADというデジタルツールが使われてきたが、CLOはファッションデザイン用の3DCGソフトウェアで、ディスプレイ上でシミュレーションができることが最大の利点とされる。従来はデザイナーやパタンナーの頭にあるものを明確に視覚化することは難しかったが、CLOによってそれが可能となった。　長見はCLOの特徴について次のように述べている。“一番大きかったのは、「Command+Z」を獲得したことだと思います。一度布を裁断してしまうと後戻りはできないけれど、それが3D上では無制限にできてしまいます。これはとても大きな変化でした。例えば、白いシャツの襟だけを赤くしてみよう、といったエスキースが躊躇なくできるようになりました。従来は、“考えればわかる”イメージの確認のために縫製の時間や生地を割くなんて、とうていコスパが合わないと思っていました。しかし、画面上ではすぐに検証ができるし、やってみると意外な発見をすることがあるんです。時間やコストを奪われることを恐れて、潜んでいる可能性から目を背けて半年ごとのリリースサイクルに合わせていたわけですが、そんな必要がなくなった。アーカイブの型紙のように、自分の手癖がベースにあるのはもちろんだけど、失敗のハードルが大幅に下がったことによって、そこから離れた新しいクリエイションを実験できるようになった気がします。“ （「3Dでかたちにする、衣服と建築の可能性の中心」『LIXILビジネス情報』）　ここで注意しなければならないのは、CLOの活用において重要なのが「効率化」ではないことである。効率化を求めるのであれば、「境界」や「過渡」は不要なものとなるからだ。「失敗のハードルが大幅に下がったことによって、そこから離れた新しいクリエイションを実験できるようになった」と長見が述べるように、非効率なまでに選択肢を拡張していくこと、そこにこそCLOを用いたデザインの（HATRAにとっての）強みがあるのだと言える。　そのことは、「スペキュラティブファッションラボラトリー」を謳うSynfluxとのコラボレーションによるプロジェクト「AUBIK」（2020年）からも理解される。「AUBIK」、そしてそこから展開された「Synthetic Feather」（2020年）では、AIを用いた柄の生成が行われた。200万枚の画像をAIに学習させて柄を生成した「Synthetic Feather」の柄は、何とも言えない不可思議な雰囲気を持つ。目や羽のように見えるディテールにより、かろうじてそれが鳥であるということを認識することもできなくはないが、鳥だと言われなければ一目で認識することは難しいだろう。言い換えれば、AIによる柄の生成は、鳥という目的物の実現のための効率化をめざしたものではない。そうではなく、私たち人間の「想像力」だけでは実現できない可能性の産出が重要なのだ。　このデジタルなツールを使ったデザインプロセスによって生まれるのは、長見が「想像力のバグ」と呼ぶものであろう。*³ バグは本来作ろうと思って作られるものではないし、プログラムが正常に動作するためには不要なものである。しかし長見は、デジタル（AI）とフィジカル（人間）のあいだで情報が往来することによって生まれるバグに積極的な意味を見出す。それは、すべてをコントロールしようとせず制作に偶然性を取り込むような試み——二〇世紀において美術や音楽の分野でなされたような——のひとつだとも言える。　「AUBIK」についてもうひとつ重要なのは、新しい「線」の創出である。もともと「AUBIK」の核としてあったのは、おそらくSynfluxのアルゴリズミック・クチュール──アルゴリズムを用いて可能な限り廃棄の出ないパターンを探る技術──によって実現された、HATRAのシグネチャーとも言えるフーディーのパターンの再構築であろう。アルゴリズミック・クチュールという技術は、一般的にはゼロウェイストをめざした「効率化」のための技術とされる。実際、それはある側面においては正しい。しかしながら、HATRAがその技術を活用するときには、効率化のみならず──もっと言えば効率化よりも──、通常のパターンメイキングの想像力では生まれえないような「線」を模索するためのもののように思われる。　アルゴリズミック・クチュールにおいては、通常のパターンメイキングの知識、つまりは人間の想像力では生まれないような「線（＝縫い目）」が現れる。布が余らないようにすると、どうしてもパターンが細分化されることになるからである。そこで生まれる線は、普通は「良い」あるいは「美しい」ものとはされない（もしそれが良いものとされるのであれば、普通の服のパターンもできるかぎり細切れにするだろう）。服を作る上で、線は──輪郭以外には──ないのが望ましいとされている。 　しかし、振り返ってみれば、HATRAはこれまでもつねに衣服における線を更新する試みを行ってきたと言えるのではないだろうか。スウェット生地にワイヤーを入れた初期のフーディーやパンツ、近年、毎シーズンアップデートされているテーラードジャケットなどを見ると、歴史上、さまざまなファッションデザイナーが手掛けてきた服とは異なる線が見られる。そこにおいて長見は「いかにして服に新たな線を引くことができるのか？」と問いかけているようにも思われる。線のデザイナーという意味では、長見はクリストバル・バレンシアガ（Cristóbal Balenciaga）やチャールズ・ジェームズ（Charles James）の系譜に連なると見ることができるだろう。*³ 蘆田裕史＋水野大二郎による長見へのインタビューより。『vanitas』No. 007、アダチプレス、2021年誰のためのファッションデザイン？　こうして生まれるHATRAのプロダクトは、誤解をおそれずに言うならば、人間に「似合う」ものかどうかすらわからなくなる。リミナリティというコンセプトを掲げるHATRAは、「似合う」「似合わない」という概念——それも一種の境界状態と言えるだろう——さえも乗り越えようとしているように思われる。服が人間にとって似合うかどうかなんて些細な問題である、と言わんばかりのように。　長見はインタビューにおいてこのように語っている。“ファッションはこれまで知性と感じられなかったものと対話をするための準備作業だと思っています。“　「これまで知性と感じられなかったもの」が何を指すのかは不明瞭だが、少なくとも人間以外のものを想定していることは確かだろう。長見が見据えているのはもはや人間のための衣服ではないのかもしれない。実際、HATRAがアーティストと行っているコラボレーションからもそんな風に思わされる。たとえば金沢21世紀美術館で開催された展覧会「DXP2（デジタル・トランスフォーメーション・プラネット2）」のためにYuma Kishiと制作した「LOTUS ROOM」は、文章生成AIと人間とのコミュニケーションにより、ありえたかもしれないHATRAのコレクションを類推・生成するインスタレーションとされている。この先、HATRAは一体誰のための服を作っていくのだろうか。はたしてファッションは脱人間中心主義的になることができるのだろうか。近い将来、その答えが見られることを期待したい。■参考文献＋HATRAのさらなる理解のためにヴィクター・W・ターナー『儀礼の過程』（冨倉光雄訳）、筑摩書房、2020年レベッカ・ソルニット『ウォークス——歩くことの精神史』（東辻賢治郎訳）、左右社、2017年星野太「ハトラ——「中性的なもの」の力学」『vanitas』No. 002、ファッショニスタ、2013年（現在はアダチプレスから）星野太『崇高のリミナリティ』フィルムアート社、2022年深井晃子（監修）、石関亮・蘆田裕史（編）『+ (プラス) Future beauty——日本ファッションの未来性』平凡社、2012年

脱人間中心主義的なファッションデザイン──HATRAのリミナルウェアがめざすもの

「史上最もサステナブルな大会」を体現するウェア──まずは、今回長見さんがデザインに携わることになった経緯から教えてください。アシックス デレゲーションプロダクトチーム マネージャー 大堀亮（以下、大堀）：今オリンピック向けの商品を企画する上で、コンセプトに合わせて必要に応じてその道のスペシャリストに協力を依頼しています。ポディウムジャケットについては、企画進行に協力いただいたWhatever Co.を通じて、デザイナーとして長見さんにサポートしていただきました。元々、ファッションの中心地で開催されるパリオリンピックのアイテムは、ファッションに関する知見を持っている方にサポートしていただきたいという思いがあったのと、長見さんはパリに住んでいた経験から、スポーツアパレルに必要な気候についての知見もあるので、適任だと思いました。長見佳祐（以下、長見）：僕自身、普段はほとんどスポーツをしないんですが、オリンピックを見るのは好きで。オリンピック期間中の街全体が一変するような雰囲気が、ハトラの主題である「リミナルウェア」に通ずる「リミナル（境界状況的）」な状態だと常々感じていたので、そんな僕の視点も交えて一緒にものづくりができたら、と参画させていただきました。──どういったところからデザインをスタートさせたんですか？長見：まずは「パリの移ろいやすい天候にどう対応するか」というところからでした。実際に現地で五輪を観戦したんですが、大会初日は最低気温14度、最高気温が21度だったのに対し、日によっては最高気温35度に上がる日もあって。寒暖差の激しさに対して、ポディウムジャケット1枚で対応できるようにするにはどうするかを考えるところからのスタートでしたね。大堀：東京大会はオールメッシュのジャカードだったのですが、パリでも同じ仕様にすると寒暖差のある朝晩は寒く感じる可能性を想定しました。今回は、必要な時に必要な分だけ衣服内の蒸れを逃す形で設計して、素材も今回のために開発した新素材です。リサイクルポリエステル100％で、軽さとハリ感を備えた特殊な4層構造で、着た時の落ち感もしっかり出ます。──パリ五輪は、「史上最もサステナブルな大会」というスローガンが掲げられています。大堀：大会コンセプトに沿って、ポディウムジャケットをはじめとしたデレゲーションアイテムは「パフォーマンスとサスティナビリティの両立」をテーマに開発に当たりました。リサイクル素材を使用したり、自社工場では再生可能エネルギーを使ったりと、さまざまな温室効果ガス排出量の削減施策を行い、ポディウムジャケットとパンツは東京大会からCO2排出量を34％削減しました。また、ソックスを除く全てのアイテムに、材料調達から製造、輸送、廃棄といった各製品のライフサイクルで排出される温室効果ガス排出量（カーボンフットプリント）をプリントしています。本当の意味で“ダイバーシティ”なデザイン──ポディウムジャケットはパターンが複雑ですよね。大堀：アシックススポーツ工学研究所で解析したボディサーモマッピングをもとに、体の動きに合わせて開閉するメッシュ素材を背中や脇などのパーツに施しています。このメッシュは内側の余分な湿気を外に発散する働きを持っているんですが、デザインに大きく関わる部分なので、長見さんと協業しながら、パターンを組み立てました。長見：僕はアシックスさんからの技術面・デザイン面でのフィードバックを反映しながら、3D CGソフトウェア「クロ（CLO）」を用いてデザインしました。今回は、型紙の構造的なトライアンドエラーに加え、東京大会から一貫して日本代表のカラーとして定着している「サンライズレッド」を起点に、開催地パリの日の出をイメージしたグラデーションパターンを数百余り3Dシミュレーションにかけ、フィードバックをいただきながら調整する、という流れを繰り返しました。大堀：3D CGでのデザイン作業について、今回の長見さんとのやりとりは、イメージがしやすくスピード感もあって助かりました。その分、無理をお願いしてしまうこともありましたが...（笑）。長見：CGでのデザインは無数のバリエーションを瞬時に展開できるので、手数とスピードについてはこれまでにはなかったスキームとして提案できたと思います。ハトラでのコレクション製作の経験が活かせましたね。──苦労した点は？大堀：選手が首にメダルをかける際、胸元のロゴやエンブレムが隠れないような位置設定は、シビアに考えました。できるだけ高い位置にロゴがある方が写真やテレビでも映りやすいので、ディテールのバランスを何度も調整しました。事前に五輪メダルのデザインは見せてもらえないので、ある程度推測でデザインした部分はありますが、現状テレビで見る限りロゴやエンブレムは隠れず映し出されていてホッとしています（笑）。長見：実は当初、フード付きのデザインも検討していたんです。ただ、そうなるとメダルのかかり方が均一にはならないという懸念があり、なしになりました。トルソーに着せた時は綺麗でも、パフォーマンス後の興奮した状態や、急いで着替えた時など、どんな状態でも品格を保つための工夫が随所に込められています。──たしかに、ジャージでありながら品のある美しい佇まいですよね。長見：ウェアに対するアスリートからのフィードバックに「表彰台に立つときには品位のある姿でいたい」という意見があったと伺ったので、“品位ある姿”は意識をして製作に当たりました。「スポーツウェアでありながら凛々しい印象をこのフォーマットの中でいかに実現するか」が課題の一つでしたね。大堀：ポディウムジャケットは、特殊なアイテムなんです。開閉会式の式典では、正装として別のジャケットとパンツのセットアップを着るし、競技中はそれぞれの競技用のユニフォームを着ます。このジャケットは、主に表彰台などの公式の場所で着用が義務付けられているウェアなので、見た目の清潔感や格好良さ、機能性の両立を目指しました。──“品位ある姿”を意識した中での、ファッションの面でのこだわりを教えてください。長見：まず大きな特徴として、フロント裾にリブがないことが挙げられます。リブは保湿性を担保するためだったり、服の形を綺麗に整えるために必要ですが、前に持ってくるとボトムスとの上下のプロポーションが分断されて、いわゆる“ジャージ感”が出てしまう。ジャージではなくジャケットのような印象をもたらすために、フロントリブを無くしました。　同様に、脇のポケットも内側に隠れるようにデザインしています。極力削ぎ落としたクリーンな印象を持たせたかったので、縫製仕様面ではアシックスさんに無理を言わせてもらいましたね（笑）。大堀：ファスナーも特殊です。通常のファスナーには「ムシ（エレメント）」と呼ばれるパーツがテープに取り付けられているんですが、このポディウムジャケットはテープをなくして、生地に直接縫い付けています。テープがないことによって、ファスナーを上げ下げする際の抵抗が少ないのが特徴で、少ない力で上げ下げしやすく着脱しやすい仕様になっています。テープがない分、CO2排出量も削減できています。長見：ファスナーのシームラインの存在感がなくなったことで、グラデーションにより、フロントの太いラインが印象に残るような設計になっています。襟元から裾まで一直線に貫くことで、スポーツウェア特有のカジュアルなジャージらしさを緩和し、端正な印象を作り出すことができたと思います。ネクタイにも象徴されるように、フロント中央のデザインは、選手の品格に関わる重要な部分なので、特にこだわりました。──生地のカラーリングはグラデーションになっていますが、モノによって異なるのでしょうか？大堀：はい。意識して見ていただくとわかるんですが、1人ずつ違うグラデーションになっていて、全く同じデザインは一つとして存在しません。それが、今回のデザインテーマの一つである「ダイバーシティ」に通じる点です。「日本という1つのチームだけど、1人1人個性がある」ことを表現したかったんです。長見：もちろん、チーム全体としてのまとまりは重要ですが、選手1人1人にそれぞれの思いや、オリンピック出場にたどり着くまでのストーリーがあるので、それを1つの形で覆ってしまわないようなデザインがしたい、ということは当初から考えていました。選手それぞれを引き立てるデザインをという想いで、1つとして同じものはないグラデーションデザインを採用しました。長見：加えて、背面裾のリブをジャカード組織でグラデーションにしているのもこだわりの一つです。選手が着用するブラックのパンツに馴染むよう、グラデーションにすることで、ウエストやヒップの断面をなくして“1つの身体”としての流れをデザインに取り入れました。──シルエットが全体的にゆったりとしているのも、ダイバーシティというテーマの表れでしょうか。長見：ポディウムジャケットは、選手だけではなくコーチなどのスタッフも着るので、多様な体系をカバーできるシルエットであることは必須条件でした。大堀：今回のジャケットは、前回に比べるとかなりゆったりしています。「アスリートフィット」と呼ばれる定番的なスポーツウェアのフィットは、体に沿った綺麗なラインが出るんですが、中には「ピタッとしたシルエットが嫌」という意見も存在します。ゆったりしているけど動きやすく、だらしなく見えないシルエットに調整した結果、体のラインを拾いすぎないシルエットに仕上がりました。そこはハトラの強みであるパターンメイキングの技術があってこそだと思います。実際、堀米選手（スケボー男子ストリートで金メダルを獲得した堀米雄斗）が表彰式で着ているのを見たら、すごくスタイリッシュで。「（このシルエットにして）良かったな」と感じましたね。──ゴールドの刺繍が気になります。大堀：この刺繍は、本来はポケットが落ちないよう、留めるために必要なステッチだったのですが、開発を進めていくうちにそのステッチが必要なくなって。せっかくなので、デザインとして残すことにしました。長見：着丈が長い分、この位置にラインがあることでウエストマークにもなるので、バランスを保つために採用されました。ゴールドの糸には「常に高みを目指して欲しい」という意味が込められています。大堀：このデザインを受けて、フロントファスナーもゴールドになったという経緯があります。パブリックデザインにおいて重要なものとは？──開発期間を振り返ってみてお互いの印象に変化はありましたか？長見：アシックスは、中高生の頃の体育館履きから通じる日本の現風景のような存在でありながら、近年の「キコ・コスタディノフ（KIKO KOSTADINOV）」とのプロジェクトではファッションの最前線にまでリーチしていて、その硬軟織り交ぜた動きには類を見ないものがあるなという印象でした。　また、アシックスのスポーツ工学研究所で、デジタルシミュレーションを含めたさまざまなことを科学的に検証しているのを拝見して、デジタルを軸にデザインするハトラと根っこにある部分は通じていると感じました。実際に作っていく中でも、デジタルの知見をお借りしてフィードバックを重ねることで、いいシナジーが生み出せたと思っています。大堀：共同作業を通して、ファッション業界の第一線にいる長見さんならではのこだわりと、仕事に対する熱意を感じました。長見さんには、プロダクトに関してオタク気質なところがあって。僕が持っているスポーツアパレルに関するデザイン、技術的な知見や今までの経験と、長見さんの目線を織り交ぜて一緒にものづくりができて、面白かったですね。──ファッション畑の長見さんとスポーツ畑のアシックスが一緒になることで化学反応が生まれた？大堀：我々のように専門分野でものづくりを続けていると、「これはこうあるべし」といった既成概念に囚われてしまうところがあるんですが、長見さんのデザインには、僕からは全く出てこないような発想がありましたし、それこそが一緒にやる意味だと感じています。パフォーマンスを追求すると、どうしても「無」に近づいてしまうことがあるじゃないですか。そうではなくて、ファッションが持つ不必要なものをいかに必要性のあるようなものにしていくか。それが課題でしたし、結果的にデザインにうまく落とし込むことができたと思っています。──昨今、パブリックデザインにはSNSを中心に多様な意見が飛び交います。長見：確かに難しさも怖さもありました。だからこそ、選手がいかに種目に集中できるか、それが全てだと考えてデザインしたんです。大堀：アシックスというブランドを背負っている立場上、世間の声はどうしても気になってしまいます。ただ、長見さんの言う通り、僕らにできることは機能を通じて選手への快適性やパフォーマンスを提供すること。その軸からはブレないよう、長見さんにご協力いただいた何百という数のデザインを精査して、この1着を作り上げました。選手は表彰式の際、着用ウェアを自由に選ぶことはできないわけですから、僕らとしては着用する選手やスタッフが不快に感じないよう、デザインをはじめ、機能面やパターンを追求しました。その結果、選手たちから良いフィードバックをいただけているのが何よりだなと思っていますし、そのフィードバックをもとにまた新たな製品を開発していければと考えています。（聞き手：張替美希）

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