インサイド

古典の新解釈とジェンダーを超えた美　今回の公演では12名のバレエダンサーによる、全8プログラムを披露。不朽の名作である「ロミオとジュリエット」の“許されない恋”を再解釈し、男性ふたりが演じる「ロミオとロミオ」や、男性が踊る「白鳥の湖」のオデットなど、斬新なパフォーマンスが観客を驚かせた。キャストには、舞踊監修を務める堀内將平をはじめ、世界的キャリアを誇るダンサーから注目の若手ダンサーまでが参加。前回に引き続き、日本を代表するバレエダンサー 中村祥子と二山治雄も出演した。通常のバレエ公演では女性が多く活躍するが、BTNCでは男性ダンサー7名、女性ダンサー5名が起用されているのは珍しいポイントだ。ファッション界のクリエイターたちが参加　また、ファッション界のトップクリエイターたちが参加しているのもBTNCならでは。衣装は前回に引き続き、「チカ キサダ（Chika Kisada）」を手掛けるデザイナーの幾左田千佳が担当した。公演に先駆け、古いバレエ衣装やティアラ、飾りなどを募集し、第1回目の公演で使用した衣装、チカ キサダのアーカイブなども含めてアップサイクル。バレリーナの経歴を生かし、“パンクバレエ”をコンセプトにしたデザインで知られる幾左田らしい作品に仕上がった。メイクアップはUDA（mekashi project）、ヘアは西村浩一（VOW-VOW）、スタイリングは小嶋智子を起用し、演出はファッションショーを長年手掛ける若槻善雄（DRUMCAN）が務めた。挑戦的なクリエイションにかける思い　ゲネプロ公演では井上と堀内が登壇し、同企画のコンセプトや各プログラムの解説を行った。また公演後の囲み取材では、デザイナーの幾左田やキャストである中村祥子、鈴木絵美里 (イングリッシュ・ナショナル・バレエ ソリスト）も、今回の斬新なクリエイションに対する思いを明かした。——男性がビスチェやチュチュを着たりと、意外性のある衣装でした。井上：今回は全体的に男女の性別を問わず、今の時代の自由な解釈で衣装を作りたいという思いがありました。「通常なかなか見ない衣装を作ってみたい」というところから、アイデアが生まれたんです。堀内：前回はクラシックバレエの枠組みから出きれない部分が多かったので、今回はもうコンセプトから変えちゃおう、と。男性が女性の役を踊ったり、男性同士の「ロミオ」を提案したり、「海賊」にも「現代の悪って何だろう？」という新しい解釈を与えています。上辺だけじゃなく、根底の部分でも挑戦できたかなと思います。幾左田：キャラクターに新しい解釈を加え、ストーリーをイメージした上で楽しく作らせていただきました。あとは今回初めてスタイリストさんに入っていただいて、私の知る限り、通常のバレエ公演でスタイリストが入るのは初めての試みではないかと思います。ファッションのエッセンスが衣装に取り入れられることによって、より磨きがかかったのではないかなと手応えを感じています。——アップサイクルの衣装はどのように作られたのでしょう。幾左田：今回は、公募で集まった衣装をはじめ、ショーピースや日常着のアーカイヴサンプル、制作の段階で生まれるトワル、生地屋さんのデッドストック、チカ キサダの残布など、全てにおいてゼロからではなく、集めたもので衣装を作りました。新しい解釈で再構築するような形です。堀内：僕が「ショパン組曲」で着用した衣装は全部、僕が小さい頃に着ていた衣装でできているんです。10歳からバレエを始めて、うちの母が作ってくれた衣装がダンボール2箱分ありました。それを全部解体して、他のダンサーの衣装にも組み込んでくれたりと、チカさんの思いがこもった衣装です。井上：公募によって、お子さんが発表会のときに着た衣装などがたくさん集まりました。そこに付いていた「アリサちゃん」といったネームタグも全部見えるようにチカさんがデザインしてくださって。また、衣装を裏返したときに見える職人さんのこだわりや美意識に着目して、あえてスパンコールの玉留めを表に出して見えるようにしたり、新しい美の発見をしてくださったなと思っています。——キャストの皆さんは実際に着てみていかがでしたか？中村：ふだんの舞台では着られない、チカさんならではの衣装。いろいろなところにこだわりが込められているので、着る側もこれまでとは少し違った感情や思いが出せる衣装だなと思っています。鈴木：昔使われた衣装をアップサイクルして使っているので、「伝統や想いを受け継ぐ」という感情が体にしみていく感じがしました。——BTNCの挑戦はバレエ界に大きなインパクトを与えそうですね。中村：代々受け継いできたクラシックの演目は今までの経験もあってスッと入りやすいですが、こういう新しい作品は本当に一から作り上げるもの。みんなヒントを与え合ったりしながら作り上げていくので、やはりいつもとは違う世界観が生まれるのではないかと思います。子供たちにとっても、バレエの世界がもっと広がるんじゃないかな。鈴木：ダンサーそれぞれの個性や演技力、クリエイティビティからインスピレーションを受けています。私たちも次どういうものが生まれてくるのか、すごく楽しみです。予想ができないところが楽しいですね。堀内：このプロジェクトはゼロからのスタートで、すごく挑戦的で学びの場になっていますね。バレエは「バレエを好きな人以外のもの」でもあって、「総合芸術」とはそういう意味でもあると思います。例えばスポーツを好きな人が見に来たら「ダンサーってすごいね、あんな体をしているんだね」、ファッションの人が見に来たら「かわいい衣装だね、ヘアメイクさんすごかったね」など感想を言ってもらえるので、肩肘張らずにみなさんに楽しんでもらえたらうれしいです。（聞き手：辻 富由子）

Chika Kisada

Fashion

全衣装をアップサイクルで制作

幾左田千佳の衣装も話題に　アバンギャルドなバレエ公演「BALLET TheNewClassic」

田舎にダンス教室なんてなかった　湧き上がる衝動とエモーション。彼女が踊り始めると、スタジオにいた誰もがその動きに釘付けになった。人間はこんな自由に動けるものなのか——。　柿崎麻莉子は香川県出身。自然豊かな田舎で生まれ育ったという。「幼稚園の頃から自分で音楽をかけて踊っていましたね。母親が新体操の先生だったので、家に色々なCDがあったんです」。小学4年生から新体操クラブ「エンジェルRGカガワ日中」に通い始め、6年生の時には全国大会に3人1組で出場して優勝。身体能力の高さは幼い頃から抜きん出ていた。　「自分が踊ることが好きだっていうのは、もう早い段階で分かっていたんです。でも田舎だからダンス教室なんてないし、どうやって始めていいか分からなくて」。その後、進路を決める際に「大学　ダンス　一番」とネットで検索。検索結果の一番上に出てきたダンスの名門・筑波大学に入学し、そこでコンテンポラリーダンスと出会った。「それまで新体操しかやってなかったので、身体性の違いには苦労しましたね。新体操は技で点数を取る競技なので」。“ラッキーなことに”膝の前十字靭帯を断裂　大学1年の秋、膝の前十字靭帯を断裂し入院。病室では「こんな身体じゃジャンプもできないし、もうダンスをやめるのかな」と落ち込んでいたという。その時、手を差し伸べてくれたのは大学の先輩だった。「今は振付家として活躍している黒田なつ子さんが、座ったまま踊る機会をくれて。10分弱の作品で、長いドレスを着て脚立の上に座り、手だけをゆっくり動かす役でした。それはきっと新体操をしていた時の感覚では絶対に踊れなかったダンス。その時『そうか、足を上げなくても踊ることはできるんだな』ということに気づいたんです」。怪我をしたからこそ、新たな身体性を学ぶことができた。柿崎にとってそれは大きな転機になったという。イスラエルのダンスに衝撃を受ける　「自分が一生やっていきたいダンス」を見つけるため、大学の夏休みにはヨーロッパやニューヨークのダンスシーンを見て回る。一番衝撃を受けたのは、バットシェバ舞踊団（Batsheva Dance Company）の来日公演だった。バットシェバはイスラエルを拠点とする世界的なダンスカンパニー。美の既成概念に捉われず、振付家のオハッド・ナハリン（Ohad Naharin）が編み出した「ガガ（Gaga）」というダンスメソッドを使って、独自の身体性を育てていく。　「『ガガ』は枠組みのないアプローチで、人によってまったくバラバラな動きが出てきます。それが私がバットシェバを初めて見たときにすごく惹かれた部分。ゴツゴツした筋肉質の人もいれば、華奢なバレリーナみたいな人もいて、それぞれが全然違うリズムで同じ舞台に立っていました。色々な動物が踊っているようなワイルドさを感じて『これならやってみたい！』ってゾクゾクしたんです」「特異な身体性」でオーディションに合格　「自分がここに所属する未来が見えた」という柿崎は翌年イスラエルまで出向き、「ここで働きたい」とオハッドに直談判。大学を卒業する2012年にオーディションを受けて、念願のバットシェバに入団した。「オーディションに参加していたのは幼少期からずっとダンスを頑張っていた人ばかりでした。私は全然ダンス技術もなかったけど、新体操の経験はあったから特異な身体性に見えたんだと思います」と分析する。　バットシェバのメンバーは半分がイスラエル人で、もう半分がインターナショナル。そんな中で、体型の違いにも気づかされた。「身長が高いプロダンサーたちの中で、私は背が一番低くて、足の長さだってみんなの半分くらい（笑）でもそれをネガティブなことにはまったく感じなかったんです。だって私は“ここにいる”んだから」。　自分の身体性をほかの誰かと比較して落ち込んだことはないという。「国が違えば、美の基準も変わります。もし今、身体に対する社会の呪縛を感じているとしたら、別の場所やコミュニティに行けばいいと思います。呪縛と戦うのはすごいことだけど、それは戦える力がある人に任せたらいい。身体に正解はないから、周りと比較する必要はないと思います」。「ディオール」のランウェイで踊った経験　バットシェバに入るきっかけとなった作品「MAX マックス」には、その後ダンサーとして出演。夢が叶った瞬間だった。「でもカンパニーに憧れすぎていて、ダンサーとして色々な経験をできたことに満足してしまったのかもしれません」。その後バットシェバを離れ、2015年にシャロン・エイアール（Sharon Eyal）率いるL-E-Vダンスカンパニー（L-E-V Dance Company）に移る。「シャロンはもともとバットシェバのダンサーとしてキャリアを積み、独立した振付家。一緒にお仕事をしたこともあって、彼女の世界観をもっと体験したいと思ったんです」。　その後、L-E-Vの一員として「ディオール（DIOR）」の2019年春夏コレクションのショーにも出演。テーマは「身体の解放」。花弁が舞い落ちる中、躍動感あふれるパフォーマンスを披露した。「あれはディオールのマリア・グラツィア・キウリ（Maria Grazia Chiuri）とシャロンという、自分を突き詰めていった二人によるコラボレーション。一過性のものではなく、その後のL-E-Vの作品もディオールが衣装を作ったりと、良い関係性が続いていますね」。衣装は作品の意図をよりクリアにする仕掛け　普段の柿崎はいたってピュアで自然体。あまり着飾ることを好まない。だが、創作における衣装選びは重要だと語る。「衣装を着るといつも、リハーサルの時よりも作品の狙いがクリアになると感じます。衣装や音楽が加わることでヴィジョンの幅が狭まり、その作品の世界観が徐々に構築されていくんですね。だから自分の作品で衣装を決める時は毎回すごく悩みます」。　「私はダンサーの体がすごく好きだから、あまりヒラヒラがついていない衣装が一番！ やっぱり面白いのは体だから。だけどその設定をズラすのも面白いと思っています。あえて大きめのシャツを着たり。今は色々なブランドの服を着せてもらう機会があって、強いこだわりを持って作られた服には特に影響を受けます。作り手の意志が、服と一緒に自分の体についてくるような気がするから」。出産は私が今までした何よりもダンスだった　2021年に出産を経験。その時の感動を柿崎はこう語る。「この身体の中に命を運ぶことができるなんて『人間ってやっぱり魔法を使えるんだ！』って思いましたね。体の動きも、骨の軋みも、声も、内部で起こる痛みの感覚でさえ、同じ目的のために限界を超えていく。意外と思考は冷静で、それもすごくダンス的。『こんなに自分が動物だと思える瞬間がまだ残っているんだ！』と思ったし、あれは私が今までした何よりもダンスでした」。　1歳の子どもと暮らしながら今、彼女が新しく学んでいるのは「バカなダンス」。「パンツを見せたり、お尻を振ったり、毎日子どもと踊っているんです（笑）これまで真剣にダンサーとして仕事してきて、人前で踊る時の緊張もあったから、そういうバカな踊りをできるとは思っていなかった。子どもは私が何をやっても一緒に楽しんでくれるし『私、こんな踊りができたんだ！』って嬉しくて（笑）だから今後の作品でそれを生かしていこうと思っています」。芸術や文化を気取らず楽しめるように　「私の身体は魔法が生まれる場所」と柿崎は語る。それを実感するのは、出産の時だけではない。「もともと身体は宇宙や自然のように、人間よりもずっと大きく豊かな存在。まだ解明されていない、奥深い存在というイメージがあります。実際、身体を動かすことで感情が生まれたり、その人の世界が変わったりすることってあるんですよね。私たちの生きている世界なんて、自分がどういうふうに世界を感じているか次第だから。身体を動かすことで世界を変えることができるんだったら、それは魔法だと思います」。　2021年にはパートナーの地元である熊本に、カルチャーセンター「beq.Inc」をローンチ。「熊本には、素晴らしい自然があります。自分も田舎育ちだし『こういう場所で生きたいな』と思ったから、そこに『場』を作ることにしました。劇場やライブハウスに対して、敷居が高く感じる人も多いので、みんなが自然体で楽しめる場を作りたくて。もう『東京に来なきゃ何もできない』という時代じゃないし、ダンスに限らず面白いものを作って、若いアーティストがどんどん誕生するような場所になったらいいな」。柿崎麻莉子（Mariko Kakizaki）香川県生まれ。幼少期は新体操に励む。筑波大学入学後コンテンポラリーダンスと出会う。 2011年、韓国国際ダンスフェスティバル（KIMDC）にて金賞受賞。2012年、イスラエルのダンスカンパニー「Batsheva Dance Company ensemble」に入団。2013年、香川県文化芸術新人賞受賞。KAGAWAアンバサダー。2014年、Jerusalem Dance week competitonにて振付作品が受賞。2015年、「L-E-V Sharon Eyal | Gai Behar」に入団。2020年、第14回日本ダンスフォーラム賞受賞。2021年、第15回日本ダンスフォーラム賞受賞。2022年、熊本にカルチャーセンター”beq.Inc"をオープン。＜今後の公演スケジュール＞ 【出演作品】「パフォーミングアーツ・セレクション 2022」9月8日 高知県立美術館ホール 10月7日 まつもと市民芸術館 実験劇場 10月15日 いわき芸術文化交流館アリオス 中劇場 10月30日 りゅーとぴあ 新潟市民芸術文化会館 劇場 11月1～2日 吉祥寺シアター 11月27日 熊本県立劇場 演劇ホール 12月11日 山口情報芸術センター スタジオA  【振付作品】 10月15～16日 アステールプラザコンテンポラリーダンス公演   TRY A DANCE vol.17 @JMSアステールプラザ 多目的スタジオ11月5～6日 神楽坂 ダンスブリッジ2022 3つの未来 @神楽坂セッションハウス12月2日 宮内麻衣子との共同創作 @beq.Inc（詳細は公式インスタグラムで後日発表）

DIOR

BODY MAGIC

ダンサー・柿崎麻莉子「出産はダンス、身体は魔法」【連載：BODY MAGIC】

　スペイン階段でのファッションショー。一般的にはオードリー・ヘップバーンの「ローマの休日」でのワンシーンや観光名所としてのイメージが強いが、イタリア人にとってはショーのロケーションとしても馴染み深い場所だという。1980代後半から2000年代初期にかけてイタリア国内で放送された番組「Donna Sotto Le Stelle（Woman Under the Stars）」では、ヴァレンティノ・ガラヴァーニ（Valentino Garavani）を含むイタリアのファッションデザイナーが競演し、プレタポルテなどのショーがお茶の間に届けられていたそう。　スペイン広場には多くのラグジュアリーブランドのブティックが軒を連ね、ヴァレンティノにとっても特別な地。階段を降りて左手のミニャネッリ広場（Piazza Mignanelli）にはブティック、そしてアトリエが位置している。今回のランウェイは約130段からなるスペイン階段からアトリエのエントランスまでとなり、100人以上のモデルたちはイギリス人アーティスト ラビリンス（Labrinth）のライブパフォーマンスに合わせロングウォーキングを披露した。　架空の"ヴァレンティノ・ガラヴァーニとの対話"から生まれたというコレクションは、ピエールパオロ・ピッチョーリの思い描く「美」の考え方を描写。「かつて軽視されていたアイデアを中心へと据え、不完全で基準を満たしていないと思われていたものの中から魅力を見出すということ。美の領域を広げるというアイデア」に沿って登場するモデルも様々だ。年齢、性別、国籍、肌の色、体型など多様なラインナップで構成されている。　カラーパレットはメゾンを象徴するレッドをはじめ、モノトーンから、レモンイエローやパープル、オレンジ、ピンク、ブルー、グリーンとピッチョーリの感性が光る鮮やかな色の組み合わせ。2022年秋冬シーズンのほぼピンク一色で構成された「ヴァレンティノ ピンク PP」コレクションとは、鮮やかさでは引けを取らないが対照的でもある。　ファーストルックのバラが咲き誇るミニドレスは、花びらの造形の精巧さが際立つ。バラはコサージュとして足首や肩などに取り付けられたほか、ドレスのディテールにも随所に登場。またリボンも胸元や腰にカラーのポイントとして印象的だ。ボリュームのあるタフタのドレスやスカート、風を受けて軽やかに舞う薄いオーガンザやレースのドレス、スパングルや細かいビーズが無数に取り付けられたピースなど多様な素材と、刺繍や編み、ドレーピング、マルケトリといったテクニックを巧みに用いてピッチョーリのヴィジョンを形にしていく。　フィナーレでは全モデルが階段でポージングし、圧巻のフィナーレ。最後にピッチョーリを先頭に白衣を着たクチュリエたちも登場し、壮観な演出に酔いしれたオーディエンスからは大きな拍手が送られた。

VALENTINO

102体で描くピッチョーリの壮大な「美」、ヴァレンティノが創業の地ローマのスペイン階段でクチュールショーを開催

　会場には6つのセットが設置されており、そこで繰り広げられるパフォーマンスのライブ映像が、上部に設置されたスクリーンに映し出されるという仕掛け。精巧なジオラマや小道具、照明、スモーク、そしてダンサーたちの演技が組み合わされ、カメラがその動きを捉えていく様は、まるで映画の制作現場のようだ。1幕ごとに観客が次のセットに移動する流れも、「次は何が起こるのか」という期待を掻き立てる。　2匹の馬のパペットが見せるトリックアートや、大小のバッグ「ケリー」が歌うコミカルなオペラなど、「エルメス」らしい遊び心あふれる構成に。このユニークな作品を生み出したのは、ジャコ・ヴァン・ドルマル（Jaco Van Dormael）。「神様メール」（2015年）などを代表作に持つベルギーの映画監督・演出家だが、オペラやバンド・デシネ（フランス語圏のコミック）、舞台公演など幅広い分野で才能を発揮している。ジャンルの垣根を超えたファンタジックな演出は、ドルマルの真骨頂とも言えよう。　また、軽やかな動きを振り付けたのは、ダンス・カンパニー「ローザス（Rosas）」の創立メンバーでもある振付家ミシェル・アンヌ・ドゥ・メイ（Michèle Anne De Mey）。レザーを縫い合わせる手の繊細さや、カレの縁を丸める手のしなやかさなど、エルメスの職人の手しぐさをも彷彿とさせる。演じたのは、彼女が率いるコンテンポラリーダンスカンパニー「アストラガル（Astragales）」のメンバー。デジタル技術を巧みに取り入れ、宙に浮かび上がった恋人同士が無重力で踊るシーンなどを表現した。　エルメス一族の6代目であり、メゾンのアーティスティック・ディレクターを務めるピエール＝アレクシィ・デュマ（Pierre-Alexis Dumas）が「世界中で日本の人たちが一番、エルメスの紡ぐ夢や手仕事の情熱を分かってくれる」と開催を後押ししたという、今回の演目。6月21日までの全公演は、予約開始からすぐにほぼ満枠となったほどの人気。体験した人の心を軽やかにしてくれる、夢のような舞台となった。

HERMÈS

歌うケリーバッグや無重力ダンス　遊び心あふれる「エルメスシアター」とは？

■今、劇場でショーを行うということ　発表スケジュールはパリのファッションウィークだが、今回のショー会場となったピッコロ・テアトロは、ヴァレンティノが拠点とするミラノの文化を生み出しているシンボル的な劇場。本コレクションを「芸術活動が否定されるこの時期における、集合と共有への招待」とし、昨年のロックダウン以降まだ再開できずにいるこの場所でショーを行うことをクリエイティブディレクターのピエールパオロ・ピッチョーリ（Pierpaolo Piccioli）は「パンクなジェスチャー」と言い切る。コレクションを「ヴァレンティノ アクト コレクション（VALENTINO ACT COLLECTION）」と命名したことからも、動的なニュアンスが漂う。　人影がなくがらんとした観客席。静けさの中、ミラノ・ジュゼッペ・ヴェルディ交響楽団の五重奏の生演奏が始まり、イギリス人シンガーのコジマ（COSIMA）がしっとりと歌い上げる「Nothing Compares 2 U」と共にショーがスタートした。本来は失恋ソングだが「It's been so lonely without you here （あなたがここにいなくてとても寂しい）」という歌詞が現実と重なり、空虚な会場に響き渡る。 ■圧倒的な白と黒　目が冴えるような赤やショッキングピンクはヴァレンティノを象徴する色だが、ショーでは鮮やかな色が一切排除された。アイボリーやゴールドが数ルック登場しただけで、大半を占めるのは白と黒のモノクロカラー。色が制限されることでテクスチャーとシルエットが際立ち、オーガンザやフェザー、スパングル、刺繍などの素材とディテールが新鮮に映る。 ■ケープとスカートの丈が意味すること　今シーズンのキーアイテムに挙げられる「ケープ」。冒頭のブラックのショート丈のコートやジャケットから始まり、チェックやホワイト、Vの幾何学パターン、ロングコート、ナイロン素材、ラメ素材といった様々なデザインで登場する。マントのような重厚感のあるケープだが、ウィメンズではミニ丈のスカートで素足を見せるスタイリングが多く、ボリュームの面でもコントラストが顕著に現れている。　丈の短さは意図的なもので、デザイナー曰く「躊躇のない強引なまでのジェスチャーはある種のパンク的な行動」だという。丈の短さはスカートだけではなく、メンズのパンツ丈にも見ることができる。そしてバッグやシューズにはメゾンのシグネチャーであるスタッズがあしらわれ、パンクの印象をダイレクトに伝える。　アウターの外側に出したシャツ襟も印象的。鎖骨に沿うほど水平に鋭く伸びた大きめの白襟はスタイリングにシャープな洗練さを添えている。■ネットのタートルネック　もう一つ、コレクションでキーモチーフとして多様されているのが「ネット（網目）」。菱形に切り刻むようにカットアウトされたニットやミニドレス、体にぴったり沿う網状のタートルネックは効果的に使われている。そしてよく見るといずれも平面的なものではなく、波状の帯を縫い合わせたり、編み上げによる立体的な網目であることに気づかされる。これはバッグの一部のデザインにも連動している。　網目のデザインを用いた上から覆い隠すようで実際は露出させるという視覚的な手法はコレクション全体にパンクかつセンシュアルなムードをまとわせた。　舞台袖からはけることなくステージ上に留まったモデルたちはまっすぐと正面を見つめ、背面のミラーカーテンが上がり白いスクリーンがモデルたちのシルエットを映し出す。エンディングはピエールパオロが舞台の中央に立った瞬間、スクリーンが真っ赤に染まるというドラマチックな演出。モデルを従えて舞台上に立つピエールパオロの堂々たる表情と佇まいはショーフィナーレではなく、新たな幕開けにも見えた。

 ピエールパオロが白黒の世界で考える「パンクなジェスチャー」：ヴァレンティノ 21年秋冬

　エムエーエスユーは、「マスプロダクション」をコンセプトに掲げ2017年春夏シーズンにデビュー。リブランディングに伴い、2018-19年秋冬コレクションから後藤がデザイナーを務め、型がある服の長所や短所を考察し、伝統を尊重しながら現代の空気をまとわせることで新しいスタイルを提案している。　2021年秋冬コレクションのテーマは「codes」。男性や女性といった決まった枠組みではなく、一人一人にそれぞれのジェンダーやアイデンティティという型＝codeがあると捉え、後藤がこれまでの6シーズンで模索してきた自分自身を信じることの大切さを表現した。六本木金魚の通常営業ではニューハーフダンサーのエンターテインメントショーなどを行っており、後藤が「型がない性を持つ人たちの強さを感じた」ことから初のショーの舞台に選んだという。　ショーの序章は、紗幕に投影した映像。ファーストルックを務めたモデルのYUKIが性別に葛藤した幼少期の回想を元に、Shu Sasakiが制作したストーリーで幕を開けた。明かりの灯った家を模したセットから、モデルが舞台に登場。絞り加工を施したトップスや、花の刺繍をあしらったコーデュロイパンツ、四つ葉のクローバーのチャームを付けたコート、ドット柄のシースルージャケットなどを発表した。ウィメンズに用いられるディテールや表情豊かなテクスチャーがジェンダーフルイドの印象を与え、それぞれのスタイルに異なる個性をまとわせている。フィナーレでは、天井からYUKIが乗った舞台がゆっくりと下降し、映像の過去とショーの現在のクロスオーバーを表現した演出で幕を閉じた。　着実にファンを増やしているMASUは、海外進出も視野に入れている。ショーに挑戦することでブランドの基盤を固め、熱狂を与えるような存在を目指していきたいという。

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