インサイド

　吉田の書く文章が好きだ。ファッションと文学をテーマにした2021年8月号の文學界に寄稿した吉田の文章は、時たまくすりと笑えるのに、自分の内面をこれでもかというほどに吐露した名文だ。そんな吉田は、東京クリエイティブサロン※の支援と、「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のキャンペーンを手掛けたことで知られるレオポルド・ドゥシェマン（Leopold Duchemin）をスタイリストに迎えて開催した2023年秋冬コレクションのフィジカルショー終了後に、自らの文責によるコレクションノートを配布した。そこには「自分に向き合って、身を削り、装いに眼差しを向ける行為が僕にとってのファッションデザインだ」と綴られており、インタビューにおいても「自分の内面から発露したものがリサーチによって肥大化していって、それと社会との接点を見つけたときにやっと"ファッション"になるという考えがベースにある」と話している。コンセプトの段階で明確に言語化し「これを表現したい」という物作りの良さもあるが、ことファッションデザインにおいてはいささか疑問を感じざるを得ない。なぜなら、それであれば服を作りファッションショーをやらずとも、話したり書いたりする表現方法の方がはっきりと意思や態度伝えることができるはずだからだ。吉田の考えと同じように、言語化できないことを自分の中でなんとか捉えようとする行為が、筆者の思うファッションデザインで、ファッションショーのレポートとはその対極にある行為だと痛感している。レポートは、ある一定の例を基に既存の枠で推し計り「別の似た何か」と比較し、追い求める作業に他ならない。加減を間違えれば、作品を矮小化することにも繋がり、周囲の人間が描写をしてしまうことで、全てが等しく「別の似た何か」へと収斂されてしまうことは避けられない。吉田が2023年秋冬コレクションを「今回のコレクションは嘘でないことが大切である」と断言したことに敬意を表して、あらかじめ正直に、矛盾をはらみながら本稿の筆を取ることを断っておきたい。　ショーは、悲鳴ともとれるような音が流れた直後、早く鼓動する心臓音に似た音が会場に鳴り響きスタートした。その音を聞いて、直感的に「怖い」と思ったのは筆者だけではないだろう。束の間の静寂の後、ファーストルックを飾ったのは明らかにモデルではない1人の男の子だった。以降、すべてのモデルが女性であったことを考えても彼は特異な存在であり、その佇まいから強烈な意味合いを感じた。2ルック目からはビートニックな音楽が流れたこともあり、より一層、悲鳴のような音と心臓音は明らかにモデルではない彼が大舞台に立つ心の中の、あるいは「発表の1ヶ月くらい前になると、がくんと心が落ちてしまう」と話す吉田の心の叫びのようにも聞こえた。ショー終演後、ファーストルックを飾った男の子こそが、今シーズンのミューズだと吉田は明かした。　Taikiと名乗る彼は、精神を患って不登校になり、苦しかった時に同ブランドと出会い、救われたそうだ。この話を聞いた時、「イケけている奴」になりたくて、もがき苦しんだ学生時代を振り返った文學界での吉田の手記を思い出していた。「イケてるとか、イケてないとかではなく、あいつは変な奴…みたいになっていて、誰からも相手にされず、ただただ放っておかれた。それでも新しい髪型にしたり、新しい服を着ることは、いつも僕を新しい自分に生まれ変わったような気持ちにさせた。周りからは理解されなかったが、少しずつ自分に自信を持つことができるようになった。そうやってファッションに触れていくうちに、憧れのファッションデザイナーになりたいと思うようになっていた」（「文學界」2021年8月号）　この日、吉田への囲み取材を実施しようと疲れによる苛立った顔つきで粘り続ける記者を尻目に、キラキラとした目つきで吉田を一目見ようと待ち続ける若いファンたちに、ひっそりと胸を打たれていた。吉田はTaikiだけではなく、きっとショー会場にわざわざ足を運んだ彼らの心を既にファッションで救っている。自分の姿を変えようと「かっこよくなりたい」という態度を取る姿はそれだけでかっこいいのだ、と吉田は8年間伝え続け、それはしっかりと社会に浸透し、彼らを励ましている。　Taiki以外のモデルに目を向けると、多くのモデルは眼鏡を着用していた。眼鏡は大抵、見えないものを見ようとする時にかけられる。Taikiから始まった今回のコレクションの製作背景を加味すると、ここでの眼鏡の意味合いは、直視しなくてもいいことを、あえて直視し向き合う様、吉田の言葉を借りれば“見えるはずのない内側”を露わにすることにも繋がるだろう。見えるはずのない内側は、あるはずのない裏地が露出した首元をハサミで切り裂かれたニットカーディガンや、裏地が首元から噴き出し、スカーフやボウタイのように首に巻き付いたステンカラーコートのデザインからも見てとれる。吉田はステンカラーコートについて「いつもならこの裏地はパープルにするだろうが、今回は黒、ネイビー、グレーにした」と綴り「それらの服にとって当たり前の色と素材感をずらさないことが次第に大切に思えてきた」としている。「それらの服にとって当たり前の色と素材感」は、自分の弱さやコンプレックスにあえて目を向け、ありのままの自分を受け入れようともがく吉田やTaikiなりの「答え」のようにも思う。ひしゃげたカラトリーのアクセサリーも、用途にはそぐわないがそのままで美しいとでも言わんばかりだ。 　2020年秋冬コレクションに登場した首を覆うほどに襟が高くなったモーニングコートは若者向けのアイテムから一転、大人びた印象を帯び、吉田がもはやクリエイションの中に、剥き出しの若さを追い求めていないことを感じさせる。フィナーレにミュージカル「プレーン＆ファンシー（Plain and Fancy）」のヒット曲「Young And Foolish」が流れ「若くて愚かでいてはどうしていけないんだろう、僕たちはそのままではいられない」というフレーズは、吉田の心のつぶやきのようにも聞こえた。事実「THE LAST」というコレクションテーマ（その後、言葉にすると言霊になってしまいそうという理由で黒いサテンタグのみを今回のヴィジュアルとした）を掲げ、「抑制」と「厳格さ（strict）」をキーワードに挙げた。 　吉田が「刺激的なものを作るより、抑制されたものを生み出す方が苦しいということは大きな学びだった」と振り返るように、意識的な努力によって衝動やそれに伴う感情をコントロールする「抑制」は、クリエイションをする上では苦しさを伴うものであろう。その上で、眼鏡をかけ、あえて自分自身と真っ向から対峙し、はっきりと見えるが故に自己嫌悪に陥るほどの自己意識を抑制し、それがたとえ、襟が首元まで詰まって苦しくなろうとも、スプーンがひしゃげてしまうほどだとしても、その態度を取ることは成長における通過儀礼で、傷つきながらもその道を選ぶ姿はそれだけでかっこよく、美しいと私たちに訴えかける。ある種の狂気を感じるほどに「LOVE」「LONELY」と描き殴られた皮膜のような ラテックスのボディスーツが、抑制しても仕切れない生々しさが自己愛となって顕在化しているようにも見えた。 　孤独と愛は一見相反するものに思うかもしれないが、自らが愛されていると知りながらも、孤独を感じる瞬間は誰しもが一度は経験したことがあるはずだ。今シーズンのコレクションミューズになった少年が孤独を感じながらも、吉田が汲み取れてしまうほど、隣で見守る母親に愛情を注がれているように。未熟な少年性と同居しているのは、凛とした淑女のようなエレガンスさと、ひと匙の狂気、漠然とした不安と孤独、そして無数の愛だ。これまで、フィジカルショー形式でのコレクション発表が多かった吉田にとって、過剰さを削ぎ落とした今回のショーは覚悟と自信が必要不可欠だったと推測する。不安や恐怖、孤独で押しつぶされそうだった吉田を掬い上げたのも、愛なのだろう。吉田はコレクションノートの終盤「僕自身、
クリエイションを介して育まれてきた。愛によって、 生かされている」と断言した。このコレクションは吉田にとって、自らの少年性と訣別する最後の通過儀礼だったのだろうか。ブランドデビューから8年経った今、ブランドの根幹にある「等身大の装い」という言葉が心に響く。　抑制すること、そこから露わになる厳格な態度は、ただの苦しみの吐露ではなく、デザイナー自身がそれを乗り越えようと努めるからこそ成り立つ。スワイプでルックを見られる時代だからこそ「社会に届いているか」ではなく、社会にいる自分の意識さえあれば伝わるとケイスケヨシダはフィジカルショーを通して体現した。　それまでの春の陽気とは打って変わって、極寒の中行われた東京のファッションウィーク最終日。ケイスケヨシダのショーが始まる頃にはそれまでの大雨が嘘だったかのように、雨足はぴたりと止んだ。前回の2022年秋冬コレクションでも、同じような状況だった。雨降って地固まる、なんともケイスケヨシダらしいフィジカルショーで今期の東京ファッションウィークは幕を閉じた。

KEISUKEYOSHIDA

Fashion

ファッションで人の心を本気で救おうとする「ケイスケヨシダ」　臆病者たちに向けた自己愛のバラード

　メグミウラ ワードローブは、2021年秋冬コレクションからコートに特化したブランドへとリブランディングしている。アイテムの約8割をアウターが占める日本では珍しい正真正銘の“アウターブランド”であり、「羽織るだけで、360度美しいコート」と謳っているように、緻密なカッティングやパターンから生まれる機能性に定評がある。一方で、実際に手に取り、着用することで伝わる機能性を得意としているアウターブランドが、どのようにショーで得意分野やコンセプトを表現するのか、と勝手ながら心配をしていたがそれも杞憂であった。なぜなら、三浦は「羽織るだけで、360度美しいコート」の解釈を、街と人にまで拡大解釈させ、私たちにショーという形でわかりやすくみせてくれたからだ。　会場は、渋谷駅西口の地下に位置するタクシー乗り場。4月から渋谷の新しい玄関口として機能することが決まっている。打ちっぱなしのコンクリートの壁、剥き出しのダクト、電車が通る音が絶え間なく残響する様子など、何気ない空間要素は、見慣れた東京の雰囲気をまとっていた。　開演を待っていると、左手に青ネギが入ったレジ袋、右手にヨガマットケースを携えた妙齢の女性が目に入った。煌びやかなショー会場にはそぐわない彼女をみて「変わった来場者もいるものだ」と思っていたが、その妙齢の女性も三浦が仕込んでいたエキストラで演出であったことは、この時まだ知る由もない。　妙齢の女性を見かけた直後、目の前を女子高生二人組が通り過ぎ、これらがエキストラであり、演出であることにようやく気がついた。僧侶、スケーター、サラリーマン、カメラマン、ミュージシャン、ナンパ師、ティッシュ配り、ギャル、英会話の先生、バーテン、芸人（レイザーラモンHGがランウェイを歩いたことにいったいどれほどの人が気がついたのだろう）など、瞬く間にその人数は増えていき、互いにコミュニケーションを取り、交わり始めた。　痛快だったのは、予定時刻を超えてから着席したゲストは、必然的にランウェイの上にいるエキストラと混ざることになり、一体どこまでが事前に決まっていた演出で、どこまでがエキストラなのかが、側から見ると全くわからなかったことだ。モデルがランウェイを歩いているわけではないので、立ち上がってエキストラの写真を撮りにいくゲストもいたが、そのゲストすらも「エキストラの写真を撮っているゲスト」というメタ的な役割が与えられているように見える。エイジレス、ジェンダレスを掲げる三浦は、ショーが始まる前からある種の「ボーダーレス（境目がない）」を表現してみせた。三浦は「ブランドコンセプトであるエイジレス、ジェンダレス、ボディポジティブを表現できる場所はどこか、と考えた時『渋谷しかない』と思った」と会場を決めた経緯を振り返り、エキストラの職業や人柄を通して、ありとあらゆる人を内包する街、渋谷を表現した。 　登場した服にも、渋谷の要素を感じ取ることができる。「SHIBUYA」「FREEダム」の刺繍が施されたベストジャケット、渋谷のネオン街を思わせるカラーリング、ごつごつとしたソールが特徴的なプラットフォームスニーカーは渋谷のビル街を彷彿とさせた。ショーの終盤になると、モデルは一斉にアウターを脱ぎ、吊るされたS字フックにひっかけてから会場を去った。来場者はショー終了後実際に手に取ったり、着たりすることができ、ブランドの機能性訴求までの動線もショーの中で組み込んでいたのが印象的だった。 　また、ランウェイを歩くモデルには年齢、性別、人種、体型が異なる人々をキャスティング。高齢者から小さい子ども、大きい人から小さい人まで多種多様な人物がランウェイの上を歩いた。ブランドコンセプトである「360度美しいコート」というのは、広義的に捉えれば、造形だけとは限らない。誰がどんな風に着ても美しいのが真の意味での「360度美しいコート」であるはずだ。事実、同ブランドのアウターは体の形を拾わない立体的な構造になっており、どんな人でも着用することができ、緻密なカッティングやパターンに裏付けされたデザインは、誰でも美しく着こなすことが可能だ。三浦は「男だとか女だとか関係なく、どんな人でもかっこいい。制限された『ファッション』ではなく、広い意味でのファッションってなんだろうということを、表現したかった」と話し、安易に「ジェンダーレス」という言葉を使わなかった三浦に、彼女なりのこだわりを感じさせた。  　2022年春夏コレクションを発表した際、今後の発表方法について「ショーもやりたいが、コンセプトである3つのキーワードを伝えることが第1の課題。ランウェイショーが適切かを試行錯誤しながらインスタレーションなど新しい表現方法で発表していけたら」とコメントしていた三浦が、なぜこのタイミングでランウェイショーに踏み切ったかを最後に問いかけたところ下記のような回答が返ってきた。　「服は服として単体でデザインしているが、マネキンで見せる服をではなく、服を着て楽しんでいる人にフォーカスしたかった」　モデルを「歩く」という動作ではなく、服を着た時の心の動きにスポットを当てたメグミウラ ワードローブの次のアウトプットが今から楽しみだ。

MEGMIURA WARDROBE

安易な“多様性”ではなく真の意味でのボーダーレスを表現した「メグミウラ ワードローブ」の現在地

　2020-21年秋冬コレクションで行ったプレゼンテーション以来、久しぶりに展示会ではない発表方法を選んだアキコアオキは、カトリック教会にあるシャンデリアのように複数のライトを吊るした会場でショーを行う上で、人として生きながら、ある日突然運命を告げられ、何百年も誰かの救いとなってきたマリアという存在と現代人の出会い方とはどういったものなのかを思案したという。これまでファッションを通じて新しい人間像を追求してきたアキコアオキが、具体的な人物像として聖母マリアを挙げたことを珍しく思ったが、それは新しい人間像、もとい新しい価値を創造する上で必要なことはファンタジーの世界に目を向けるのではなく、見慣れたものの延長線上にある世界を目指すべきだと考える彼女のリアリスティックな一面によるもの。アキコアオキが得意とするユニフォームは、その最たる例で、見慣れたものを再構築し新たな価値を付与しようと企む同氏のデザイン哲学は、ブレず一貫している。　ユニフォームをベースに、ミリタリーやスポーツウェア、ヒストリカルコスチュームなど幅広い要素を、マリアという軸の中で足し引きして作り上げた29体のルックは、2014年にデビューして以来、アキコアオキが突き詰めてきたIラインのフォルムが核にある。足元は、Three Treasuresとの協業としてオンラインで発表した「Aerial Garden」をショーピースとして進化させた超厚底シューズで高さを出し、胸位置のポケットに手を入れるなどして作るIラインフォルムの中に、後ろ身頃を立ち上げるとマリアベールのようになり顔を覆うことができるシャツやジャケットを差し込むことでマリアという抽象性を具体化した。個人的に注目したデザインは前後のフォルム。近年、国内外で肩に力点を置いたデザインが主流の中、おそらく下着、コルセットの延長にあるものだと推測されるが、アキコアオキはスーチング地を折りたたみ、縫い付けたシンメトリーのデザインで新たな提案を試みた。これはブランドのアイデンティティであるIラインフォルムを更新させる、思考錯誤の中で生まれたアイデアであろう。結果として、他との差異を生み出すことに成功しており、縛りつけたボンテージのディテールも、同様にIラインフォルムの追求からだろう。　つまるところ、アキコアオキが持つエレガンスの本質はカトリシズムの倫理、精神性からくるものなのだと思う。浪漫主義で、神秘性を感じさせる作品群、それに伴う彼女の活動は、ファッションクリエイションを行う上での"信じるモノ"との関係性を強化するためで、その中で、もがき苦しみながらアウトプットをしている、と考えると合点がいく。今シーズンはパリで展示会も行い手応えを感じたそうだが、もしかすると日本よりもカトリック圏のほうがアキコアオキのクリエイションに理解を示すスピードは早いかもしれない。

AKIKOAOKI

カトリシズムの倫理とエレガンスの精神、アキコアオキが聖母マリアの質感を通じて表現したもの

　ショー会場は暗闇に包まれていた。誘導灯を頼りに着席すると、小説家フランツ・カフカ（Franz Kafka）の「城」が無機質な男性の声で朗読されていることに気が付く。本作は未完の長編小説で、城に雇われた測量師がいつまで経っても城の中に入ることができずに翻弄されるいわゆる不条理小説だ。ランウェイに目を向けると、橋桁の上に街灯が数頭設置され、その中の1灯だけが点灯していた。街灯の意味合いは、ショーが始まり蛾を模したアイテムが登場した時に明らかになった。村上は「街灯に集まる蛾が、希望に向かって飛んでいるように見えた」と説明し「答えはないかもしれないけど、何かを探そうとしている。その姿を見て、なんともいえないポジティブな気持ちになれた」と話してくれた。カフカの城に登場する測量士も、城があると思って探し続ける。あるかもしれないものを、「ある」と信じ、もがきながらも探し求める姿は村上にも通ずるものを感じる。　コレクションで数多く登場した縮絨をかけたパンツは、表地が縮むことで裏地が余り、股上の中にたまると不思議なシルエットを生み出す。裏地が意図せずウエストから露出すると、トップスのシャツなのか、はたまた別のアイテムなのかがわからず、パンツからアイテムが飛び出したナードなスタイリングになる。このパンツは、村上が作業時に着用している毛玉だらけのパンツからヒントを得たそうで、ボロボロのパンツを履き、あれこれ考えながらデザイン画を描き続ける村上の姿が眼に浮かぶ。希望や答えがあると信じてもがく過程で生まれた「産物」がアイテムとなって表現されていると言って良いだろう。また、一見普通に見えるカーディガンやシャツは、ポケット位置などがが少しずつズレた歪な形になっており、作業をする過程で身体の動きに応じて形がどんどん崩れていく服を彷彿とさせる。　今回のショーで最も目を引いたのはモデルだろう。というのも、モデルの多くが手でセルフハグをするような形でランウェイを歩いたからだ。上向きについたポケットに手を突っ込み、身体を丸めてランウェイを歩く姿は、寒さで冷えた体を温めているようにも、体を守っているようにも、緊張で強張っているようにも見える。村上は「ポケットに手を入れると安心する」とした上で「ニットというものも、自分を守り、安心するようなものであってほしい」と、その着想源が、ゴミ箱に丸めて捨てたデザイン画の山だったと明かした。　手の位置は、ずっとセルフハグをしていたわけではなく、ルックの合間合間で手を下ろしたモデルも散見された。フランク・シナトラの「My Way」が流れる中でフィナーレを迎えたモデルは、全員少しだけ微笑んでおり、自信なさげに縮こまるセルフハグと堂々とした態度を繰り返すモデルを見て「ものづくり、ひいては人生は、自信がなくなったり、自信を持ったりの繰り返しだ」と励まされたような気持ちになった。My Wayの「身の丈を越えた行動も、すべてやってのけた。迷いがある時はそれを食らいつくし、吐き出した。全てに立ち向かい、背筋を伸ばし、自分のやり方でやりきった（When I bit off more than I could chew.But through it all, when there was doubt.I ate it up and spit it out.I faced it all and I stood tall.And did it my way.）」というフレーズこそが、現在のピリングスを表現するには適切な言葉なのかもしれない。

pillings

「ピリングス」が内向的なまま前向きに歩む唯一無二のMy Way

　2018年秋冬コレクション然り、プレゼンテーション形式での発表に定評のあるヨウヘイオオノは今回、自身のアトリエの棚の上に並んだアーティストの作品やグッズ、デザインプロダクト、海外のお土産などの「コレクション」に着目したという。プレゼンテーションは、猫や馬の置物や骨などが並べられた澁澤龍彦のアトリエを少しイメージしたという会場で、新作を着たモデルが登場するというもの。価値が認められるものからガラクタのようなものまでをフラットに陳列させた背景には、「単なる洗練されたラグジュアリーファッションを目指すのではなく、素朴でどこか愛おしいものやチープで馬鹿馬鹿しいもの、何か自分でも得体の知れないものなどが含まれているべき」という考えがあるからだとしている。これについて大野は、パリコレをはじめとしたラグジュアリーファッションに対する興味の薄れもあると付け加えているが、工業製品などの人工物から着想を得てプロダクトデザイン的な発想でデザインに取り組んできた同氏は今、値打ちあるものとガラクタといったそれぞれコンテクストを持たない物質を並べることで生まれる関係性（ファッション）に興味があるのだろう。これまで彼の表現の軸には「選ぶ」「創る」があったと思うが、そこに「並べる」が加わったことでファッション表現の可能性はさらに広がりを見せる。押し並べて世の中は相対的であるが、フラット化した世界の中で（フラットに並べたオブジェの中で）、関係性から生まれる新たな価値に対峙しようとする意思が、今回のプレゼンテーションの根底にあるのではないか。　アイテムは、「平凡だがどこか愛おしいもの」から連想して、どこにでもありそうな古着を題材に製作したという。だからといって、偏屈なデザイナーの性分故、古着をそのままトレースするというありふれたアプローチは採用しない。あくまで古着はデザインのきっかけであり、見て、触れ、感じた印象、イメージを、彼がこれまで更新し続けてきたクリエイションで捉え直す。バンドTから着想を得たオリジナルグラッフィックのトートバッグはその最たるものだ。また、ビショップ・スリーブでコーデュロイの襟がついたコートに裾が花びらのように広がるシースルーパンツの組み合わせといったフォルムの斬新さは健在で、目のバッジを付けたジャケットでコレクションに違和感を与え、人の足を描いたトロンプ=ルイユ効果のあるラグの前にモデルを立たせたルックは、大野の遊び心を存分に反映させている。　また、ヨウヘイオオノ初となるシューズを3型を発表。デザイン、製作を東京発のシューズブランド「セレナテラ（Sellenatela）」 のデザイナー榎本郁栄が担当し、装飾性だけではなく実用性にも配慮したデザインに仕上げた。なお、コラボレーションとしてではなく、ヨウヘイオオノのインラインのアイテムとして展開される。　個人的に職人気質の大野が「愛おしい」という言葉を発したことに新鮮さを覚えたが、これもまた関係性に着目するようになったからだろう。大野が得意とするロジカルなプロダクトデザイン的思考と愛着という感覚的思考は一見距離があるように思えてしまうが、彼が新たに目指したのはそこの言語化困難な抽象部分における調和なのではないかと感じさせる。　パリコレをはじめとしたラグジュアリーメゾンと距離をとることは、マーケットが異なる日本・東京でモノづくりを行う上でしばしば起こりうることだ。ただ自覚あってのことか定かではないが、「並べる」という行為は、ディレクションという観点からラグジュアリーメゾンのクリエイティブディレクター宛ら。もちろん矛盾をつきたいわけではない。以前から展示会やインスタレーションでその片鱗を見せていたが、大野陽平という才覚ある作り手はデザイナーとしてよりも、クリエイティブディレクターとしての振る舞いの方が性に合っているのではないかと改めて思ったほどだ。　何がトリガーになり、心境の変化があったかは分かりかねるが、2015年にブランドを立ち上げて8年、円熟味を増してきたかに思えた大野のクリエイションはまだまだ進化を続ける。

YOHEI OHNO

ブランド初のシューズも

進化続けるヨウヘイオオノ、目指した先はロジカルとエモーショナルの間

 　ソウシオオツキには「初志貫徹」という言葉が似合う。「日本の伝統」「和」「大正ロマン」などのキーワードを1シーズン限りのコレクションテーマに挙げるブランドは数多もあるが、同ブランドのようにデビューの2015年から一貫して「日本人の精神性」を題材にしているブランドは多くはない。和魂洋才のインテリジェンスを、テーラリングに合致させるというコンセプトは曲げておらず、それは今回のコレクションタイトルに「FINAL HOMME2」を掲げ、デビューシーズンのテーマを踏襲したことからも伺える。 　信念のあるブランドコンセプトと、それを裏付けるキャリアに基づいたデザインには強度があり、ネクタイ1本をとっても、家紋や数珠の房を拡大したかのようなディテールが、ブランドの持つコンセプトとオーラに集約され、他のブランドとは異なる意味合いをまとっている気すらしてしまう。また、ソウシオオツキのある種の頑固さは、デザイナー大月壮士の「いかに下心が見えないようにするか」という考えも見え隠れし、軍隊で使われていたような水筒やカマーベルトを彷彿とさせるバッグ、標縄のようなベルトは、モチーフこそ突飛のように感じるが、そこに「バッグ」「ベルト」という機能性を持たせることで、スノッブにはならないバランスを取ってみせる。また、東大寺の扉から着想を得た定番のデニムジャケットは、ジャージー生地やレザーを用いることでアップデートをさせた。 　一方で、2022年秋冬コレクションの「All Grown Up」、2023年春夏コレクションの「Drive My Dreams」と2シーズンわたり、それまで度々掲げていた四字熟語のコレクションテーマを止め、販路拡大のためにクリーンなルックで、リアルクローズの落とし所を見つけたようにも見えたが、今回のショーでは、全体を俯瞰して見た時に再びマス向けではない「過剰さ」も見て取れた。しかし、そのどれもが、過剰さとリアルクローズの間で絶妙なバランスを取っている。日本独特の言い回しである「急がば回れ」ではないが、最初からリアルクローズの道を選択せず、2シーズンにわたって提案したリアルさは、ブランドを前へ押し進めるための思惑だったと思わざるを得ない。　先に記述した「過剰さとリアルクローズの絶妙なバランス」に、もし端的かつ適切な言葉をあてるのであれば、それはシティ感ではないだろうか。ここでの「シティ」とは、一般的に用いる「都市」という意味合いとは少し異なり、日本の土着文化に根ざしたシティ、極論「シティ＝東京の街そのもの」と言い換える。シティと東京の街そのものをイコールで結びつけることができるのも、ソウシオオツキが長年「日本の精神性」をブランドコンセプトに掲げていたことが作用するだろう。「日本の精神性」とあえて、幅を狭めないブランドコンセプトは、時代を超越し、その視点を江戸時代に移すことも、あるいは日本のアニメ文化の中にも見ることができるだろう。今回のショーで言えば、ショルダーラインが隆起したジャケットやコートは、「ルパン三世」に登場する銭形警部のシルエットを思わせる。 　日本におけるシティは、アメリカのニューヨークや、イギリスのロンドン、フランスのパリのような、ファッションキャピタル的な意味合いは薄い。何故なら、日本は元来土着文化であり、戦後日本の都市部に流入した西洋文化こそが、シティ（＝東京）であるはずだからだ。アーティスト コウタ オクダ（KOTA OKUDA）とコラボレーションしたシャツには、日本の旧札と100ドル札を模したプリントが施されており、まさしく、戦後日本の土着性と西洋文化が入り混じっていた様（シティ）を思い起こさせる。 　日本は長年、東京（シティ）と郊外（ザバービア）の関係だったが、近現代に時代が移行するとグローバリズムによるフラット化で、郊外がプチ東京化された。どの地方都市にも某ファストファッションブランドや、商業施設はあるが、それはあくまでもシティの模倣にしかすぎない。事実、東京の街はプチ東京が逆流するように再開発が行われており、冒頭に挙げた渋谷はまさにその再開発の最中にいる。そこから逃れるように、現在の皇居である江戸城に程近く、街から土臭さや歴史の匂いを感じる半蔵門をショー会場に選んだのも、なんともソウシオオツキらしい。テーラーという西洋の技術を用いて、日本の土着性から切断するのではなく、あくまで「日本人の精神性とテーラーのテクニックによって作られるダンディズムを提案」することで、日本の土着文化と折り合いをつけ、ノスタルジックに変調させてみせた。それが今回のソウシオオツキの落とし所で、本稿でいう、ソウシオオツキが打ち出したシティ、東京らしさだ。

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