インサイド

　会場となった工事現場は、再開発が進んでいる渋谷区桜丘町某所。インビテーションの予告通りヘルメットが手渡され、ショーが始まるとともに目がくらむほどのフロントライトが点灯。リュウノスケオカザキの新作ドレスをまとった23人のモデルが、煌々と光を放つ壮大な照明に向かってまっすぐ歩き始めた。　今回発表されたアイテムは前回のドレスよりも全体的に"軽さ"を帯びた。伸縮性のある薄いポリエステルやポリウレタンを軽量チューブでかたどったもの、ハードチュール素材を湾曲にカットしたものなど、使用されている生地に変化がみられたためだ。デザイナーの岡﨑龍之祐は生地について「色々研究している最中」とし「今回は生地で冒険してみたいという欲求の中で作った」と話した。また前回のショーで発表されたドレスは、どちらかといえば身体全体を覆う鎧のような印象を受けたのに対して、今回発表されたドレスはモデルの肌が露出しているものも多く、岡崎が「身体とファブリックのあいだにある間（ま）」に着目していることが伺えた。ファブリックの軽さと肌の露出も相まって、ドレスが人間の体に寄生しているようにも見えてくる。 　ドレスを観たあなたは、なんらかに喩えたくなるかもしれません。あなたが過去に見た景色や物体を思い浮かべ、影も形もない個人的なエモーションを掻き立てるかも知れません——。　会場で配布されたコレクションノートにはそう綴られていた。たしかに、同ブランドのドレスは一度みたら忘れられない造形であるにも関わらず観客によってその感想は千差万別で、崇高なものに見えたり、あるいは恐怖の念を抱いたりもするかもしれない。たしかなのは、その造形物をみた人々は想像力を掻き立てられ、感情を突き動かされるということである。「デザイナーがアイテムを形づくろうとした意思や過程こそが、人の心に作用する。祈りとは、造形の過程で生み出される作り手の熱量が、観客にまで伝播することを指す」。彼が東京藝術大学で学んでいたことを考えれば、それこそがデザイナー岡﨑龍之祐のクリエイションに通底する「祈り」の意味なのだろう。 　その上で「祈り」をテーマにした作品と工事現場という「場（会場）」の相性はどこまで考慮されていたのだろうか。ファッションは服がイメージをまとってはじめて成立するものだとすれば、器（会場）というのは重要な役割を果たす。今回、岡崎は「どのような空間でショーが行われるのか」という観客の期待までをもデザインし、実際に観客は「あのドレスが、ヘルメットを着用するような場所で発表される」と期待に胸を膨らませただろう。人によっては「新たに製作されたドレスにはショー会場との関連性を説明付けるようなヴィジュアルの変化があるのか」と期待したかも知れない。残念ながら今回のショーでは、ドレス作品のヴィジュアルから「工事現場」である必然性や影響を受けた兆候は見て取れなかったが、岡崎は会場の選定理由について興味深いコメントをした。 　「人の営みの延長線上にあるこの場所からはエネルギー＝作られている過程／未完成である力強さを感じた。力強い骨組みが圧倒的なパワーを発する空間に、祈り、平和、人の営みについて思考し続けられながら手を動かしたドレスが現れることを想像した」（岡﨑龍之祐）。　元来、縄文土器など呪術的とも言える自然信仰をテーマに製作を始めたリュウノスケオカザキが、むき出しの鉄骨やコンクリートなどの人工的なものから"人の営み"やエネルギーを感じ取ったことは興味深い。そしてその感性こそが、自然と対峙する人々の営みテーマにしながらも、土臭さや古臭さを感じさせない洗練されたデザインや、素材選択、表現手法などの軽やかさにも繋がっているのだろう。ファッションウィーク情報はこちら

RYUNOSUKEOKAZAKI

Fashion

会場は渋谷の工事現場　「リュウノスケオカザキ」が次に注目したのは身体とファブリックの間

　ショーの開始前、薄いブルーの照明と、水の中で弾けるバブルのような音で満たされた会場。今季は、そんな楽し気に揺れて、軽やかに変化するアイテムが豊富に出そろった。コレクションのキーワードは、"HOOPS, BOUNGING, SWINGING"。　身にまとうことで上下左右にホップするフォルムを作り出すのは、テーラードスーツやドレスを上下に切り離し、間にストレッチ素材を這わせたりボーン（骨組み）を仕込むユニークなアイデアだ。カットアウトの手法と、典型的なビジネススーツに対して新しい意味を提案するアプローチは、トーガが数シーズンにわたって取り組んでいる。今回は、意外性のあるボリュームと、服と身体の間のゆとりによって、歩くたびに弾む自由なフォルムを可能にした。　1つのアイテムを上下に分断するテクニックは、ショート丈のダウンやレザージャケットなどに発展。さらには、ペプラムシルエットのニットキャミソールや、ダウンジャケットの裾をドッキングしたドレスなどにも広がりを見せ、メンズとウィメンズの垣根すらも曖昧にする。　袖を大きくデフォルメしたジャケットも登場。前後で異なるコクーンシルエットが、新鮮な印象をもたらす。　ショーは、ロンドンファッションウィーク中に発表したムービーとは異なる演出で、新たなアイテムを追加した東京オリジナルのルックで提案。着る人の個性に寄り添うブランドらしく「場所や着る人が違えば、それぞれの個性で服も変わって見える」というデザイナー古田泰子の考えで、同じコレクションでも2都市それぞれ違った見え方となった。ショーのラストは、多様な人々が行き交うスクランブル交差点のように、モデル全員が入り乱れる演出で締め括った。　「by R」のプロジェクトに参加した背景について古田は、「実際に"生で見る"という機会が減っている中で、2都市で見せられるというチャンスはなかなか無く、とても良い機会だった。（楽天との取り組みについて）間口を広げて幅広い方が楽しめるファッションを見せられることは有意義で、より広げることができるのではないか」と説明。　また、2月のロンドンと今回の東京では世界情勢が大きく変化していることについて、「発表の自由、発言の自由については常に意識している。文化的に自由であることがどれだけ大切で、生活を豊かにしてくれるか。それを止めるわけにはいかない。発表し続けるということが抵抗であり、わたしたちができる大事なことではないか」と自身の考えを示した。ファッションウィーク情報はこちら

TOGA

トーガ、5年ぶりの東京ショー　軽やかに弾むフォルムにのせた「自由であること」

　デザイナーの岡本がバンタンデザイン研究所在籍中に始動したダイリクは、2016年アジアの若手デザイナーを発掘するプロジェクト「アジアファッションコレクション（Asia Fashion Collection）」でグランプリを獲得。2021年にはファッションアワード「TOKYO FASHION AWARD」に選出され、今回ショーを開催するに至った。　これまでも自身の好きな映画をクリエイションに反映させてきた岡本は、今回のショーでは映画の撮影現場のようなセットを用意。組み立てたセットの上では撮影班がカメラを回しており、実際の映画の撮影に立ち会っているかのようなリアルさを覚えた。音楽は、岡本の高校時代の同級生 清水英介がヴォーカルを務めるAge Factoryが担当した。　ショーは、地鳴りのような轟音からスタート。明るくなると同時に新作を身に纏ったモデルが姿を表し、複雑に入り組んだ通路を縦横無尽に歩いた。フィナーレでは、ランウェイの余韻が残るなか岡本が現れ、感謝の言葉を口にしながらセットの上を疾走した。　コレクションでは、テーマ「After School」の文字を配したTシャツのほか、岡本自身が高校時代に通っていた「アメ村」から着想を得たことを示す「Inspired by AMEMURA」の文言をあしらったコートなどを展開。古着やミリタリーからインスピレーションを受けながら、現代的なディティールやビビッドな差し色を取り入れたコレクションを披露した。　岡本はショーを終えて、「これまでの人生で好きになった映画やよく通った場所、ファッションを好きになった経緯など、自分のルーツを詰め込んだショーにしたかった」と涙ぐみながら話し、「今後はパリでコレクションを発表したい」と未来を見据えた。

DAIRIKU

高校時代に通った「アメ村」から着想、ダイリクの岡本大陸が自身のルーツを詰め込んだランウェイショー開催

　古着を用いたアイテムは、モダンにアップサイクルされる分けではなく、アタリやほつれ、毛玉などの二次加工で、さらに古さを加速させたようなアプローチがユニークだ。　クラッシュ加工のニットや、表地だけが脱げる仕掛けのテーラードジャケット、ミリタリージャケット素材のプルオーバー、シャツを巧みにドッキングしたアイテムは、どれも自由で実験的。　ぬいぐるみがウェア兼ティッシュカバーになっていたり、セーターが帽子になっていたりなど、固定概念を打破するようなデザインも目を引く。　仕上げには、ポロ騎手が落馬したような刺繍、「THE FAKE FACE」のロゴプリント、マルボロ風の「リコール」バッグなどの、手の込んだ装飾もプラス。「偽物は本物以上の可能性を秘めているかもしれない」という視点から、フェイクモチーフでキャッチ―な捻りを効かせた。　さらにブランド初となるコラボレーションで、コレクションは広がりを見せる。東レとは、高機能・非動物性のスエード調人工皮革「ウルトラスエード（Ultrasuede）」を用いたMA-1やスイングトップなどが登場。　飼い主の服を愛犬用にリメイクする「フラッフィーテーラー（FLAFFY TAYLOR）」とは、人間の懐に犬が入り込めるフーディや、ヴィンテージのラグを用いたペアルックのウェアなどを制作した。　さらにブランドタグには、服飾資材メーカー「シンド―（SHINDO）」の在庫として余ったリボンや廃盤のテープなどを再利用。全て同じデザインが当たり前のタグも、従来とは異なるアプローチで制作した。　数多く登場した“●●風モチーフ”は、版権問題が気になるが、土居は「正直、ショーに登場したピースは販売できるか分からない。これから各企業にコラボレーションとして投げかけるかたちで商品化できたら」と補足した。ファッションウィーク情報はこちら

RequaL

ポロ、マルボロ、ニューバランス　フェイクモチーフ＆経年加工に込めたリコール流の「新しさ」

　シュガーヒルは、2017年からブランドをスタート。2021年に岡本大陸の「ダイリク（DAIRIKU）」、寺田典夫の「ヨーク（YOKE）」らとファッションアワード「TOKYO FASHION AWARD」に選出され、今回ショーを開催するに至った。ショーのテーマは「Enter the Mirror」。　ランウェイショーは、中央にミラーボールが回る中、裏手からロックバンド「踊ってばかりの国」が登場してスタート。チューニングが終わると演奏とともにシュガーヒルの新作に身を包んだモデルが姿を現し、バンドと観客の間を円を描くように歩いた。2019年にシュガーヒルがダイリクと合同で開催した音楽イベントにも出演するなど、以前から同ブランドと交流があった踊ってばかりの国が、記念すべき最初のランウェイショーに花を添えた。　コレクションは、ブランドの代名詞とも言える「つなぎ」のほか、ダメージ加工を施したロングコートやフリンジをあしらったライダースジャケットなど、ワークやリミタリーをベースに新たな解釈を加えたアイテムをラインナップ。全体的に1970年〜80年台のアメカジのようなヴィンテージライクな雰囲気と、紐を垂らしたデザインが印象に残った。　ショーのクライマックスでは曲のギアが一段上がり、これまでランウェイを歩いたモデルが一斉に再登場。会場の熱が冷めやらぬ中、最後にデザイナーの林が客席に向かって一礼し、フィナーレとなった。

SUGARHILL

踊ってばかりの国が音楽を担当、林陸也の「シュガーヒル」がブランド初のランウェイショー開催

　展示会やヴィジュアルだけではないリアルな服の見せ方の追求としてショーを開催した2019年のコレクションから3年。今回のコレクションでは、イメージソースとしてフランスのアーティスト イブ・クライン（Yves Klein）をあげ、青色を好んだ彼が独自に作り出した「インターナショナル・クライン・ブルー」をキーカラーにアイテムを展開したという。　今回のコレクションの大きなキーワードとして「光」がある。コレクションノートであげられたウォン・カーウァイ監督の映画「恋する惑星」は、香港の雑多な町並みと幻想的なネオンが、ジム・ジャームッシュ監督作品の「ナイト・オン・ザ・プラネット」はタクシーのハザードランプが印象的な作品で、いずれも光の明滅や大都市のネオンサインが記憶に残る。あわせて小高は今回のインスピレーション源に草間弥生やオノヨーコに並ぶ女性アーティストとして知られている田中敦子の代表作「電気服」をあげた。　田中の電気服は、塗料で彩色された蛍光灯や電球を組み合わせ明滅する光の服に見立てた作品。電球が不規則なタイミングで点滅することで、作品は静的なオブジェから動的な彫刻作品へと変化し、陰と陽の変換を繰り返す。小高はコレクションノートで電気服を初めてみた時のことを「消灯された電気服に対峙した。原色で塗り上げられた電球と蛍光灯が重なっており、これは服なのか？と思った」と回想し「気になりつつも会場を回遊しているとふいに遠くの方から明滅の気配を感じ、振り向くと、街のネオンをまとったようなドレスのオブジェに見えた」と続ける。そうして生み出されたコレクションは白や青、ピンク、緑、シルバーなどの明るい色彩のアイテムと、黒やブラウン、カーキなどの彩度が抑えられたものがほとんど交互に登場し、ショッキングピンクに黒い影のようなものがデザインされたジャカードニットは、カメラのフラッシュなどの強い光を直視した後に見える陽性残像を彷彿とさせる。残像を思わせるジャカードニットやラメ糸で編まれたニットは、繁華街の猥雑なネオンサインではなく、大都市の人工的でありながら洗練された美しいイルミネーションを思わせ、幻想的な光を連想させるアイテムを着用したモデルが、遮蔽物に見え隠れすることで「記憶の追体験」や「幻影」という言葉が頭をよぎるのも頷ける。 　一方で小高の知性と緻密な作業を通して作り出されたアイテムは、温かみがありながらも、恐怖心や孤独感も抱かせる。彩度の高い服から一変、ショー終盤で登場した黒いルック4体がその最たるものだろう。どんな色でも塗りつぶすことができる黒色のルックを、鮮やかな服が続いたショーの1番最後に配置した事実が、思い出したくても思い出せない記憶や漠然とした恐怖など、人が心の何処かで常に抱えている不安感を思わせる。小高は黒い服について「黒は強い色かつ、誰にでも似合う服」と説明した。 　小高は「コロナ禍により行動を制限された2年間を経て、人は行動制限を工夫したり応用したりすることで外に出るようになってきた」とし、その上で襟の変化でがらりと印象を変えることができるハーフジップのコットンシャツなど、様々なシーンを意識してスタイリングできるものを目指したという。行動制限の応用を行う世間に呼応するように、マラミュートが得意とするニットアイテムにもアップデートが見られた。ニットとジップを組み合わせたアプローチや、体勢の違いで印象が変わるウエストにタックの入ったニット地のコートなど、布帛でできることをニットで応用する姿勢は、あくまでもニットにこだわりる小高の頑固さを感じさせる。客入れBGMにベック（Beck）の「ルーザー」やザ・フー（The Who）の「マイ・ジェネレーション」など往年のロック音楽が流れていたことが更にそう思わせたのかも知れないが、テーマやインスピレーション源の表層をただなぞるだけではなく、真摯に服と向き合うことで生まれた小高のこだわりは服に適切な深度を与え、観客に更なるニットの可能性を感じさせた。 　コレクションノートで小高は田中の電気服を「時間の経過、場所と自分の関係性、変化する作品と観賞者。そのすべての調和にパフォーマンスアートの真髄があるように見えた」と記した。この日、マラミュートと同じくニットを得意とする村上亮太による「ピリングス（pillings）」も同じ会場でショーを開催。「理想と現実の間にいる人間像」をテーマに据え、蟻や昆虫をモチーフに用いることで社会における協調性を、昆虫におけるサナギや殻を彷彿とさせるような可動域が異様に狭いタイトなボトムスで社会での生き辛さを、登場するモデルが着用しているメガネで見なくてもいいことまで見てしまう人間の性を、会場天井に逆さまで吊り下げられたピアノで少しもズレることができない世間の目や規律などを表現した。現実という社会と理想の間で葛藤する人間をファッションショーを用いて見事に具現化したピリングスの村上と、アプローチは異なりながらもニットを通して自身のクリエイティビティを表現した小高は、ファッションショーを時間の経過や場所、自分の関係性、変化する作品と観賞者が調和したパファーマンスアートとして成立させていたように思う。　ファッションショーにおける服は、着る服ではなく「見る服」として機能し、15分間の舞台、つまり時間芸術としての側面も併せ持った総合芸術と分類することができる。絵画と比較すれば、1着の服から読み取ることができる情報は少ない。しかし、数秒間だけ自分の前を通り過ぎていくモデルからデザイナーの真意を読み取ろうとするファッションショーは、作り手と観客が共鳴し、デジタル空間では生み出すことのできない熱を生み出すものなのではないだろうか。ファッションウィーク情報はこちら

malamute

ファッションショーは総合芸術、マラミュートが提示したフィジカルショーの醍醐味

　今回見させていただいたのは、デザイナーの村上亮太さんによるブランド「ピリングス（pillings）」。私にとってのブランドとのファーストコンタクトは、今は無き原宿のWALLで試着した赤と白の紐で構成されたトップスです。着こなせる自信がなく購入は断念しましたが、友人がブランドキャンペーンでモデルをしていたことなどもあり、目にする機会は多いブランドでした。　会場に入ると、真っ先に目に入ったのは天井からロープで逆さまに吊るされているピアノ。会場内にはピアノ音楽も流れていました。同じクラシック音楽でもUNDERCOVERのショーで使われていたような重々しい雰囲気はなく、バックグランドミュージック1つとってもブランドによって違うものだな、と。画面越しで感じることがなかった、いつ始まるのか予測できない緊張感が募ります。　暗くなった照明がランウェイへのスポットライトへ変わり、まるで祖母が編んだような、ショーにしては普遍的とも取れるグレーのアランセーターでショーは幕を開けました。その印象が変わったのは、3ルック目の穴を多く取り入れたロングスリーブのニット。ファーストルックと統一された編み方ながらも新たな要素を取り入れていくストーリー性を、実際に目にしているからこそ感じました。ほつれや穴など、崩れていることに美徳を見出す部分に日本人デザイナーらしさが現れているのではないでしょうか。　モチーフには昆虫が多く登場していました。最初はニットの柄として取り入れられていた蟻がモデルの顔に張りついていき、ラストルックには蟻の集合体で構成されたピアノ。花などが用いられていたこともあり、庭をイメージしたのかな、などと想像していましたが、まるで侵食されていくかのような後味の悪い感情が残りました。それもそのはずで、デザイナーの村上さん曰く、蟻は社会性のメタファーとして用いたとのこと。見ている私は全く気が付かなかったのですが、コレクションのテーマは「理想と現実の間にいる人間像」。天井のピアノは、村上さん自身が抱く合唱コンクールや音楽へのトラウマ、いわゆる現実のメタファーで、完成形を求められるランウェイは理想。その空間に挟まれて歩く人間たちを表現したそうです。　個人的に面白いなと感じたのは、太宰治を意識してスタイリングなどをしていたという点。言われてみれば、裾を引きずって歩くスタイルやヘアスタイルに表れているような気もします。上司とも話していたのですが、皆あまり口にしないだけで、太宰にはやはり惹きつけられるものがあるのだな、と。ちなみに、モデル全員が着用している眼鏡は、太宰というより、見なくてもいいものをわざわざ眼鏡を身に着けることで見られるようにする人間の象徴だそうです。　今回強く感じたのは、デザイナーが作品に込めたメッセージと観客の想像は大きく異なるということ。例えば、私にとって音楽は表現や自由の象徴ですが、村上さんはそれをミスの許されない社会性として表現していました。本来ファッションは、デザイナーが作りたいものを作る個人主義のものであり、それを理解したいと思うのは私たちのエゴなのではないかと思います。それでも観客を惹きつけ、想像させ、もっと知りたいと思わせるものを作り出してくるからこそデザイナーは偉大だし、ファッションは面白い。ショーのみならず、デジタルばかりフォーカスされる時代ですが、個人としては紙の雑誌は買い続けていきたいし、購入する服はネットではなく実際に着用して肌触りを確かめたい。そして、デジタルの配信ではなくショーで実際の作品を目にしたい。ファッションと「リアル」は切っても切り離せないものだと、再認識するきっかけになりました。　最後の囲み会見で、緊張していた私は質問すら思い浮かびませんでした。あの使い古されたようなブーツに何か意味はあったのか、聞けばよかったな。ファッションウィーク情報はこちら

pillings

朱入れなし、文化服装学院生が思ったまま感じたことを書いてみた〜ピリングスのファッションショーをみて〜

　ブラックミーンズは、2008年に小松雄二郎、有賀貴友、有賀晶友の3人でブランドを始動。2019年に有賀貴友が退社し、現在は小松雄二郎と有賀晶友がデザイナーを務めており「ジャパニーズハードコア・パンクの視点から、既成概念にとらわれることなくファッションやスタイルを創造・提案していく」ことをコンセプトに活動している。　今回のショーは、文化庁や昨年「ファッション イン ジャパン 1945-2020—流行と社会」を開催した国立新美術館などの共催により、国が推進する「日本博」の一環として実現。ブラックミーンズが選出された理由について、JFWOのディレクターを務める今城薫は「独特な和の感覚を表現するブラックミーンズは、日本人と自然をテーマにする『日本博』と親和性が高く、海外に向けて日本を代表するブランドとして紹介し得る」とコメントした。　ランウェイショーは、ブルーのライトに照らされたライブハウスのような舞台で、西洋と東洋の楽器を組み合わせたハードコア楽団「タートルアイランド（TURTLE ISLAND）」の生演奏からスタート。ギターやベース、ドラムなどの西洋の楽器に三味線や太鼓などの和楽器が組み合わさり、ブラックミーンズのブランドコンセプトとマッチした世界観を演出した。舞台袖からは演奏と同時に新作を身にまとったモデルが登場し、ランウェイを往復。生演奏ならではの迫力で、視覚と聴覚の両方に訴えかけた。　コレクションは、ブランドの真骨頂であるレザーを用いたアウターやパンツ、小物など多彩なアイテムを披露。素材を切り替えミリタリーな雰囲気を落とし込んだレザージャケットや、スカイブルーのレザーを使ったファイアーマンコートなどのメンズアイテムのほか、レザーでフリルを表現したアウターといったウィメンズアイテムを発表した。　ショーのクライマックスでは、ブランドロゴをバンド背後の幕に大きく投影。演奏が大詰めを迎えると、疾走感のあるサウンドと共に背後の幕が左右に開き、全モデルが再度ランウェイを歩いた。最後にデザイナーの小松と有賀が客席に向かってお辞儀をし、フィナーレとなった。　ブランド初のショーを終えて、小松は「ブラックミーンズらしく、起承転結のあるショーをやりたかった」と今回の演出の趣旨を説明。デザイナー2人が出身ブランド在籍時に感じたエンターテインメント感を今の世代にも伝えたかったという想いから、タートルアイランドに演奏を依頼したという。小松は「今回のショーを最初で最後にするつもりだった」としながらも、「一度やるとまたやりたくなってしまうのが人間ですね」とコメントし、次回のショー開催に含みを持たせた。

blackmeans

「自分達が覚えた感動を次の世代に伝える」、ブラックミーンズが五感を刺激する初の単独ランウェイショー開催

　デザイナーの山岸慎平は、ARを「未来」だと語る。スマホでコードを読み取るだけで画面の中に本来存在しないものが映る。SFのようだと少年心をくすぐられ、山岸は今回のフィジカルショーにブランドとして初めてARを融合させた。「素敵なショーやかっこいいショーはたくさん見てきたし、いつでもできる。でも今大事なのは、時代にフィットするショーをすること」（山岸）。デジタルに疎く、ARとVR（仮想現実）の違いも分からなかったと話す山岸だが、AR技術のパイオニアであるクレッセント（CRESCENT）に協力を依頼し、ショーを実現させた。　今回のショー会場は、天王洲の「WHAT CAFE」。ワンフロアで遮るものがない広々とした会場では、モデルのメイクや着替えがパーテーションなどがない状態で行われ、演者と観客が混在した和やかな空気が流れていた。会場に入ると、インビテーションと引き換えに複数のQRコードが印字されたオレンジ色の用紙が渡された。それぞれのコードの下には、モデルの名前が記載されており、コードをカメラで読み取ると画面の中にベッドフォードの新作を身にまとったモデルが現れる。画面の中のモデルの服装はフィジカルショーで着用するアイテムとリンクしており、どこにいてもモデルが目の前にいるような没入感で画面の中でランウェイを楽しむことができる仕組みだ。また、会場には装着するだけで目の前にモデルが現れるARゴーグルが用意されるなど、拡張現実を体験できる仕掛けを揃えた。　ショーが始まると、それまでのAR体験での和やかな雰囲気とは打って変わって緊張感のある雰囲気の中、モデルたちがランウェイを闊歩。先刻まで拡張現実の世界に没頭していた観客は、リアルで開催するフィジカルショーならではの空気感を鮮烈に感じることになる。　新作コレクションでは、レッド、グリーンを使用した色鮮やかなボアコートやタイダイ柄のインナーとは対照的に、サーモンピンクやペールブルーなどの淡い色味のアイテムも発表した。また、ピースマークをあしらったアイテムも登場。ロシアウクライナ間の戦争との関連を問われたが、山岸は「『男の子』をテーマに服作りをしているので、男の子が守りたい愛と平和をデザインに落とし込んだ」と語り、直接的な意図はないとした。ショーのフィナーレでは、これまで登場したモデルがそれぞれのQRコードの前に並び、リアルとAR両方を一度に体験できる機会を提供した。　東京でのショーを終え、山岸の視線はパリへと向かう。2020年秋冬コレクションでは、「メゾン ミハラヤスヒロ（Maison MIHARA YASUHIRO）」のパリでのショーの時間を借り受け、ゲリラ的にショーを開催。その後、新型コロナウイルスの感染が拡大し、再びパリでショーを開催するには至っていないが、パリへの想いはずっと胸に秘めているという。「デジタルで十分良さは伝わると言われても、やはり現地に行かないと伝わらないものがある」とし、6月に開催されるパリファッションウィークへの参加に意欲を見せた。　そして今回はARを取り入れたが、ベースにあるのはフィジカルショーへのこだわり。「I am rooted, but I flow」という今回のコレクションテーマが示唆するように、山岸は「新しいものは積極的に取り入れていきたいが、そこをメインにしてしまうと根幹の部分がぶれてしまう。ベースはあくまでもフィジカル」とリアルで服を見せることの重要性について言及した。

BED j.w. FORD

変わりゆく時代と揺るがないものーーベッドフォードがARを用いて映し出す「リアル」への想い

　デザイナーの田中は、大阪文化服装学院を2015年に卒業。第89回 装苑賞ファイナリストに選出され、卒業後は同アワードで審査員をしていた丸山敬太の「ケイタマルヤマ」に入社した。独立後は刺繍アーティストとして活動し、2021年秋冬コレクションで自身の名を冠したブランド「タナカ ダイスケ」として本格デビュー。「おまじないをかけたようなお洋服で、自分の中にいるまだ見ぬ自分と出会えますように」をブランドコンセプトに、幻想的かつロマンチックなコレクションを展開している。　ブランド初のランウェイショーは、教会を想起させる鐘の音が鳴り響きスタート。観客が舞台を囲うように円状に配置され、その中を21人のモデルが「集団行動」を思わせる規律のとれた動きで縦横無尽に歩いた。終盤には、女優の橋本愛が御伽話から出てきたようなプリンセスラインのドレスに身を包んで登場。開始の合図と同じ鐘の音が鳴り響きフィナーレとなった。　2022-23年秋冬コレクションは、「自分のロマンを表現すること」をテーマに製作。田中が得意とする刺繍を施したドレスなどの煌びやかなウィメンズウェアのほか、これまで展開のなかったメンズウェアも発表。背中に羽を生やしたジャケットや花柄のセットアップなど、ブランドの幻想的な雰囲気を投影した男性像を提案した。　田中はブランド初のショーを終えて「今回のショーでモデルに新作を着て歩いてもらったことで、初めて自分のファッション観を点ではなく線として発表することができた」とコメント。「生でコレクションを見てもらう『リアルさ』と自分が表現したいファンタジーがマッチした」と語り、次回のフィジカルショー開催に意欲を見せた。

tanakadaisuke

橋本愛が幻想的なドレスに身を包み登場、「タナカ ダイスケ」が初のランウェイショーを開催

　ランウェイは2フロアに分かれ、1つ目のフロアの演出はレッドカーペット。モーリス・ラヴェルが作曲したバレエ音楽「ボレロ」が流れ、色鮮やかなドレスをまとった個性豊かなモデルが登場した。SUMIRE、森川葵、中山咲月、松田ゆう姫、玉城ティナ、ローレン サイ、仁村紗和らモデルをはじめ、アイナ・ジ・エンドやリトル・ブラック・ドレス（Little Black Dress）などのアーティスト、歌舞伎役者の市川染五郎、大島優子、ともさかりえ、寺島しのぶらの俳優を含む13人が歩いた。堂々としたウォーキングも相まって、会場は「ファッションショー」というよりも、アカデミー賞やトニー賞などの「授賞式」を思わせた。　上品なサテンとオーガンジーのラッフルをベースに、今回も様々なボリュームとカラーで表現。タイトなドレスとガウンを組み合わせるスタイリングや、長いトレーンを引いたルックなど、歩く度に繊細に揺れるデザインが優雅な印象を与えた。今回製作されたドレスは、それぞれの着用モデルをイメージして、オートクチュールの仕立てで製作したとデザイナーの小泉智貴は説明する。　「女優を起用するなら所謂ファッションショーではなく、レセプションやパーティーをアテンドしているような雰囲気にしたかった」（小泉智貴）。  　シグネチャーであるラッフルドレスにもアップデートが見られた。ラインストーンを用いたドレスが数多く登場し、また光を反射してオーロラのような表情のフリルも。小泉は「前回よりも光沢の強いオーガンジーフリルをチョイスした」とし、続けて「廃盤色から先に生地を提供してもらった。制限がある中でどう活かそうかということを考えた」とコメントした。 　レッドカーペットを歩き終えた13人のモデルは会場の1階に移動。ラグジュアリーホテル「東京エディション虎ノ門」にオープン予定のダイニングバーで、蜷川実花によるフォトセッションが行われた。　日本国内では2021年7月以来2回目のショーとなったトモコイズミ。小泉智貴は、大御所スタイリストのケイティ・グランド（Katie Grand）に見出されたことでニューヨークコレクションでの鮮烈なデビューを果たしたシンデレラストーリーが知られており、それから3年経った今も変わらず、自身のペースでクリエイションを続けている。近年では東京オリンピックの開会式で国歌独唱をした歌手のMISIAの衣装を制作するなど大舞台の衣装を手掛けることも増え、その認知度が増すことで彼のシンデレラストーリーは新たな局面を迎えた。2011年の立ち上げから10周年を経て、次の10年の進化が期待される。ファッションウィーク特設サイトはこちら

TOMO KOIZUMI

寺島しのぶ、ともさかりえ、市川染五郎など13人がレッドカーペットを歩く——「トモコイズミ」2回目の東京ショー

　アタッチメントは、メンズブランドとして1999年にスタート。2005年にウィメンズラインを立ち上げ、2007年に「カズユキクマガイ（KAZUYUKI KUMAGAI）」としてパリコレクションデビューを果たした。2013年にはウィメンズブランドとして「エムエム アタッチメント」がデビュー。2020年に「エムエム アタッチメント」を「ファモン（FEMMENT）」に変更した。2017年には大阪を拠点とする繊維専門商社のヤギがアタッチメントの全株式を取得し、子会社化。2022年春夏シーズンをもって創業者の熊⾕和幸が退任し、榎本光希がデザイナーに就任した。　2022-23年秋冬コレクションのテーマは「Volition」。画家のロバート・ライマン（Robert Ryman）の至言「There is never any question of what to paint only how to paint（何を描くかではなく、どのように描くかという問いである）」と彼の作品から着想を得て制作。「過程を選択する」というアタッチメントが大切にしてきたクラフトマンシップから製品管理まで、全ての工程に妥協を許さないものづくりの姿勢をコレクションで表現した。　コレクションは、ミニマルなチェスターコートやセットアップなど「人を引き立たせる服」がコンセプトのブランドらしいアイテムを中心にしながらも、総柄のコートとパンツのセットアップやつなぎ、オーバーサイズのジャケット、ワイドパンツなどで、アタッチメントに新たな息吹を吹き込んだ。シューズは、1990年代のシューズデザインを反映しつつ、通常ドレスシューズを製作する際に使われるグットイヤー製法ではなく、ステッチダウンでドレスシューズのディテールを表現することで軽くて柔らかいタウンユースなデザインに仕上げた。　榎本は、ブランド「ヴェイン（VEIN）」も手掛けているが、「アタッチメントは過程がデザインとして具現化されたもの、ヴェインは考えたデザインに挑戦するもの」と2つのブランドの棲み分けについて説明。海外展開を加速させつつ、今後はパリコレクションでの発表も視野に入れる。

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