インサイド

　英国のエレクトロニック・ミュージック・グループ「アンダーワールド（Underworld）」の楽曲「Rez」のメロディーラインに乗せて、疾走感あるウォーキングを披露した計51人のモデル。東京のショーでは珍しい大人数のモデルたちは、自然光が差すスクエア型のフロアを交差するように練り歩いたが、これはデザイナー坂部三樹郎が考える日常として、交差点で行き交う人の様を表現したものだ。歩行者専用標識のマークをプリントしたスキンウェアがファーストルックを飾った。　今回のショーで、坂部の狙いは大きく2つある。一つはこれまで肩やウエストのフォルムに力点を置いてデザインしてきたが「少し飽きたところがあった」という理由から、デザイン軸を背中に置いてクリエイションしていったということ。コレクションでは、後ろ前のトップスが多数登場しており、シルエットもボックス型で直線的なものが多い。後ろ身頃の仕様を前身頃にも取り入れたプルオーバーやシャツやジャケットは、前振袖ではあるが前後2wayで着用可能。ショーでは後ろ前でスタイリングし、袖が逆転することで生まれるドレープを提案していた。テーマに掲げた「ミニマリズム」は、ミニマリズム＝シンプルと混同されがちだが、坂部はただ装飾を減らすのではなくあくまで自然さを大事にしたといい、背中に宿る自然なミニマルを表現することだけに注力した。　もう一つはアイテム単体ではなく全体性に着目した点。ルックの体数を通常よりも増やし、ループするように何度も登場させることで、違和感があるデザインを"普通"に見せるというアプローチだ。そのため、アイテムの型数も前回から大幅に増やした。　「装飾によるデザインとは違うものを追求したかった」と振り返った坂部。全モデルが着用したフットウェアブランド「grounds」のデザイン監修にはじまり、次世代のデザイナーを育てるファッションの学校「me」、アジアのコングロマリットを目指す持株会社「スリー トレジャーズ（THREE TREASURES）」の運営など、デザイン以外の活動の幅を広げ、ブランドとしてもベテランの域に差し掛かってきているが、新たなスタイルを生み出そうとする探究心が尽きることはない。

MIKIOSAKABE

Fashion

ミキオサカベが新境地へ　デザイン軸を変えて表現した"背中で語る"ミニマリズム

3シーズンぶりの「再生」ランウェイ　ソロイストによる「再生」の舞台はホームである東京。コロナが本格化する前に開催された2020年1月のパリ以来3シーズンぶりのランウェイで、東京では2017年10月以来4年ぶりのショーとなった。新木場の大型スタジオ「GARDEN 新木場FACTORY」に、50メートル以上の長い直線ランウェイを用意。その脇にクラシカルな黒い椅子が間を空けて並び、業界の重鎮達が押し寄せた。複雑な構造のスーツと5本指ブーツ　スロー再生のようにゆっくりと歩くモデルたち。ファーストルックはショールカラーのベストで、裾や襟の一部が折り返されていたり裏地が身頃から大きくはみ出していたりと、ソロイストらしい難解なストラクチャーに視線が惑わされる。首元はニットとシャツとタートルネックを重ね、ベストの裾の下にはMA-1のディテールを取り入れるなど、既存の枠にはまらないギミックが満載だ。スラックスは膝の切れ込みから脚を出し、ハーフパンツのようにスタイリング。頭には「Listen To The Soloist」と書かれた紙袋が被され、アノニマスな雰囲気を醸し出している。 　序盤の3体はそれぞれが複雑さを極めた構造となっているが、ベースとなっているのはグレーのスーツ。ソロイストならではの正装といったところだろうか。足元で目を引いた5本指ブーツは、ソロイストと「スイコック（SUICOKE）」 、そして「ヴィブラム（Vibram）」のトリプルコラボだという。 象徴的な「PLAY/PAUSE」ボタン　続くルックも、デストロイド加工が施されたニットポロがダウンベストとドッキングしていたり、一度仕立てた服を再び縫い合わせるといったアップサイクルのアプローチ、抽象的なグラフィックやレースの大きな付け襟、脚入れの方法によって数通りのデザインになるパンツなど——特定のジャンルには属さない独特なスタイルが続く。　今回のテーマを象徴する「PLAY/PAUSEの」ボタンをグラフィックで配したアイテムも、中盤で1体のみ登場。フィナーレは一転し、再生と開放をより強く感じさせるスピーディーなウォーキングのモデルたちが印象に残った。 一時停止して見つめ直したのは宮下自身　ソロイストがスタートしたのは2010年。宮下が当時のインタビューで語った「変わらずしても、変わっても、ほんの少し後ずさりしても、やっぱりこれは"宮下の服"といえるものがデザイン」という言葉は、10年以上が経った今も色褪せない。宮下が一時停止して見つめ直したもの。それは常に"ソロイスト（独奏者）"である宮下貴裕そのもの。ストイックに極限まで突き詰める宮下の今の服作りは、立ち上げ初期の狂気ともいえる熱量さえも今なお超え続けている。

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一時停止したソロイスト——極限まで突き詰めた服で「再生」の東京ショー

　ショー会場は、新木場のTerminal STUDIO。ロンドンファッションウィークの公式スケジュールに合わせ、ランウェイショーの模様をライブで配信し新作を発表。ロサンゼルスを拠点に活動するデュオバンド「ヴァウズ（VOWWS）」が音楽を手掛けた。狂気的な美を内包するテーラード　コレクションのメインとなるのはブランドのシグネチャーであるテーラード。着想となった「アメリカン・サイコ」は80年代調のクラシカルなスーツスタイルの着こなしでも知られる映画で、狂気を内に秘めたサイコキラーが主人公。また、もうひとつの着想源であるオリヴィエ・デ・サガザンは、泥を粘土のように頭部や身体に塗りたくり、人体変容させる衝撃的な作品で知られているアーティスト。作品に登場する男性のスーツと泥の融合に着目した。柳川は今回、狂気的な人間美を内包する超人的な表現の作品をアイデアソースに、テーラードの進化を試みたという。フェティッシュなカットアウト　ショーの序盤に登場した9体はホワイトを基調としたスタイル。ウエストや腿の両サイドが抉られたようにカットアウトされていたり、超短丈のジャケット、拘束具を連想させるシャツなど、フェティッシュな要素が随所に見られる。またその逆で、身体のシェイプと反した平面的なコートも登場した。 　スーツだけではなくロングスカートやピンヒールシューズまで、男女のモデルが性別の隔てなく着用。右脚がパンツで左脚がミニスカートといった、アンドロジナス的なデザインも特徴的だった。 サイコキラーのスーツスタイル　中盤は泥で染めたようなベージュやブラウン、そして鮮やかな赤が差し込まれ、血飛沫を浴びたように見えるグラフィック柄のコートも目を引いた。 　モデルのSenが着用していたストライプ柄のスーツにレインコートをまとったスタイルは、まさに「アメリカン・サイコ」の主人公パトリック・ベイトマンが殺人に手を染めた時の姿そのもの。青白いメイクや、後半に登場したモデルたちの複雑に絡んだヘッドピースも相まって、マッドな雰囲気を放っていた。

JOHN LAWRENCE SULLIVAN

狂気と美のテーラード　「ジョン ローレンス サリバン」が描くエクストリームな人間像

　パリ・メンズの公式スケジュールでは発表経験がないものの、「ベッドフォード（BED j.w. FORD）」も"帰国組"といえるだろう。19年春夏シーズンではイタリア・フィレンツェのピッティ・ウオモでショーを開催し、翌19年秋冬ではミラノ・メンズの公式スケジュールに初参加。持ち前のテーラードや東京らしさを感じるレイヤードで、世界への階段を着実に昇っていた。　今回のショーは9月1日、霧雨に包まれた東京・八芳園の庭園で披露された。落ちついた中間色をベースにしながら、ファーストルックのシースルーコートをはじめ暖色系を織り交ぜながら、上手く力が抜けた服の数々が現れた。 　一瞬、息が止まったのは何人かのモデルの足元を確認した時だった。黒のシューズが「メゾン ミハラヤスヒロ（Maison MIHARA YASUHIRO）」の定番スニーカーの特徴を捉えていたからだ。ベッドフォードとミハラのコラボ。シューズはレザー、という印象が強いベッドフォードのコレクションで、ここまでストリートに寄った靴を目にしたのは初めてだった。　特徴は、三原康裕が粘土で象ったという歪んだソール。スニーカー市場はナイキとアディダスの2強時代が続いているが、三原はこのスニーカーを発表した4年前から「スポーツブランドに機能性で対抗しても、開発費が桁違いで独立系の我々に勝機はない。アナログなやり方で道をひらく」と語っており、その言葉どおりアジアを中心に支持者を広げている。　思い出したのは、2020年1月のパリ（20年秋冬コレクション）だ。　それは、メゾンミハラヤスヒロのショー会場パレ・ド・トウキョウでの出来事だった。世界中から集まったバイヤーやジャーナリストが見守る中、チェロの音色が響き、コーデュロイのセットアップなどエレガントな装いのモデルが歩き始めた。その場にいた誰もが「これは明らかにミハラではない」と感じただろう。そう、三原は自身のショー開始までの時間を、ベッドフォードのパリ初のショーのために貸したのだった。　ただ、その直後から猛威をふるい始めた新型コロナウイルスで、世界は変わった。パリでのショーを終えてから約3ヶ月後、ベッドフォードのデザイナー山岸慎平に電話した際に、「これからっていう時にこんなことになってしまって……」と落ち込みを隠せない様子だったことが忘れられずにいた。　しかし、今回のショーで堅苦しさを感じさせないコレクションを目の当たりにして、思った。心配は杞憂だったと。　東京でのランウェイショーは、ピッティ後に凱旋した19年春夏コレクション以来。山岸は「あの頃は『俺が俺が』と、エゴの塊みたいな人間でした」と振り返る。ピッティからミラノまでは、自らの力で海外での発表の枠を得てきた。しかし、今は違う。「自分の力を誇示するのもいいけど、周りにいる素敵な人やブランドと一緒に作っていく作業のほうが、今の僕には妙にしっくりくるんです」。 　シースルーのコートは写真家 岩本幸一郎の作品をあしらった。個展を訪れて感激し、コラボレーションを申し出たという。「なんていうか、当たり前に『助けて下さい』とか、『一緒に何かやりましょう！』と言えるようになったんです」。　コロナ禍の先行きはまだまだ見通せない。しかし、山岸とベッドフォードが再びパリに挑む日は、そう遠くないように思える。ショーの後、いつになく柔和だったデザイナーの表情からは、ぶれることのない決意も読み取れた。（朝日新聞編集委員・後藤洋平）

BED j.w. FORD

コラボシューズに込められた意味は——コロナ前のパリから続くベッドフォードとミハラヤスヒロの関係

■行先不明、「さあ、楽しもう」　車内の広告はすべてカラーがジャック。窓上ポスターには「僕たちはどこへ????」「さあ、楽しもう」「行き19分」「帰り36分」「ここから始まる」といった文字が踊り、招待客らは行き先がわからないまま電車に揺られる。　停車したのは京急蒲田駅。ドアが開き、スピーカーからドレミファインバータ（京急電鉄で親しまれてきた発車時の磁励音）、そして音楽が流れ始めた。するとホームにモデルたちが現れ、電車に乗り込んで車内でのウォーキングを開始した。■再定義するミニマリズム　座席の目の前を足早に通っていくモデルたち。ファーストルックは一見するとベーシックなテーラードジャケットだが、ラペルやポケットのフラップに透明シートを乗せることで、芯地やステッチといった内蔵物が露出している。ブルゾンやシャツの一部にニットが重なっていたり、ドレスの一部がカットアウトされていたり、異なるテクスチャーの素材をドッキングしたスタイルも。  　オーセンティックなデザインの基本はそのままに、分解して一部を改変、再定義したのはカラーならではのミニマリズム。「違和感・不安感がありながらも、思わず美しいと受け入れてしまう」というギリギリの境界線とバランスが、巧みに表現されたコレクション。 ■日常に心地よい違和感を　ショーが終わると駅弁風の軽食が配られ、電車は再び品川駅にリターン。電車という日常風景に、ランウェイという非日常が混じり合う約1時間の旅。ショー全体で具現化されたのも心地よい違和感そのもので、カラーのクリエイションの根源を垣間見ることができる。 　通常はパリで発表しているカラーが東京でショーを開催したのは、先シーズンに続き2回目。今回は駅のホームに設けた観覧スペースに学生を招待していた。彼らはファッションの新しい表現を、どのように受け取ったのか。フィジカルならではの高揚、体験することの価値、コレクションの原点のようで捻られた演出にカラーのクリエイションが光った。ファッションウィーク情報はこちら

kolor

電車とホームで初のファッションショー　「カラー」が京急車両をジャック

アーム・ショルダーの豊富なシルエット　今季のコレクションで目を引くのは、アームからショルダーにかけてのシルエットの豊富さだ。ノーカラーのエレガントなブレザーやフレンチボーダーのミリタリーセーターは、アームに深くスリットを入れることで、風をはらむと美しくなびくケープのような形状へと進化している。 　1920～30年代のフレンチリネンのスモックやシャンブレーシャツを再構築したアイテムは、パワーショルダーでシルエットを誇張。メディカルガウンのようなワンピースやGジャンは、パフスリーブを採用することでフレッシュな印象に変化している。ボリューミーなトップスは、ボトムスをIラインやタイトなシルエットにすることで、そのバランスを調整した。 　また、伸縮性のあるユニークなプリーツ素材を用いたロングワンピースやパンツ、スカートなども登場。コーディネートにやわらかなムードを加えている。 「パーテックス」新作も豊富　定番となりつつある、防風性や撥水性に優れた極薄軽量ナイロン「パーテックス（PERTEX ）」を用いたアイテムは、ミリタリージャケットをベースにしたアウターやジッパー付きのプルオーバー、ウエストがゴム仕様のスカートやワイドパンツなど、今季もバリエーション豊富にラインナップした。  「ポーター×ハイク」初のコラボバッグ　アクセサリーでは、「ポーター×ハイク」のコラボレーションアイテムが初登場。アメリカ軍のバッグを着想源とした「ポーター（PORTER）」の“ヘルメットバッグ”に、ネームタグのような装飾を施したオリジナルデザインを複数のバリエーションで打ち出す。　継続コラボの「ビューティフルシューズ×ハイク」からはミュールとアウトドアサンダルをドッキングさせた新作が登場。「チャコリ×ハイク」には、レザーのドローストリングバッグの新色などが追加された。　登山やキャンプで多用途に使う“パラコード”から着想したブレスレットやベルトなどのオリジナルアクセサリーも、スタイリングのアクセントになっている。 　今季のキーカラーは、ターコイズからネイビー、ストライプで表現したブルーのグラデーション。スポーティな機能性素材やデニム、麻など、質感の異なるカジュアル素材とドレッシーなシルエット、鮮やかな色の組み合わせで、唯一無二のスタイルを作り上げた。ファッションウィーク情報はこちら

HYKE

ハイクとポーターが初コラボ、22SS新作はカジュアル素材で作るドラマティックなシルエット

　ファッションショーのキャリアで言えば、今回「Rakuten Fashion Week TOKYO」に参加したブランドの中でも経験値は上位に位置する。東京、ミラノ、パリと様々な土地でショーを行ってきたヨシオクボが5年ぶりの凱旋ショーとして選んだ場所は、中目黒にある同ブランドのアトリエ兼事務所。これまで東京で、キャパシティが1000人を超える大箱でショーを行ってきた同ブランドにとって、同日に3回行われたショーでトータル約130人しか招待しなかったというのは、コロナ禍ということを鑑みても十分受け手に意図を感じさせるものだった。　「大きい箱でショーをするという見せ方ってもう必要ないんじゃないか。もっと身近で、それこそSNSのように側にいるような見せ方の方が良いなと考えたんです。服を作っている場所でショーをやると面白いと思ったんですよ」　ショーを構成する上で、光ったのは久保自身のホスピタリティとも言うべき観覧者に対するサービス精神。招待客約130人それぞれに、久保自身がその人とのエピソードを交えて送ったメッセージ動画を添付したインビテーションを配ったり、リカックス（Licaxxx）が手掛けた楽曲をワイヤレスヘッドと会場に流し、レイヤーを作って音を立体的に表現した演出など、東京の業界関係者を久しぶりにもてなした。　「コロナ禍でデジタルでの発表でも十分という風潮がありましたけど、やっぱりできないことだらけなわけですよ。やっぱり僕はまだフィジカルファッションショーは続いていくと思うわけです。色んな角度で見れたり、匂いを感じれたり、デジタルではカバーできない部分の大切さを改めて実感しています。だからこそ、古いシステムではありますが、やっぱりファッションショーは終わらないと思うんですよ」　メッシュ素材のインナーが覗くレイヤードスタイルなど、音楽のレイヤーと親和させることで、わかりやすさも担保している。モデルのスピーディーなウォーキングと音楽が織りなす小気味良さは、観覧者に高揚感を与えた。　以前まだClubhouseが流行っていた頃、久保と一緒に雑談会をした経験がある筆者だが、物静かなデザイナーが多い中、普通にやれば間違いなく口語を得意とする稀有な存在である。にも関わらず、服のデザインはあくまでも寡黙。時折キャッチーな将棋の駒のプリントや刀の柄、「もののけ姫」のアシタカが着用している長手甲のようなアームカバーなどぱっと目を引くものもあるが、ヨシオクボの本質は緻密なパターンメーキングにある。ジャケット一つとっても、ラペル幅やカマ底の数ミリ単位の調整、肩の落ち感など、着用することでわかる、いわゆる「クオリティ」というものをこれでもかと体現するブランドである。パターン、加えて素材選び（特に今シーズンは化繊が目立った）の妙は、もしかすると玄人好みすぎるかもしれないが、ヨシオクボのオリジナティそのものである。　ここ数シーズン、ヨシオクボは和の要素を取り入れている。久保はあくまで和洋のハイブリッドにこだわっており、「日本人はアメリカナイズされていて、ミリタリーと言えば米軍服を頭に思い浮かべる。でも日本のミリタリーもあって、そこで面白いのと思ったのが坊さんのミリタリー」とし、僧兵を今回テーマに選んだという。マルタン・マルジェラが足袋をモチーフにブーツを作ったように、ゴールはカルチャーの融合による新しさの追求。全ルックにスタイリングした、トルコ発のエコフレンドリーなビーガンロープサンダル「ボホノマド（BOHONOMAD）」とコラボレーションサンダルも、ハイブリッドを目指した結果だという。　「次のことはまだ何も決めていません。見せ方も斬新な方がいいと思うんで、何かアイデアを出さないととは考えています。僕は真剣に、それこそ劇団四季レベルの見せ物にまでしたいと思っているんでね」　次回の2022年秋冬コレクションでパリに戻るかどうかの言及は避けたが、ショーという形式は恐らく継続する算段だろう。エンターテインメント性を追求した、ファッション表現の模索に今後も期待したい。

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デジタルの限界とファッションショーの有用性、ヨシオクボが表現したかったもの

クロシェ、花柄、ベルボトム…70年代の要素をエレガントに　映像の舞台となったのは、海辺を臨む丘のような場所。ファーストルックでは、袖や裾にフリンジを残したカギ編みのプルオーバーに、微かに裾が広がるスリット入りのベルボトムを合わせたコーディネートが登場した。そこに続くのは、草花のモチーフをのせたワイドパンツやロングドレス、淡いグラデーションが美しいタイダイ風のシャツやスカートなど。どれもヒッピーファッションを象徴するコーディネートやディテールだが、事前にテーマを聞いていなければ気付かないほど、さりげなく、ソフトに落とし込まれている。  　中盤には、花柄の編み地を直線や幾何学模様で配したシャツやドレスなども登場。60年代後半～70年代のエッセンスを「チノ」のフィルターを通して、クリーンに発展させた。テーラーリングに込めたデザイン性　毎シーズン、定評のあるシャツやジャケットなどは、落ち感のあるしなやかな素材やノーカラーのディテールなどで、よりリラックスした雰囲気だ。一見シンプルだが、ウエストを微かに絞るシルエットや長めのカフス、動きのあるテープベルト、さりげなく入れたタックやプリーツなどによって、デザインを差別化。オリジナルで作ることが多いという素材との相乗効果で、美しいシルエットを保つ。 　映像のラストでは、ブランドの強みを改めて打ち出すかのように、テーラーリングの技術が光るモノトーンのアイテムをコーディネート。ブラウスと同色で施したスカーフやワイドベルト風の装飾でも、あくまでスマートにテーマ性や遊び心を散りばめた。 ファッションウィーク情報はこちら

CINOH

武器より花を――「チノ」がヒッピーファッションをクリーンに再解釈

ランウェイ素材は、市場で使う“メッシュパレット”　会場となった渋谷ヒカリエのホールに入ると、まず目を引くのは、物流に用いられるようなブルーの"メッシュパレット"を並べたランウェイ。BGMには波の音が流れるなど、「ディーベック」のコアバリューにある、フィッシングや水との深い関わりを演出からも読み取れる。しかし、ショーがはじまると一変。強いビートを刻む機械音が流れ、一気に都会へと引き戻されたような感覚に陥る。　今季のテーマは「FUSION（融合）」。ショーでは「ディーベック」のモダンなアイテムと「ダイワ」の"本気"のフィッシングアパレルを大胆にミックスし、撥水・軽さ・動きやすさなどの機能性を兼ね備えたモードなアウトドアスタイルへと昇華させた。34のパーツで構成、テクニックの光るドレス　ファーストルックで登場したのは、34のパーツで構成されたブルーのドレス。ストレッチ素材や鹿の子編み風の素材を、波のようなモチーフで縫い合わせた軽やかなアイテムは、「ダイワ」のコンパクトなライフジャケットをハーネスのようにコーディネートした。フィッシングジャケットなどのメンズのアウター類は、街着としてのユーティリティを追求。背面をミラノリブで切り替えることで、伸縮性や通気性を高めている。ラウンジウェアのムードをプラス　「ラウンジウェアのムードも加えた」という今季は、イタリアの生地メーカー、レダ（REDA）のジャージー素材を用いたアイテムも多く展開。リラックス感のあるジャケットやスカート、カットソーなどは、着心地と"きちんと感"のバランスを考慮した。 「ゴアテックス」を都会仕様に　また、機能性素材「ゴアテックス
インフィニアム（GORE-TEX INFINIUM™ ）」を用いたレインコートやガウン風のアウターなども登場。通常のゴアテックスよりもゴワつきがなく、撥水性と防風性を謳った軽量な素材のセレクトにも、フィッシングウェアとモードを融合する「ディーベック」のコンセプトが見て取れる。 　「ディーベック」の定番となりつつある撥水性のあるニットウェアは、シャリ感のある春夏仕様でラインナップ。糸から加工を施すことで、「ニットなのに撥水」という独自性の高い技術を実現している。　海やフィッシングの要素は、海流を編み目で表現したコートの装飾やフィッシャーマンズ風のニットベストなどにも散りばめられた。　釣り具業界では、リーディングカンパニーとして広く知られるグローブライド。「ディーベック」と「ダイワ」をミックスアップした今季のショーでは、フレッシュなスタイリングのアイデアで、モダンなデザイン性と長く培ってきた意匠性の"融合"を軽やかに表現した。（文責：村上杏理）

D-VEC

DAIWA

釣りとモードが融合したら？「ディーベック」が魅せるタウン着としてのユーティリティ

岡﨑龍之祐が表現するのは「祈り」　デザイナーの岡﨑龍之祐は1995年、広島県生まれ。日本人にとって、広島県は第二次世界大戦において原子爆弾を投下された街として強く記憶されている。岡崎自身もまた、自らが生まれ育った歴史や風土をバックボーンとし、その中で何度も「平和」について思考を巡らせてきたという。最初期の作品「Wearing Prayer」は、広島に送られてくる折り鶴の再生紙を細かく裁断した紙糸を使用。世界中から寄せられる平和への「祈り」が、衣服として昇華されたものだ。縄文時代の「信仰」を現代のドレスに 　岡崎は、祈りの歴史の中でも最もプリミティブ（原始的）なものの一つとして、縄文時代における土器をあげる。縄文時代の人々は、自然に恩恵を受け、それ故に自然の脅威にも晒されていた。自然に対する畏怖と畏敬を同時に抱えていた縄文人は、縄文土器や土偶を作り、願い、信仰することで自然との営みを続けてきたと言われている。自分たちではどうしようもない大いなる力によって、受け入れがたい現状に直面した人々は、呪術的とも呼べる祈りや信仰を用いて説明付け、ひいては「この禍は、理由があってもたらされた」と受け入れようとする。禍への畏怖の歴史は、縄文時代から脈々と語り継がれ、我々現代人の生活にも続いている。例えば、自らを鼓舞するための験担ぎは、現代まで続いている祈りの形と言って良いだろう。岡崎の言葉を借りるなら「人々が生きていくことそのものに対する願い」が、土器に込められ、またそれは祈りの歴史として現在にも続いている。　岡崎はデザイン画を描かずに、製作をするという。「デザイン画を描くよりも先に、素材に触れ、その特性を生かして、組み合わせを探りながら造形し、その過程で作者の想像を超えるものが生み出される瞬間に深い感動を覚えるのです」（岡﨑龍之祐）。　そうして作られた「JOMONJOMON」はデザインのバリエーションが豊かである。縄文土器の波状や、突起を彷彿とさせる立体的な造形を基本に、臀部や頭部が土偶のように大きく膨らんだドレスや、身頃が身体に密着しながらも肩口が反り返り鋭利になっているトップスなど様々なデザインが披露された。同アイテムにおいて特に興味深いのは、ドレスに用いられている素材だ。リブ素材や軽量ニットなどの、伸縮する特性を持つファブリックに、ボーンテープや芯糸が織り込まれたドレスは、モデルが歩く度に上下にバウンドする。 　岡崎は2021年6月に「JOMONJOMON」を含む作品の個展を開催している。その際に発表されたドレスは、身体に纏われることはなく、高い台の上で静置されていた。人々が見上げるような形で展示されていたJOMONJOMONはさながら祭壇のような様相。今回、モデルによって着用され揺れ動いたJOMONJOMONは、祭壇で祀られていた神のようにも見える。　一方で疑問も残る。岡崎はなぜ、近代的な伸縮性のある素材を用いたのだろうか。祈りの歴史の中でも原始的である縄文時代の祈りは、物質そのものへの崇拝が必要不可欠のようにも思う。柔らかで近代的な素材を使用した理由は、岡崎が考える「祈り」の捉え直しなのだろうか。それとも、縄文時代では存在しないが故に、用いりようがない近代的な素材を使用することで、祈りにおける神秘性を表現したかったのだろうか。花弁のような造形を人がまとう 　現実世界には、絵画における実線のような輪郭は存在しないが、人間は対象を認識する時に輪郭を必要とする。自然崇拝の観点から製作されたという「Nature's Contours」の花弁のような造形は、ハリのある厚手のメッシュ素材を黒く縁取り、本来自然界には存在しない「輪郭」を思わせる。曲線的で有機的なアウトラインは、ロックミシンによって強調されている。 　岡崎は、花弁や昆虫のような造形を人がまとうことで「自然を内包し、自然に擬態し、自然に還っていく循環を表現したかった」と話した。ファッション ウィーク特設ページはこちら

祈りとしての縄文土器をまとう、リュウノスケオカザキが魅せた造形美

19世紀のレジャースポーツが着想源　テーマは「pleasant holiday（楽しい休日）」。ドレスを着て嗜むテニスやサイクリングなどの19世紀のレジャースポーツや、優雅な休暇からイメージを広げて、「自分自身を解放するためのレジャードレス」を提案した。 　アクティブに動いてもエレガントなシルエットを保つために用いられたのは、歩くとバネのように上下するプリーツ加工や、畝（うね）のように波打つパイピングのテクニックだ。さらにブランドが得意とするフリルを駆使することで、動きのあるデザインのドレスやセットアップを打ち出した。　生地をたっぷりと用いたボリューム感のあるドレスは、一見重たくなりがちだが、透け感のある素材を用いたり、素肌が覗くようなデザインにしたりすることで、軽やかな印象に仕上げている。特に、テクニックが光るのは、ストローハットやカゴバッグをイメージしたという、花柄のレース刺繍のキャミソールドレス。生地にはラメ糸が織り込まれており、動きに合わせてユニークな煌めきを楽しめる。 大人も子どもも「エイジレス」なコレクション　ヴィクトリア調のコルセットをソフトに表現したハーネス、付け襟、付け袖など、今季はアクセサリーも充実した。これらのアイテムには、都会の現代生活の中でも「何の制約もなく自由な装いを手軽に楽しんでほしい」という思いが込められている。　また「ホウガ」では、「エイジレス」をブランドコンセプトのひとつに掲げており、ショーでは、同じアイテムを使った大人用と子ども用のコーディネートを数通り提案。例えば、大人用のフリルスカートやポロシャツが、子ども用のドレスになるなど、時代や年齢を越えて長く着られるアイディアが盛り込まれている。 クリエイションの源は“らしさ”からの脱却　2019年春夏にブランドをスタートして、今季で7シーズン目。デザイナーの石田萌は、楽天ファッションウィークに初参加した理由について「ブランドが次のステップに進むタイミングだと感じて、今回の参加を決意した」とコメント。さらに「新型コロナの影響が出始める前から、大人らしさ、女らしさ、男らしさ、母親らしさなど、世間が抱く固定概念にずっと息苦しさを感じていた。ブランドのクリエイションの源は、そんな“らしさ”の打破。自分自身の世界に浸れるような服をコレクションを通して提案してきたい」と続けた。（文責：村上杏理）ファッションウィーク情報はこちら

HOUGA

世間が抱く「らしさ」からの脱却　「ホウガ」初ショーで語る創作の源

　2022年春夏コレクションのテーマは「素敵な下書き」を意味する「SWEET ROUGH DRAFT」。絵であればより良くするための行為、手紙であればより気持ちを伝えようと試行錯誤する時間である「下書き」を「素敵なもの」だと捉え、今回のコレクションをシンヤコヅカにとって素敵な下書きにするという想いを込めて製作したという。　休日に自宅で映画「ショーシャンクの空に」を15年ぶりに見たという小塚は「デザイナーという職業は映画そのものをモチーフやテーマにするのではなく、映画を見て得た小さな感動やきっかけを最大限に誇張することをテーマにするべき」と感じたという。コレクション製作のスタートのアイデアとなったのは「青いインク漏れ」。友人のインスタグラムに投稿された写真を、ただなんとなく「可愛いな」と感じたことがきっかけで、その小さなきっかけを小塚なりの解釈で拡張したコレクションに仕上げたという。　ルックでは青いインク漏れを連想させる模様のつなぎや、青い鳥が描かれたニットなど青を使用したアイテムが目立った。前シーズンに引き続き人気の「ディッキーズ（Dickies）」をはじめ「ラングラー（Wrangler）」や老舗ワークウェアメーカー「寅壱」とのコラボアイテムも披露。過去に「リーバイス（Levi's®）」の「501®」など、誰もが知る永遠の定番をリサーチせずに製品化してきた「AS IT WAS」シリーズからは、具体的な定番アイテムではなく「ヒッピーの人」という抽象的なテーマをもとに、クレイジーパターンのジャケットなどを製作した。

SHINYA KOZUKA

Wrangler

シンヤコヅカが初のランウェイショー開催、表現したのはブランドにとっての「素敵な下書き」

　メグミウラ ワードローブは、先シーズンの2021年秋冬コレクションからコートに特化したブランドへとリブランディング。今回はリブランディング後、初の春夏コレクションとなる。　新作コレクションでは特定のテーマを設けず、ブランドコンセプトである「エイジレス」「ジェンダレス」「ボディポジティブ」の3つのキーワードにフォーカス。春夏コレクションにおいて、アウターブランドとしてこの3点をどう表現できるかに注力したという。軽さや機能性を実現するために、シャツ地に防風フィルムのボンディングを施したアイテムを製作。また、「コロナ禍で自然が恋しくなった」と三浦が語るように、動物や植物からインスピレーションを得たというピンクやレッド、イエローなどビビッドなカラーも目立った。　イメージムービーでは、年齢、性別、人種、体型の異なる人々をあえてキャスティング。映画「アメリカン・ユートピア」に感化されて制作したという映像は「生」を大切にし、コートの擦れる音など現場にある音を積極的に用いた。　今後の発表方法について三浦は「ショーもやりたいが、コンセプトである3つのキーワードを伝えることが第1の課題。ランウェイショーが適切かを試行錯誤しながらインスタレーションなど新しい表現方法で発表していけたら」とコメントしている。

MEGMIURA WARDROBE

コートの擦れる音を用いたイメージムービーを発表「メグミウラ ワードローブ」新作コレクション

　スリューは、アップサイクルやサステナブルをテーマに掲げ、古着を使用したコレクションを製作しているブランド。前シーズン同会場でのショーが中止となったことや、直接コレクションを見せたいという考えから、ワールド北青山ビルでのフィジカルショーの開催を決めたという。　会場は5ブロックに分かれており、五角形で形成された4ブロックの中で、モデルはポージングを行った。中央の円で囲まれたブロックでは、アーティストのオライビ（OLAibi）が音楽を演奏。単音から始まり、シンセサイザーや電子パーカッションなどの音を徐々に重ねていき、会場全体を即興で生み出される環境音で包んだ。　ショーでは、古着の「バーバリー（BURBERRY）」のトレンチコートや「リーバイス（Levi's®）」のデニムを解体、他の素材と組み合わせるなどして再構築したアイテムが登場。このほか、「工場さんにお願いして無理やりかけてもらった」というコットン生地にプリーツ加工を施したTシャツやデニムは、ブランドのアイコンにしていきたいデザインだという。　「これまで個体差のない服を作らなきゃと思っていたが、今回は一点物でもいいからしっかりデザインとして見せられるものを作りたかった」と植木が話すように、今回は量産を前提としたものづくりを行わなかったという。一方で量産も課題であるとし、「大手企業が脱量産を目指す動きが出ている中、スリューでは逆に量産をここから目指していけば、大手と同じ到着地点になるのではないか」とディレクターの米田年範は語った。

SREU

量産を前提としないものづくり、アップサイクルを掲げる「スリュー」が新作披露

■コレクションタイトル「BUNRIHA」の意味は？　今作「BUNRIHA」は、2021年春夏コレクション「インビジブルビジブル」、2021年秋冬コレクション「ザプロセス」から続く、3部作の最終章。1920年に起きた日本で初めての建築運動「分離派建築会」に強く影響を受けたという。　「『我々は立つ』というスローガンのもと、新しい時代と新しい芸術を自分たちで再構築しようとした彼らが生きた時代は、スペイン風邪が流行し、旧態依然としている政治体制への不満や、男尊女卑社会に異を唱える婦人解放運動が活発に行われていた時代でした。奇しくも2021年の我々が生きる世の中と酷似した状況です。コロナ禍である2019年にデビューしてから、『待っていても終わりはこない』『自分たちが世の中を変えていくんだ』という責任と自負が年々強くなっています。100年前ではありますが、クリエイティビティを通して新しい時代を切り開こうとした分離派建築会のメンバーに敬意を表しながら、ブランドとして、現在を生きる個々人の生き方にエンパワーメントできたらと思っています」（進美影）。■田舎のような素材、都市のようなデザイン　ショー全体を通して浮かび上がるのは、分離派建築の特徴でもある「都市と田園」の二律背反。薄暗い渋谷ヒカリエの会場には、光を受けて乱反射する水面のようなランウェイと巨大なモニターが出現し、小川のような会場をモデルたちが歩いた。　進は「分離派建築は、近代化していこうという世の中の急速な変化についていけず、昔を懐かしむようなノスタルジーな気持ちが『田園』として、そうは言っても近代化せざるを得ないという自覚が『都市』として作品に表されていた」とし、ある種の矛盾を抱えている分離派の作品を「変化に対応していくまでの葛藤を抱えるヒューマニティ」と解釈。進が描き下ろしたというどこか懐かしい田園柄と都会的なグレンチェックを組み合わせたチュニック丈のシャツや、都市建築で用いられる大理石模様のテキスタイルを用いた角張ったスーツ、麻素材のようなリサイクルポリエステルを使用したロングベストなど、「都市と田園」という二項対立による葛藤を思わせるアイテムの数々が登場した。田園柄のテキスタイルや、少しだけ田舎っぽい麻の素材を『田園的なもの』とし、フォーマルな装いという点で、社会において記号的な役割があるスーツやシャツなどを『都市的なもの』として位置づけたという。　また、曲線や流動的なラインが特徴的なアイテムも数多く登場。アーチ状に穴の開いた衣服は、建築における窓の役割を彷彿とさせ、シアーな素材を用いてデザインされたレイヤードやプリーツは、彫刻的な近代建築を思わせる。  ■ミカゲシンは、ファッションを悪にしないためにサステナブル素材を選ぶ　同ブランドは今シーズンから、半数以上のアイテムを環境に配慮した素材や、トレーサビリティ認証を得たテキスタイルに変更。素材や共に働く人々との連帯強化にトライしたコレクションになったという。ファッションを取り巻く状況も、かつてとは大きく異なっている。コロナ禍において「装うこと」は大きく揺さぶられ、「サステナブル」という新たな価値観が注目される時代になった。ファッションにおけるサステナビリティの促進は、建築界における近代化、西洋化の波に類似しているようにも思う。進は「ファッション業界自体が向き合わないといけないこともある」とした上で、「個人的にはファッションにおけるデザインの部分が軽視されることは悲しく思っている」と涙ながらに訴えた。　「ファッションには外面から内面を変える力があると思っています。装うことで自信がついたり、自分がどのような人間かを伝えることが出来る。ファッションに救われてきた一人として、ファッションの芸術性をもう一度純粋に楽しんでもらうために、デザインや衣装性でファッションを楽しめるようにしたかった。ファッション以外のコンテクストでその価値を下げたくないんです」（進美影）。　デザイナー進美影は、ファッションを悪にしないために、サステナブル素材を選択する。純粋にファッションを楽しんでもらうために、出来ることから真面目に取り組むミカゲシンの彫塑的な服作りは続く。ファッションウィーク特設ページはこちら

MIKAGE SHIN

ミカゲシンがイシヅカユウと歩む道は2つ、性別から分離する道／ファッションの芸術性を信じる道

■ブランド15周年、東京に凱旋　相澤陽介が2006年にスタートしたホワイトマウンテニアリングは、2010年春夏シーズンに東京で初のランウェイショーを開催し、2012年9月の2013年春夏コレクションをもって発表の場を海外にシフト。イタリアの「Pitti Immagine Uomo（ピッティ・イマージネ・ウオモ）」を経てフランス・パリで発表を続け、今年で立ち上げから15周年を迎えた。　今回の東京ショーは、楽天が日本発のファッションブランドを支援するプロジェクト「by R」のサポートにより実現。また、以前は東京コレクションのオフスケジュールで発表していたため、公式スケジュールでの参加は今回が初めてとなった。 　2022年春夏コレクションは、6月のパリコレにて映像で発表済。しかし新宿御苑で披露されたのは、それとは全く異なるコレクションだった。15年間追求してきたファンクションアパレルの考えと、ジェンダーレス化している時代に「服を着るという行為に対して自由でありたい」という思いを投影したという。 ■黒のファンクションウェアをまとう女性たち　生茂る木々が真夏の日差しを遮る一本道をランウェイにして歩いてきたのは、黒一色の服をまとった女性たち。ファーストルックは、半袖のプルオーバージャケットにスリットが深く入ったスカート、そしてスニーカーを合わせている。女性モデルの起用は、メンズウェアがメインのホワイトマウンテニアリングにとって珍しく、序盤から新しい風を感じさせた。　コレクションはメンズとウィメンズの新作と、一部アーカイヴを取り入れてモノトーンをベースに構成。ブラックをはじめダークトーンのアイテムが多く、一部はハイスペックラインの「BLK」。メッシュやパンチング、ハイテク素材をミックスしたファンクションウェアを、モード色を漂わせながらもサラリとまとう女性たち。自由に着る都会のアウトドアスタイルという今のホワイトマウンテニアリングならではのバランスが、現代服のリアリティを体現していた。　ラストルックのセットアップは、相澤と親交が深い「サルバム（Sulvam）」デザイナー藤田哲平との共作。国内外の数多くのブランドや企業と協業するなどファッションデザイナーの新しい形を追求してきた相澤は、「信念は曲げずにチェレンジを続けること。そして大きな視野を持つこと」を根底に、これからの時代に向けてクリエイティブとライフスタイルを融合しながら「より強いメッセージを残せるデザイナーを目指していきたい」という。ファッションウィーク情報はこちら

White Mountaineering

ホワイトマウンテニアリング約9年ぶりの東京ショーは新宿の森の中　全モデルに女性を起用

花の存在はハッピーな時間のためだけにあるのではない。苦しい、哀しい、辛い時こそ存在する。たとえ道に咲く小さな花一輪でも人の心を癒す。（コレクションノートより）■暗闇の先に花　暗闇の中から生み出されるものに焦点を当て「DARKROOM（暗い部屋）」をタイトルに掲げた前回の2021-22年秋冬コレクションから一転。今回は全ルックに花、花、花——どこか不完全なシルエットのメンズウェアに花々が咲き乱れた。　ファーストルックは小花柄のシャツワンピース。重ねたジャケットにはスカラップのカットワークが施され、シューズにもアッパーから底まで小花柄のプリントが施されている。 　続くルックもジャケットとのレイヤードスタイルがベースだが、前合わせが曲がっていたり、曲線の断ち切り、オーバーサイズ、ミリタリー調と花柄のドッキングなど、随所に歪みが見られる。スカートやオーバーオール、花の刺繍をあしらったレギンス、丸襟のコートがフェミニンなフォルムを誇張。　後半は、黒い花やしおれた花のモチーフが混じる。また、スカルと花のコラージュがチェック柄のジャケットを飾った。■アーティストのコラージュ作品をプリント　ホワイトのジャケットやシャツのシリーズのアートワークを手掛けたのはBedelgeuseの名で活動しているアメリカのアーティスト、トラヴィス・べデル（Travis Bedel）。人間の骨や筋肉を草花でつなぎ合わせたコラージュ作品を背中にプリントした。　また、スカルと花柄の素材で作られた造形的なヘッドピースは、ウィメンズのコレクションでも起用したイブラヒム・カマラ（Ibrahim Kamara）が手掛けている。 ■ミニマルなエア マックス　シューズでは「ナイキ（NIKE）」とのコラボレーションを継続。新作として1998年の「AIR SUNDER MAX」を復刻した「CDG HP NIKE AIR MAX SUNDER SP」が発表され、ミニマルなデザインが注目を浴びた。また、ジョン・ムーア（John Moore）デザインの「ジョージコックス（GEORGE COX）」をアレンジしたトリプルコラボシューズも登場した。

COMME des GARÇONS HOMME PLUS

COMME des GARÇONS

暗闇の先に花——「コム デ ギャルソン オム プリュス」が都内でフロアショー　22SS

コロナ禍で初のショー開催を決断した理由―今ショー開催に踏み切った理由は？ビアンカ：直接的な理由は、知り合いから「ORという新施設がオープンしたけれど、コロナ禍で営業ができず、認知度も低いため何かやりたい」と話をいただいたことでした。ファッションや音楽、カルチャーを絡めたイベントは、今ほぼ出来ていない状況。その中で「私たちが出来ることは何か」を考えて、ショーという答えに辿り着きました。ヤシゲ：会場を下見して「ここをモデルが歩いたらカッコいい」と直感で想像できたことも大きかったです。さらにもう1つの理由は、2020-21年秋冬にパリの展示会に足を運び、2021年春夏から海外での発表も考えていたのですが、その最中に新型コロナの影響が出始めて「目標を失った感」があったから。自分たちと向き合う時間が増えて、次のステップを模索していたときに声をかけてもらったのがこの企画で、ブランドとして色々な準備が整ったタイミングでもありました。―以前は「コレクションはヴィジュアルでも表現できる。ショーは時期尚早」と語っていましたが。ヤシゲ：「ショーは全く考えてない」と言っていました。レーシングスポーツやポリスウェアをテーマにするなど、これまでは自分たちの好きなことや気になることにフォーカスして、自己紹介の意味を含めてコレクションを製作してきましたが、2021年春夏はブランドスタートから10シーズンの節目。自分たちが影響を受けてきたものや26年間で見てきたものを色濃く落とし込んで、より作品性を持たせたいという気持ちに変化しました。―その"変化"を踏まえて、2022年春夏のイメージは？ヤシゲ：2021年春夏と秋冬は、「アンビバレンス バランス」という共通のテーマでコレクションを発表しましたが、2022年春夏も同じ。出し切れるまでこのテーマと向き合います。ショーまではあえてイメージを固めず、最終的にどんな感じになるかギリギリまで絞り出し、より良いものを完成させたいです。ビアンカ：「アンビバレンス」の意味は、「真逆の感情を同時に抱く」。ディテールでは、ワークウェアとフリルをミックスして1つのスタイルに昇華させたり、カラーリングで補色を組み合わせたりしています。素材には、ベロアやフリルを多く採用。アイテムは、カラーパンツやフレアパンツ、ファイアーモチーフのものなどが登場します。ショーではじめて私たちを知る方もいるので、"ブランドらしさ"を感じてもらえるようなスタイルやアイテムは、きちんと見せていこうと考えています。―コレクション発表のタイミングもかなり早まる。ヤシゲ：2021年秋冬シーズンの業務が終わったのが4月中旬。次のショーまで準備期間が約1ヶ月しかないため、かなり多忙です（笑）。ビアンカ：海外を目指す上で、コレクション発表のサイクルを変える必要性を感じていましたが、きっかけがないと頑張れない。これまでもヤシゲに「もっとスケジュールを巻いて、海外に標準を合わせよう」と話していましたが、結局出来ませんでした（笑）。―ショー準備の段階で、すでに理想と現実的なギャップを感じることも？ビアンカ：ショーをしたいと思いはじめたのがつい最近なので、もともと理想というものがありません。ギャップはさほど感じておらず、むしろ今作っている服がショーで見せられたら、さらにおもしろいだろうな、というワクワク感の方が大きいです。―"ショーで魅せる"ことを考慮して、アイテム構成などに変化は？ヤシゲ：変化はありません。ルック撮影のときも、制作段階からスタイリングをイメージしているのは1～3体くらい。逆に、それで構成やデザインが変わるのも嫌だなと。「ショーで登場したらカッコいいよね」というアイテムは確かにありましたが、そこはブレずに自分たちを信じて作っていきます。―ショーの費用は？ビアンカ：すべて実費です。技術協力としてメイクアップは「スリー（THREE）」、ヘアは 「トニーアンドガイ（TONI&GUY）」がサポートしてくれます。若手ブランドも取り組める「環境配慮」とは―ショーをサポートする"MOVEMENT by OR"プロジェクトは、SDGsをテーマにしています。「テンダーパーソン」で取り組んでいることは？ヤシゲ：2020年春夏から、実はアップサイクルのシューズを作っています。奈良県にあるシューズメーカー、オリエンタルシューズの「レ トリーナ（LE TORINA）」との協業で、ブランド自体が、社会貢献や環境配慮をコンセプトにしています。　「ブランドローンチにあたり、協業しませんか？」とお声がけをいただいたのですが、僕たちの規模で環境に配慮できることは、極端に言うと何も作らないこと。そもそも社会貢献や環境配慮は気持ちの問題である部分も大きく、それを売りにするようなブランドでもありません。でも、倉庫には大量の生地が余っているので、それらを廃棄せずに活用できるなら、工場の負担も減らせて自分たちなりの小さな取り組みができるのでは、と考えました。　実際の靴は、ソール以外の全てにテンダーパーソンの素材を使い、インソールもレザー。普通に製作したらかなり高級になる仕様ですが、1足約3万円。ドレスシューズを強みにしている工場だからこそのスニーカーを、職人さんにワガママを言いながら、少しずつアップデートして製作しています。男女デザイナーデュオのリアルな製作現場―改めて2人の役割分担を教えてください。ビアンカ：デザインもパターンも半々で手掛けています。ヤシゲ：数は半々ですが、大変なものはビアンカに任せがちです（笑）。僕がシャツ3型のパターンを引く間に、ビアンカがドレスや複雑なアイテム1型を担当するといった感じ。僕は、生産管理的な業務も担当しています。ビアンカ：つい最近も、ポケットがたくさんついたアウターのパターンをヤシゲが担当していたのですが、「ギブアップ！」とパスされて徹夜で修正しました。―意見の違いで揉めることも？ビアンカ：通常なら1ヶ月くらい話し合いをしてから製作に取り掛かりますが、今回はショーまでの時間が特に限らているので、毎日揉めています（笑）。ヤシゲ：2人ともディスカッションの時間を大切にしています。よく散歩をしながら話し合いをしますが、周囲の人には歩きながらケンカをしているように見えているかもしれません（笑）。―最終的な解決策は？ビアンカ：2人とも時間が経つと考えがリセットされるタイプ。ヤシゲは完全に忘れますが、私が別の視点から新たな提案をすることで、上手く合致することが多いです。―でも、互いのリスペクトがないと8年もブランドを継続できないですよね。ビアンカ：ヤシゲのセンスだけは尊敬していて、ファッションで目指すべき方向は一緒です（笑）。ヤシゲ：ビアンカは、天才肌でボディに布をあてて服を作れるタイプ。そして自分に対して、誰よりもストイックです。ビジネスパートナーとして尊敬し合っていますが、プライベートではビアンカにインスタグラム上でブロックされています（笑）。ビジネスの転機は2018年春夏―過去ターニングポイントになったコレクションは？ヤシゲ：2016-17年秋冬です。本格的にコレクションをスタートした初めてのシーズンで、僕が一番好きな服を初期衝動でデザインしています。まだ取扱先もない時期でしたが、フレアパンツや手編みのアイテム、ベロア素材など、このシーズンに発表したものが今もブランドのアティテュードになっています。ビアンカ：私は2018年春夏。アイコンになりつつあるファイアーモチーフを初めて採用したシーズンで、多くの著名人が着用してくれました。ルック撮影の許可が成田空港から下りたことも驚きで、「服でここまでいけるんだ！」と実感したシーズンですね。ヤシゲ：2018年春夏までは、展示会に来てくれるバイヤーは数人でしたが、ここから取引先も増えて、ビジネス的にもターニングポイントになりました。―現在、卸先は何社ですか？ヤシゲ：15社。東京での主要取引先は、ヌビアン（NUBIAN）、ベイクルーズ、クレオパトラ（CLEOPATRA）、ドッグ（Dog）です。特に原宿のドッグは、かつてよりも展開商品の価格帯が広がっていて、Tシャツが6000円前後で購入できるなか、テンダーパーソンの2万円前後のTシャツが1週間ほどで完売する。シーズンに関係なく売上が安定していて、かなり好調です。ビアンカ：ドッグは、潜在顧客の発掘力がすごい。自分たちがイメージしきれていなかった感度の高い若い子に上手くハマり、新たな発見がありました。―ブランド全体の顧客層は？ビアンカ：一番多いのは、インスタグラムをきっかけに、オンラインストアで購入してくれる方。UVERworldのボーカルTAKUYAさんや乃木坂46のメンバーの方が着用してくれて、商品が動いたこともありました。ヤシゲ：展示会で購入してくれる方を含めると男女比は4対6。取引先ではメンズが多いので、男性が8割です。―売れるアイテムと作りたいアイテム、バランスに悩むことも？ビアンカ：私は「これを作りたい」とデザイン画を見せる側で、ヤシゲは「これは売れない」と精査する側。「見せるアイテムだけでは、ブランドが潰れてしまうのでもっと考えて」と言われることがあります。―昨年2月には初の旗艦店兼アトリエもオープンしました。ビアンカ：ここをオープンして、ブランドのファンがより具体的にイメージできるようになりました。アポイント制で営業していて、私が接客することが多いので、製作の背景などを話すこともあります。テンダーパーソンの今後―数日後にショーを控えていますが、ブランドのその先は？ヤシゲ：言葉にするとプレッシャーを感じてしまいますが、ブランドもショーもとにかく続けていきたい。ショーをやってみたら「ルックの方が世界観が伝わる」と思ってしまうかもしれないし、「費用対効果が悪い」と言う人もいるけれど、そもそもビジネスのためだけにやる訳ではありません。国内外のアワードにも積極的にチャレンジしていきたいです。　以前あるアワードの審査員の方に「テンダーパーソンの服は全部重い」と言われたことがありました。その時は何も言い返せませんでしたが、僕たちの服は重くてなんぼ。若い子たちが高いお金を払って着てくれるのに、軽くてペラペラな服は求められていません。その子たちのブランドへの気持ちまで乗っかったような"着ている感"のある素材を意識的に選んでいます。―最後に、2人が考えるテンダーパーソンとは？ヤシゲ：難しい質問ですね……。言語化できないから、服を作っていると言って終えばそれまでですが。ビアンカ：一言で表すなら「華」！クローゼットにあるだけで気分が明るくなり、着ているだけで特別な日になるようなブランドであり続けたいです。

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