インサイド

4年目の“よろめき”を体現　「ここ4シーズンほど、よろめきながらコレクションを作っているような気がして。長くやっている分、人生にも仕事にも疲れてくる時だから、あえて疲れていることを楽しんでみようとした」（三原デザイナー）という思いから、シーズンテーマは“WOBBLER PART FOUR”。ドロップショルダーのセットアップのファーストルックから、その気持ちの表れが見て取れる。　以降も、コレクションはダークグレーやブラックなど、無機質でシックなトーンをベースに展開。同時に、ヴィンテージ加工、ほつれ加工、ブリーチ加工など、古着コレクターとしての顔も持つ三原デザイナーらしい経年変化の美しさに焦点を当てた手法も光る。　もちろん、「メゾン ミハラヤスヒロ」のシグネチャーでもあるオリジナルのソールを使用したスニーカーもユーズド加工が施されており、1点1点の仕上がりが微妙に異なる仕様に。　一方、1990年代のウェアハウスパーティーを彷彿とさせる会場とDJブースからも分かるように、光沢のあるラメ糸や艶感の強いフェイクレザーなど、夜の街に繰り出す気持ちの高揚を体現したかのようなドレッシーな装いが目立つ。スーパーオーバーサイズで表現する“大人の洋服を着た子ども”　だが、何よりコレクションで目を引いたのは、スーパーオーバーサイズのアウター群だ。昨シーズンから続くこのシリーズは、1980年代の三原デザイナーが幼少の頃、MA-1やミリタリージャケットを着用する大人たちを羨ましく思い着せてもらったものの、とにかくサイズが大きかったという思い出が着想源。熊やうさぎの人形もあいまって、まさに“大人の洋服を着た子ども”のムードを醸し出していた。

Maison MIHARA YASUHIRO

Fashion

「あえて疲れていることを楽しんでみようとした」メゾン ミハラヤスヒロ 2024-25年秋冬コレクション

　パリ・メンズの公式スケジュールでは発表経験がないものの、「ベッドフォード（BED j.w. FORD）」も"帰国組"といえるだろう。19年春夏シーズンではイタリア・フィレンツェのピッティ・ウオモでショーを開催し、翌19年秋冬ではミラノ・メンズの公式スケジュールに初参加。持ち前のテーラードや東京らしさを感じるレイヤードで、世界への階段を着実に昇っていた。　今回のショーは9月1日、霧雨に包まれた東京・八芳園の庭園で披露された。落ちついた中間色をベースにしながら、ファーストルックのシースルーコートをはじめ暖色系を織り交ぜながら、上手く力が抜けた服の数々が現れた。 　一瞬、息が止まったのは何人かのモデルの足元を確認した時だった。黒のシューズが「メゾン ミハラヤスヒロ（Maison MIHARA YASUHIRO）」の定番スニーカーの特徴を捉えていたからだ。ベッドフォードとミハラのコラボ。シューズはレザー、という印象が強いベッドフォードのコレクションで、ここまでストリートに寄った靴を目にしたのは初めてだった。　特徴は、三原康裕が粘土で象ったという歪んだソール。スニーカー市場はナイキとアディダスの2強時代が続いているが、三原はこのスニーカーを発表した4年前から「スポーツブランドに機能性で対抗しても、開発費が桁違いで独立系の我々に勝機はない。アナログなやり方で道をひらく」と語っており、その言葉どおりアジアを中心に支持者を広げている。　思い出したのは、2020年1月のパリ（20年秋冬コレクション）だ。　それは、メゾンミハラヤスヒロのショー会場パレ・ド・トウキョウでの出来事だった。世界中から集まったバイヤーやジャーナリストが見守る中、チェロの音色が響き、コーデュロイのセットアップなどエレガントな装いのモデルが歩き始めた。その場にいた誰もが「これは明らかにミハラではない」と感じただろう。そう、三原は自身のショー開始までの時間を、ベッドフォードのパリ初のショーのために貸したのだった。　ただ、その直後から猛威をふるい始めた新型コロナウイルスで、世界は変わった。パリでのショーを終えてから約3ヶ月後、ベッドフォードのデザイナー山岸慎平に電話した際に、「これからっていう時にこんなことになってしまって……」と落ち込みを隠せない様子だったことが忘れられずにいた。　しかし、今回のショーで堅苦しさを感じさせないコレクションを目の当たりにして、思った。心配は杞憂だったと。　東京でのランウェイショーは、ピッティ後に凱旋した19年春夏コレクション以来。山岸は「あの頃は『俺が俺が』と、エゴの塊みたいな人間でした」と振り返る。ピッティからミラノまでは、自らの力で海外での発表の枠を得てきた。しかし、今は違う。「自分の力を誇示するのもいいけど、周りにいる素敵な人やブランドと一緒に作っていく作業のほうが、今の僕には妙にしっくりくるんです」。 　シースルーのコートは写真家 岩本幸一郎の作品をあしらった。個展を訪れて感激し、コラボレーションを申し出たという。「なんていうか、当たり前に『助けて下さい』とか、『一緒に何かやりましょう！』と言えるようになったんです」。　コロナ禍の先行きはまだまだ見通せない。しかし、山岸とベッドフォードが再びパリに挑む日は、そう遠くないように思える。ショーの後、いつになく柔和だったデザイナーの表情からは、ぶれることのない決意も読み取れた。（朝日新聞編集委員・後藤洋平）

BED j.w. FORD

コラボシューズに込められた意味は——コロナ前のパリから続くベッドフォードとミハラヤスヒロの関係

池上高志1984年東京大学理学部物理学科卒業、1989年同大学院理学系研究科博士課程修了。1990年神戸大学大学院自然科学研究科助手。1994年東京大学大学院総合文化研究科広域科学専攻助教授に。2008年より現職。理学博士。複雑系と人工生命をテーマに研究を続けるかたわら、アートとサイエンスの領域をつなぐ活動も精力的に行う。著書に「生命のサンドウィッチ理論」、「動きが生命をつくる―生命と意識への構成論的アプローチ」、「人間と機械のあいだ」（共著）など。ーはじめに、池上さんがどんな活動をしているのか教えてください。　複雑系科学の研究者として人工生命（アーティフィシャルライフ）を研究しています。それに加えて、近年はアートやファッション関連のプロジェクトに関わることもあります。ファッションでは、デザイナーの坂部三樹郎さんと山縣良和さんがプロデュースした展覧会「絶・絶命展～ ファッションとの遭遇」に作品を出展し、アートでは渋谷慶一郎さんたちと行った「アンドロイド・オペラ」のほか、去年ヒカリエではアンドロイドの「オルタ3」と能楽師の安田登さんらとアートパフォーマンス「傀儡神楽」を開催したりしています。ー日本最大のファッションコンペ「big design award」第2回の応募が始まっていますが、池上さんはヴェロニク・ブランキーノ（Veronique Branquinho）や、「メゾン ミハラヤスヒロ（Maison MIHARA YASUHIRO）」デザイナーの三原康裕さんと共にコンペの審査員を務めます。　東京農工大学大学院言語文化科学部門の教授 宇野良子さんが良く「ファッションは言語だ」と言っていてそれは面白い考えだなと。宇野さんの論文を読んで、その中にあったアイデアを自分なりに考えてみたくなったのと、坂部三樹郎さんと山縣良和さんが絶命展を開催したときに、「フレッシュなファッション」という話をしていてそれも面白いと思いました。ファッションでは生き生きとした「鮮度」が大事で、それは生命にも言えること。人工生命を研究していますが、そうした発想はこれまでしてこなかったので感銘を受け、ファッションに興味を持つようになったんです。それで依頼があった第1回から審査員を務めています。ー第1回の「big design award」では、「アントワープシックス」の一人で、アントワープ王立芸術アカデミーの学長でもあるウォルター・ヴァン・ベイレンドンク（Walter Van Beirendonck）と一緒に審査を行っていましたね。　ユナイテッドアローズが好きで良く行くんですけど、そこでサイケデリックな背広を買って「big design award」の時に着て行ったんですよね。普段からブランド名をあまり見ずに買ったりしているんですが、そうしたらウォルターさんがデザインしたものだったんですよ。審査会の時に、ここぞとばかりサインしてもらいましたね（笑）。ー審査をする際、どういったところを見ているんですか？　「ここのがっこう」に何度か講評で伺ったことがあるんですが、学生たちは僕の想像を遥かに超えた服を作っていて。本当にトラウマを抱えたような人が「ここのがっこう」には多く、しかしトラウマ的経験がこんな素晴らしい服に結びつくんだという驚きがありました。心の傷がポジティブに表現できるのはファッションの力だと思いますし、いかに心から服へとトランスフォームしているかは、評価するポイントの1つですね。　あと心理学で箱庭療法という、庭のセットをどういうふうに配置するかで自分の心を整理して落ち着かせる療法がありますが、それとファッションデザインはちょっと似てるんじゃないかと思うんです。服を作っていく過程というのは精神療法にすごく近いんじゃないかなと。それもあって、ファッションデザインの中には知性や心の形が現れると考えていて、そこも評価の対象としています。ーどういうものに面白さを感じるんですか？　端的に言えば違和感があるものですかね。「ザラ（ZARA）」に行って違和感を感じるものがあるかと言えばないわけで。売れる服は、あまり自分にはひっかからないというか、退屈するんですよね。エッジが効いていてびっくりするものは面白いし見飽きることもありませんから。ー違和感を構成する要素は何だと思いますか？　やっぱり大事なのは鮮度なんでしょうね。実は人工生命を作っても鮮度を担保できるものってなかなかないんですよ。100年経っても変わらないものはできるかもしれませんが、鮮度、賞味期限があるものを作ることは逆にとても難しい。プログラムでもできないと思いますね。ーファッションは鮮度をお金に変える業界と言えます。　もちろんここで言う鮮度は流行り廃りだけじゃないですけどね。それこそこの間「アメリカン・ユートピア」を観てきたんですけど、デヴィッド・バーンが所属していたロックバンド「トーキング・ヘッズ」のファンということもあるんですが、楽曲を今聞いても懐かしいというよりは、生き生きしていて面白いと思えるんですよね。それはデヴィッド・バーンが今の人じゃなくて未来の人に向かって作っていたからだと勝手に解釈しています。だから未来に向けてファッションを作るという姿勢でいると、鮮度を持ち込めるんじゃないかなと。ー人工生命に鮮度を担保させようとするとどうなりますかね？　まだ見たこともない生命を作ったほうが鮮度を感じるんじゃないかなと思います。それはファッションデザイナーの人も同じだと思いますね。　あと生命について考えると必然的に生と死の問題になりますが、死ぬことと鮮度も関係がありますよね。エイジング問題とか。最近の研究の話ですが、ゾウリムシを1匹から2匹、4匹、8匹と増やしたとします。もちろんみんな同じ遺伝子を持っているわけですが、最初から16個同じ遺伝子を持っている個体を入れて集団を作り、運動パターンを見てみるとみんな同じ遺伝子を持っているにも関わらずとても元気な集団とおとなしい集団が生まれるんですよね。同じ遺伝子でも、集団の組み方によって全体の鮮度が違ってくるわけです。単細胞生物ですらそうなんですから、僕らみたいな多細胞生物の場合、属している集団で元気かそうじゃないかが如実に変わってくるのではないか、鮮度も集団に関係しているんじゃないか、と思うわけです。そこから僕の研究でも「集団の元気さ」は何が決めているのか、ということを考えたりしているんですよ。ー「集団の元気さ」の定義も、ただ動いているだけなのか、暴動しているのか、仲良く踊っているのかでまた見方も変わってきそうですね。　そうそう。集団の構造は色々なものが絡み合っているのでね。ー池上さんは今、個よりも集団を研究対象にしている？　そうですね。例えば、人間の子どもが生まれた時は心がないだろうと。親と接していくうちに心が形成されてくるという仮説ですね。狼に育てられた少女の心が狼になるとかがあるわけで、生まれてきた時は何もないけど相互作用で心が生まれるとするなら人と接触させ、真似させることが心の形成に繋がっているのではないか。ただ、ずっと人の真似をしている人なんていないわけで、そこから個別性を獲得するにはどんな過程があるのか。どうやって個性が進化していくのかを考えています。ー「ここのがっこう」では個性を伸ばす教育をしていると思いますが、池上さんは講評に行ってどんなアドバイスをしたんですか？　大したことは話していませんよ。門外漢なのでね。ただ、あまり勉強しないことが大事とは話しました。勉強すればするほど似通ってしまうので。ー縫製やパターンを学ぶ必要はない？　先ほどもお伝えしましたが、大事なのは箱庭療法と同じで服を作ることで何かが整理されていく過程だと思います。もちろん、整理すべきものがない人は表層的に技術を学べばいいですが、大事なのは箱庭に現れる形で、そこに触れないとファッションというのは生まれないと思うわけです。　人と話すと自分の心と相手の心がどんどん似てくると感じることがありますよね？恋人や夫婦が似てきたりと、心のエクスチェンジが起こる。僕はそういうことがとても大事だと考えています。「ここのがっこう」は深いところでコミュニケーションをとるからその分疲れると思うんですが、素晴らしいカリキュラムだなと。ー東京大学大学院でも同じように学生とコミュニケーションを？　そうですね。研究テーマが決まっていれば良いんですけどそんな事はほとんどなくて、まず何が悩みなのかってところから始まります。そこは「ここのがっこう」と同じですね。ー個性の獲得はAI（人工知能）でも難しいですか？　AIが一番苦労するとしたらそこですね。ただ渋谷慶一郎さんが「スーパーエンジェル（Super Angels）」という子どもたちとアンドロイドが創る新しいオペラを上演するんですが、そこでアンドロイドの「オルタ3」に喋らせてくれと言われています。GPT-3という言語生成の深層学習を使って作ったのですが、人間よりも遥かにリッチな言葉を操るんですよ。とてもエモーショナルなこととか。それから人間のエモーションも、膨大なデータの流れの中でも存在し得るかもしれないなと感じるようになって。僕はそういうことがファッションにも起こりえると思うから面白いなと考えているわけです。ーそういうことというのは？　過去の自分から染み出してくるものでファッションを作るのではなくて、後付け的に与えられた膨大なデータによって人間の持っているもの以上に複雑なファッション表現が可能であるならそれはすごく素晴らしいし、見てみたいと思うんです。個人が作ったものなんてたかが知れています。それを凌駕するのが科学で、ファッションでもできることだと思っているんです。ー膨大なデータ、池上さんが提唱したマッシブデータフロー（Massive Data Flow）のことですね。　マッシブデータフローから生み出されるフェイクな心の先に、新しいアートやファッションが待っているんじゃないかという期待感があります。ーむしろそこに心の本質があったり。　かもしれないですね。少なくとも僕や渋谷慶一郎さんはそう思っています。ービッグデータの活用はファッション業界でも注目を集めていますが、まだまだ発展途上な印象があります。　たとえば世界中のありとあらゆる国民や民族のファッションを圧縮してプログラミングし、そこから未来の服を作ることは今もできます。自然言語処理モデルGPT−3が、5兆個のコーパスと1950億個のパラメーターを使ってリッチな文章を作りだすように、新しいファッションを作ることは難しくはないんじゃないですかね。もちろん資金の問題はあると思いますが。ー第1回の「big design award」では、ビッグデータを活用した作品もあったと聞きました。　ディープラーニングを使ってデザインしてきました、という人がいましたね。その人はマテリアルやパターンが良かったんですが、全体的なセンスはあまりで落選となってしまいましたが。でもそうした取り組みは素晴らしいと思います。一人の人間が考えたデザインだと、あまりにその人の認知的バイアスに絡み取られてしまいますし、自由なファッションは生まれてこないだろうなと。もはや全く自由なデザインというのは、人間には作れないんじゃないかとさえ思ってしまいます。ーたらればの話にはなりますが、ファッションコンペの審査員をしている中で仮に同じ精度のディープラーニングを使ったデザインが複数出てきた場合、どう優劣をつけるんですか？マッシブデータフローにより、人智を超えた判断が求められるようになると思うんですが。　おっしゃる通り、厳密には審査できないでしょうね。そのため現状は違和感の多さを基準に選ぶことになるんでしょうね。人間に理解できない人智を超えたものなら、人間には理解出来ないことだと思うので、「分からない」ってことが評価基準になるはずです。　話が少しずれますが、化学の世界もオートメーション化しようという研究が進んでいます。例を挙げれば、新薬の実験をロボットにやらせようって話しで。機械化でありとあらゆるところまで自動でやれるようになりましたが、これまで自動化できずにいた、結果を見て試薬を変えたり仮説を変えたりするという役割までもオートメーション化しようとしています。単純労働を頑張っている方をアダム、仮説のアップデートを担う方をイヴだとすると、アダムとイヴで作っているシステムは人間の化学学者と変わらないわけです。この状況は、ファッション業界に訪れるのもそう遠い未来ではないと思いますよ。ー今回コンペに参加するデザイナーたちにはどんなことを期待しますか？　サステナブルやLGBTQについての言及は期待したい。ロンドンでパブリックトークをしたんですが、「サステナブルやLGBTQについて倫理的にどう考えてんだ」という質問が飛び交いましてね。日本はまだまだ緩い部分がありますが、グローバルで見るとそうはいかない。それこそそうした課題について真摯に向き合っていないと、投資家からお金を集めることはできませんよ。ー社会的な問題にもしっかりコミットしていく必要がある。　そうすることでファッションの意味は強くなるし、社会的意味も変わってくると思います。ファッションは、こういうかっこいいものがあるぞっていう単一的な見方と多様性原理の見方で乖離がありますが、若い人にどういう形でメッセージを届けるかと考えた時、現代は多様性原理の方が共感を生むと思います。未来のファッションは多様性原理でしかないからこそ、しっかり伝えていかないといけないんじゃないでしょうか。ーファッション業界を担う次世代にアドバイスはありますか？　また「ここのがっこう」の話ですが、コンプレックスをアドバンテージにしているのはすごいですよね。クリエイターになりたいなら、コンプレックスを言語化することが大事だと思います。ーちなみに人工生命にコンプレックスを注入することってできるんですか？　おもしろい質問ですね。考えたことなかったですがどうなんでしょう。コンプレックスというのは比較、対比から生まれるところがありますからね。ちょっと話がずれるかもしませんが、進化アルゴリズムというのがありまして。自然淘汰、適者生存といった進化の仕組みに着想を得たものなんですが、それを用いてどのような強さで自然淘汰、適者生存を進めるかの判断って相当難しいんですよ。強い淘汰をかけすぎるとアルゴリズムが停止してしまったりするんです。計算量もかかるためコストとの戦いになるんですが、やはり多様性を残すことはアルゴリズム的にも大事で。人工生命にコンプレックスを、となると恐らくそうした多様性とアルゴリズムの関係について考えないといけないのかなと思います。（聞き手：芳之内史也）

東京大学大学院教授、池上高志はなぜファッションコンペの審査員になったのか？

—GUからのオファーを受けたのはいつ頃ですか？　ちょうど一年前くらいかな。GUさんが「ケイタマルヤマ（KEITA MARUYAMA）」とのコラボを発売したくらいのタイミングでした。—コロナ禍での製作となったんですね。　製作に影響はそこまでなかったですが、まあ、コロナ自体には正直びっくりしましたね。まだ収束していないこの状況で多くを語るのは時期尚早だけれども、会社がやるべきことを見直すこともできたし、考える良い機会になったなという思いはあります。1996年にブランドを始めてあれよあれよという間に20年以上が経ちましたが、過去にもリーマン・ショックだったり東日本大震災だったり、転機になるような大きな出来事はあって。今回は色んなことにチャレンジしようと再確認する時間になりましたね。　あと僕は一部のメディアが言っていたようにそんなに簡単に「ファッションで世の中を明るくしよう」などとは言えないです。コロナで「ファッションは必要か？」と問いたくなっているのかもしれませんが、僕は軽々しく偽善者みたいなことは言いたくないし、そもそも生活する上で服のプライオリティは別に高くない。そんなこと誰もが分かっているのに、今更業界があたふたするのは、正直格好悪いなと思うんですよ。ファッションって不思議な生き物で、流行ったら廃れるわけです。ブームになって満たされたら途端に落ちていく、常に不安と隣り合わせなもので、言うなれば不安があるからこそファッションなんですよね。そういうものだと思っている僕からすると、あたふたしている業界にはとても懐疑的でした。そんなときに、GUさんからコラボの話を頂けてとてもしっくりきた部分があったんですよね。—しっくりきた部分というのは？　「ミハラヤスヒロ（MIHARA YASUHIRO）」は凄く小さな世界で生きていて、言ってしまえばマイノリティなんです。そんな僕から見ると、GUという大きなブランドが尊く感じるわけですよ。だって僕らみたいなブランドが頑張ったところで、多くの人には届けられないんですから。だから今回GUさんの力を借りて、僕のクリエイションを多くの人に届けることができるというのは、先ほどの話で言う「ファッションで世の中を明るくする」ということが現実味を帯びてくるわけで。僕は「世の中が明るくなれば」と願う代わりに「多くの人にメッセージを伝える」という意味で今回のコラボはしっくりきました。ー大企業とのコラボとなると、ミハラヤスヒロでは「プーマ（PUMA）」とも協業していましたね。　2000年から15年続けた「プーマ」とのコラボは「スポーツ×ファッション」という新しいカテゴリーを産み出したと思います。ミハラヤスヒロのような小さいブランドと、大企業が協業することで新しいマーケットが生まれていく感覚があったんです。でも今は毎日のようにコラボのニュースが出ていて、コラボじゃないといけないのかというぐらいコラボだらけ。そのほとんどは化学反応が生まれていない気がしています。昨今のコラボにうんざりしていたので、一度ここで意味あるコラボを提案したかったんです。—どのようなことを考えながらデザインしたんですか？　「若者は大丈夫だろうか？」と考えながらですね。僕はバブルが崩壊した後の就職氷河期の時に学生生活を送っていたので、就職も難しいから自分でブランドを始めたという経緯があるんですが、今の若い世代は、孤独や将来に対する不安を感じていた学生時代の僕と似たような感情を持っているんじゃないかなと思ったんですよね。今の若い子たちは学校が休みになって青春を謳歌できず、この先どうなるかわからないっていう不安も大きいだろうけど、これからの未来を作っていく人たちに違いはない。コロナを経験して社会的な挫折を感じているかもしれないけれど、明るい未来を照らせる人であって欲しいなと思うんです。でも僕のブランドでそのメッセージを出し続けたとしてもリアリティがない。いくらパリコレに出て、20年以上やっていても、多くの人は知らない。だからGUさんっていうテレビのような大きな受け皿を持つブランドでメッセージを発信することに本質を感じたんです。—若い世代のことを想い製作したものだったんですね。GUからデザインの要望はあったんですか？　僕のクリエイションはGU向きじゃないと思っていたんですが、GUさんには「ミハラヤスヒロ」のデザインが欲しいと言ってもらえて。大きな会社とのコラボってミーティングを重ねれば重ねるほど自分の理想から離れていくことが多いんですけど、今回は気持ちよく仕事をさせてもらいました。加えて、プライベートなコレクションとしてやりたかったので、いつもはチームでデザインしていますが今回は全部一人でやりました。—GU人気商品のシェフジャケットやシェフパンツをアレンジしたアイテムもありますね。　率直に可愛いなと思い使わせてもらいました。あと「シェフ」っていう言葉の響きも良いなと。アイテムにはパスケース入れ、ペン差し、ノートが入る大きなポケットといった自分が学生時代に欲しかった機能性を担保しながら「ミハラヤスヒロ」のクレイジーなデザインを加えて。GUさんにユニセックスっていうカテゴリーがないからメンズ品番になっているんですが、女性も着られるようにアレンジしています。—「ミハラヤスヒロ」のコレクションでも特徴的なネームタグやクリーニングタグもデザインされています。　大量生産された服のデットストックには紙タグが付いていることが多いですが、僕は紙タグにマスプロダクション的な要素を感じるんですよ。僕が作る服は多くても数百単位でマスプロダクションと言えないので、皮肉の意味を込めて付けています。クリーニングタグはある日、可愛いなと思ってあえて付けたまま着ていたら、周りから「クリーニングタグ付いてるよ」と笑いながら言われるのが凄く良いなと思って。こちらから何も言わなくても話しかけてくれる、ちょっとしたユーモアなのですが自分の馬鹿げたアイデアをGUさんに共感してもらえ嬉しい限りです。他にも僕がよく使うメッセージも入れいて、今回は「Never bend your head. Always hold it high.（下を向くな上を向け）」というヘレン・ケラー（Helen Keller）の格言をメッセージとして様々なところに使いました。テーマも最初は「The products for Art Student」だったんですけど、「グッドインスピレーション（GoodInspiration）」という誰もがポジティブな内容だと思えるものに変えました。—コレクションではサステナブルな素材も用いられています。三原さんは昨年サステナブルなスニーカーライン「ジェネラル スケール（General scale）」をスタートさせましたが、サステナブルについてはどう考えていますか？　物を作って売る以上、デザイナーには責任があります。「本当に地球が救えるのか？」というクエッションマークがありながらも、一生懸命みんなサステナブルな新しい産業革命を起こそうとしている。極論として、物を作らないことが1番のサステナブルだと言う人もいますが、経済的持続性、環境的持続性、社会的持続性の3つが関係し合っているためそんな簡単なことでもないわけです。法律も未整備で色々と議論を重ねていかなければいけない段階だと思いますが、今何が大事かと言えばそれはやっぱり気持ちだと思うんですよね。だからGUさんには「できるだけサステナブルでやりましょう」と話しました。—完璧じゃなくてもいいからできることからやっていく。　まずは問題に直面することが大切だと思うんです。システムから変えていくために、僕らのような小さなブランドと、ファーストリテイリングという日本を代表する大企業が一緒に取り組むことは重要でしょうし、サステナブルをトレンドにしてはいけないという思いもあります。基本的には作る側の責任なので、何を買ってもサステナブルという状況を作らないといけない。買う人は、格好良いか格好悪いかの判断だけでいい。だから大事なのは消費者へのエデュケーションではなくて、供給側が自覚してシステムを作ることなんですよ。—今回一緒に取り組んだことでどういった学びがありましたか？　「ミハラヤスヒロ」では価格に制限を設けていないので、サステナブル素材が高価でも大丈夫ですが、GUさんは少しでも買いやすい値段にするために凄く努力をしているわけですよ。今回、左右で濃淡が異なるデニムを作ったんですが、「ミハラヤスヒロ」だったら加工したデニムを半分ずつくっつければ良い話。でも価格が上がってしまうということで、プリントで表現しました。そういう発想は、「ミハラヤスヒロ」だけやっていると気づけないもの。学びになりましたし、色々なアプローチを試せて面白かったです。—今回、ピザーラ（PIZZA-LA）とのコラボアイテムも展開しています。　ピザが好きでよく食べるというのもあるんですけど、自粛期間中に配達員の人に凄く助けてもらったので感謝の意も込めています。あとピザって家族団欒の時間や友達と集まったときに食べることが多いと思うので、そのハッピーな感じも伝われば良いなと。—GUと組むことで、世の中が楽しくなるクリエイションというものを本当の意味で体現していくということですね。　コロナ禍に孤独を感じたのか、未来に希望を見出せなかったのか、自ら命を絶った若者がいたという話を聞きました。それは一番恐れていたことだし、一番防ぎたいところだった。僕が多摩美出身だから美大の話になりますが、クリエイションに興味がある人が美大に集まるわけで、もちろん辛いことはあるのだけれど、その中で切磋琢磨することは楽しいことだと信じています。デザイナーやクリエイターは神ではないし、人間だから不安を抱いたり、挫折することもある。でも振り返れば同じ時代の学生仲間に多くの才能あふれる人がいて、勇気づけられたんです。未来ある若い人たちがコロナなんかに負けて欲しくないですし、そのために少しでも世の中が楽しく見えるような馬鹿げたことを何かできないか、それがGUさんと一緒にやりたかったことなんです。（聞き手：林慎哉）

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