インサイド

飯豊まりえとファッション　近年、映像作品への出演で俳優としての印象が強いが、この世界に足を踏み入れたのはモデルがきっかけ。「実は小学生のときから、モデルをやらせて頂いていて、ファッションは小さい頃から身近な存在でした」。長くモデルのキャリアを積む中で自然と自身のファッションスタイルも構成されてきた。「自分の好きなスタイルってあまり変わっていないんです。コンサバやモードな服も着ますが、自分はベーシックなスタイルが変わらず好き。トッズの雰囲気や良質なレザーの経年変化を楽しむといった向き合い方が、自分の好きな方向性とマッチしていると感じていて。デザイン性や色、シルエット、素材、スタイリングといった毎シーズンの提案が、私のファッションの世界をもっと広げてくれるんです」とブランド愛を語る。 カシミア ミックス ジレ 16万8300円、コットンシャツ 14万6300円、ウール パンツ 18万5900円、T タイムレス バッグ 25万6300円、T タイムレス ローファー 11万6600円海外で受ける刺激　日本を拠点にしている俳優にとっても、昨今はストリーミング作品の世界配信などで活躍の場はボーダレスになりつつある。飯豊まりえは俳優として海外でどんな刺激を受けるのか。「演技をする上でやはり色々経験することは大事。海外で見る景色や体験から自分という人間がどんどん形成されていって、それを何かしらの形で発信することで誰かにエネルギーを与えられるようになりたいですね。人とのコミュニケーションの取り方も日本は慎重になりがちだけど、海外ではもっと自由でいいんだ、と思うことが多々あって。人とのつながりが一気に広がっていく。ショー会場の外でも名前を呼んでくださる方がいて、びっくりしました」。彼女の天真爛漫な笑顔は言語を超えて、自然と人との距離感を近くする。初めてのミラノコレクション　海外のコレクションでショーに出席するのは今回が初めて。人だかりや無数のフラッシュ、メディア対応、フロントロウといったショー体験。「これまでもトッズとは縁があり、一緒にプロジェクトをさせていただいたり、イベントなどに参加することもあったんですが、今回トッズ フレンズとして楽しみながらも責任感を感じながら参加させていただきました。初めてのミラノコレクションでしたが、（榮倉）奈々さんや町田（啓太）さんがいてくださってとても心強かったです。ショーというもの作りの集大成、ファッションの最前線が発信されるその瞬間をリアルタイムで見られたのは興奮しました。その場に世界中から色々な人が集まっていて非日常的な感じもドキドキでした。そんな空間に参加できたことは本当に特別な経験でした」と振り返った。コットントレンチコート 62万5900円、コットンシャツ 14万6300円、デニムパンツ 7万5900円、ディーアイ フォリオ バッグ 25万6300円、ゴンミーニ ヨーキー 15万2900円/ 全てトッズ

Fashion

飯豊まりえ 「トッズ」と訪れる初めてのミラノ

大聖堂「ドゥオーモ」に魅せられて　ファッションとデザインの世界的な中心地であるミラノ。そのミラノのシンボルである聖母マリアが献納されている大聖堂「ドゥオーモ」は、荘厳な景観から旅行者が集う観光地として有名だ。ドラマ「THE HEAD」で初めて海外ドラマに出演し、海外進出を果たした俳優の福士蒼汰さんもまた、ミラノという街、そしてドゥオーモという美しいゴシック建築に魅せられた一人。グッチのギャバジン製ブルゾンとデニムを組み合わせたネイビールックと、エレガンスを添えるコレクション「Gucci Valigeria」のダッフルバッグとの相性は良く、ドゥオーモの前でもひときわ異彩を放つ。「イタリアという国に対する印象は、明るい人が多くて、食事が美味しいし、陽気ですね。そしてドゥオーモは以前から訪れたいと思っていた場所。時間が許すなら、中にも入ってみたいなと思います」。 　旅をし、世界を知ることで自分自身を見つめ直す。異国での慣れない状況に身を置くことで、自分の価値観を客観的に見れ、自己認識に繋がるということはしばしばあるが、31歳となった福士さんも世界を知ったことで心境の変化があったと言う。「どんどん少年の心に戻っていっている感覚があります。自分自身で作ってしまっていた壁を外していく感覚。海外に行って自分を知ることで、この鎧はいらなかったんだなと、ありのままの自分でいいんだと思えるようになりました」。　今回のミラノ滞在は、グッチ2025年春夏コレクションのショーにゲストとして参加するため。「Gucci Valigeria」のダッフルバッグをチェックイン前のホテルに預け、1950年代のグッチアーカイヴからインスピレーションを受けて製作されたアイコンバッグ「Gucci B」バッグと共に市街を散策。旅に出る際、地図は持ち歩かないという福士さん。それは目的地までの道のりを楽しみたいから。「ホテルでざっと地図を記憶して、そのあとはスマホを頼らず思うがままに行きたい派です」。身軽な格好で、観光地ではないリアルな街の雰囲気を楽しむのも旅の醍醐味の一つ。アウター 50万6000円、デニム 17万6,000、ベルト 6万8200円、シューズ 19万4700円、ダッフルバッグ 30万2500円、「Gucci B」バッグ 69万8500円（参考色）グッチのスーツに身を包み、いざショーへ　グッチのショー当日。ホテルでインビテーションを確認しつつ、身支度を整える福士さん。ラペルと同色シャツの合わせが特徴のスーツはサバト・デ・サルノ（Sabato De Sarno）のコンテンポラリーなデザインにより、体のラインを美しく引き出す。 「スーツはフォーマルさとカジュアルさの両面があるなと。サバトの言っているモダンとトラディションに通ずるものがあると思っています」。可能性が広がる旅、グッチのショーを見て　グッチ2025年春夏コレクションのショーは、ミラノサローネの開催場所である美術館「ミラノ・トリエンナーレ・デザイン・ミュージアム（Triennale Milano）」で開催。日差しが差し込む中「Gucci B」バッグを持ちハイヤーで会場入りした福士さん。サバト・デ・サルノによるグッチ2025年春夏シーズンは、都会と海辺、人生を愛する人々の出会いについて、そして自由について描写したコレクション。ミラノファッションウィークに初めて参加した福士さんは「サバトが作る最新コレクションの服を近くで見れ、クラフトマンシップを堪能でき感動しました」とショーを振り返る。　海外進出に向けて、英語を習得した福士さんはショー会場で各国のセレブリティーと交流。映画「アフターサン」で第95回アカデミー主演男優賞にノミネートされたポール・メスカル（Paul Mescal）や中国の俳優で歌手のジョウ・イーラン、フィリピンの俳優兼歌手ロバート・ジェームス・リードらと親交を深めた。「世界中で1つのファッションに向かって考えを共有する時間が素敵だなと思いました」。 　初体験をする機会に恵まれる旅。新しい環境に飛び込むことで、忘れられない経験を享受し、人は成長する。今回のミラノ旅、ミラノファッションウィークに初めて参加したことも福士さんにとって一つのターニングポイントになるのかもしれない。旅の終わりに語ってくれた、彼の言葉がそう物語る。「今後も変わらずいろいろな言語でコミュニケーションを取って、世界で活動していきたいと考えています。ファッションのお仕事で海外に来ることも素晴らしいことだと思いますし、役者を通して、世界中の人と関わっていくこともしていきたい。フロントローで横になったジョウ・イーランやロバート・ジェームス・リードと、今度一緒に映画作ろうよという話もして。そういう意味でも、可能性が広がる旅だったと感じましたね」。ジャケット48万4000円、シャツ 16万5000円、パンツ 17万6000円、シューズ 19万4700円、「Gucci B」バッグ 69万8500円（参考色）※価格はすべて税込みPhoto：Hiroyuki OzawaHair & Makeup：Yohei Kuroshima

福士蒼汰の現在地　GUCCI SS25 Men’s fashion Showを訪れて

地図なき古代の旅へと誘うエトロ　マルコ・デ・ヴィンチェンツォ（Marco De Vincenzo）が手掛けるエトロのテーマは「エトロアクト（ETRO ACT）」。ホメロスの「オデュッセイア」からインスパイアされ、異文化への探究を軽やかなレイヤードの中に表現した。ランウェイにずらりと並んだのは、大迫力の巨大マスク。古代の劇場で感情やキャラクターを表現したモチーフがずらりと並び、まるで遺跡のような雰囲気を醸し出す。　マスクのモチーフはネックレスやイヤリング、ブレスレットなどにも形を変え、コレクションに登場。巻き付くようなスカーフやスカート、厚手の椅子張り生地を使ったショートジャケット、ペイズリーをあしらった「ウォルフォード（Wolford）」のボディストッキングなどを取り入れ、はかなさと強さをあわせ持つコレクションとなった。作家コレットのスタイルを描くマックスマーラ　イアン・グリフィス（Ian Griffith）が手掛けるマックスマーラは、フランスの作家 コレット（Colette）から着想を得て、“人生を自らコントロールできる完璧な女性像”を表現。「インナーライフ（THE INNER LIFE）」と題し、余分なものが削ぎ落とされた、モダンかつスマートな装いを探究した。カラーは、深みのあるネイビーや漆黒、スモーキーグレーといった落ち着いたトーン。コレットがしばしば男性のような格好をしていたことから、黒を多用したハンサムな世界観を打ち出した。　マックスマーラの得意とするパワージャケットのほか、1910年代の日本の影響を受けたという卵形シルエットの新作コートも登場。キモノスリーブで、背中でブラウジングして膨らみを持たせたシルエットが特徴だ。また、幅広のニットバンドと帯のような細いストラップベルトでウエストを強調したスタイルもエレガントなプロポーションを作り出した。デジタル時代の未来を考えるアンテプリマ　荻野いづみが手掛ける「アンテプリマ」のコンセプトは「デジタルエレガンス（DIGITAL ELEGANCE）」。デジタル技術の急速な発展が生み出す暗黒さや不安感をデザインに昇華し、ポジティブなエネルギーを引き出した。「このコレクションを通じて現実世界とは異なる別の可能性を示し、ファッションを楽しむことのできる平和を祈り、未来の在り方について考えるきっかけを与えることができれば」と荻野はその意図を説明する。　会場にはデジタルサイネージが設置され、カラフルなグラフィックを映し出す。モデルたちがまとっていたのはサイバーパンクやY2Kの要素を取り入れた装い。フューチャリスティックな光沢素材を採用し、エネルギッシュかつ知的な女性像を描いた。明るく夜を照らすアルマーニ ウーマン　ジョルジオ・アルマーニ（Giorgio Armani）が手掛ける「エンポリオ アルマーニ」のテーマは「夜光」。待ちわびた夜に躍動する、自由なマインドの女性像を描いた。ジャンプスーツやルーズなテーパードパンツに、かぎ針編みのベストやフェイクファーニットをコーディネート。夜空を思わせるブラックを基調に、モーブ、バイオレット、ジェイドグリーン、グレーなど、“太陽が沈んだ冬の空”を表現した色彩がルックを彩った。　メタリックな装飾、星や月の刺しゅう、そして炎のようなラインストーンのチェーンがきらめきを演出。フィナーレにはモデルたちが雨雪の降る中、傘を手にして登場。弾むような足取りと笑顔が、暗い時代を明るく照らすかのようだった。平凡に抗う自由な女性"スワン”を描くMSGM　マッシモ・ジョルジェッティ（Massimo Giorgetti）手掛ける「エムエスジーエム（MSGM）」は、今シーズン、「ティファニーで朝食を」で知られるトルーマン・カポーティ（Truman Capote）が名付けた1950〜60年代に煌びやかなライフスタイルを謳歌した社交界のソーシャライトたちの呼称"スワン"にインスパイアされた平凡に抗う自由な女性らしさを描き出した。ボウやカクテルドレスなどブルジョアのムードを残しつつ、黒やコンクリート、クリーム、ダストピンクなどの落ち着いたカラーパレットにクリスタルの装飾やジッパー、MSGMらしいアクセントカラーを差し込み、華やかな世界にパンクやダークな要素をちらつかせた。ウエストシェイプのジャケットが登場する一方、オーバーサイズのアウター類も多く、フェミニンとマスキュリンなシルエットが程よく混ざり合った。　ベルギー人アーティスト、Jan De Vliegherが、食器やグラス、クリスタルのシャンデリアといった上流階級の居間の表象をブラッシュストロークで描いたプリントも貴族的なものへの一種の破壊的行為として取り入れられている。タキシードの再解釈で女性らしさ表現したドルチェ＆ガッバーナ　「ドルチェ&ガッバーナ（Dolce&Gabbana）」の2024年秋冬コレクションのテーマは「TUXEDO」。ドメニコ・ドルチェ（Domenico Dolce）とステファノ・ガッバーナ（Stefano Gabbana）はタキシードを「ピュアなスタイルの究極の象徴」と捉え、今回はシンプルでありクラシックなタキシードを再解釈して、女性らしさを際立たせる厳格さと誘惑を組み合わせたスタイルを作り出した。　コレクションはブラックを基調とし、クリスタルの装飾が施されたドレスやレオパード柄のコートなどでアクセントを効かせた。フォルムを際立たせるショート丈のジャケットやカマーバンドなどタキシードのディテールは残しつつ、ネットやヴェール、レースなど、女性の体に透明感を与える素材でマスキュリン、フェミニンさを融合。サルトリアの文化に深く根ざしたタイムレスなエレガンスを提案したという。

EMPORIO ARMANI

DOLCE&GABBANA

ETRO

MSGM

Max Mara

ANTEPRIMA

自由でポジティブなムードを放つ女性像＜24年秋冬ミラノコレクションハイライト＞

モデルの脳内がダダ漏れのスンネイ　「スンネイ」は2015年に設立。フォトグラファーの元アシスタントという経歴を持つロリス・メッシーナ（Loris Messina）と、セレクトショップでバイイングを経験したシモーネ・リッツォ（Simone Rizzo）が独学でデザインを手掛ける。スンネイというブランド名は、ボニーM（Boney M.）の曲「Sunny」のつづりをアレンジした造語だ。彼らの特徴はなんといっても、大胆なパフォーマンスとスパイスの効いたクリエイション。2023年秋冬シーズンは、モデルがランウェイから客席へとダイブし、次々とクラウドサーフィンする演出。続く2024年春夏シーズンは、客席に数字入りのパドルが配られ、観客が各ルックを採点していく演出が大きな話題をさらった。　今シーズンのショーでは、サウンドトラックの代わりにモデルたちの脳内を表現したナレーションが流れ、無表情でウォーキングする姿とのギャップが笑いを誘った。初めてのランウェイに緊張しているモデル、靴が脱げそうになっているモデル、失恋したモデルなど、31人のモノローグが各キャラクターを引き立たせ、画一的なショーの在り方に疑問を投げ掛ける。 　また、キャットウォークの代わりにフロアを覆っていたのは、デザインブランド「CCタピス（cc-tapis）」とのコラボレーションによって作られた巨大なラグ。モデルの何人かはストライプのラグ生地で作られた服を着用しており、これらのルックはスナップボタンを外すと平面の形となり、ラグの一部に戻るようになっている。フィナーレではモデルたちがラグの上に集合して座り、観客たちがその中で自由に撮影をし始めた。「ここではすべてが許され、束縛されず、奨励される。視界に境界線はなく、偏見もない」とコレクションノートに記されていたとおり、シームレスな世界観がランウェイと観客を温かく結び付けた。生ごみが飛び交うアヴァヴァヴのランウェイ　「アヴァヴァヴ」は、リンダ・フリベリ（Linda Friberg ）とアダム・フリベリ（Adam Friberg）によって2017年に設立された。2020年からクリエイティブディレクターを務めるベアテ・カールソン（Beate Karlsson）は、セントラル・セント・マーティン（Central Saint Martins）でファッションを学んだ後、「コーチ（COACH）」でアクセサリーデザイナーを務めた経験を持つ。アヴァヴァヴのショーもまた、前代未聞な試みが毎シーズン話題をさらっている。2024年春夏シーズンは「No Time to Design, No Time to Explain（デザインする時間も説明する時間もない）」と題したショーで、ファッション業界や現代社会の目まぐるしいスピード感やストレスを表現。ポストイットやガムテープで作られた服や、涙でマスカラが流れたようなメイクがSNS上で大きく注目された。　今シーズンは、インターネット上の誹謗中傷に対する風刺をランウェイで表現。会場のデジタルサイネージには、ブランドへのヘイトコメントが映し出され、モデルたちにはバナナの皮や缶ジュースといった生ごみが観客席から次々と投げつけられる（ゲストにはゴム手袋が配布され、ごみ投げに参加するよう推奨されていた）。中世の魔女狩りへの言及として、ルックには中世風の十字架のようなネクタイやテーラードスーツがスタイリングされ、ゴシック要素を感じさせる。ドレスはごみによって汚されていくが、“自己尊重の象徴”を演じるモデルたちは一切ひるまず、表情を変えない。 　フィナーレに登場したデザイナーの顔面にはなんとケーキが投げつけられ、本人はダブルピースをして去っていった。その大胆かつシニカルな演出には、ブランドの信念と社会へのアンチテーゼがにじんでいる。　いずれもハイブランドの客層とは異なり、若いクリエイターたちが個性あふれる装いで参加し、独自のコミュニティを形成しているのも印象的。彼らのカルチャーや時代を反映したコンセプチュアルなショーは、ライブ感と活気にあふれている。ブランドと観客たちの距離感をぐっと縮める“参加型イベントとしてのファッションショー”は、これからも大いに支持を集めそうだ。

SUNNEI

Avavav

生ごみを投げつける参加型ランウェイも　ミラノの気鋭ブランドが仕掛ける大胆な演出

カントリーアイテムをモダンに着こなす　フィッシャーマンズベストや防水のワックスジャケット、コーデュロイパンツ、ウェリントンブーツなど、カントリーサイドで着用するようなアイテムが次々と登場。スコットランドキルトやトレンチコートなどは、イギリスのロイヤルファミリーを思わせる装いだ。 　カラーパレットはバーントアンバーやフォレストグリーンといった深いアースカラーで、ローマ的なデカダンスを滲ませる。そこにカナリーイエローなど鮮やかな差し色を加え、フェンディらしいアクセントを効かせた。　全体的にクラシカルなアイテムがベースとなっているものの、モダンなアレンジは随所に見られる。フィッシャーマンズコートには「FF」ロゴキャンバスが用いられ、トップスの多くは襟部分のみ異素材をミックス。カーディガンやロングコートにはクリスタルの「FF」ロゴイブニングブローチが添えられていた。また、スカートのように見えるロングプリーツのショートパンツやクラシックパンツを合わせ、都会的なエレガンスを共存させている。ポータブルハンドスピーカーが登場　アクセサリーで目を引いたのは、球体のハンドバッグのように見えるポータブルハンドスピーカー。フランスの「デビアレ（Dexialet）」社のエンジニアチームによって製作された最先端の360度ステレオスピーカーで、環境に適応する独自の音響マッピング技術を採用している。 MADアーキテクツとのコラボアイテムも　また、建築スタジオ「マ・ヤンソン マッド アーキテクツ（Ma Yansong/MAD architects）」とのパートナーシップによるアイテムも発表。MADの曲線的な建築スタイルで再解釈された「ピーカブー アイシーユー」、そして未来的なスリップオンスニーカーにはインジェクションソールを取り入れ、アッパーのツートンカラーのバブルディテールがフィーチャーされた。 　そのほか、「セレリア」のステッチを施したレースアップのデッキシューズなどは素朴ながら洗練された雰囲気で、ブランドのクラフトマンシップをアピール。枕のようなフォルムの「シエスタ」バッグは、ストライプの入ったキルティングやシアリングで展開した。クマやドリンクカップ風のバッグチャームなど、遊び心あふれるディテールにも注目したい。Snow Manの目黒蓮ら、豪華ゲストが来場　会場には多くのゲストが駆けつけた。Snow Manの目黒蓮は、胸元がざっくり開いた2024年春夏シーズンのスリーピーススーツをまとってミラノコレクションに初参加。そのほか、韓国のブランドアンバサダーであるイ・ミンホ（Lee Min Ho）、グローバルメンズアンバサダーを務めるマッシミリアーノ・カイアッツォ（Massimiliano Caiazzo）、ジェレミー・ポープ（Jeremy Pope）、ニコラス・ガリツィン（Nicholas Galitzine）、HBOシリーズ「ゲーム・オブ・スローンズ」に出演したキット・ハリントン（Kit Harington）、ネットフリックス（Netflix）の人気シリーズ「エリート」で注目を集めたアロン・パイパー（Arón Piper）など、各国を代表するセレブリティが新作コレクションを堪能した。　目黒蓮は「幅広いラインナップの中からシーンに合わせて服を選べることが、フェンディの魅力」と語り、バックステージではシルヴィア・フェンディと笑顔で対面した。

FENDI

都市と田園のデュアリズムを表現した「フェンディ」2024年秋冬　話題のコラボも

未来的な空間でオフィスウェアを再解釈した「ボス」　「ヒューゴ ボス（HUGO BOSS）」のコアブランド「ボス（BOSS）」は、「see now, buy now（今見て、今買う）」方式で2023年秋冬コレクションを披露した。クリエイティブ・ディレクションを手掛けるマルコ・ファルチョーニ（Marco Falcioni）は「CorpCore（コープコア）」と名付けたコレクションを、広大なカンファレンスセンターで発表。人類とテクノロジーが交差する未来的空間で、AI ロボットのソフィアがゲストを出迎えた。ブランドアンバサダーのイ・ミンホ（Lee Min Ho）が映像とリンクする形で会場に現れ、ショーがスタート。　今回ファルチョーニがこだわったのは、ブランドの伝統であるテーラリング。パリッとした素材とシャープなシルエットを採用し、スーツやシャツ、ペンシルスカートといったオフィスウェアをモダンに再解釈。ペーパークリップやペン、フォルダーといったオフィスの備品をアクセサリーとして取り入れ、ブリーフケースに施された数字錠のディテールをウェアにも施すなど、主張あるデザインを生み出していた。カリブ的な自然体の心地よさを表現する「フェラガモ」　マクシミリアン・デイヴィス（Maximilian Davis）が手掛ける「フェラガモ」は、イタリアとカリブ海のドレスコードの精神に類似点を見出しながら、1960～70年代にイタリアで興った「アルテ・ポーヴェラ（Arte Povera）」のコントラストからもインスピレーションを得たという。アルテ・ポーヴェラは、日常にある天然素材と人工物を組み合わせ、アートへと昇華させた芸術運動。それに倣い、デイリーな素材であるリネンやコットンをサテンにボンディングしてケープにするなど、天然素材を洗練されたスタイルに昇華させた。「親しみやすいワードローブであると同時に、手で触れた感覚がおもしろいものを作りたかった」とマクシミリアンは語る。　バッグは、前回のコレクションからグラフィカルなラインと幾何学的なフォルムを継承。「ハグ（HUG）」はキャンバスやレザーのほか、ポーチのスタイルが登場した。また、アーカイヴのライターをクロージャーとして取り入れたショルダーバッグ「フィアンマ（FIAMMA）」がデビュー。クラシカルなワンハンドルバッグには、今シーズンの自然体なムードを象徴するウッドビーズやフリンジがあしらわれた。自信に満ちあふれた「ドルチェ＆ガッバーナ」の女性像　ドメニコ・ドルチェ（Domenico Dolce）とステファノ・ガッバーナ（Stefano Gabbana）が手掛ける「ドルチェ＆ガッバーナ」の今季のテーマは「WOMAN」。力強くも挑発的な女性たちを讃えるモノクロ写真をインスピレーション源に、ブラックとホワイトを中心にしたルックを披露した。1960年代のクリーンなラインとシルエットも取り入れ、ブランドのコードを再解釈。コルセットやアンダーウェアにシアーなブラウスやチュールドレスを重ね、官能的なムードを演出。新たなシチリアの女性像を創り上げた。　また、テーラリングにこだわり、襟の大きなトレンチコートやオーバーサイズのジャケットも登場。シェイプの効いたアイコニックなドルチェジャケットは、ショート、ミディアム、ロング丈の3つのバージョンで展開した。ラストルックには、スーパーモデルのナオミ・キャンベル（Naomi Campbell）が登場。その堂々としたウォーキングに会場からは喝采が送られた。新ディレクターが着目した「バリー」のアイデンティティ　「バリー」のショー会場は、サン・シンプリチアーノ教会の庭園。新ディレクターのシモーネ・ベロッティは、ブランドのルーツであるスイスのアイデンティティにフォーカス。20世紀初頭に多くの文化人・知識人たちが集った南スイスのユートピア「モンテ・ヴェリタ（Monte Verità）」の精神に通じる、落ちついたエレガンスを提案した。モンテ・ヴェリタのコミュニティには、ヘルマン・ヘッセ（Hermann Hesse）やイサドラ・ダンカン（Isadora Duncan）などが参加し、様々な分野で文化的革命を起こした。コレクションにはスイスレッドやアルプスの植物のモチーフを取り入れる一方で、都会的なムードをミックス。人間の本質を映し出す二面性のコンセプトを反映した。　また、ブランドのアーカイヴにも目を向け、1920〜1950年代のフォーマルシューズをさらに洗練させて復刻。ポリッシュ仕上げの「アッペンツェラー（appenzeller）」タリスマンベルトやツールドレザーベルは、いずれもスイスの習慣へのオマージュだという。バリーのリボンと紋章で縁取られたソフトキャンバス地のメッセンジャーバッグやウィークエンダーバッグも登場し、伝統とクラフトマンシップを継承した実用的なアイテムを提案した。

BALLY

BOSS

FERRAGAMO

壮大な演出やディテールに個性が光る　ミラノコレクション後半のハイライト

神秘的な異世界をファッションで表現した「エトロ」　マルコ・デ・ヴィンチェンツォ（Marco De Vincenzo）が手掛ける「エトロ」のテーマは「ETRO NOWHERE（エトロノーウェア）」。想像力によって生み出された、現実には存在しない場所を服の中に投影した。会場には寺院の遺跡のような巨大な柱が設置され、色鮮やかなプリントをまとったモデルたちが登場。異なる信仰・文化などを自由に組み合わせた、生命力あふれるルックが目を引いた。　西洋のエッセンスが感じられるブロケードをベースに、デニムやテリークロス（タオル地）など様々なテキスタイルがミックスされ、首元やウエストには足元まで届く長さの三つ編みがあしらわれた。また、古代のミケーネのシンボルであるタコのモチーフや、目隠しをした女神の形をしたイヤリングなども登場し、神秘的なミックス＆マッチを完成。ポインテッドトゥのフラットサンダルとソックスの組み合わせが強いインパクトを放っていた。溶けたキャンドルをまとう「エムエム6 メゾン マルジェラ」　デザインチームが手掛ける「エムエム6 メゾン マルジェラ」は、「抽象化と率直さ」をテーマにコレクションを発表。「ひとつのアイデアを最も論理的な結果に導くことで、それを先鋭的なものにする」とコレクションノートに記されている。モノトーンのアイテムはいずれも一見シンプルだが、ベストやテーラードジャケットは長細いシルエットにアレンジ。トップスにあしらわれた文字も引き伸ばされ、判読できないものも見られた。　後半に登場したトップスは、溶けたキャンドルが滴り落ちるディテール。ランウェイショーの招待状をプリントしたタンクトップやTシャツ、網状のトップスなどユニークなアイテムも登場し、「エムエム6 メゾン マルジェラ」らしいコンセプチュアルなクリエイションを作り上げた。 イタリアの巧みな職人技をアピールした「トッズ」の工房　ウィメンズとメンズコレクションのクリエイティブディレクターとして約4年にわたって「トッズ」を牽引したヴァルター・キアッポーニが、最後のショー会場に選んだのは「ラボラトリー・スカラ・アンサルド（スカラ座アンサルド工房）」。今冬、スカラ座で初演を迎える「ドン・カルロス」の舞台装置の制作が行われている工房で、ブランドの基本的価値であるイタリアのクラフツマンシップをアピールした。　テーマは「ファブリカ（工房）」。カット、ボリューム、素材の品質に重点を置き、男性のワードローブや1990年代のミニマリズムを取り入れた。伝統的なテーラードウェアを柔らかく仕立て直し、ゆったりと流れるようなシルエットを構築。また、レザーグローブをナスカンで取り付けることができるマルチパーパスのベルトがアクセントに。ペブルソールに上質な革を使用したアイコンシューズの「ゴンミーニ」のほか、ミュールや編み込みサンダルも登場し、高いデザイン性とイタリアの職人技を改めて印象付けた。「ヴェルサーチェ」の輝くチェッカーボードとパステルカラー　ドナテラ・ヴェルサーチェ（Donatella Versace）が手掛ける「ヴェルサーチェ」は、「若さ、自分への自信、都会のエネルギー」をコレクションに反映した。モチーフとして多用されたのはチェッカーボード。1982年春夏に発表されて以来、数多くのコレクションに使用されているグラフィックだが、今回はパステルカラーに彩られたドレスやトートバッグとなって登場した。ドレスはスクエアやトライアングルのシルエットで、マイクロショーツもフレッシュな印象。メタルメッシュを随所にインサートし、1960年代の活気とオプティミズムを彷彿とさせた。　ヘアアクセサリーやシューズのモチーフにあしらわれていたのは、ジャンニ・リボン。今シーズンを代表する「ジャンニ リボン バレリー ナフラット」は、ヴェルサーチェのショーのオープニングを飾った初のフラットシューズとなった。ショーの最後に登場したのはジジ・ハディッド（Gigi Hadid）、そしてクラウディア・シファー（Claudia Schiffer）。20代と50代という、世代の異なる2人のスーパーモデルの豪華共演に会場は驚きに包まれた。

TOD'S

VERSACE

MM6 Maison Margiela

スーパーモデルのサプライズ出演も＜2024年春夏ミラノコレクションハイライト＞

中島篤2001年に名古屋ファッション専門学校 ファッションスペシャリスト課を卒業後、2003年に第20回 オンワードファッション大賞でグランプリを受賞。 ジャン＝ポール・ゴルチエにスカウトされ2004年に渡仏し、ジャン＝ポール・ゴルチエ直属のアシスタントデザイナーに就任。2009年にジャン＝ポール・ゴルチエ ディフュージョンラインのヘッドデザイナー就任。2011年に帰国し、自身のブランド「ATSUSHI NAKASHIMA」をスタート。2013年にはジルサンダーネイビー バッグラインのディレクターに就任し、2015年にミラノコレクション公式スケジュールで初のコレクションを発表した。成田敦1980年6月8日生まれ。外資系コンサルティングファームを経て2006年7月にKeepAlive株式会社を設立。 大手ECモールのリニューアルや流通業の基幹システム刷新など幅広くITを活用したクライアントの事業企画に携わる。 近年、デジタルとファッションの融合をコンセプトに自社ブランド「Onemiler & Detrans」を展開。 また複数のコレクションデザイナーの支援も行う。ーお二人はそもそも職種が違いますが、出会いのきっかけは何だったんですか？成田敦（以下、成田）：ITコンサル事業が軸にある弊社KeepAliveがNFCチップ※を中心としたビジネスをファッション業界に向けてやろうと数年前に決断したことに端を発します。NFCチップを活用した革小物ブランド「ワンマイラー＆デトランズ（Onemiler ＆ Detrans）」、ニットブランド「アンペイブド（UNPAVED）」の立ち上げのほか、2022年秋冬シーズンにRakuten Fashion Week TOKYOに協賛して、「ベッドフォード（BED j.w. FORD）」と「ヨシオクボ（yoshiokubo）」のショーでNFCチップを用いたお手伝いをさせて頂きました。その流れから中島さんと出会い、NFCチップを使って何かできないかと話したことがきっかけです。※NFC（Near Field Communication）とは、短波HF帯（13.56MHz帯域）の電波を使用した「近接型」無線通信の規格のこと。SuicaなどのICカードに用いられている。中島篤（以下、中島）：僕はジャン＝ポール・ゴルチエ（Jean Paul Gaultier）のもとでデザインをしてきましたが、本当に毎シーズン新しいものが生まれる面白い時代で、多分に影響を受けて。ゴルチエのもとを離れ、自分のブランドをスタートして10年以上が経ちますが、今は世界的に見てもクリエイションが成熟してしまい新しいものが出にくくなっている状況下にあると思います。業界のピラミッドも硬直化し、新しいデザイナーが入る隙間もないなかなかないですし。服作りというのは、未だに生地を裁断して、縫って、というスキームが変わらない中で、やっぱり時代に合わせて何か新しいものを取り入れないと、物理的に新しいデザインを生み出すことは難しいのではないかと考えるようになりました。それでデジタル技術を駆使すればまた新しいファッションを生み出せるんじゃないか、そう思ったのがきっかけです。成田：どうせやるんだから、テクノロジーをフル活用したショーにしたいと中島さんから要望がありました。それから2月のミラノファッションウィークで行うショーで、何ができるかみたいなことをブレストしていったかたちです。ーそれで生まれたのが100年後の未来に向けた「サーキュラリティ（Circularity）」プロジェクト。どういうブレストを重ねた結果、立ち上げに至ったのでしょうか？中島：コロナが流行り始めた時、ミラノファッションウィークが時期的に重なってしまい、様々なブランドがショーの中止を余儀なくされたことがあったじゃないですか。僕も協会から無観客でやってくださいと言われて。それは全然オッケーだなと思っていたんですけど、準備が全部終わったショー前日の夜に食事をしているとミラノ市が全イベントの中止を発表して。日本からチームを招聘して、モデルオーディションも終えてしっかり準備をしてきただけに、正直落ち込みました。それと同じくらいのタイミングで、アレルギーになって顔がボロボロになり、体調も崩してしまって。ステロイドを処方してもらって使っていたんですが、一時的には治ってもやはり再発するんですよね。そこで結局内面から直さなければ意味がないとなり、悪かった食生活を見直したんです。その中で環境にも意識が向くようになりました。僕は低気圧に弱いということもあって、温暖化によって大気が不安定になると、体調を崩してしまったり、空気中に漂うマイクロプラスチックが体に与える影響なども考えるようになりました。そこでサーキュラリティ プロジェクトを立ち上げ、不要な服が再生可能素材になり、
その素材を使ったデザイン性の高い服を作ることで、
新たなファッションの楽しみ方を提案していこうと。その第1弾のお披露目として、今回ミラノファッションウィークでコレクションを発表します。成田：我々ITコンサルのKeepAliveが参画するわけですから、ショーではデジタルテクノロジーを融合したいということは根底にあったんですけど、プロジェクションマッピングなどの目に見えるテクノロジーを駆使することは既に飽和状態ですし、新しさを感じない。逆に新しい技術は何だと言ったら、メタバースなどになると思うんですが、まだ万人受けではないんですよね。それこそ世の中のクリティカルな課題を解決するためのものではなく、娯楽のためにテクノロジーが使われていてあんまり本質的じゃないなと。そのため我々は、テクノロジーを使った地球環境の改変こそ、今の時代に一番合うテクノロジーなんじゃないかと考えたんです。VRやARは旧来型テクノロジーだと私は認識していて、そうではなく地球環境を改善するプリミティブなものに着眼するのが新時代のテクノロジーなんじゃないかと。まずは手始めとして、ミラノではデジタルとのタッチポイントとしてNFCチップを通じて、環境問題や循環型社会に関するメッセージを発信しようと考えています。中島：物を作るとそれだけゴミが生まれる可能性が高いので、NFCチップを活用してスマホかざすとコレクションについて書かれたウェブページに飛ぶようにして。そうすることで、紙のプレスリリースを配らずに済むので。ゆくゆくは商品の追跡、そこからさらに再生可能素材を作っていく環境を作り出したいと考えています。ーNFCチップを活用したトレーサビリティ。成田：そうです。物を作ることはゴミを生み出すことに繋がる可能性があるので、売る側の責任をちゃんと形にしようとすると、捨てられていないかどうかをデータ管理する義務が出て来ると思うんです。所有者が使わなくなったら回収する、というところまでが売る側、作る側の責任でしょうと。加えて、ミラノで発表するコレクションは、循環素材「PANECO®」と「PlaX」を軸に中島さんに服を仕立てて頂きました。中島：実は素材の分野ってそこまで成熟していないんですよ。理想は、永遠にリサイクルされ続けることだと思うんですが、実際はポリエステルとコットンが混紡された糸は戻せなかったり。ポリエステル100％だったら永遠にリサイクルできるという話もありますが、結局再生の際に不純物が混じってしまい完全とは言えない。そこで注目したのは、環境配慮型素材の研究・開発・製造・販売をしているワークスタジオ（WORKSTUDIO）という会社でした。什器として使用されているパネルなどを作っている会社なんですが、服を粉砕してパネルを作るということをしていて、そのアプローチで粉砕したものを和紙の原理でテキスタイルに戻せば永遠にリサイクルできないかと考えました。「PANECO®」の完成度は40％程度ですが、研究開発として色々試してるところです。今回のショーでは、その未完成が故の生地の荒々しさをそのまま表現しようと考えました。　あとマテリアル・クリエイション・カンパニーのBioworksが作っている「PlaX」は、サトウキビの植物由来の繊維を利用した「ポリ乳酸」の生地なんですが、これはもし捨てられたとしても全て土に還るもので。生地の見た目もいいですし、実用的でもあるので今回は「PlaX」でTシャツを作りました。アイロンなどによる熱に弱いっていう課題はあるのでそれを解決しつつ、ゆくゆくはトレンチコートドやブルゾンなどを生産していければと思っています。成田：テキスタイルの会社や生地商社などで色々と生地を見せて頂いたんですが、その中で一番サーキュラリティというテーマと親和性の高いマテリアルがこの2つだったんです。リユース、リデュース、リサイクルだと、やっぱりリユースが最も環境負荷がかからないんですよね。だからリサイクルだけど、工場をフル稼働して二酸化炭素を多く排出している生地を選ぶことはしませんでした。ーそのほかにはどんなテキスタイルを使用したんですか？中島：あとは過去のコレクションで使った廃材を使っています。今回のコレクションで、アツシ ナカシマ自体も環境に特化したブランドとして再スタートとなります。今後コレクションには全て、循環素材を使用する予定です。ーリブランディングということでしょうか？中島：そうですね。今後は着やすいものを作っていく予定なんですが、 まず新しいアツシ ナカシマを知ってもらうために、ファッションが面白い時代を知っている自分のクリエイションを出し切ろうと、ショーではオートクチュールのようにインパクトあるデザインを採用します。ブランドデビューの時のように、自分本来のクリエイションを今一度やってみようと。ーでは2023年秋冬コレクションは実売を考えてデザインしていない？中島：そうですね。ですがこの発表をきっかけに、カプセルコレクションとして再生可能生地を使用して再構築したアーカイヴアイテムをオフィシャルECで販売予定です。成田：コンサルの立場からすると、コレクションブランドの事業ポートフォリオって、作ったものを販売して買ってもらうという短いタームでのフロービジネスなんですよね。ただあれだけのクリエイションを日々しているわけですから、知的財産権的なストックビジネスが本当はできるはずで。テクニックだったり、ノウハウだったりをマネタイズできていないことって外から見ると本当に不幸だなと思うんですよ。だから今回素材を作ったり、服じゃないことにもチャレンジしようとしているのは、長期的に運用できるストックビジネスに転換させて新しいマネタイズの方法を確立しようと考えたからです。着やすい服を作るというのは、ブランドの浸透のためには必要だと思うんですが、フロービジネスでしかないので昨今のコレクションブランドが苦戦している現状を見ると未来は明らか。それこそファストファッションなどが抱える衣類廃棄問題にも繋がります。なぜアツシ ナカシマが循環素材でオートクチュールを作るかと言えば、ストックビジネスのアイデアを気に入ってもらえれば企業が動きより大きなお金が動き、ブランド価値も向上していくという想いがあったからです。そのため、実売に注力する予定はありません。ー先ほどおっしゃっていた素材開発などのR&Dをストックビジネスとして展開していくということですね。成田：そうですね。蓄積された資産を使って、一緒に共同開発した方がさらにいいものができるじゃないですか。アパレル以外の分野においても。本来デザイナーというのは、そういうノウハウの塊だと思うんです。だから可能性を広げることが必要なんですけど、ファッション業界というのはとても硬直化した世界で、デザイナーも業界に閉じ込められてしまっている。デザイナーが持つビジネスアイデアも1つのクリエイションですし、もっと色々な産業と連携することで新しい未来が描けると思いますし、我々が変えていきたい。先ほど言ったように、フロービジネスは環境に負荷がかかることにもつながるので。ーフロービジネスだとどうしても衣類廃棄問題が起きてしまう、それは環境を考える上で本質的じゃないと。成田：成熟国の日本がやるべきは環境に配慮した経済活動だと思うんですよ。途上国はそりゃ発展のために仕方ない部分はあると思いますよ。エネルギーをバカバカ使ったり、いろんなものを燃やしたりというのは日本もやってきたことなので。でも僕らみたいに成熟している存在は、お手本になるような生き方をしなきゃいけない。これはあくまで倫理の話にはなりますが。ーサーキュラリティ プロジェクトの今後について現時点で決まっていることはありますか？成田：基本的にはR＆Dを続けていく予定です。デザインは賞味期限がそんなに長いものではない中で、R＆Dは長持ちする。寿命の短いものと長いもの、フローとストックのバランスを取りながら、事業を展開していかないとと考えています。中島：やっぱり今後のファッションは、絶対に環境素材が中心になると思うんです。何年後かはわからないですけど、使用素材に関していつか国の規制もかかると思うので。僕らはそのパイオニアになれればと考えています。でも最初にやる人って、ババを引く可能性もあるんですけどね（笑）。でも、面白いファッションクリエイションを追求したいからこそ、挑戦し続けたいんです。ー将来的に、研究開発したものは特許申請なども視野に入れている？成田：そうですね。ただ広めたい気持ちが強いので、アライアンスを調整してみんなが使えるものにしていきたいと考えています。あと中島さんのデザインの核として、「自然美、機能美、幾何学＝クラシック」みたいなところがあって。循環素材を使う意義というのも、今までのデザインコンセプトに矛盾しないし、極端にブランドが変わるものではないと考えています。ありのままの状態が一番モノが良くて美しい、という美学は、ブランドとして一貫して追求してきたものなので。中島：僕のデザイン哲学の中で、人が何を見たら美しく感じるかについてのロジックがあるんです。 簡単に言えば、自然というか、計算されていないものこそ美しいということで、だからこそ生地を粉砕した「PANECO®」に魅力を感じるというか。デザイン視点で考えても、環境を守るということは美しさを守るということに繋がるなと考えているんです。ー持続可能性と美の追求は矛盾することなく、むしろシナジー効果があると。中島：そうですね。それに今までに無かった生地で服を作れるので、より面白いクリエイションが発揮できるんじゃないかと。ミラノで発表する2023年秋冬コレクションを起点に、今後もサーキュラリティ プロジェクトを推し進めていければと考えています。

新しい服を作り続ける意味はあるのかと自問自答、アツシナカシマが出した一つの答え

精巧かつエキセントリックな装飾モチーフ　ファーストコレクションとなった今回のテーマは「ETROPÍA（エトロピア）」。メゾンのヘリテージに軽さとシンプルさを加え、「自分らしさを求めて、現実と想像を行き来する旅」を表現したという。会場となった広大な産業会館の床には、サイケデリックなパターンが描かれていた。　メゾンのシグネチャーだったペイズリー柄やボーホーシックなアイテムの代わりに登場したのは、贅沢なジャカードやインターシャ。エキゾチックな花や鳥、フルーツのモチーフが生地にあしらわれ、精巧な刺繍も目を引いた。また、アラジンスタイルの厚底サボやビッグサイズのフリンジピアスなど、多文化のミックス＆マッチがフレッシュな魅力を引き立てている。アップサイクルなアイコンバッグが新登場　今回発表されたトート型バッグ「ラブトロッター（LOVE TROTTER）」のうち、一部が「See now Buy now（今見て、今買う）」対象のアップサイクルバッグ、それ以外は2023年春夏シーズンの新作となっている。前者はエトロ ホームコレクションのアーカイブファブリックと、再生プラスチックのカラーハンドルを組み合わせたデザインで、アイコニックなペガソ（ペガサス）がアクセントに。世界で200個の限定生産で、日本国内ではスモールサイズ4種類（税込19万2500円）が抽選販売される（※公式サイトで10月10日まで受付）。 　クロップトップやショートパンツ、ミニドレスに合わせたソックスなど、若々しいスタイリングが印象的な今回のコレクション。だが、手染めのマルチカラーのカシミアやデニムのブロケードなど、ブランドが誇るテクニックやメイド・イン・イタリーならではの装飾主義は健在。マルコはメゾンの美学を踏襲しつつも、フレッシュなクリエイションで"新生エトロ"を世界にアピールした。　会場にはキアラ・フェラーニ（Chiara Ferragni）やアシュリー・グラハム（Ashley Graham）など多くのゲストが来場し、マルコのデビューコレクションを祝福した。

華やかにイメージチェンジした新生「エトロ」　23年春夏ミラノコレクション

＜HENDER SCHEME X TOD’S＞様々な領域で活躍するデザイナーやアーティストとコラボレーションし、従来の型にとらわれないアイテムを生み出すための協業プロジェクト「トッズ ファクトリー（TOD'S FACTORY）」の第4弾。これまでにアレッサンドロ・デラクア（Alessandro dell'Acqua）やアルベール・エルバス（Alber Elbaz）とのカプセルコレクションを発表してきた。日本ブランドは第3弾の「マメ クロゴウチ（Mame Kurogouchi）」に続く選出。「HENDER SCHEME X TOD’S」は9月28日にトッズ 銀座、スキマ 恵比寿、ドーバーストリート マーケット ギンザと各オンラインストアで発売する。ー今回どのような形で、またどういった両社の認識のもとコラボレーションすることになったのでしょうか？　コラボレーションが具体的に決まる前の2019年秋に一度、トッズのミラノとマルケの本社と工房に招待してもらいました。そこでマネージメント陣やクリエイティブ・ディレクターのヴァルター・キアッポーニ（Walter Chiapponi）と顔合わせをして、実際に生産背景を一通り見る機会があって。色々とやりとりを重ね、昨年の夏頃から本格的にプロジェクトがスタートしました。　ヴァルターたちは来日した際に直営店である「スキマ」に立ち寄って靴を購入してくれたそうで。トッズもエンダースキーマも共にシューズブランドをルーツとし、クラフツマンシップに重きを置いており、プロダクトを作る上で職人なしでは成り立たないブランドです。共通する部分も多く、お互いに自分たちだけではできないことを、コラボレーションすることで実現できるんじゃないか、というところから話が進みました。ー実際にプロジェクトを進行する頃はコロナ禍。これまでのコラボレーションにない難しさはありましたか？　フィジカルのやりとりができないことによる難しさはあったかもしれませんが、共に自分たちでものづくりをしているブランドだったので、モノを通じてのコミュニケーションができたのは幸いでした。彼らは工房で、我々は自社アトリエといったインハウスの体制でプロトタイプを作れる環境にあったので、距離や時間、文化や言語といった様々なリミットや壁がある中で、平面上ではなく立体的なモノを通してコレクションを作り込むことができたのは、我々だからこそできたことだと思います。ただロゴを並べてみた、というような表面的なコラボレーションではなく、制限がある中でも実際にモノを交換し合いながらディープなやりとりができた結果、満足のいくプロダクトが完成しました。アナログかもしれませんが、この時代ならではのコミュニケーションという点で新しかったですね。ー「アディダス オリジナルス」や「ザ・ノースフェイス」といったグローバル企業との協業がきっかけでブランドバリューが高まったり、グローバル認知も上がってきたと思うのですが、コラボレーションはエンダースキーマにとってどういった役割を果たしているのでしょう？　ありがたいことに、協業のお話をいただく機会が多く、これまでにもたくさんのブランドと一緒にアイテムを作ってきましたが、基本的には年2回のコレクションが自分たちの表現活動の軸として最も重要。なので、商業的にコラボレーションをやらなければいけない状況は絶対に作りたくない。自分たちだけではできないことや、単純にワクワクすることを自然にやってきたという感じです。「コラボ」というと、どうしても単発的に聞こえがちですが、それが一回キリだろうと、作ったモノや得た経験、知識が両者にとって財産として残るような、例えば今回作ったアイテムがリファレンスとなって将来インラインで出てくる、というような形が理想的。コラボレーションはブランド成長のためにプランニングしていたわけではないですが、蓋開けてみたらどれもすごく実りのあるプロジェクトでしたし、それ以降のブランドのコレクションにも影響を与えていると思います。ー今回シューズやバッグはもちろん、初となるウェアコレクションもラインナップしています。　僕らが得意なシューズやバッグ、レザーアクセサリーをベースにしつつ、レディトゥウェアに関してはトッズからのリクエストだったので今回初めて取り組みました。単体でレザージャケットなどは作ったことがあるのですが、ちゃんとルックを組めるようなコレクションはこれまでにやったことがなく、新しいチャレンジでした。今回全てトッズの生産背景でウェアを作ることができるという贅沢かつ貴重な機会だったので、ブランドを10年やってきた中で少しずつ蓄積されてきたアイデアを形にして、実際に自分も着たいと思うアイテムに仕上げました。ーウェアコレクションのコンセプトは？　すでに展開されているトッズのウェアのプロポーションをフォローするのではなく、僕ら独自のシルエットをなるべく出そうと意識しました。トッズの服は結構シェイプが効いているものが多いのですが、今回はストレートなラインにしています。エンダースキーマではメンズとウィメンズを分けていないので、今回もサイズ展開に幅を持たせて男女どちらも着られるようにしています。あと、僕らが普段扱っているシューズのディテール、ステッチワークなどを不自然にならないバランスで取り入れています。ーコレクションを象徴するデザインとしてドライビングシューズの「ペブル」が挙げられると思うのですが、このキーとなるモチーフを"巨大化する"というアイデアはどこから生まれたのでしょう？　トッズといえばゴンミーニのドライビングジューズのイメージが凄く強くて。構想の時点で今回のプロジェクトのキーアイテムになるんだろうな、とは最初から思っていたんです。それをどう解釈してリデザインするか、という時にプロダクトフォーカスでも成り立つ個々の強度と、且つ一つのカプセルコレクションとしてちぐはぐにならないような、統一感のあるバランスを取りたいという思いが強くありました。　そんな中、「TOD’S」のTとDをくるっと入れ替えると「DOT’S」になるというアイデアを思いついたんです。「ドット＝ペブルの○」という見立てをすれば、今回のコレクションを全部包み込めるなと。そこから連想を広げて、トッズの「オーボエ バッグ」をサークルの形にしたり、「○＝ループ」の発想で動画をループの構造にしたり。今回のカプセルコレクションを総括できるようなワードとして「TOD’S⇄DOT’S」を軸にまとめていきました。その中でペブルをどう僕たちなりにコンテンポラリーでモダンなプロダクトにできるかと考えた時に、シューズのソールをもう少しボリューミーにしたかったので、自ずとペブルを巨体化するというアイデアに至りました。ー実際にシューズを見た時にどんな履き心地なんだろう、と色々想像したのですが、シューズである限り、構造面なども考えなくてはいけないですよね。　構造的にもチャレンジングで、まずはアトリエでプロトタイプを作りました。最初は東急ハンズで球体の発泡スチロールを買ってきてソールにくっつけるというような（笑）。2～3個のプロトタイプを作り、それをトッズに送りました。もちろんですが、トッズのプロダクションチームは履き心地や耐久性といったクオリティーコントロールに関して徹底していて。ただ守りに入りすぎるとつまらなくなるので僕はデザイン目線での意見を伝えながら、どちらも譲らないところに着地させるという、そこのせめぎ合いはありましたね。例えば、ペブルはドットで○である必要があるのですが、最初はまんまるだったのが「滑りやすい」ということで楕円になったり。互いに譲れない点が拮抗して、最後の最後にボツになってしまったプロダクトもあるほど。トッズ側も大変だったと思いますが、それが協業をするからには達成すべきミッションであって、だからこそのオファーだと思っています。ーそういった試行錯誤を経て、これまでに見たことがないシューズの形状が完成したんですね。　形状のユニークさが際立って見えてしまうかもしれませんが、これはトッズが長年かけて作ったアイコニックなペブルや既存のゴンミーニのイメージが存在し機能してのデザインなので、そういった文脈を無視して我々が根も葉もなく「こういったソールを作りました」と言っても全く機能しない。両社のコラボだからこそ意味があって成立するデザインなんですよね。ー確かに「TOD’S⇄DOT’S」というアイデアの前提がないと成立しない。　そうなんです。なのでこのアイデアを思いついた時点で、すでにプロジェクトの全体像が出来上がった感じがしました。そこで、このアイデアをトッズ側にも一発で理解してもらうために簡単なアニメーションを作ってプレゼンしました。この案が通りさえすれば、今回のプロジェクトが成功したようなもんだ、くらいの勢いで（笑）。ただ、ロゴってそう簡単にはいじれない。そのレギュレーションをクリアするのは大変だとわかっていたので、いかにTとDを入れ替えることが有効且つ重要なのかわかってもらうために、言葉よりもダイレクトに視覚で訴えた方がインパクトがあるなと思ったのでアニメーションにしたんです。意外とすぐにトッズのリアクションが「面白い！」となったので、その時点で色々なアイデアがすでにわーっと浮かんできましたね。ヴィジュアルやムービーといった全体的なコミュニケーションのイメージとか。ーアイデア勝ちですね。　でもそういった突発的なアイデアが僕らの表現の中ですごく重要な要素の一つでもあるんです。なので最初に思いついた時には「すでにやっている可能性もあるな」とも思ったんですよ。シンプルですごく明解で誰にでもわかるアイデアではあるので。結果、前例がなく、トッズ側もノッてきてくれて内心ほっとしました。　言葉遊びはもともと好きで、見る角度を変えたり、見方を変えると違うものが見えてくる、というようなことはこれまでにもブランドを通してやってきたことなんです。僕らライコス（laicoS）という会社名もソーシャル（Social）という言葉をフリップしたもの。「社会」という言葉をフリップすると「会社」になるという意味など、様々な意図が込められています。ー今回のアイデアも今までエンダースキーマでやってきたことの延長線上にあるものだったんですね。　ベースの考え方は自分の中にもあって、ブランドの中にもある程度得意な型みたいなものが積み重なってきた中で、言葉遊びは割と得意で好きなことなのかもしれないです。ー今回のコラボレーションを経て、今後エンダースキーマとしてどのようなものづくりを目指していきますか？　今やっていることを地道に積み上げていくことが大事なのかなと。コロナの状況で世の中の価値観をはじめ、色々なことが変わりつつあるタイミングだと思うのですが、世の中の流れに身を委ねるのではなく、「自分たちにとってはどうなのか」ということを、都度主体的に考えていきたいです。それこそが一番強度を持ったエンダースキーマとしての表現活動になっていくんじゃないかなと思っています。（聞き手：今井 祐衣）

Hender Scheme

巨大なペブルはどうやって生まれた？「エンダースキーマ×トッズ」アイデアの起点は「TOD’S⇄DOT’S」の言葉遊び

1-ジル・サンダーとは何者？これまでのキャリア・1968年にドイツで会社を設立　ジル・サンダー氏は1943年11月27日、ドイツ北部のシュレスヴィヒ＝ホルシュタイン州ヴェッセルブレン生まれ。ハンブルクのクレフェルト・スクール・オブ・テキスタイル専門学校を卒業後に、渡米しカルフォルニア大学に2年間在籍しました。その後、ファッションエディターとして活動。雑誌の撮影用を通してメーカーに服のデザインを提案するうちに、ファッションデザインの依頼を受けるようになりました。帰国後の1968年にドイツ・ハンブルグにセレクトショップ形態のブティックと、自身の会社を設立。1973年にパリでプレタポルテを発表しましたが、1980年に撤退。ただ、1985年に拠点をミラノへ移し、1987年にミラノコレクションにデビュー。1997年にメンズラインを開始するなどブランドが軌道に乗り始めたところで、プラダグループが株式の75%を取得し傘下に入ります。・2000年に「ジル サンダー 」のデザイナー退任　ブランドのその後　上手くいくようなタッグでしたが、方向性の違いによりジル・サンダー本人は2000年にデザイナーを退任。2003年にクリエイティブディレクターとして復帰するも、再度経営陣との不和により2004年に同職を辞任しました。後任としてラフ・シモンズ（Raf Simons）をクリエイティブディレクターに起用し、ブランドの若返りを図るも、ブランドはプラダグループが2006年にイギリスの投資会社Change Capital Partnersへ売却。2008年にはオンワードホールディングスが傘下に収め、先日「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」や「マルニ（MARNI）」などを擁するイタリアのOTBグループが買収すると発表しました。現在、クリエイティブディレクターはルーシー・メイヤー（Lucie Meier）＆ルーク・メイヤー（Luke Meier）夫妻が務めています。・「ユニクロ」をファッションアイテムに昇華した　デザイナー ジル・サンダー氏　2004年にブランドを離れてからジル・サンダー氏はしばらくファッションの表舞台に姿を現すことはありませんでした。ジル・サンダー氏がデザインした最新アイテムが渇望される状況が続く中、約5年の時を経た2009年3月にジル・サンダー氏が代表を務めるコンサルティング会社とファーストリテイリングのデザインコンサルティング契約締結が発表。「＋J」コレクションをスタートさせたほか、ユニクロの商品全体の監修を行い、これまでとは違ったデザインエッセンスを加えることでインナーウェア一辺倒だったユニクロがファッションアイテムをデリバリーしていることを認識させるきっかけとなりました。「＋J」コレクションは2009年秋冬コレクションからスタート。ファーストコレクションから完売商品が続出するなど話題を集めましたが、デザインコンサルティング契約の終了に伴い5シーズン目となる2011年秋冬コレクションをもって終了。その後、ラフ・シモンズの後任として2013年春夏シーズンからブランド「ジル サンダー」のクリエイティブディレクターにジル・サンダー本人が復帰しました。しかし、2014年春夏コレクションを最後に再度ブランドから離れ、以降は趣味のガーデニングや美術活動に取り組んでいました。そして2020年秋冬シーズンに約9年ぶりとなるファン待望の「＋J」コレクションが登場。11月12日に2021秋冬夏コレクションが発売されます。2-キーワードは「ミニマル」と「巧みな素材使い」・隅々までジルサンダーの哲学が行き届くミニマル　ジル・サンダー氏は服作りに取り組む姿勢から、「鉄の女」とも呼ばれるほど妥協を許さないクリエイターとして知られています。特にジル・サンダー氏を理解する上で「ミニマル」というワードは必ず抑えたいところ。シンプルと似て非なるのがミニマル。単調なデザインではなく、細部まで緻密に計算されムダを極力削ぎ落としたデザインが多くのファンを魅了しています。ジル・サンダー氏は「＋J」2020年秋冬コレクションの冊子に収録されたインタビューで「私が育った北ドイツは、全てのものが透けて見えそうなくらい太陽の光が透明で明るい。折り目のディテールがはっきりと見えるのでごまかしが通用しません」と語っており、幼少期の体験が色味から素材感、そしてデザインにまで繋がっていることを明かしています。・天然素材から化学繊維まで網羅する素材使い　素材使いの巧みさも特徴の一つ。伝統的な極上の素材で作られたラグジュアリーなアイテムも人気ですが、実は最先端素材にも積極的なのは意外に知られていない事実。オリジナルで生地作りから関わるなど、サステナブルを意識した素材開発は現在の＋Jにも反映されています。最高級素材からナイロンやポリエステルなどの化繊まで幅広い素材を用いているからこそ、ミニマルなデザインでも魅力的なアイテム群を揃えることが可能になっています。・着た時に発揮されるシルエット　ミニマルと聞くと、平面の無機質なシルエットをイメージするかもしれませんが実はとても構築的なパターンで作られていることが多いのも特徴。着用者にストレスを与えずに、絞るところは絞り可動域を残しながらゆったりと流れるようなスタイルを感じさせてくれます。特に動いた時に起きる揺れや生地のうねりなどフルイドまでを見越してデザインされているところこそが、ミニマルの女王という異名の由来ならではでしょう。3-ジル・サンダーが手がける「＋J」の特徴　そんなジル・サンダー氏のクリエイションをユニクロ価格で提供しているのが「＋J」。当時のファーストコレクションを見たファッション業界関係者が「間違いなくジル・サンダーだ」と感嘆するほど「＋J」はジル・サンダー氏のデザインが再現されています。現在の「＋J」は、「モダン・ユニフォーム」がコンセプト。さまざまな場面やあらゆる気候に対応できるベーシックな服を提案しています。代表的なアイテムはもちろん、ジル・サンダー氏も愛着があるという白のシャツ。ドローイングではなく、身体の上でフィッティングを繰り返すというジル・サンダー氏による緻密に計算されたシルエットで、ミニマルかつアクティブな活動が可能なデザインが特徴になっています。4-「＋Ｊ」、のアイテムは？　発売間近。2021年秋冬コレクションの詳細は？＞＞詳しくはこちら　全36枚のルック画像を交え、気になるアイテムを紹介。＞＞詳しくはこちら　一足先に実物を着用レビュー。メンズ アウター編。＞＞詳しくはこちら

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