インサイド

　日本の若手デザイナーたちの多くは、海外デザイナーのクリエイションに憧れ洋服を志すものの、いざ自分が洋服をデザインするという立場に立った時、まず初めに洋装を選択する理由の正当性を問われる。西洋で研究し尽くされているテーラリングの美しさに真正面から日本人デザイナーが向き合うことには、それ相応の理由が求められる。西洋の土俵で戦わざるを得ないものを作ろうとす姿勢に対して、業界人や先輩デザイナーたちの目は厳しい。結局日本から発信されるファッションは西洋のカウンターカルチャーとしての側面が強く、その中でいかにインディペンデントなクリエイションを確立するか、という視点から、教育現場でのアウトプットは特に自身のパーソナルなオリジナリティを大胆に提示するアートピース的な作品を発表する作家が多い印象を抱いていた。大袈裟に内面を曝け出して見えてくる自分のクリエイションを削ぎ落とし洗練性を磨いしていくのが、多くのデザイナーの歩く道だと感じていたのだ。しかし意外にも、様々な業界関係者が一堂に会し、若手デザイナーたちにとって自己紹介の場でもあるmeのショーには、自身の芯の部分だけをシンプルに纏ったルックが多く登場し、その姿には潔さと自信のようなものが感じられた。　ショーのテーマは「Lighe House（＝灯台）」。ショー会場となった原宿の八角館では、東京クリエイティブサロンの支援のもと、東京のファッションウィークのオフィシャルスケジュールを飾るブランドたちのショーと同様のプロたちが運営を支えていた。　コンクリート壁の無機質な空間のなかにピアノの音が流れ、夕陽のような強いオレンジの光が照りつける。会場では、モデルたちは光を背に歩き出し、光に向かって帰っていく。山田琢也が手掛ける「タクヤヤマダ（TAKUYA YAMADA）」に始まり、並木未来の「ミクナミキ（MIku Namiki）」、佐藤仁美とイム・グンテ（Lim twea）の「サット（sat）」、林陸人の「タロンオー（Talons O）」、稲垣里梨の「スキクラブ（SKICLUB）」を着用したモデルが順に登場した後暗転し、一転して冷たく青白い光の中で、水谷和章の「アンダーザデスク（UNDERTHEDESK）」が締めくった。 　フィナーレで流れたのは、映画「ジョーカー」で主人公のアーサーが自身の本音の感情に向き合うシーンで印象的に用いられるフランク・シナトラ（"Frank" Sinatra）版の「That's life」。その歌詞で語られる人生は、クリエイターの生き方そのものでもあるように感じる。I've been a puppet, a pauper, a pirate, a poet, a pawn and a king（私は操り人形であり、貧乏人であり、海賊や詩人、歩兵や王様でもあった）　ショーのステートメントの隅には「灯台下暗し」の文字があった。毎日家路をただ歩くように淡々と、先のわからない未来に向けて己が信じるクリエイションの灯火だけを頼りに歩きながらも、足元に転がる自分自身の本質を拾い上げ、手のひらを見つめ肯定しながらクリエイションに向き合っているのだろう。そういった等身大の眼差しから生まれるファッションデザインは、飾らなくとも本人たちのパーソナリティを色濃く表す。　反抗期のデザイナー自身の暗く荒れた部屋に差し込む光のようだったという愛犬との時間のように、暗い中に差し込む尊いものとしての服を捉えるタクヤヤマダ、「厳格さと憧れ」をテーマにしたミクナミキ、企業デザイナーとしての経験などファッションデザインを仕事にすることの難しさに苦悩する葛藤と希望を落とし込んだサット、不安定な少年期の精神状態や田舎への執着と都会へ憧れが滲むタロンオー、現代社会をもがきながら生きる少女たちの等身大の幸せと憧れを描いたスキクラブ、深夜アルバイト生活の中に清貧さを見出したというアンダーザデスク。　発表したデザイナー6人が挙げるコンセプトに通じているのは、ままならない現実の中で等身大の目線から見つめる希望や憧れだ。暗いムードの社会の中で、決して恵まれない環境を強いられている現代の10代、20代のデザイナーは特に、自分が自分らしく生きていくために必要な皮膚としての服を切実に模索する姿勢が見られる。リアルクローズとしての彼らの提案は生々しく若手デザイナーたちの求める東京のファッションを提示しているようだった。　ファッションショーというブランドの世界観を描き出すための装置に、複数のブランドが参加することで起きるかと思われたハレーションは、様々な若手デザイナーたちの葛藤と未来への渇望が多層に組み合わさることで「Lighe House」というテーマをクリティカルに描き出す。　準備までの負担が膨大なことを理由にショーを避けるブランドもある中で、ショー形式で在校生の作品を表現するmeの姿勢には、「ファッションデザイナー」として場数を踏ませて学ばせるmeのスパルタ的な教育方針が見て取れる。歌舞伎役者の中村勘三郎の「型があるから型破り。型が無ければ単なる形無し」という言葉を借りるなら、一度型を学ばせ、そこから当人たちのオリジナリティを持ってその型を破ることを期待する（＝破れないようでは大成できない）という態度を表明し、在校生たちもその期待に答えようとしている熱量がある。　デザイナーないしそれを志す人間というのは本当に繊細で、その繊細さを失っては当人らしいクリエイションから遠のいていく生き物なのだから、彼らが真のオリジナリティを獲得し開花するための「教育」には、その柔い部分をいかに守りながらも曝け出させる優しやと牽引力が求められる。meが立ち上がって約5年。今回のショーはその成果が形を持って現れ始めた萌芽のようであり、自分にとってのリアリティを携えてもがき続けている日本で育つ新しい才能たちが、新たな時代のムードを作ろうとする機運が感じ取れた。彼らにとってのリアルクローズが、ストリートのリアルになる日はそう遠くない気がしている。

Fashion

ファッションスクール「me」初のショーに見る、若手デザイナー教育の現在地

日本のファッション専門学校3校の卒業制作ベストルック9選【2016年度】

国内外のファッション教育の現状　ジョン・ガリアーノや故アレキサンダー・マックイーン、ステラ・マッカートニーといった世界的デザイナーを多く輩出するセントラル・セント・マーチンズ（セントマ）。EU離脱もなんのそのと、クリエーションに集中する学生達がファッション名門校の矜持を感じさせる。だが同校は、実は総合芸術大学。ファインアートから演劇まで幅広い分野を取り扱っており、ファッションはその一分野として位置しているに過ぎない。ちなみに、セントマと並んで「世界3大ファッションスクール」と呼ばれるベルギーのアントワープ王立芸術アカデミーは同じく総合芸術大学、NYのパーソンズは総合美術大学となっている。芸術・美術のなかで多くのデザイナーを生んだことが"ファッションの学校"というイメージに繋がっているのだろう。　ヴィヴィアン・ウェストウッドやクリストファー・ベイリーらを輩出した英国国立のウェストミンスター大学では、一般大学ながら1887年からファッション教育を開始。コースディレクターのAndrew Groves氏は、芸術大学ではなく一般大学でファッションを教える利点の1つとして「学生がより広い世界のコンテクストで作品を捉え、多分野のアーティストと対話することで互いに影響しあえること」を挙げている。ファッションを多角的に捉え、クリエーションの幅を広げていくことが狙いだという。　海外では、芸術大学から一般大学までファッションを取り扱うことがメジャーになっている一方で藝大が扱っていない理由を、ここのがっこうを主宰するデザイナーの山縣良和氏は、「アートの中にファッションが含まれていないという古くからの認識があるからではないでしょうか。また現在の物体としての基盤が和服ではなく洋服というのもあると思います」と分析する。　自身も藝大工芸科卒でファッションの分野でも活動するアーティストの舘鼻則孝氏も「明治時代の政策でもあった近代化に抗う勢力として岡倉覚三らによって日本の伝統美術の振興を目的に設立された背景を踏まえると、藝大にファッション学科が無いということのほうが自然な気がします」と解説する。だが一方で「既にサブカルチャーと呼ばれる新しい文化の形も現れてきている。日本の大学のあり方も時代の流れに合わせて変化を強いられる時期だと思います」と芸術教育が変革期に差し掛かっていることも感じているという。　現在、美術研究科芸術学専攻・美術教育研究室で博士過程に在籍する中里周子氏は、現役の藝大生。2014年には当時26歳で欧州最大のファッションコンテスト「ITS（イッツ）」のジュエリー部門グランプリを獲得するなど活躍している。現在は、同校でファッションとアートに通ずる美と人間の関係性について研究をしており、「作るだけではなくファッションをアカデミックの文脈で捉え、語っていく必要性を感じた」ことで藝大の門を潜ったという。入学前にある教授と「美術に足りない何かをファッションが持ってるんじゃないか」という話をした時に、この学校でファッションを学ぶ意義や可能性を感じ入学を決めた。　舘鼻氏は、「自主性に委ねられた校風は創造性を培う上でとても有難いシステム。ただファッションを大学で学ぶという点では、文化的な側面からものごとを捉えるということに重きを置いているので、技術や知識を習得するような授業は無かったです」と振り返る。中里氏も同校では「ファッション単体を学ぶのではなく、多方面から向き合うことで、ファッションの持つ創造の可能性やファッションとアート両者を通した美への考察に繋げている」といい、技術や知識は専門学校が用意するカリキュラムなどで独自に学んだという。ファッションは学問として成り立つか？　ファッションは学ぶものではないのか。京都精華大学でファッションコース専任講師を務める蘆田裕史氏は「美術について考えることも、音楽について考えることもファッションについて考えることもどれも同じはずなので当然ファッションも学問として成立しえます」と語る。つまり他の芸術分野が学問として成り立っている以上、ファッションも学問として成り立たないというわけではないということだ。　当の疑問を、東京藝術大学にぶつけたところ「ファッション学科がない理由については答えられない」と回答。また「織物やテキスタイルの派生からファッションに取り組んでいる学生がいることは理解しているが、ファッション・服飾を専門に教えている講師はいない」ともコメント。ファッションに興味を持つ学生がいるのは知っているが・・・というのが現状のようだ。蘆田氏は、ファッションが学問として自立するには「国内ファッションは理論や歴史の積み重ねがほとんどないので、今すぐ他分野と同じレベルに立つというのは無理でしょう。時間をかけて、基礎研究を充実させること」がこれから必要だという。　最後に「今後ファッション学科が新設される可能性はあるか？」と聞くと「ゼロではない」と藝大は回答。これまで国内最高峰の芸術家を生み出してきた矜持と実績は、ファッション分野でも花開くのか。「我国の芸術文化の発展について指導的役割を果たすこと」を使命に掲げる藝大の次の一手が注目される。

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