インサイド

　今回の来日公演では、最新型の「コーニュコピア（cornucopia）」と古典的な「オーケストラル（orchestral）」という、2つのコンセプトが披露された。前者はルクシアル・マルテル（Lucrecia Martel）とビョークが監督し、ジェームス・メリー（James Merry）を共同演出として迎え⼊れ制作された作品。後者はビョークの⾁声とオーケストラだけで構成され、彼女の原点を彷彿とさせるステージとなった。　また、ビョークならではのアヴァンギャルドなコスチュームも注目の的に。全公演にわたり、スタイリングを手掛けたのは、ビョークと同じアイスランド出身のエタ・グトムンツトッテル（Edda Gudmundsdottir）。ヘッドピースは共同演出を手掛けるジェームスによるもの。そして幻想的なヘアは河野富広が、メイクはドラァグクイーン・ヴィジュアルアーティストのハングリー（Hungry）が担当した。3月20日 東京公演　来日ツアーの幕開けとなった東京公演では「オーケストラル」を披露。ビョークは、ダニエル・デルコア（Daniel Del Core）が手掛けるミラノブランド「デルコア（DEL CORE）」の着物風ドレスをまとい、指揮者のビャルニ・フリーマン・ビャルナソン（Bjarni Frímann Bjarnason）は「オブセス（obsess）」のシャツとパンツを着用して登場した。「オブセス」のデザイナーである北田哲朗は、この東京公演をはじめとする4公演全てにテーラーとして参加。ビョークや演奏者らのフィッティングを担当したという。3月25日 神戸公演　「オーケストラル」が披露された神戸公演でビョークが着用していたのは、神秘的な「ノワール ケイ ニノミヤ」（2023年春夏）のドレス。細いワイヤーで吊るされた白いコットンが、照明によってピンクやブルーに染まっていく。エキゾチックな食虫植物のようなウィッグも彩りを添えた。　また、指揮を務めたビャルニが着用していたのは、トップスが「Julius（ユリウス）」、ドット柄のスカートは「ブラック コム デ ギャルソン（BLACK COMME des GARCONS）」のものだ。 3月28日 東京公演　28日と31日の東京公演は、いずれも「コーニュコピア」の構成。28日の公演でビョークは「ノワール ケイ ニノミヤ」を2着まとった。黒の造形的なドレスは、2つのコレクションピースを組み合わせてスタイリングしたもの（2023年春夏）。メタリックのヘッドピースと相まって現実離れしたキャラクターを作り出している。また、淡いベージュのたっぷりとしたシフォンドレス（2022年春夏）はハーネスとの組み合わせが斬新だ。  　最新作「フォソーラ（fossora）」でも共演したDJ KASIMYNは、ボリューミーな「トモ コイズミ（TOMO KOIZUMI）」のルックを着用。カラフルなメイクにゴールドのヘッドピースをまとった。
3月31日 東京公演　最終公演となった31日にビョークが着用したのは、またしても「ノワール ケイ ニノミヤ」。光り輝く菌糸が全身を包むようなルックは、3月にパリコレで発表されたばかりの2023年秋冬コレクションで、神々しいオーラを放つ。そして球体のフリルが連なるドレスは2022年秋冬コレクションのルック。インナーにソーラ・ステファンスドッティル（Thora Stefansdottir）によるカラフルなボディスーツを合わせた。　また、バンドメンバーは「バルマン（BALMAIN）」を着用。クワイアとして参加していた「サマディ」は全員白のルックにヘッドピースをまとっている。 　今回の公演では、ツアー開催の地である日本の気鋭ブランドやクリエイターを多く起用し、圧倒的なステージを繰り広げたビョーク。また来日公演の後に開催されたアメリカ最大級の音楽フェス「コーチェラ（Coachella）2023」のステージでも、引き続き「ノワール ケイ ニノミヤ」をピックアップし、2021年秋冬コレクションの象徴的なドレスをまとっていた。彼女のユニークな音楽性とファッションは唯一無二の世界観を作り出し、世界中をインスパイアし続けている。

BALMAIN

TOMO KOIZUMI

noir kei ninomiya

Fashion

歌姫・ビョークの唯一無二のスタイルに迫る　ジャパンツアーで着用したブランドは？

　ランウェイは2フロアに分かれ、1つ目のフロアの演出はレッドカーペット。モーリス・ラヴェルが作曲したバレエ音楽「ボレロ」が流れ、色鮮やかなドレスをまとった個性豊かなモデルが登場した。SUMIRE、森川葵、中山咲月、松田ゆう姫、玉城ティナ、ローレン サイ、仁村紗和らモデルをはじめ、アイナ・ジ・エンドやリトル・ブラック・ドレス（Little Black Dress）などのアーティスト、歌舞伎役者の市川染五郎、大島優子、ともさかりえ、寺島しのぶらの俳優を含む13人が歩いた。堂々としたウォーキングも相まって、会場は「ファッションショー」というよりも、アカデミー賞やトニー賞などの「授賞式」を思わせた。　上品なサテンとオーガンジーのラッフルをベースに、今回も様々なボリュームとカラーで表現。タイトなドレスとガウンを組み合わせるスタイリングや、長いトレーンを引いたルックなど、歩く度に繊細に揺れるデザインが優雅な印象を与えた。今回製作されたドレスは、それぞれの着用モデルをイメージして、オートクチュールの仕立てで製作したとデザイナーの小泉智貴は説明する。　「女優を起用するなら所謂ファッションショーではなく、レセプションやパーティーをアテンドしているような雰囲気にしたかった」（小泉智貴）。  　シグネチャーであるラッフルドレスにもアップデートが見られた。ラインストーンを用いたドレスが数多く登場し、また光を反射してオーロラのような表情のフリルも。小泉は「前回よりも光沢の強いオーガンジーフリルをチョイスした」とし、続けて「廃盤色から先に生地を提供してもらった。制限がある中でどう活かそうかということを考えた」とコメントした。 　レッドカーペットを歩き終えた13人のモデルは会場の1階に移動。ラグジュアリーホテル「東京エディション虎ノ門」にオープン予定のダイニングバーで、蜷川実花によるフォトセッションが行われた。　日本国内では2021年7月以来2回目のショーとなったトモコイズミ。小泉智貴は、大御所スタイリストのケイティ・グランド（Katie Grand）に見出されたことでニューヨークコレクションでの鮮烈なデビューを果たしたシンデレラストーリーが知られており、それから3年経った今も変わらず、自身のペースでクリエイションを続けている。近年では東京オリンピックの開会式で国歌独唱をした歌手のMISIAの衣装を制作するなど大舞台の衣装を手掛けることも増え、その認知度が増すことで彼のシンデレラストーリーは新たな局面を迎えた。2011年の立ち上げから10周年を経て、次の10年の進化が期待される。ファッションウィーク特設サイトはこちら

寺島しのぶ、ともさかりえ、市川染五郎など13人がレッドカーペットを歩く——「トモコイズミ」2回目の東京ショー

小泉智貴 / TOMO KOIZUMI デザイナー1988年生まれ。2011年、千葉大学在学中に自身のブランドを立ち上げる。2019年、初となるファッションショーをニューヨークで開催。同年、毎日ファッション大賞 選考委員特別賞受賞、BoF500選出。2020年、LVMH プライズ優勝者の1人に選ばれる。2021年、東京オリンピック開会式にて国歌斉唱の衣装を担当。五輪を彩った30色のドレス—先日の東京2020オリンピック開会式、国歌斉唱をトモ コイズミのフリルドレスが飾りました。　気付いてくれた人が多かったみたいで、MISIAさんが登場された瞬間からスマホが鳴り止まなくて（笑）。—話題になりましたね。オファーは2ヶ月ほど前だったとか。　はい。それからご本人やスタイリストさんなどと話し合って、デザインを決めていきました。世界中の違った考えや言語の方々の目に触れるので、一目見て純粋に美しいと感じるものを作りたくて「ピュアな美しさ」を目指しました。それとフォーマルな場ということで、シルエットはクラシックに。—プリンセスラインのボリュームとグラデーションカラーが舞台に映えていました。　フリルに使ったオーガンジーは全部で100m（2反）くらい。1着の中に30色を組み合わせていて、これまで制作したドレスの中でも色数は最多だと思います。はじめから量産には興味がなかった—誰が作ったのか一目でわかるという強みが今のトモ コイズミにあります。立ち上げから今年で10周年になりますが、振り返ってみていかがですか？　あまり10周年という意識は自分の中にはないですね。衣装から始めて、売るものはあまり作ってこなかったので。コレクションとして制作したものをショーで発表したのも最近ですから。—主なデザイナーズブランドは売り上げを伸ばしていくこと＝成長なので、それらとは異なりますね。大学の専攻は美術教育で、服作りについては独学とか。　はい。本で学んだり、服飾の専門学校に行っている友達やデザイナーをやっている方にわからないことを聞いたり。それから大学の時に北村道子さん（スタイリスト）の仕事を少しだけお手伝いすることがあったんですが、「これを研究したら」って、道子さんがその頃好きだったトム・フォードの「グッチ（GUCCI）」とかサンプルのドレスを譲ってくれたんです。色々な話をしたことも勉強になりましたね。—将来の道を決めたのも大学の在学中とのことですが、企業への就職などは考えませんでしたか？　就活サイトに登録などはしていたんですが、リーマンショック後に日本の経済が影響を受けて倒産する会社が多かったり不況に陥ってるのを見ていて、安全というものはないんだなと感じて。同じリスクなら自分のやりたいことでリスクを取る方が納得できるなと考えて就活はやめて、卒業後はスタイリストアシスタントとしてやっていけたらと考えていたんです。—でも大学4年の2011年6月、自身でブランドを立ち上げることに。　よく自分で服を作って人に見せたり、友達にその服を着せてクラブとかに行っていたんですが、ある時その友達がスナップされて雑誌に載りました。すると「ザナドゥ トウキョウ」（東京・原宿のセレクトショップ）の方が雑誌を見て連絡をくれて、作った服をお店に置いてもらえることになって。それをきっかけにブランド名やロゴを決めて、公式サイトを立ち上げて、というのが始まりですね。 —その頃は主にどんなデザインでしたか？　雑誌に載ったのはカラーブロックにパイソン柄を組み合わせた服で、割とボディコンシャスなデザインでした。—今の作風と違ってタイトなシルエットだったんですね。　ジョン・ガリアーノが作る「ディオール（DIOR）」のクチュールドレスに憧れていたので大きなドレスが好きだったんですが、当初は作れるデザインが限られていていたので。自分の技術と予算の範囲で制作できる一番いいもの、かつアピールできるものを作っていました。—ショップでの販売は順調でしたか？　作れる数も限られていたんですが、もう一店舗、高円寺の「ガーター（GARTER）」にも服を置かせてもらうことになって。その頃、YOON（AMBUSH®のデザイナー）さんが買ってくれたみたいなんです。最近になって「まだ持ってる」と教えてくれて、嬉しかったですね。—当時のブランドの理想像は？　今やらせてもらっていることに近いのかなという感じはします。自分の作りたいものを作って、国内外の着たいと思ってくれる人に着てもらう。大量に生産して売る、みたいなことには当初から興味はなくて。 —同じ年に東日本大震災などもありましたが、将来に対して不安に思うことはありませんでしたか？　僕はあまりなかったですね。1ヶ月とか仕事がない時もあったり波もありましたけど、そんなには焦らず。もともと0からのスタートだったので、ダメもと的な感覚だったんだと思います。Perfumeやドリカム...舞い込むオファー—衣装制作も並行して続けていたんでしょうか。　現場で勉強になることが多いので呼ばれたらアシスタントとしてお手伝いすることもありましたし、徐々に自分で制作することが増えていきました。ザナドゥ トウキョウ経由でスタイリストさんから声を掛けていただいて、Perfumeのツアー衣装を作った時は、まだ大学在学中だったと思います。—黒木メイサさん、加藤ミリヤさん、YUKIさん、ドリカムの吉田美和さんといったステージ衣装も手掛けていますが、これらの仕事も人からの紹介で？　最初はそうでしたが、だんだんとSNSを通じて直接オファーが来るようになりました。例えば好きなスタイリストさんとインスタで繋がっていて、その人が探しているイメージと自分の作っているものが一致したときに声が掛かるとか。良いものってみんな常に探しているから、それを持っていれば繋がる時代なんじゃないかなと思います。—レディー・ガガ（Lady GaGa）さんが2016年に来日した時、トモ コイズミを着用して現れましたね。　あれはびっくり。2016年の初めにコレクション作品として作ったヌードカラーがベースのシリーズで、それらを何着かガガさんサイドに預けていたんですが、実際に着てもらえるかはわからなかったので。世界的な著名人が着用してくれたのは初めてでした。そのドレスは今も実家に置いてあります（笑）。SNSを通じて見出されNYへ—今ではトモコイズミのシグネチャーとなっているフリルですが、使い始めたきっかけは？　衣装の仕事の合間にポートフォリオになるような作品やサンプル作りをしていて、その時に日暮里の生地屋街でたくさん生地を買っては試していたんです。その中のひとつが安価でたくさんの色があるオーガンジーで、フリルを色々と試作しました。ドレスに使い始めたのは2015年くらいからだと思います。—ターニングポイントは、やはりブランドが一気に知られるようになった2019年2月のニューヨークコレクションデビューでしょうか。　そうですね、周りの環境がガラッと変わりました。もとはと言えば2018年10月の東京コレクションに招聘されていたVOGUEイタリアのサラ・マイノにプレゼンする機会があり、彼女やアシスタントが作品をインスタに投稿してくれて。それからイギリスの「1granary」（名門校セントラル セント マーチンズのファッション誌）がインスタに載せてくれたり、それらの投稿を見たジャイルズ・ディーコン（デザイナー）やパートナーのグェンドリン・クリスティー（女優）といったフォロワーが増えていったんです。彼らがケイティ・グランド（スタイリスト / LOVEマガジン編集長）に僕の服を見せてくれたようで「LOVE」マガジンに掲載されることになり、年明けに僕が新作をインスタに載せたらケイティから夜中にDMがきて、その場でショーをすることが決まった——という流れです。—かなりスピーディーですね。グローバルなファッションシーンでは無名に近かったかと思いますが、ショーが注目を集めて一躍時の人に。　自分でも信じられないような展開でした。海外には広めたかったけど、ショーをしようとは思っていなかったので。それ以前はコスチュームとして扱われることが多かったのですが、ファッションブランドとしてカテゴライズされるようになって、ショーの直後から様々なオファーがくるようになりました。2年掛かりのジュエリードレス—数々の雑誌を飾ったり、グローバルブランドとの協業が増えていきましたね。　一番最初に声を掛けてくれたのは、フランスのジュエラー「フレッド（FRED）」です。フレディズという人形型のペンダントブローチのコレクションでコラボレーションすることが決まって。—ジュエリーデザインは初めてでしたか？　はい。なので「服じゃなくてジュエリー？」と驚いたんですが、すごく光栄でした。イメージしたドレスの再現力は予想以上でしたね。オーガンジーの軽さをゴールドのメッシュで表現していたり、人形の髪の質感から靴まで、この技術と美しさは本当にすごい。ローンチまで丸2年かかりましたが、発表してすぐに四国に住む方から問い合わせが来たそう。もしドレスもオーダーしてくれたら、すぐに四国に飛んで行って仕立てたいです（笑）。—2020年は「エミリオ・プッチ（EMILIO PUCCI）」とのカプセルコレクションの発表、そして「LVMH Young Fashion Designers Prize（LVMHプライズ）」のファイナリストに選出されたりと、目覚ましい活躍です。　色々な方との出会いが大切だなと改めて思います。コラボって世の中に溢れているけど、どちらかだけではできないことが実現したり、相乗効果で高め合うのが本当の意味での協業ですよね。憧れている人に認知されるだけでも嬉しいですし、認められるというのはすごく勇気づけられる瞬間です。—今年7月の京都・二条城で開催したショーでも「協力があってこそ実現した」と話していました。　京都の老舗企業や、個性豊かなモデルとか、多くの協力を得て服の持っている力を最大限に引き上げることができました。当日は大雨でハラハラだったんですが、本番前に止んで綺麗な月が見えて、あれはきっと、みんなの思いが通じた奇跡（笑）。ニューヨークとはまた違うショーの意味がありました。—神社仏閣の装飾などからも着想を得たコレクションでしたが、もともと日本古来のものに関心があったそうですね。　親が働いているのが親戚の会社で葬儀屋なんです。なのでお寺に行く機会も多かったりとか、仏像に興味を引かれたり、そういう部分が当たり前に自分の中にあると思います。後から気付いたんですが、花環とかなんとなく僕の作風に通じる部分がありますよね。全く由来のないものを掘り起こしてデザインソースにするよりも、実際には身の回りにあったものが一番大きなインスピレーションだったりするものだと思います。得意なものを一つ手にして世界へ—"シンデレラストーリー"といった成功話として語られることが多いと思いますが、これまで行き詰まったことはありませんでしたか？　葛藤することはありました。一時期、海外を見据えて「ここのがっこう」に通っていた頃、発表会で外部の方が審査に来られるんですが「何をしたいのかわからない」と酷評されたことがあって。それで「くそ〜」と思って反骨精神というか、普段はワンレイヤーで作るドレスを3枚とか4枚とか重ねて巨大なドレスを作ったんです。後日その作品が目に留まってニューヨーク行きのきっかけになり、デビューショーのラストを飾って、メトロポリタン美術館に買ってもらい所蔵されることになった。当時はムカッとしましたけど、今となっては辛口の評価をしてくれた方に感謝ですね。思い出深いドレスです。—前例がないというか、色々な意味でデザイナーズブランドの型にはまらない新しい道を切り拓いています。　自分が20代の頃にいたらいいなと思っていたような、ひとつのロールモデルになれたらとは思います。これまでに無い道や、カテゴライズできないものを目指していくと、受け取る側の耐性ができていなかったりするので、それを打ち破くような。例えば公的な支援などを見ても、売り上げを伸ばしてブランドを大きくしていくための支援しかなかったりという現状なので。—その点、海外の方がフラットかもしれません。　そうですね。自分が海外で評価されたのは、商業的ではない視点でフラットに見てもらえたという部分が大きいと思う。既存のカテゴリーから外れても、新しい時代のファッションのあり方の一つして認められたらと思いますね。今は大量生産・大量消費のスタイルは合わなくなってきているし。得意なものを一つ手にして世界に出ていくことができる時代。自国だけの内輪意識みたいなものではなく、もっと外を向いて行けたらとも思います。—コロナによって一新される部分もありそうです。　こういった時期だからこそのチャンスもあるんじゃないかな。例えば今年、VOUGE USの企画でジョン・ガリアーノと僕が一緒に仕事をするなんて、夢にも思わなかった。アナ・ウィンターがガリアーノに打診し、ガリアーノが自分を指名してくれたみたいで、ものすごく嬉しかったし刺激になりました。—お互いの作品を使って新しいデザインにアップサイクルするという内容の企画でしたね。トモさんがこの世界を目指すきっかけがガリアーノだった、ということを彼は知っていたのでしょうか。　たぶん知らなかったと思う。最初に知ったのは2016年にレディー・ガガが着た時だと言っていました。—色々な事が今に繋がっているんですね。　僕はラッキーだなと思います。コツコツ積み上げて、少しずつ更新してできることを増やしてきましたけど、何でも作れるデザイナーではないですから。ただただ、得意なことを伸ばしてきた。—今年はTシャツやバッグなど、フリルを使った既成のオリジナルアイテムを販売しました。　10周年の記念ということで限定的に販売したら、思った以上に好評でした。少し前に青山を歩いていたら僕が作ったフリルの匂い袋をバッグに付けている方がいて、思わず「あー！」って言って、「どこで買ったんですか？」って聞いちゃった（笑）。街で偶然見かけるなんて初めての経験だったので。たぶん、またしばらく既製品の販売はやらないと思いますけど。—ショーピースについては購入することもできるのでしょうか。　量産はしませんが、オーダーメイドという形で特別に作ることはやっています。—フリルひとつにもまだまだ可能性がありそうです。これからの10年はどんなことをやっていきたいですか？　まずマイペースに続けていくことが目標ですね。飛ばしすぎて途中でできなくちゃっちゃうのも悲しいし。それから教育分野や若手支援には関わっていきたい。これからもきっと人の力を借りることがありますが、今度は逆に自分が若い世代にチャンスや力を与えるようなことができたらとも思っています。（聞き手：小湊千恵美）

FRED

トモ コイズミ「得意なものを一つ手にして」　フリルドレスが紡いだ10年

■夜の二条城でランウェイショー　トモ コイズミによる国内のランウェイショーは、2019年10月に東京で開催されて以来2回目。今回は、ファッションディレクターの三浦大知からの声掛けをきっかけに、日本の資源や文化、精神性を見直し継承するという小泉の意思のもと、京都の老舗企業などから多くの協力を得て実現したという。　招待状にはブランドの象徴的なフリルがあしらわれており、当日は約100人の招待客が様々なカラーのフリルを手に二条城の東大手門をくぐった。雨上がりの三日月と提灯の明かりに照らされた砂利道を進んで清流園へ。池の周りにクリアチェアが置かれ、ゆったりとした音楽と蛙の鳴き声がこだまする。■日本の伝統をドレスに　ショーの始まりを告げたのは、能の囃子方。続いて白と赤の獅子が現れ、豪壮華麗な「石橋」の舞がオープニングを飾った。 　神聖なムードに包まれた庭園に登場したファーストルックは、白地に朱赤が混じったフリルドレス。フィットしたボディとボリュームのあるフリルのコントラストが優美なプロポーションを生み出している。続くスタイルもフィット&フレアをベースとしながら多様なシルエットで、帯を用いたり日本人形のようなメイクなど和洋折衷。ペットボトルのリサイクル素材を用いているというフリルの色は、単色からマルチカラーへと変化していった。　今回の特徴は、丹後ちりめんのデッドストックや、服部織物の西陣織など、小泉が京都の工房を巡り伝統工芸に触れる中で出会った生地。またドレスを彩る横振り刺繍は、神社仏閣の装飾などがインスピレーションとなった。何百年と受け継がれてきた伝統への敬意と憧れを、既成概念に捉われないトモ コイズミならではのアプローチで表現し、手仕事がドレスの美しさを引き立てている。なお、ショーピースは無駄のないオーダーメイドで提供するという。 ■希望と祈りを込めて　ショーのフィナーレは、池を囲むようにして全モデルが立ち、庭園に色とりどりの花が咲く夢のような世界が広がった。今回のコレクションに込められたのは「希望」や「祈り」。ブランドを立ち上げてから10周年を迎えた今もなお「ピュアな気持ちで服を作りたい」という小泉は、「心の救いになるような、より美しいもの」への思いが増し続けているという。

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