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セントラル・セント・マーチンズ 2024年MA卒業の注目株を紹介

　セントラル・セント・マーチンズで2016年から、学士課程のファッションコースでリーダーを務めるサラ・グレスティ（Sarah Gresty）教授が8月末に来日。「リトゥンアフターワーズ（writtenafterwards）」を手掛ける山縣良和が主催するファッションスクール「ここのがっこう（coconogacco）」を訪れ、生徒たちの作品を見ながらコミュニケーションを図った。　グレスティ教授は、現在「バーバリー（BURBERRY）」のチーフ・クリエイティブ・オフィサーであるダニエル・リー（Daniel Lee）をはじめ、キコ・コスタディノフ（Kiko Kostadinov）やモリー ゴダード（Molly Goddard）、チャールズ・ジェフリー（Charles Jeffrey）ら業界からも注目を集める人気デザイナーを指導してきたという。教え子であるマティ・ボヴァン（Matty Bovan）によるワンピースをまとった彼女に、大事にしている教育方針や、現在の教育現場での課題などを聞いた。メッセージを発信するプラットフォーム作り－セントラル・セント・マーチンズの教育方針を教えてください。　セントラル・セント・マーチンズの精神は、学生が自分たちにまつわるストーリーや世界に伝えたいメッセージを発信するプラットフォーム作りにあります。私の教えているBAファッションでは、ニット、ウィメンズウェア、メンズウェア、プリント、コミュニケーションの5つのコースがあり、パターン作りや素材を理解するトレーニングを行いながらも、単に服作りをするのではなく、それぞれが自分に向き合って制作を行っています。ここのがっこうでも、同じような方針を取られていますね。－学生の特徴は？　世界中の学生が集まることでしょうね。イギリス全土からはもちろん、ヨーロッパ諸国、アジアなどそれぞれのルーツを持つ学生たちに出会うことができるのが魅力です。そのような環境で、必然的に他国のカルチャーに触れることができるので、学生同士が刺激を与え合っていますね。例えば、ロシア人の学生が祖母から教わったニットの技術を見せてくれたり、中国の学生が母国の伝統的な文化を題材にしたりと、みんなそれぞれのアイデアを持ち寄っているのが面白いと思います。ブレクジットとコロナ禍の影響－ブレクジット（イギリスの欧州連合離脱）の影響はありますか？　はい、大きく状況が変わってきました。これまでEU加盟国の学生たちはイギリス人と同じ学費で通うことができましたが、現在は高額なインターナショナルの学生と同じ扱いに。学費が上がってしまったことやビザの取得などが留学のハードルになっていますね。またブレクジットによって、イギリスの学生たちが卒業後にフランスやイタリアで就職する際にも、ビザ取得が必要になるようになったのも課題です。加えてイギリスの経済状況も良いとは言えないので、学生たちがロンドンで暮らすことも容易ではないとも感じますね。その他にも、学生をサポートするチューターの国外からの雇用や、素材の調達などあらゆる面でもブレクジットの影響が見られます。－コロナ禍を経て、学生に変化を感じられますか？　コロナ禍や社会問題の影響で、傷つきやすい学生も増えているように見受けられますね。これはファッションの学生だけではありませんが、学生のメンタルヘルスは問題視されています。これまでチューターたちは学生のベストを追求するために、背中を押す役割を果たしてきましたが、今はプッシュしすぎると追い込みすぎてしまうことにもなってしまうので、各学生に合わせて接し方を考えています。－その影響は作品にもあらわれていますか？　この数年は保守的になる学生も多く、以前よりコンセプチュアルな作品は減ったように思います。また、ダークな内容を題材にした作品が出てくる学生も増えました。作品をプラットフォームに、学生たちが考えていることや思いを伝えることは大切にしていることですが、本当に悩んでいる学生はカウンセラーがつくこともあります。注力するリジェネラティブデザインの教育－現在、セントラル・セント・マーチンズではリジェネラティブデザイン（再生型デザイン）の教育を推進しているそうですね。　入学したばかりの1年生は、白い布を使って服を作り、ファッションショーを開く「ホワイトプロジェクト」に取り組みます。25年以上前から続く、伝統的な授業プログラムですが、今年から循環型に切り替わりました。学生たちが使った白い布は、スウェーデンに送られて繊維に戻り、ポルトガルで糸になり、イタリアで生地として再生されます。そうして翌年もその生地を用いて、「ホワイトプロジェクト」を行う仕組みができました。また学校には、企業からのデッドストック生地やリサイクル素材の寄付も増えており、学生たちにそれらを使用するように推奨しています。実は日本の東レからも植物由来の原料を使用したウルトラスエード（Ultrasuede）を提供してもらい、学生たちの制作に活用しているんですよ。－サステナビリティとリジェネラティブはどう異なるのでしょうか？　現在はもうサステナブルデザインという言葉は使えなくなっています。完全にサステナブル（持続可能）なものは存在しないので、循環させることを基本としたリジェネラティブデザインの方が適切だからです。今年に入り、スペイン出身のニットウェアの学生が生分解性のニット作品を発表しました。長い道にはなりますが、将来はこういったデザインが自然に生まれていく、環境にしたいですね。リジェネラティブデザインを学べるコースの開発も視野に入れています。 大杉真心 （Mami Osugi） ファッション リポーター 文化女子大学（現文化学園大学）とニューヨーク州立ファッション工科大学（FIT）でファッションデザインを学び、ファッションブランドやセレクトショップで販売職を経験。「WWD JAPAN」で記者として、海外コレクション、デザイナーズブランド、バッグ＆シューズの取材を担当する。2019年にフェムテック分野を開拓し、ブランドや起業家取材を行う。21年8月に独立し、ファッションとフェムテックを軸に執筆、編集、企画に携わる。22年4月に文化学園大学の非常勤講師に就任。

セントマ教授が語る、サステナブルデザインより重要な「リジェネラティブデザイン」とは？

カニエとの仕事は「本当に“クレイジー”」。ブランドを立ち上げるまでの20年―ブランドを立ち上げるまでの経歴は？　まず10代の時に2年ほどビームスで働いて渡英し、サヴィルロウにあるテーラー ハンツマンで働きはじめました。主にビスポークのお客さまを相手に、採寸をしたり、どんな生地で仕立てるかのご用件を聞いたりする立場。顧客には、王室の方などもいて、日本人である僕がヨーロッパの方にドレスコードのルールをお教えするのが、とても面白い光景でした。―セント・マーチンズでは何を学んだ？　セント・マーチンズには、学生ビザを取得したかったこともあり入学しました。毎日授業があるわけではないので、日中はハンツマンで働きながら、提出物がある日に大学に行くような生活を送っていました。　僕がセント・マーチンズに通っていた時代は、洋服の作り方を学べるようなクラスはまだ少なく、ひたすらヌードデッサン。当時はハワード・タンギー（Howard Tangye）という有名な画家が教授だったんですが、とにかく絵を描くことしか教えてくれませんでした。　その時、教授に言われたのが「大学を卒業して得られる仕事以上のことをハンツマンで学んでいるんだから、そんなに学校に来なくていいよ」って（笑）。その教授とは今でもやり取りをする仲なのですが、大学に通う目的はあくまで、自分の強みを見つけて伸ばすこと。その個性をブランドで発揮することが一番大変だから、という考えは、精神面でもとても勉強にはなりました。―在学中にガレス ピューに就職しています。　ガレス ピューからオファーをもらい在学中にファーストアシスタントとして働きはじめました。小さなブランドだったので、正社員的なスタッフが僕と事務の2人だけ。なので、コレクションのデザインからドレーピング、パターン制作、コンセプト決定まで、全ての業務に関与できました。当時のガレス ピューは、すごくホットなブランドでもあったので、ビヨンセやリアーナのコスチューム制作なども手掛けてましたね。　ただ、働いていた期間は半年ほど。その間に、カニエさんからオファーをもらい、彼がロンドンに新しく構えたオフィスですぐに働きはじめました。メンズやウィメンズコレクション、カニエさんのコンサート衣装などを担当しましたが、ここでの経験は、もう本当に“クレイジー”でしたね（笑）。―Yeことカニエ・ウェストさんは今何かと話題の人物ですよね。 　当時は、朝10時から明け方4時くらいまで、寝る時間を削って働く生活を1年半～2年ほど続けました。特にカニエさんとの思い出で印象に残っているのは、他人に対して、わざと悪く振る舞うクセがあったこと。有名が故にたくさんの人たちが近寄ってくるので、自分自身のふるまいを「砂金を集めるために、ザルでふるいにかけている」と例えていました。人にあえて失礼な態度を取れば、それでも俺のことを好きな奴だけが残る、といったエゴイストな感じで。―桑田さんに対して、カニエさんはどう接していたのですか？　イギリスにオフィスを新設した当時は、中心的なスタッフが僕を含めて若手2人だけ。僕らはお金のことも気にせずがむしゃらに働いていたので、すごく気に入られていました。全てのスタッフが黒い服を着るルールだったんですが、僕だけ唯一「何を着てもいいよ」と言ってもらえて。当時、カニエさんは古着のことをあまり知らなかったのですが「リーバイス（Levi’s®）」のヴィンテージに価値があることを教えたら興味を持ってくれるなど、お互いに共感できる部分があったので、とても重宝してもらいました。―オフィスでの桑田さんの役割は？　僕はデザイナーとして、ひたすらスケッチを描いて、それを基にチームで服を作っていました。超一流の生地や刺繍メーカー、パタンナーとやり取りする中で、普通なら10年働いて得る経験を数年でさせてもらえたと思っています。お給料をもらいながら、いい大学に通っているような感覚で、しんどかったですが、学びは多かったですね。　他にもスタッフはたくさんいましたが、とにかく入れ替わりも激しかったですよ。コンサルタント契約のような形で携わっていたデザイナーの中には、現ジバンシィのマシュー・M・ウィリアムズ（Matthew M Williams）や「サンローラン（SAINT LAURENT）」のアンソニー・ヴァカレロ（Anthony Vaccarello）など、後に有名になった方も多くいました。カニエのパパラッチを追いかけたことも―貴重な経験ですね。　横でいきなりレコーディングをはじめることもあれば、クリスマスの日にカニエさんの写真を撮ったパパラッチを追いかけてカメラを押収したことも。一緒に入ったスターバックスで、コーヒーを飲むためにいつも被っているフーディーを取ったら、店内が騒然となったこともありました。毎日がリアルじゃなかったです（笑）。　ただ、僕がひとつ言えることは、人種差別も人を傷つけることもすごく嫌う方。お金にも執着がないので、今はエッジの効いた部分や発言が、ちょっと裏目に出てしまっているのかなと思います。規格外の性格でしたけれど、とてもピュアな方でしたね。―リカルド・ティッシ（Riccardo Tisci）時代のジバンシィでも働いていたそうですね。　ジバンシィでは、パリコレのためのショールック50体ほどを制作する“キャットウォークチーム”に所属し、メインデザイナーとしてひたすらデザインを描くという仕事をしていました。数千人のスタッフがいる大規模な会社では、デザインチームに入っても、結局ポケット一個をデザインして終わりといったことも珍しくない。どのブランドでも“ちゃんと”デザインに携われたことは、僕のキャリア的にもとてもラッキーでしたね。―その後、アメリカへ渡った目的は？　当初からアメリカにも行きたいと考えていたので、「イードゥン（EDUN）」で働きはじめました。「トム フォード（TOM FORD）」からも同時にオファーをもらっていたのですが、イードゥンは当時からサステナビリティを全面に打ち出していたブランドで、ミッションがアフリカの方を助けることでした。さらに、ブランドのスタイリングを手掛けていたのが、フィービー・ファイロ（Phoebe Philo）時代の「セリーヌ（CÉLINE）」を有名にしたカミラ・ニコルソン（Camilla Nickerson）という方で、彼女と一緒に働ける点も入社の決め手になりました。セント・マーチンズ合格を蹴って、10代でビームスに―毛色の異なるブランドの経験から学んだことは？　ハンツマンでは、生地の特性や着こなしのルールを、カニエさんの元では、よりファッションに特化した生地や革製品の加工を徹底的に学びました。ジバンシィでは、ショー用の服に携わることで、人々に夢を与える表現方法に触れることができましたね。　でも、一番勉強になったのは、10代のときに2年ほど在籍したビームスでの経験。梅田の複合店で働き、クロージングとインターナショナルギャラリー ビームス（International Gallery BEAMS）を担当していたのですが、店のスタッフもバイヤーの方も知識が豊富で、それが僕自身の“根っこ”になっている。海外に行ってからは、ビームスで学んだことの復習作業のような感覚で、その知識を色々な場所で活用しました。―渡英前にビームスで働こうと思った理由は？　実は、ビームスで働きはじめる前の高校卒業時にも一度セント・マーチンズに合格していたんですが、当時の親からしたら「セント・マーチンズって何？海外で勉強することって何？」という感じで。とはいえ、学費を出してもらう必要があったので、大学に進学する代わりにビームスで働きはじめた、という経緯があります。ブランドの立ち上げは海外に行く前からの夢―華やかな経歴の中で、セッチュウの構想はいつ頃から？　21歳で渡英する前から「いずれは自分のブランドを持ちたい」と考えていたので、世界に通用する服を作ることを目標に、さまざまな街やブランドで経験を積みました。はじめに住む国は、ロンドンかミラノで迷っていたのですが、英語も出来ないのにイタリアに行くのは無理だなと思い、ロンドンに。　当時から、ある程度のライフプランはありましたけど、気持ちは片道チケットだけを買って「将来デザイナーになるぞ！」という感じで。現金も持っていったのは500ポンドだけ。親も1週間で帰ってくると思っていたみたいです（笑）。―コロナ禍真っ只中。2021年春夏シーズンに始動した理由は？　2020年にブランドをスタートする計画を立て、コレクションの施策作りのために一度帰国したのですが、同じタイミングでコロナがはじまり、結局、それ以上の作り込みが出来なくなってしまいました。そこからイタリアで全てのサンプルを作り直すことになったのですが、それがきっかけで完成したのが、ブランドのアイコン的な「折り紙ジャケット」です。―セッチュウの特徴でもある「折り紙」の要素は、偶然から生まれた？　偶然でもあり必然でもあります。両親の教育方針だったと思うのですが、僕が幼少期の頃は家におもちゃがなくて、常に置いてあったものが紙とペン＋折り紙。特に折り紙は、2Dのものが3Dになる服のパターンの典型のようなもので、折り紙で出来る造形美やパワーは日本人ならではのものです。僕の中には「クラシックなものに、少し違う要素を入れる」というのが常にあるのですが、折り紙の要素もそのひとつです。―ブランド名の由来でもある「折衷」的なデザインとは？　「クラシックなものに一捻りを加える」という意味で、ブランド名を「セッチュウ」にしました。今の時代は、似たようなデザインの商品がすごく多くて、結局売れるものを作っていくしかない。だとしたら、元々あるクラシックなものを新しくしたいという思いを持っています。ただ、僕たち日本人の洋服の歴史は、たかが70〜80年。その中で何ができるのかを考えたときに、19世紀に唱えられた「和洋折衷」の概念が一番当てはまるのでは？と前々から感じていました。　日本人が海外に出た瞬間も、日本のスーパーマーケットで“イタリア風サラダ”を買って醤油をかけても、それは、ある意味「和洋折衷」。こうした概念をシークに、ラグジュアリーにアプローチしていきたいですね。―それは温故知新のような意味とも重なる？　僕が言うクラシックは、「古い」という意味ではなく、ある一定の長い期間支持されているもの。例えば、コカ・コーラの味も、リーバイスの501も、サヴィルロウのシングルブレストも、「シャネル（CHANEL）」のN°5もクラシックで、それらはほぼ西洋で作られている。　今は、折り紙の要素を取り入れた「和洋」なデザインですが、将来的には「英米」の折衷でも面白い。水と油でも、料理の仕方によっては中和するようなことを、服を通して表現していきたいです。こだわり抜いたオートクチュールレベルの素材―セッチュウの服の強みとは？ 　ひとつは、“ありえないレベル”の贅沢な生地を使用していること。例えばサヴィルロウのビスポークには、生地により「ABC」のランクがあるのですが、一般的に高級とされるSUPER120'sのウール生地でも「C」ランクです。セッチュウでは生地からオリジナルで作っていて、素材へのこだわりやマニアックさはオートクチュールレベル。　最近では、サンローランも手掛けるイタリアの工場で、モヘアの素材をギャバディン（Gabardine）織と呼ばれる織物にしてもらい、1960年代にイギリスの若者たちがこぞって着ていたようなトニックモヘアの風合いを現代的に再現してもらいました。色からオリジナルで染色し、ブラックも漆黒のような色合いになるように仕上げています。　親交の深い生地屋とは、「サトシ、その生地を俺たちにも売ってくれ。その代わりに、この生地をちょっと安くしてあげるから」というやり取りもある。持ちつ持たれつな関係性で、商品の価格のバランスを保っていたり、クリエイティブ面で僕がアイデアを提供する代わりに特別な生地を作ってもらったり。なので、同じ価格帯のブランドと比較しても「セッチュウ」ではかなり良い生地を使っていると思います。―他にも？　一般的なブランドではデザイナーが絵を描いて、パタンナーが製図してという分業が多いのですが、セッチュウではデザインからドレーピング（立体裁断）までを僕が一貫して手掛けています。商品はイタリアの工場で生産していて、その工程はほぼ手作業。折り紙ジャケットも職人さんたちがひとつずつ丁寧に生地を折り、縫い付け加工をしています。―コレクションのアイテム数は？　定番も含めて約70型前後。型数は少しずつ増えています。かつてのメゾンブランドでの経験から、毎シーズン真新しい要素を入れることに疲れたというか。大きなファッションシステムの中で、コレクションの鮮度が失われるのであれば、同じものを作り続けても、逆に面白いのでは？と感じるようになりました。“正直なもの”を作るために―今後のブランドの構想は？　会社を大きくしていく上で、コマーシャルなアイテムを作っていくことはあると思いますが、今すぐではない。利益優先でやってしまうと、どうしても“正直なもの”が作れなくなってしまいます。まずは工場と一緒に成長していくことを大切に、徐々に生産量を増やす道を探っていきたい。今の時代、手作業で作る服はマーケット的にも希少ですし、その良さを壊すようなことはしたくないですね。―ショーをやる予定は？　現代ではファッションショーに新鮮味もリアリティもあまり感じないので、それほど興味がありません。デザイナーからするとショーの仕組み自体は意外と簡単で、お金さえあれば場所を借りて、特にコンセプトなしでモデルを永遠と歩かせるだけで出来上がってしまう。それよりも、実際に訪れた方に何かを経験してもらうパフォーマンスアートのような見せ方をしてみたいです。―多くのショーを経験してきたからこその意見ですね。　そうですかね。ジバンシィで鮮明に覚えているのが、入社して初めてのショーのフィッティングの時に、僕の目の前でモデルが着ている服が全身張り裂けたんです。そのままモデルが歩いて行くのを、僕も歩きながら縫い直すという作業をしながら、何をしてるんだろう…という気持ちに（笑）。だからこそ、本当にいいものを作って、実際に触れてもらえるような場の方が興味があります。

GIVENCHY

BEAMS

Central Saint Martins

SETCHU

【インタビュー】ビームス販売員からカニエのデザイナー、メゾンブランドへ──「セッチュウ」の桑田悟史が表現する“折衷”な美学

髙橋大雅が生前に遺したもの　1995年生まれの髙橋大雅は神戸市で育ち、2010年に渡英しロンドン国際芸術学校に、2013年にセントラル・セント・マーチンズのBAウィメンズウェア学科に進学。2017年に同校卒業後、自身の名を冠した「タイガ タカハシ」をニューヨークで立ち上げた。生前、ウィメンズ主体のブランド運営について「新しいものを作りたいとは思っていたが、しっくりこなかった」と話していたが、それは資本主義下で消費され続けるファッションに対する懐疑があったからだろう。実際、髙橋は「国籍や人種が一切関係のないフラットな芸術の世界においても、絵画や彫刻などの様々な普遍的な表現方法に比べて、衣服は人々の生活に寄り添い過ぎているため何かが違うと感じていた」と述べている。　こうした背景もあり、2021年秋冬コレクションから「過去の遺物を蘇らせることで、未来の考古物を発掘する」をブランドコンセプトに掲げ、メンズ主体に切り替えた。日本、イギリス、ベルギー、アメリカで10〜20代を過ごしてきて、自身の美に対する感性は日本にあると感じたという髙橋は「古くなることで出てくる味わいや、朽ちていく様子に対して美しさを見出す『さび』という日本古来の時間の意識が自分の作品にも強く影響されている。失われた古き良き西洋古来の洋服を、日本古来の伝統技術を用いて、私が甦らせる。明治維新の時代に生まれた和魂洋才の精神性がもう一度、現代においても必要なのだ」と自身のノートに綴っている。昔はどのように服が作られていたかという考古学の視点で、奄美大島に伝わる「泥染」など日本の伝統技術や天然素材を使い、現代で追体験しようというアプローチはバイヤーからも支持され、スーパーエーマーケット（SUPER A MARKET）や吾亦紅、本厚木のマスマティクス（mathematics）、ゴッファ（goffax）、カサノヴァ アンド コー（CASANOVA & CO）、キンク（kink）などの有力店で卸売を開始。作るべきものが明確になった髙橋は水を得た魚のように、「衣服は記憶を辿る装置」だと結論付け自身のクリエイションを追求していった。　2021年12月には京都祇園に店という名の総合芸術作品「T.T」をオープン。大正初期に建てられた町屋を総改築して作り上げたスペースで、1階ではコレクションやアート作品を展示販売し、2階には予約制の立礼茶室「然美」を開設。ものづくりの価値は歴史の中に既に存在しているのではないかという観点から歴史の背景や性質を研究し、自らの現代芸術作品の一つとして日本の美術の源流とも言える「茶の湯」の世界を再解釈した空間に仕上げている。20代デザイナーとしては異例のスピードで店舗出店を果たし、初の個展開催など様々なプロジェクトが控えるなど順風満帆だった矢先訃報が届く。2022年4月9日、致死性不整脈により27歳という若さで永眠した。受け継がれる意志、個展「不在のなかの存在」で表現したこと　「応用考古学」と髙橋自身が称した表現技法は死後、タイガ タカハシのチームメンバーによって受け継がれる。遺作となる展覧会「不在のなかの存在」の舞台となる両足院は、臨済宗建仁寺派の塔頭寺院で、起源である「知恩院」の創建は室町時代（1358年）。京都府の名勝庭園に指定されている藪内流5代目 竹心紹智（1678〜1745年）が作庭した池泉回遊式庭園を有する寺院としても親しまれている。　同展の出発点は、秋篠寺（776年建立）に安置されていた伝教脱菩薩立像という仏像の遺品を髙橋が購入したことに始まる。建仁寺は生前髙橋が足繁く通った場所で、展示の構想はかねてより親交があった両足院の伊藤東凌 副住職との会話から生まれ実現に至ったという。アートコレクターでもある伊藤副住職は「彼とはアートやファッションなどについて熱く語り、大変共感できる部分が多かった。展示を行うとなり、生前彼がここに作品を展示すればいいのではないかと言っていたことを思い出しながら展示方法を決めていった」と回顧している。なお「不在のなかの存在」という言葉は、逝去した日の1週間前にスマートフォンのメモに残されていた言葉だという。　同展は、庭園周辺と寺院の2つの間を使い、禅宗の寺院で御本尊を安置する「方丈の間」に主要な作品を公開。髙橋は10代の頃から服や古美術品を収集してきたそうで、その数は約2000点に及ぶ。「方丈の間」北側に位置する「大書院」には、髙橋の思考を巡るべく髙橋自身が蒐集した秋篠寺仏像の衣紋および当麻寺（612年建立）木造建築の残片を髙橋の言葉とともに展示している。　髙橋は、仏像に彫刻で描かれた布のドレープに魅せられ、西洋・東洋の古典的な彫刻のドレープ表現について広く考察。そこから石膏を用いてドレープを表現した作品「陰翳礼讃」や、彫刻家イサムノグチを長年支え続けた石彫家 故和泉正敏との共同制作による玄武岩を使用した作品「時間の天衣」などを展示している。　髙橋は自身のノートで三島由紀夫の「金閣寺」を例に挙げ、形ある物が滅びることによって永遠性を帯びる美学についても言及している。つまるところ彼が目指したのは衣服が持つアイデンティティからはほど遠く見える「永遠性の美学」であり、時代を超えても存在し得る価値の追求だったのだろう。「未来は過去にある」という言葉からも、死により彼が過去の存在となったとしても思想や美意識が踏襲されブランドが続いていく限り、過去は未来へ、「永遠性の美学」の追求は今後も続いていくだろう。　また、同展を記念して、12月3日から総合芸術空間「T.T」ではインスタレーション「時をうつす鏡」、HOSOO GALLERYでは「Texture from Textile Vol. 2 時間の衣-髙橋大雅ヴィンテージ・コレクション」を開催。「時をうつす鏡」では、1910年頃のアメリカのカバーオールジャケットや1920年代の「J.C.Penney」のデニムトラウザーズといったコレクションアイテムの着想元となったヴィンテージに加え、同ブランドの過去のコレクションを展示販売。会場では、同カバーオールを原型に、袖を立体から平面にパターン変更するなどシルエットやディテールを見直した30着限定アイテム（税込5万5000円）の受注販売も行う。　「Texture from Textile Vol. 2 時間の衣-髙橋大雅ヴィンテージ・コレクション」では、髙橋が蒐集した主に1910〜1950年代の服飾資料コレクションを披露。1910年代の人体に即した立体的なジャケットから、1930年代の米国で発展した大量生産により簡素化された直線パターンのジャケットへとフォルムが変遷する歴史など、時代のグラデーションを意識した構成で、髙橋が1930年代の削ぎ落としたフォルムと着物の直線的パターンに類似性を見出し、着物が時代を超えて引き継がれていることから米国の合理性と和装の精神を融合することで「永遠性の美学」を追求できないかとデザインしたタイガ タカハシのアイテムの背景を読み解くことができる展示となっている。キュレーターの井高久美子は「2000という膨大なアーカイヴは体系化されて保管されていなかったので、まず年代毎に整理して時代のコンテクストを読み解くところからスタートした。髙橋さんが実践していた考古学としてのアプローチを、考古学の解釈で読み解くことに専念した」と話している。

Taiga Takahashi

受け継がれる意志、27歳の若さで急逝したデザイナー・現代美術家の髙橋大雅がこの世界に遺したもの

Tom Lorimer：イギリスのブリストル大学で政治学を学ぶ傍ら学部長に選出。アーティストイベントマネージメントのビジネスを開始し、2015年にロンドンに移住。キャリアチェンジを考え、一流プレミアムアイスクリーム事業のPOPS創設パートナーになる。2018年のPOPS買収を機に退任し、スタートアップ飲料ブランドのコンサルタントとして活躍。これまでに音楽・フード・カンナビスに渡る幅広いジャンルでキャリアを積む。その後、睡眠トラブルを抱えはじめことをきっかけにCBDに出会う。2019年にGemmaとJamesの夫婦デュオとともにオトを設立。ーCBDブランドの勢いは年々増しています。トムさんたちがオトを創業した理由は？　まず、私自身がCBD製品を使ってライフスタイルが充実した経験があったのが理由のひとつ。オトを始める前もいくつか事業を手がけていてプレッシャーがかかる生活だったので、睡眠障害を抱えていました。処方薬も含めてさまざまな手段を試しましたが自分に合うものに出合えなかったのですが、CBDを使うようになってからは、入眠がスムーズになった実感があったんです。ただ、機能性は素晴らしくても舌下摂取タイプのものは苦かったり、デザインもしっくりくるものが無かったりと、使い続けたいと思えるものがあまりありませんでした。共同創業者のジェマとジェームズともその点で意見が一致したので、私たちで機能性が高くラグジュアリーなCBDブランドを作ろうと話したんです。ー確かに、現代社会は何かとストレスを受けやすいですよね。　そう感じますね。でも個人的な意見としては、睡眠障害などストレスによるダメージを受けたからこそ、日々自分の状態に向き合うようになり、疲れている時は無理をせず休息をとってリフレッシュできるようになったので、今は辛い時を乗り越えた意義があるとも思っています。ー近年は世界的なCBDブームで新しいブランドも続々と登場していますが、オトの特徴は何でしょうか。　オトでは睡眠を特に重要だと考えていますが、質の良い睡眠のためには1日のリズムが大事です。そこで1日を起床後、お昼時、夜のリラックスタイムといった3つに分け、毎日のルーティーンの中で、時間帯ごとに最適な状態へと導けるようなラインナップを構成しました。実はCBDには質の良い睡眠をサポートするほか、抗酸化やアンチエイジングも期待できるんです。商品開発では、こうした副次的な側面も実感できるような機能を重視しました。ーブランド名の「オト」は日本語の「音」が由来なんですよね？　そうです。ジェームズが来日した時に東京を散策していたら、大通りから一歩路地に入ると静寂が広がっていて、都会の喧騒と静寂が同居する様子がとても気に入ったと言っていました。その経験から、多忙な日常の中で静寂と自分の内なる「音」に耳を傾ける瞬間を最大限に感じ、ブランド名をつけるとともに、ニュートラルな状態を保てるようなブランドの世界観を作り上げていきました。ー日本の文化が参考になった点はほかにもあるでしょうか。　日本語にしかない表現で「木漏れ日」という言葉がありますよね。自然が生み出した美しい情景でありながら、とても繊細な状態を表していると思いますが、この絶妙なバランス感をオトでも大事にしています。ー数あるCBDの中でもユニークなコンセプトだと思います。成分や処方にも特徴はありますか？　これは私が一番好きな質問です（笑）。ウェルネスをサポートするラグジュアリーなCBDブランドを作りたいと思って始めたので、市場調査や商品開発にはかなりコストを費やしました。すでに多くのCBDブランドが存在する中で、たとえCBD成分が入っていなかったとしても高機能で価値のあるブランドに育てることが、ブランドの価値につながると考えました。ーつまりはどういうことでしょうか？　すべての製品は100％ヴィーガンでクルエルティフリー。香りにもこだわっていて、エッセンシャルオイルはインドのアーユルヴェーダを参考にしたブレンドで、1日のシーンの中でマインドをサポートできるようなものに仕上げました。これだけでも十分、高品質な製品として発信できますが、加えてCBD成分はピュアCBDと呼ばれるものを厳選し、最適な濃度に調整したものを採用しています。ーご自身の経験から特に睡眠にこだわった商品が豊富ですね。　さまざまなライフスタイルに寄り添いたいので、その人にとって取り入れやすいものを選んでもらえるように睡眠をサポートするアイテムには特に力を入れました。舌下摂取タイプのオイルは就寝時に使っても不快感を感じないように「えぐみ」を最小限に抑えていますし、こめかみや手首に塗布するロールオンタイプで夜におすすめな香り「バランス」は、ラベンダーやカモミール、カジェパットをブレンドし、安らかな夜の休息を助けてくれます。それから、市場にはあまりなかったCBD入りのピローミストを開発しました。就寝前に枕にひと吹きするだけなのでとても簡単に取り入れられます。ーより良い睡眠のためにCBDを訴求するブランドは多いですが、ピローミストが少なかったのは意外です。　ほかのブランドのことは分かりませんが、私たちが研究から開発まで基本的にインハウスで行うからこそ実現できたのではないかと思います。私たちが使うCBDは天然由来のためとても不安定で、ほかの成分との組み合わせると安定させるのはさらに難しいんです。どの商品もCBDにエッセンシャルオイルと有効成分を取り入れて一番良い状態に保てるように研究を重ねています。就寝時のお供としてピローミストはどうしても作りたくて、何度も試作を重ねて商品化できました。ー商品デザインではモノクロを基調に文字のゴールドがアクセントになっていて、落ち着いた雰囲気ですね。　ブランドのクリエイティブを担当するジェマはセントラル・セント・マーチンズ出身で、ファッション業界でも活動してきたので、プロダクトデザインとマーケティングの知識が豊富です。ユニセックスで使えて、ベッドサイドやバスルームに置いても洗練されたラグジュアリーなムードがあり、ブランドの世界観も落とし込まれたもの。例えば、両開きのディスカバリーセットは、箱を開く時に極力ノイズが発生せず、左右に箱をスライドして中央から静かに商品が現れる様は、「喧騒と静寂のはざま」をも表現しています。 ーこだわりのデザインや成分・処方によって、イギリスではハロッズやセルフリッジなど高級百貨店で展開していますが、なぜ日本での販売を決めたのですか？　先ほどブランド名の由来を説明しましたが、ブランドの起源から日本とは深い結びつきがありますから、いつか進出したいと考えていました。ビジネス的には海外に比べてCBD市場の伸び代があるのも理由のひとつです。また、日本は先進国の中でも平均睡眠時間が少ないというデータもあるので、私たちが心地よい睡眠の手助けをできたらと思ったんです。ーコロナによって世界的に人々のストレスは高まり、CBDへの注目度も高まったように思いますが、ビジネスに影響はありましたか？　ブランドを創業した2019年以来、急速に成長してきましたが、イギリスはロックダウンがあったので、それまでの戦略をガラリと変える必要がありました。投資の選択と集中ということで売上が期待できる店舗を残して、積極投資したことでダメージは最小限に抑えられたと思います。コロナ禍で人々がストレスを感じる場面が増え、リラクゼーションアイテムへのニーズは急激に高まったこともあり、売上も大きく落ち込むことはありませんでした。全てをストップするのではなく将来性を考えて進み続けました。実はアメリカや香港への進出もコロナ中に決めたことでした。今年の売上はグローバルで400万ポンド（約6億6000万円）を見越しています。ー今後はどのような商品を構想中ですか？　日常で感じるストレスに対して、私たちがどうやって手助けできるかを常に考えています。需要や効果の調査を経て、そうした悩みをサポートできる商品を展開していきたいですね。睡眠以外に更年期にも注目していて、CBDを軸にオトの姉妹ブランドのような形でラインナップできないか考え中です。イギリスでは更年期を迎えた人に向けたキャンペーンを実施済みで、ファッションデザイナーとコラボレーションした扇子を作りました。ホットフラッシュで辛くなった時に、素敵なデザインの扇子でクールダウンして少しでも気分を晴れやかにしてもらいたかったんです。ー更年期ケアアイテムでは、ヘルスケア領域に参入するイメージでしょうか。　CBDは薬品ではないので、ウェルネスのカテゴリーになるなと思います。オトと合体して相乗効果を生めるようなテクノロジーや素材の研究は常に進めているので、健やかな生活を長く続けてもらうためにプロダクトで寄り添っていきたいと思っています。ー今後の日本市場についてはどう考えていますか？　日本のマーケットに合う成分やプロダクトレンジを検討していきます。すでに販売中のアイテムでも、テクスチャーを日本向けに変更したものもあるんですが、日本市場については引き続き勉強中です。ありがたいことにお取引先さんとは密にコミュニケーションを取れていて、日本のお客さまの方向を向いて、需要に応えられる商品を開発したいと思っています。せっかく日本語をブランド名に冠していますから、これからもっと積極的に関わっていきたいと考えます。（聞き手 福崎明子、編集 平原麻菜実）

Beauty

英国発「ラグジュアリーなCBDブランド」OTOとは？　意外な日本との接点も

　話は少し横道に逸れるが、アメリカの批評家スーザン・ソンタグは著作「反解釈」の中で以下のように現代における批評を一刀両断にする。「現代における解釈は、つきつめてみると、たいていの場合、芸術作品をあるがままに放っておきたがらない俗物根性にすぎないことがわかる。本物の芸術はわれわれの神経を不安にする力をもっている。だから、芸術作品をその内容に切りつめた上で、それを解釈することによって、ひとは芸術作品を飼い馴らす。解釈は芸術を手におえるもの、気安いものにする。（中略）芸術作品を解釈しようとしてこれに近づく習癖があるからこそ、作品の内容が存在するという幻想が保たれるのだ」ー反解釈（ちくま学芸文庫）　要約すれば「作品の意図を考えるな、感じろ」とソンタグは説く。デザイナーの富永航は（なんとか囲み取材を実施しようと粘った）記者たちの前で「ファッションもまさにそれだな、と思う。解釈よりもまずは先に、自分が何に感動するかを考えながら作っている。正直コンセプトは『これはあの時、僕はこう感じたからこのデザインになったのかな』と後からついてくる」とソンタグの芸術反解釈論に追随した。　解釈は絶対的な価値ではないが、以上のことを考えるとファッションショーのレポートとは、ある一定の例を基に既存の枠で推し計り「別の似た何か」と比較し、追い求める作業に他ならない。加減を間違えれば、作品を矮小化することにも繋がるはずだ。芸術作品におけるアーティストや作者がそうであるように、服におけるデザイナーたちは少なからず「今まで誰も思いつかなかったものを生み出そう」と製作を続けているだろう。しかし、周囲の人間が「解釈」を行ってしまうことで、全てが等しく「別の似た何か」へと収斂されてしまうことは避けられない。そんな矛盾を抱えながら、囲み取材を行うつもりがなかった富永とソンタグに敬意を表して、本稿が解釈でも批評でもなく、あくまで個人的な所懐であることをあらかじめ断るとともに、今回のショー読解のヒントを一旦、過去に行った富永へのインタビューの中に求めることを先に表明しておきたい。　富永はしばしば「自由」にまつわる言葉を用いる。その語句は「男の子は青いもの、女の子はピンク色という世代で育ってきて、その区分がすごく煩わしかったからこそ、そういった隔たりを混ぜ合わせた服を作りたいという気持ちがいつもある」と言い換えられることもあれば「服という枠組みに限らず色々なことをやりたい」という言葉に昇華されることもあった。武蔵野美術大学在学中の留学や、卒業後の文化服装学院への進学、セントラル・セント・マーチンズへの再留学など、富永自身も自由かつ多角的にファッションを学んできた人物としても知られている。それらの事実も相まってか、会場で座席の役割を果たした高低差のある平台は遊具を、ややピンクがかった照明は夕暮れを彷彿とさせ、ショー会場は子どもたちが"自由"に遊んだ後、もぬけの殻になった夕暮れの公園を思わせた。そして何よりも、ランウェイを歩いたモデルたちの装いが、寝室に向かうパジャマを着込む遊び疲れた子どものように見えたのだ。　「今回のコレクションは、ブランドの世界観を出せるようにスタイリングにも意識を向けて作った。そんな中で、ルックの可愛さやスタイリングとしての面白さを、山縣さんやジュエリーデザインをしてくれた奥田浩太くん、ヘアメイクを担当してくれた河野富広さんと話しながら作れたことは楽しかったし、新しい発見が多かった」と富永が話すように、コレクションそのものも自由かつ戯れるように作り上げたことが伺える。　モデルが寝室に向かうパジャマを着た子どもにみえた要因には、フィナーレに大きな恐竜のぬいぐるみや、枕を思わせるクッション、布団のような反物の登場があるだろう。半透明の樹脂製シューズカバーに詰め込まれたおもちゃや、青空を想起させるプリントTシャツは子ども部屋を想像させる。また、大方キッズ用のパジャマにはイラストレーション化された花や動物、車、チェック柄などが総柄プリントされている。今回披露されたコレクション中では、それらのモチーフを写実化。パジャマという気負わない特徴と、モードファッションたらしめるデザインの間でバランスを保ち、程よいリラックス感のあるコレクションに仕上がっていた。実際に、今回新しく作ったテキスタイルは1990年代の雑誌で取り上げられた「海外のお部屋特集」に掲載されていたベッドシーツなどから着想を得たものも多いそうだ。　また、ピンクのダルメシアン柄やTシャツとかぎ編みワンピースをドッキングさせたアイテムなどからは、1990年代から2000年代にかけて流行したスタイリング「Y2K」を感じさせる。Y2Kはフューチャリスティックな要素を持ち、インターネットが浸透し始めた時代であることが取り沙汰されることも多いが「ストリート（STREET）」や「フルーツ（FRUiTS）」などのストリートスナップが、原宿などを中心に盛り上がりを見せた時代であることも忘れてはならない。富永は「自分のクリエイションにおいてストリートスナップはかなり影響を受けている。なぜならば、フューチャリズムやある種のポップさは僕が求めるジェンダーニュートラルにも繋がるものがあると感じるからだ」と話す。原宿ストリートスナップ文化は、カスタマイズに代表される様に、デザイナーではなく着用者が主体となる実験の場として機能した。つまり、消費者が着用したいように服を着る"自由さ"が担保されていた。ここでも、富永なりの「自由」の表現を感じることができた。　ブランドデビューから3年。2021年春夏コレクションでのニューヨークコレクションへの参加や、2021年春のパリコレデビュー。そして満を辞して国内で初の単独ショーを行ったワタルトミナガ。終演後、富永は「東京でも発表できる時はしたい。日本から発信していくのは日本人としてやりたいなと思う」と話してくれた。服やスタイリングによって創造される全体表現としてのファッションショーがいまから楽しみだ。ファッションウィーク情報はこちら

WATARU TOMINAGA

気負わなさとモードの狭間で絶妙なバランスを取る　「ワタルトミナガ」国内初のファッションショーを開催

No.9 江上千晴（CHIHARU EGAMIデザイナー）「江上千晴」のクリエイションを紐解くマインドマップ　デザインする上で軸となる"5つのキーワード"とそこから派生する"3つのワード"を、デザイナー本人がピックアップ。それぞれのキーワードが現在のクリエイションにどのように繋がっているのか、デザイナーの解説と共に紹介していく。1：10代一番身近で着慣れた存在だったジャージー　親の勧めで幼稚園から中学3年生までずっとスポーツクラブに通っていました。休みの日も練習があったので、平日も休日もずっとジャージーで、おしゃれをする時間があるなら練習という感じでした（笑）。私だけではなく周りもスポーツする子が多かったこと、また土地柄ヤンキーが多かったのでジャージーへの拘りが強く、中学生の頃はジャージーの色を変えたり丈を短くしたりと、改造して個性を出す人がたくさんいました。スポーツ仲間の中ではジッパーやフードが付いていると少しチャラい印象を持たれていたので、私はシンプルな半袖やトレーナーを好んで着ていました。あと、ジャージー姿をかっこよく見せる立ち姿も研究していましたね（笑）。高校時代に熱中したストリートスナップとブランド古着　スポーツをしていた時もずっとおしゃれへの憧れはあり、そういう気持ちをファッション雑誌を見ることで発散していました。その中でも特に影響を受けたのがストリートスナップです。自分の街では見たことのない格好の人たちにとにかく衝撃を受けてしまって。ストリートスナップに出会ったことで、将来ファッションの道に進みたいと思うようになりました。　高校生になった頃には、「ストリートスナップに載りたい」という思いが強くなり、スポーツを辞めて、バイトしたお金で服を買ったり原宿に行ったりと、ファッションの世界にのめり込んでいきました。雑誌「フルーツ（FRUiTS）」に載っている人たちの影響もあり、当時は「グッチ（GUCCI）」や「モスキーノ（MOSCHINO）」といったブランドが好きで、下北沢UTAという古着屋によく通っていました。そういったブランド古着にスポーティーなアイテムのミックスが自分の中で流行っていましたね。2：パッチワーク空間を埋め尽くしていた母のパッチワーク作品　子育て中に母がパッチワークにどハマりし、リビング空間がパッチワーク作品で埋まっていた時期がありました。絨毯や壁掛けだけに留まらず、学校に持っていくトートバックなどもすべてパッチワークで手作りしてくれて。キルト展に出せるんじゃないか？と思うほどの物量でした（笑）。私の作品に生地を繋ぎ合わせて作ったものが多いのは、この頃の記憶が反映されているのだと思います。また、母の作業を間近で見ていたこともあり、同じことを繰り返す作業がとても心地よく、自分の体質に馴染みが良いなと感じます。 プリーツをひたすら繋げて作り上げたドレスが、国際プロジェクトに選出　ローマのファッション学校Accademia Costume & Modaに通っていた時に、「TRANSMISSIONS」という国際プロジェクトに選出され、Cristobal Balenciaga Museoaで作品を展示する機会を頂きました。これは、ミュージアム側から選ばれた学校の生徒を対象としたプロジェクトで、バレンシアガのアトリエ視察に行きブランドの成り立ちを学びながら「バレンシアガが育った街」をテーマに各生徒が作品とポートフォリオを制作。500人を超える各校の代表の中から選出された41人にミュージアムで作品を展示する機会が与えられました。私が通っていた学校だけではなく、セントラル・セント・マーチンズやアントワープなどの名門校も参加していたので、クラスメイトみんながバチバチで（笑）。この機会を掴み取る為に、みんな全力で作品制作に挑んでいました。　私が制作した作品は、スペインの港町を視察した際に見つけた貝殻をモチーフにデザインしています。オーガンジーや廃材となった異なる素材をそれぞれをプリーツにし、ドッキングさせてドレスを制作しており、同じ作業を黙々と繰り返して完成した作品です。真夏だったこともあり汗だくになりながらの作業は大変でしたが、最終選考で選ばれたことはすごく自信に繋がりました。3：フォルム"平面"と"立体"を組み合わせて完成したコレクション「FILL THE GAPS OF CLOTHES」　ここのがっこうに通っていた時に、坂部三樹郎さんから「フォルムを作るのが下手すぎる」と喝を入れられたことがありました。当時はフォルムを作るということが理解できず、指摘をもらってもどう改善していけば良いのか分からなくて。色々と模索していく中で、パッチワークや自分が作ってきたものがすべて平面だということに気づき、平面的なものは作れるのだから「平面を立体に見せる努力をしよう」と気持ちを切り替えていきました。 　イッセイミヤケの「132 5.」をリサーチしたり、四角い形状のものを立体にする実験をしていく中で、ボーンを使って形状を作ることに可能性を感じ始めました。ただ、最初は一般的にパッチワークで使われているような素材で作品を作っていたので、手芸的な印象が強くなってしまって。山縣さんや講師の先生にも「ファッションとは違うよね」と指摘を受けていました。そこで自分のルーツを見つめ直して出てきたのがジャージー素材。昔から馴染みのあるジャージーと、母から受け継いだパッチワークが組み合わさり、自分にしか出来ないコレクション「FILL THE GAPS OF CLOTHES」が完成したと実感しています。 4：支え道標となった"ここのがっこう"と"東京ニューエイジ"　高校卒業後に文化服装学院に通っていたのですが、ストリートスナップの世界に憧れていたので、デザインではなく技術に重点を置く学校の方針に物足りなさを感じていました。そんな時に東京ニューエイジのショーや渋谷パルコで開催していた「絶命展」に出会い、「私がやりたいのはこれ！」という気持ちが湧き起こり、クリエイションを学ぶ為ここのがっこうに通うことにしました。ニューエイジの中でも、特に「アキコアオキ（AKIKOAOKI）」の都会的で日常と非日常が混在しているクリエイションにはすごく勇気を頂けて。今でも好きなブランドのひとつです。　文化で学んでいた時は、どういう身頃で、袖で、衿で…というパーツやディテールのデザインばかり意識していたのですが、ここのがっこうでは自分を掘り下げて向き合い装いや雰囲気を作っていくことに重点を置いていたので、クリエイションがガラリと変わったと思います。あと素直でピュアなものが"一番イケてる"と思うようになりました。同期の活躍で決断した海外への挑戦　ここのがっこうの同期にも沢山の刺激をもらいました。特に津野青嵐さんは、布を使ったアプローチをしていた私とは真逆で異素材を使った提案を毎回していて。最終プレゼンでも3Dペンを使い、見たことのないファッションを作ってきて圧倒されました。そして津野さんは国際ファッションコンペティション「ITS」のファイナリストに残りイタリアでショーを開催。毎週同じ空間にいた仲間が頭ひとつどころかすごく遠くの存在になってしまった感覚がありました。そしてその影響で私も絶対に海外で力を試してみたいと思い、留学権が得られる神戸ファッションコンテストに出すことを決めました。留学に向けて初めて挑戦した"クラウドファンディング"　神戸ファッションコンテストで特選を受賞し、その副賞としてローマへの留学が決まったのですが、生活費や語学学校の費用を捻出するのが厳しく、資金を集めるためにクラウドファンディングに挑戦しました。これがうまくいかなければ留学してもダメなのかもしれないという不安もあり、クラファンを決意するまですごく悩んだのですが、ここのがっこうの山縣さんやスタッフの大草さんが背中を押してくれて。結局目標金額は達成できなかったのですが、すごくたくさんの方が応援してくれ勇気づけてくれたので、留学先での厳しい生活も乗り越えることが出来ました。5：ロックダウン不安と体調不良が続く中辿り着いた"持続可能”なオートクチュール　Accademia Costume & Modaではオートクチュール科に通っていたのですが、ローマということもあり講師には「ヴァレンティノ（VALENTINO）」出身の方が入っていて。「オートクチュールをやるならばベースは"ロマンティック"」と指導頂きました。ただ、今まで「ロマンティック」という要素を考えたことがなかったので、課題を進めることにすごく戸惑っていました。そんな時期に、ローマでもロックダウンが始まってしまったんです。　ローマのロックダウンはすごく厳しく、営業しているのはスーパーや郵便局など生活に必要最低限のお店だけ。文房具も生地屋ももちろん休業していましたが、課題は進めなければいけない。何もない状況と不安な気持ちでかなり精神的に参ってしまい、度々原因不明の体調不良を起こすことも。そんな日々が続く中で、「希望が見出せるロマンティックな服を作りたい」と思うようになりました。素材を買いに行くことも出来ないので、家にあった紙を折ったり繋げたりと試行錯誤を繰り返すうちに少しずつ形になり、「これは上手くいくかも」と思えるようになりました。家にあったただの紙がどんどん華やかになっていく様は、オートクチュールとしてはチープかもしれないけれど、自分自身すごく助けられる感覚があったんです。そして、万が一今後同じような状況がやってきたとしても、「紙さえあれば作れる」という持続可能なデザインに辿り着けたことが自信になりました。 "お金の価値"がフラットになり、同じ条件下で試されたデザイン力　ロックダウンで、お金の価値もすごく考えさせられました。いくらお金があったとしてもロックダウンの最中では出来ないこと買えないものがたくさん。普段であれば製作費の差によって作品のクオリティも変わってきますが、それがロックダウンで一旦フラットになり、全員が同じ条件下で”何を生み出せるのか”を問われていたような気がします。ある生徒はコンピューターグラフィックスを始めたり、工場の稼働に向けて準備を進めたりと、それぞれが自分の制作手段を見つめ直す時間になっていたのかなと思います。　ロックダウンという期間がなければ紙を使った作品は生まれたなかったと思うので、当時はすごく辛かったけれど振り返るととても大切な期間でした。ロックダウン中に制作していたリボンドレスは、紙で作っていたものを生地で作り直し、今年11月にみなさんに見てもらえるようイベントを企画しています。そして今後も年に1回を目標に展示を行いながら、広告や舞台など様々な機会で衣装を作りたいです。良い機会に巡り合えるよう、これからも自分のペースで制作を続けていきたいと思います。

AKIKOAOKI

BALENCIAGA

次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.9 江上千晴（CHIHARU EGAMIデザイナー）

　竹島は、セントラル・セント・マーチンズ学士課程ファッションニットウェア科を首席で卒業し、「シャネル（CHANEL）」傘下のクチュールアトリエであるメゾンルマリエでは、日本人として初めてテキスタイル刺繍デザインを担当。さらに「コシェ（KOCHÉ）」でニットウェアデザインの経験を積んだ人物だ。　今季も、そんなブランドが強みとする多彩なテキスタイルを軸にしたクリエイションが目を引く。ファーストルックとして登場したカットジャカードのフリンジは、身体に程よく沿うロングドレスや“トグル”ボタンをアクセントにしたトップスなどに採用。特にバリエーション豊富なレースやオーガンジーなど、透け感のある素材には、格子柄や花のモチーフを重ねて、フェミニンなブラウスやドレスに落とし込んだ。モデルが歩くたびにふわりと揺れる素材感とギャザーのテクニックが、コレクションに動きを生み出していた。　淡いカラーを基調とした軽やかな前半から、後半は徐々に落ち着きのあるモノトーンやブラウンのカラーパレットへと変化。箔プリントのメタリックなジャケット、ギャザーで捻りを加えたトレンチコートなども登場し、フェミニンからクリーン、エレガントといったさまざまなイメージをコレクション全体に内包させた。　ショーにはピンクのドレスやボリュームスリーブのブラウスなどを着たメンズモデルも登場し、ジェンダーを超えた提案を行った。　さらに今季ユニークだったのが、モデルのヘアアレンジだ。コレクションと同様のテキスタイルを髪にも編み込むアイデアが、スタイリングに統一感を生み出し、完成度を高めた。

ayâme

「アヤーム」初のフィジカルショー開催　テキスタイルから広がる軽やかな服

富永航武蔵野美術大学工芸工業デザイン学科テキスタイル専攻在学中にフィンランドのヘルシンキ芸術デザイン大学に留学。卒業後、文化服装学院服飾研究科を経て2015年セントラル・セント・マーチンズBAファッションプリント科を卒業。 在学中にはジョン ガリアーノなどのアシスタントを経験した。「第31回イエール国際モードフェスティバル」においてファッションデザイナー部門のグランプリを獲得。「プチ・バトー」や「マリメッコ」とのカプセルコレクションを発表するなど国内外で活躍している。公式インスタグラム黒沢秋乃武蔵野美術大学工芸工業デザイン学科テキスタイル専攻から多摩美術大学生産デザイン学科テキスタイル専攻に編入。卒業後、フィンランドのアアルト大学大学院でファッションデザイン科を修了。在学中に第31回イエール国際モードフェスティでバルファイナリストに選出された。帰国後、ニット企画会社で経験を積んだ後、2020年にニットウェアレーベル「オニカ」を立ち上げた。公式インスタグラム2人の出会い※多摩美術大学生産デザイン科テキスタイルデザイン専攻※第31回イエール国際モード&写真フェスティバル。黒沢と富永は共にファイナリストに選出されている。いつからデザイナーになりたかった？美大に進学したワケ武蔵美の空デと工デの違い※武蔵野美術大学空間演出デザイン学科の略称。ファッションデザインコースやインテリアデザインコースなどがある。3年生で多摩美に編入した「オニカ」黒沢のお話超主観的：武蔵美に向いている人・多摩美に向いている人超主観的：専門学校に向いている人・美大に向いている人※文化服装学院の略称美大での学びはデザイナーとしてのクリエイションとしてどう生かされているのかを考えてみた（聞き手：古堅明日香）

【対談】武蔵美「ワタルトミナガ」×多摩美「オニカ」〜美大で学べること・服飾専門学校で学べることを真剣に考えてみた〜

小塚信哉　2013年セントラル・セント・マーチンズファッション学部メンズウェア学科を卒業。日本に帰国後、2015年より自身のブランド「シンヤコヅカ」を立ち上げる。2016年からセレクトショップでのバイヤーや、他ブランドのセールス、生産に携わっていた梶浦慎平が参加。2022年にブランド初となる直営店を南青山にオープンした。公式インスタグラム／公式サイトー出身は？　大阪です。三人兄弟の末っ子で、兄も姉も10歳近く年が離れているので一人っ子みたいなもんでした。だから1人で遊ぶことのほうが多くて。自分で設定を決めて1人で人形遊びとかをしていましたね。ーファッションに興味を持ったきっかけは？　高校生の時に仲が良かった友達に「小塚っておしゃれやな」と言われてその気になったのがきっかけですかね（笑）。小学生の頃は、漫画家やゲームデザイナーになりたかったんですよ。なんにせよ「何かしらを作る仕事には就きたいな」と思っていました。ー高校卒業後は？　東京に上京して専門学校に進学しました。ー卒業する時にはデザイナーを志していた？　それも周りの人からの一言でその気になったんですよね。卒業する時に専門学校の先生に「大阪に帰って、適当に何かしようと思います」みたいなことを言ったら「そんなのもったいないから、デザイナーになったら？」と言われて。じゃあ、そうします、と。ー卒業後、セントラル・セント・マーチンズ（Central Saint Martins／以下、セントマ）に進学。　前々から留学したいな、とは思っていて。元々自分に自信が持てない性格だったので「様々な考え方の色んな人に会って、クリエイションを見せつけられて諦めて帰ってこよう」と考えていました。ー留学先に何故セントマを選んだんでしょうか？　アントワープ王立芸術アカデミーとも迷っていたんですが、当時ちょうど、瀬尾英樹さんや坂部三樹郎さんらのアントワープ卒のデザイナーが注目されていた頃で。僕の天の邪鬼精神が働いてセントマにしました（笑）。ー「シンヤコヅカ」は、デザイナーの小塚さんと取締役の梶浦慎平さんの2人で切り盛りされています。お二人の出会いは？　ロンドンの語学学校で出会いました。僕はセントマに入るために留学中。梶浦は日本国内の大学を卒業してから就職するか進学するかを検討していて、海外の学校を視野に入れながらロンドンに滞在していたんです。ーロンドンの語学学校で声をかけたのはどちらですか？　僕です。天の邪鬼だとか、諦めて帰ってこようとか言いながらも誰かと服の話がしたくて。そしたら20人くらいいるクラスの中で1人だけ「メゾン・マルタン・マルジェラ（Maison Martin Margiela）」のニットを着ている人がいたんです。「こいつ多分、服好きやろな」と思って話しかけたのが梶浦だった。梶浦の話では、話しかけられた時のことは全く覚えていない、と。異国の地で日本人同士でつるむのは本意じゃなかったから、あんまり日本人と関わらないようにしていたらしいです。ーそれが一緒にブランドを運営するまでに。　仲良くなったきっかけはたくさんあって。例えば、ロンドンのロックバンド「ベイビーシャンブルズ（Babyshambles）」がどっちも好きだったり、僕がセントマを卒業してからもニューヨークの道でばったり会ったり、パリでたまたま再会したり。不思議な縁があるな、と。ー梶浦さんが正式に「シンヤコヅカ」にジョインしたのはいつですか？　2017年秋冬コレクションからですね。その前から、インボイスはどう作るのか、服の値段はどう付けるべきかなどを遠隔で手伝ってもらっていたんです。ーブランドでの2人の役割分担は？　デザインを僕が、それ以外を梶浦に頼んでいます。対外的なことを全部梶浦に任せているので僕はとっても楽です（笑）。ーセントマで学んだ最も重要なことは？　僕はあまり自分が着るための服を作らないんですが、その理由はどちらかというとファンタジー寄りな考えで製作をするからで。ここでのファンタジーというのは、とにかく想像を掻き立てられるもの。服を見た時にそれぞれが違うモノを想像するような情緒的な価値を提供する、とでも言えばいいんでしょうか。ポケットの高さを数センチ上にする、というのは物質的価値。物質的価値ももちろん押さえながらも、情緒的価値も提案できたらな、と思っています。　もう一つセントマでの重要な学びは、プロセスを重要視することでしょうか。極論を言ってしまえば、製作のきっかけとなるインスピレーション源はなんでも良いということです。どちらかと言えば、着想源や物事に対して自分がどういうことを考えて、発展させていくかという点を授業を通して教えてもらった気がします。「リサーチ＝調べる」ではなく「リサーチ＝研究までする」という感覚ですね。ー調べると研究の違いは具体的にどんなところにあると思いますか？　自分の意志がどれだけ入っているかですね。調べるだけならGoogleで検索すればいいと思うんです。そこに"自分"を付け加えていって、どんどん自分だけのものにしていくのが研究かな、と。ーシンヤコヅカのブランドコンセプトは「BLUR、VAGUE（ぼかす、曖昧にする）」。　正直、ブランドコンセプトをちゃんと謳おうと思ったのは日本国内でやるからなんですよね。海外発のブランドはコンセプトを大体的に打ち出しているところが少ないし、僕もその路線で行こうと思ったんですけど、日本でやっていくならそれは難しい。それで「自分にとっての核はなんやろな」と考えて出てきたのが現在のブランドコンセプトです。「全部が明瞭じゃなくてもいい、全部がはっきりとしていたらしんどいやん」と。ーブランドデビュー当初よりも、多様性が訴えられる現在の方がより多くの人に刺さるブランドコンセプトな気がします。　「多様性」という言葉を最近耳にするし、それはとても素敵なことだと思っていますが、どこかで流行語なんじゃないかなとも思っていて。ファッション業界にいる以上、流行は仕方がないよな、と思いつつ「よそはよそ、うちはうち」という気持ちを忘れたくない。より広い視野で物事を考えるということが当たり前になりつつある現在ですが、どちらかというと1つの視点だけで物事を見て欲しくないからやっている節はあります。ー「よそはよそ、うちはうち」という気持ちはブランドデビュー時からある考えなんでしょうか？　2022年春夏コレクションでブランド初のランウェイショーを行ったタイミングくらいからの考え方かもしれないです。それまでは「どうやったら伝わるかな？」「どうやったらわかりやすくなるかな？」というのを考えながらやっていたんですけど、ショー以降は吹っ切れてしまって。今は、自分に矢印を向けて作っている感覚があります。　ただ、やっぱり着てくれるお客さんあってのブランドだし、世の中に発表するためには色々な人の力を借りなければならない。僕が「クリエイションの着想地点をもっと個人的なものにしよう」と思えたのは外側の面倒を見てくれる人がたくさんいるからなのかもしれません。ー何故、吹っ切ることができたんでしょうか？　どちらかというと「デザイナーとしてどこまで行けるのかな？」というのを試したくなったんだと思います。吹っ切れる前は「今、自分はデザイナーとして面白くないことばかりをやっているな」という感じで、正直何をやっていても楽しくない時期があったんですけど、やっぱりデザインをすることが好きで、デザインが施されているものを見るのも好きということに気がついた。だったら一度、仕切り直そう、と。本当はブランド名も変えようと考えていたんですよ。ー仕切り直しで、具体的な変化はありましたか？　2022年春夏コレクションからシーズンアイテムのことを「コレクション」と言わず「イシュー」と呼ぶようにしました。シーズンやコレクションと言うとクリエイションを制限される感じがして自分には合っていない気がして。イシューと銘打っておけば、年を跨いでいくつものテーマを設けられるし、それが3年間続いてもいい。コレクションをやる、というよりかはプロジェクトをやっているイメージですね。　あとは、シンヤコヅカを屋号としながらもその下に5つのラインを設けました。シンヤコヅカが展開する5つのライン・スモールトレーズ：イシュー毎のコンセプトを最も色濃く反映させるライン・ミントコンディション：過去のアーカイブをデッドストックや古着の生地を使用して製作するライン・アズイットワズ：リサーチをせずに自分の記憶のみを頼りに製作するライン・ニューカラー：新たな色を加えるコラボレーションライン・オーディナリーライフ：相対的に普遍性を持ったものを制作するラインー物事を主観的に捉えるクリエイションが最も反映されたのは2022年春夏コレクション？　そうですね。その時は、体と布の空間こそがデザインだと思ったんですよね。「余白にもシルエットがあるし、そこを見るのがデザインなんじゃないか」「デザインとは、定義しないという事を定義しているんじゃないかな」という考えが腑に落ちて生まれたのが2022年春夏コレクションです。ー小塚さんにとって「デザイン」とは？　デザインとは、目に見えないものがなるべく伝わるもの。そこにこそ価値観があるんじゃないでしょうか。ー日本国内のみならず、海外でも取り扱いが増えています。　2022年春夏コレクションの時点で、スペイン、イギリス、韓国、香港、台湾、中国にある16店舗とお取引させてもらっていますね。ーそんな中、日本国内でブランド初となる直営店をオープンしました。　フルラインナップを都内で見せられるところを作らなければな、と考えたからです。何故かと言うと、先程から言っているように今の「シンヤコヅカ」はかなり僕の主観で物事を捉えているクリエイションなので、切り取られ方によってはブランドの空気感や世界観が伝わり切らないと思うんです。だったら、お客さんに直接的に語りかけられるようなスペースを作らないと現在のブランドが大事にしていることは表現できないだろうな、と。ー店名は「スモールトレーズ（SMALL TRADES）」。　実は会社名も同じ名前なんですよ。ー名前の由来は？　アーヴィング・ペン（Irving Penn）の同名写真集からです。異なる職業の人たちをまとめた作品なのですが、この写真集はセントマの卒業コレクションで発表したアイテムの一番の着想源だったりもします。 ー実際に来店されるお客さんの反応はどうですか？　実際に店頭に立って接客することはないんですが、先日50代くらいの方が来店されて。僕のことを「先生」と呼んでいたと聞きました（笑）。そういうのは直営店をやらないと見えないお客さんとのコミュニケーションだな、と。ー最後に今後の展望を聞かせてください。　ブランドとしてはパリでランウェイ。業界としても世間としてもそこのステージをやってようやく一人前として認められると思うのでシンプルに目指してもいいかな、と。その下地ができてきた感覚もあります。　デザイナーとしては、バイアスを壊すことができたらと思っています。例えば、服は着ることが前提なのかもしれないけど、その考え方すらもバイアスだったらどうしようかなということは最近よく考えます。だから僕個人としては、美術館ではなくいち個人宅で飾りたいという理由で僕の作った服を買ってもらえたら、それはファッションを超えたかなと思います。（聞き手：古堅明日香）

SHINYA KOZUKA

【インタビュー】デザイナーとしてどこまで行けるのかを試したくなった——実力派ブランド「シンヤコヅカ」を変えた"内向きなクリエイション"

No.6 飯野麟太郎（rintaro iinoデザイナー）「飯野麟太郎」のクリエイションを紐解くマインドマップ　デザインする上で軸となる"5つのキーワード"とそこから派生する"3つのワード"を、デザイナー本人がピックアップ。それぞれのキーワードが現在のクリエイションにどのように繋がっているのか、デザイナーの解説と共に紹介していく。1：破壊"コミュニティ"への違和感から芽生えた"自立心"　地元の川崎は田舎でもなく都会でもない、郊外の村社会的な環境でした。周りの人たちがみんな自分のことを知っている環境で育ち、友達も小学校から中学校まで一緒だったり、親同士もみんな知り合いで。物心ついた頃から、自分が意図していないコミュニティに属していることがとても嫌で、そこから抜け出したいという思いが強くありました。昔からずっと"破壊願望"のような反発心があるのですが、それは幼少期の影響が大きいのではないかなと思います。　法政大学在学中にアメリカ留学の機会があり、初めて海外生活を経験しました。言語や文化の違う人たちが集まる環境は、それぞれが自立しながら存在していて、とても居心地が良かったですね。従来のニットの"イメージ"を覆す彫刻的なフォルム　オスロ国立芸術アカデミー（Oslo National Academy of the Arts）の卒業制作で発表したコレクションでは、分かりやすいニット表現ではなく、彫刻的なフォルムや技法を用いた作品を発表しました。ニットの良さは表現の幅にあると思っています。ニットを布帛と繋げたり、織りと編みを組み合わせたりしながら、今後も良い意味でニットだけに囚われずに自由にデザインをしていきたいと思っています。　日本では"ニット＝手芸"のイメージが今でも強いと思うのですが、自分が制作を続けていく中で、そういう観念的な障壁も変わっていけば良いのかなと思います。 2：手編み"祖母"の影響で興味を持ったニットの世界　祖母が昔から手編みをしていて、幼い頃にチョッキを編んでもらったりしていました。柔らかな感触が好きだったのでニット自体は昔から興味はあったのですが、本格的にニットを学び始めたのは大学4年生の頃。ニットの学校には通っていなかったので独学で勉強しました。叔母がテキスタイルデザインをやっていた繋がりでニッターの方と話す機会があり、今でもお世話になっています。真夜中に無心で編み続ける"ニッターズハイ"　制作で手編みをする時は、部屋を暗くして夜中に作業をするのが恒例です。ライトで手元だけ照らし作業を進めていくのですが、暗い中で手を動かすとトランス状態に入るようなタイミングがあって。昔のお母さんたちが夜中に古布をつぎはぎしながら淡々と襤褸を作っていた時も、きっとこんな感覚だったんじゃないかなと思います。まさに「ニッターズハイ」の状態ですね（笑）。暗くて静かな環境での作業は、無心になれる大切な時間です。3：五感"リアル"の魅力を実感できたドル札ドレス　法政大学では、小説家の島田正彦先生のゼミで学んでいました。卒論を書かなければいけない学部だったのですが、どうしても卒論を書きたくなくて（笑）。島田先生に相談したら「それなら何か作れ」と言われ、卒業制作を発表することになりました。　学生時代ずっとお酒に飲まれていて常にお金が無かったこともあって、お金のことが嫌いになりました（笑）。ただ少しして、価値の歴史に興味を持ち、塩や貝などが貨幣として流通していた時代があったこと、また現代よりも布の価値が高く貨幣としての役割を担っていた時代があったことを知りました。現代の紙幣も早くその役割を終えて、新たな価値あるものに生まれ変わった方が良いと思い、有り金を全てドル紙幣に替えて、ドル札のドレスを制作しました。稚拙ながらも、人体に乗せた初めての作品でした。　大学在学中、グラフィックデザインで仕事をもらったりもしていたのですが、表現が画面内で収まってしまうことに物足りなさを感じていたこともあり、ドレスを作ったことで「リアルなもの」の力と、実際に人間が纏うことで生まれる社会性に興味が沸き、ファッションの道へ挑戦することを決めました。大学に入るまでファッションの道に進むことは全く考えていなかったので、島田先生との出会いが人生の転機だったのかもしれません。人が纏う"雰囲気"への探究心　ファッションの道に進むことを決めてから、ここのがっこうやセントラル・セント・マーチンズなどに通い、"表現"としてのファッションを勉強してきました。これまでの経験からも、技術的な美しさの追求ではなく、人が纏った時の"雰囲気"を作っていくことが自分が提案できるファッションだと思っているので、その軸がブレないよう創作を続けていきたいです。4：孤独コロナ禍で感じた"個"で生きることと、"群"で生きることの"ジレンマ"　新型コロナウイルスが最初に蔓延した時はノルウェーにいたのですが、文化的にも言語的にもマイノリティな存在として生活している中で隔離の日々が続き、友達にも会うことが出来ずずっと1人で過ごしていました。自分と向き合う時間が増えたことで制作に集中できたので、特に苦ではなかったのですが、SNSに費やす時間も増え、真偽のわからない他人の意見が自分の中に滲みてきている感覚が非常に気持ち悪く疲弊していました。　物理的には孤独でも、オンラインでは何億ものポストやニュースに囲まれる状況はやっぱり異常で、とても現代を象徴していると感じました。インターネットやデジタルの本懐である"共有"や"ボーダレス"へのアンチテーゼとして、リアルに個を規定する力を持つ「服」で、もう一度個の持つ自由と孤独を賛美するような作品にしたいと思い、卒業制作に取り掛かりました。コレクションミューズは6年間行方不明だった羊"シュレック"　オスロ国立芸術アカデミーの卒業制作として発表したコレクション「Black Sheep」は、コロナの時に感じたジレンマが大きく影響しています。デザインのミューズは、飼育場から逃げ出し六年間洞窟で生活していた羊「シュレック」。発見時のとてつもない重量の毛で覆われたシュレックの姿から、彼の自由への渇望と孤独のジレンマを表現したいと思い、毛に覆われたシュレックのフォルムや、毛の重さで弛んでしまった皮膚などから着想を得てデザインを考えていきました。　教授が哲学科の先生だったので、かなり深くまでコンセプトを掘り下げることを求められました。その甲斐もあってか、その年のデザイン科の主席として卒業することができ、とても思い出深いコレクションとなりました。 5：世相"善悪"が揺らぐ現代とファッションの可能性　世相とファッションは切っても切り離せない関係性だと思っているので、デザインプロセスにおいても生活環境や社会情勢から影響を受けることが多いです。最近は世の中の善悪の軸がすごく揺らいでいる気がしていて、そこに興味があります。コロナ禍でマスクをする、しない、ワクチンを打つ、打たないなど、自分も善悪をジャッジされやすい立場にあるなと。　自分自身は善し悪しを分けることはせず、なるべくフラットな視点で物事を見るよう努めています。そして、そういった社会の柵から解放する為にファッションは存在していると思っているので、「ファッションだからできること」を模索していきたいと考えています。"トレンド"が生まれにくい"日常"へのアプローチ　SNSの発達で、トレンドが生まれにくい"日常"が今の時代なんだなと思っています。そういう時代に対し、自分がどういったアプローチをできるのかをずっと考えていて。デザイナーズ・ネスト（Designer’s Nest）でインターンシップ賞を獲得し、これからイタリアのトラサルディ（TRUSSARDI）で6ヶ月間デザインチームに参加することが決まっているのですが、今まで自分が経験してこなかった商業的なデザインについて勉強できるという意味でも、とても良い機会を与えてもらったなと思っています。デザインチームでの経験を踏まえながら、自分なりのバランス感覚を見つけていきたいですね。

次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.6 飯野麟太郎（rintaro iinoデザイナー）

No.2：児玉耀（fulss デザイナー）「児玉耀」のクリエイションを紐解くマインドマップ　デザインする上で軸となる"5つのキーワード"とそこから派生する"3つのワード"を、デザイナー本人がピックアップ。それぞれのキーワードが現在のクリエイションにどのように繋がっているのか、デザイナーの解説と共に紹介していく。1：ものづくり- 祖父がきっかけでハマっていった、ビーズ遊びや工作　電車の電動ジオラマ模型が好きだった祖父と小さな頃によく遊んでいて、「シルバニアファミリー」のようなミニチュアの家をオリジナルで作ったりしていました。木を切ってテーブルにしたり紙粘土で食べ物を作ったりと、とても細かな作業だったんですが、それがすごく楽しかったので、もの作りに興味を持つようになりました。そこから細かな作業にハマっていき、紐にビーズを通して遊んだり、手を動かしながら色々なものを作っていましたね。- 幼少期の"好き"が講じてクリエイションの軸になったニット　服作りにおいても、細かな組織や構造を色々なデザインに落とし込める「ニット」に魅力を感じ、今では自分の服作りの軸になっています。昔の遊びが今に繋がっているので、自分の好きなことは一貫しているなと感じますね。「フルス（fluss）」でもシーズン問わず面白いニットの提案をしていきたいと思っているので、楽しみにしていてください！ 2：ファッション- 婦人雑誌がきっかけとなったファッションへの興味　母親が見ていた婦人雑誌がきっかけでファッションに興味を持ったということもあり、2000年代初頭の大規模な演出のファッションショーを見るのが好きでした。そこからモード誌を読むようになり、いろんなブランドやファッションの情報に触れるようになっていきました。　高校生の頃には、服作りの本を参考にしながら「作ってみたい」と思うものを実際に作るようになりました。婦人雑誌の気になる服を作ってみたり、クリスチャン・ラクロア（Christian Lacroix）の服を真似たり。周りの友達には服作りをしていることを恥ずかしくて言えなかったので、美術室でこっそりと先生に作った服を見てもらっていましたね（笑）。今となっては良い思い出です。- モードの世界へ導いた3つのブランド　「ジョン・ガリアーノ（John Galliano）」と「アレキサンダー・マックイーン（Alexander McQueen）」はファッションに興味を持ち始めて一番最初に感化されたデザイナーです。この2人の表現をみたことでファッションデザイナーになりたいと思ったくらい影響を受けました。そして、今でも一番好きなブランド「プラダ（PRADA）」。プラダは賢そうなのにどこかユーモアがあって、そのバランスがとても好きですね。プラダのコレクションは、初見だと「かっこいいのか可愛いのか分からない...」という気持ちになるけど、半年後には毎回「めっちゃ好き」となっているので、その度にプラダの先見性のすごさを実感します。- ファッションの魅力＝コミュニケーション　ファッションの魅力は、言葉で上手く伝えられないものを服を通して伝えることができることだと思います。僕自身ずっと社交的ではなかったんですが、ファッションを通じていろんな人と繋がることができました。3：デザイン- ファッションと真剣に向き合った、ここのがっこうとセントマでの時間　大学時代、「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」のデザイナー・吉田くん（吉田圭佑）と同じサークルに通っていたことがきっかけで、ファッションスクール「ここのがっこう」を知りました。そこで初めてクリエイションの組み立て方や、真剣にファッションと向き合っている人に出会えたことで、自分の将来について真面目に考えるようになりました。課題に付いていくのも必死だったので、大学生活の中で一番大変だった時期でしたね（笑）。　ここのがっこうで「リトゥンアフターワーズ（writtenafterwards）」の山縣さん（山縣良和）や「ミキオサカベ（MIKIOSAKABE）」の坂部さん（坂部三樹郎）など、海外の学校で勉強した人たちの考え方に影響を受けたこと、そしてジョン・ガリアーノやアレキサンダー・マックイーンといったデザイナーを輩出しているという憧れもあり、大学卒業後はセントラル・セント・マーチンズ （Central Saint Martins）への進学を決めました。- 経験を蓄積、「トム・ブラウン」と「ポーツ1961」でインターン　セントラル・セント・マーチンズ在学中に「トム ブラウン」と「ポーツ 1961」でインターンシップをしました。「トム ブラウン」では、オリジナル生地の開発に3ヶ月程携わることができ、生地が出来るまでの流れを一通り経験させてもらいました。　「ポーツ 1961」は小さな会社だったこともあり、デザイン作業にも参加させてもらいました。思い出深いエピソードといえば、会社のゴミ箱の中にあった端切れがとても可愛くて、承諾をもらって持ち帰り、その端切れを自分が持っていたポロシャツに付けてみたんですよ。それを後日会社に着ていったらとても好評で、実際のコレクションでこのポロシャツに似たアイテムが登場したんです。そういう柔軟なところも小さな会社ならではで、とても居心地が良かったです。4：ロンドン- 友達と交流を深めた公園とビール　セントラル・セント・マーチンズに通うまでロンドンには行ったことがなかったので、好きかどうか分からないままロンドンに住むことになりました。最初の1年は思うようにいかない事の連続で、ずっと日本に帰りたいと思っていました（笑）。ただ、少しずつコミュニケーションが取れるようになり、2年目以降はロンドンの街を楽しめるようになりました。友達も少しずつ出来るようになり、休日になると公園に集まってビールを片手に何気ない会話をしたりしてましたね。そのお陰でビールがめちゃくちゃ好きになりました（笑）。- ロンドンで感じた自由な精神性　ロンドンでは年齢や出身を聞かれることがあまりなく対等に接してくれるので、人の目を気にすることが以前より少なくなったなと思います。道端に変な物が落ちていたり、マーケットでも雑多にいろんなものが並べられていたり。いろんなモノやコトを受け入れてくれる土壌があるお陰で、とても気持ちが楽になりましたね。 - 芸術が溢れる街で洗練された感性　ロンドンは美術館がとにかく沢山あり、無料で開放しているところも多くあります。そこで見たものが良い蓄積となって、自分の美意識が洗練された気がしています。今はパソコンで何でも調べることが出来ますが、実際に見た時の迫力や質感はやはり生で見ないと分からないですからね。見たいと思う作品が近くにあるという環境はとても贅沢でした。5：人- 大学の先輩でもある吉田圭佑・中里周子という存在　ケイスケヨシダの吉田くんは先でも話したように大学の先輩で、当時唯一ファッションについて深く話しが出来た人です。吉田くんのお陰で真剣に将来のことを考えるようになりました。もう1人の大学の先輩・のりぴー（中里周子／BORING AFTERNOON）はここのがっこうがきっかけで仲良くなりました。彼女の作品がとても好きだったので制作を手伝うようになったんですが、エピソードが沢山ありすぎて選べないくらい濃い時間を過ごしましたね。いろんな人と協力しながら1つの作品を創り上げていくグルーブ感は、近くで見ていてとても刺激的でした。- ロンドン時代をともに過ごした盟友・小林裕翔　裕翔くん（小林裕翔／yushokobayashiデザイナー）とは同い年で、セントラル・セント・マーチンズに入学した年も一緒。そして最終学年の1年間ルームシェアをしたロンドン生活に欠かせない存在です。最終学年は卒業制作があるので、学生生活の中でも一番大変なんですが、自分と同じように制作に向かう裕翔くんがいてくれたことが刺激になり、なんとか乗り切ることができました。朝起きるとお弁当を作ってくれていたこともあって、そういう日常が嬉しかったですね。　今は裕翔くんも東京をベースに活動していて、たまに飲みに行ったりする仲です。これからもお互い切磋琢磨出来る仲間でいられるように、フルスとしての活動も頑張って行きたいなと思います。児玉 耀 >> instagramfluss >> instagram

PRADA

fluss

次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.2 児玉耀（flussデザイナー）

Simone Rochaとは？　「シモーン・ロシャ（Simone Rocha）」は、アイルランド出身のシモーン・ロシャ（Simone Rocha）がデザイナーを務めるイギリスのブランド。　香港出身でファッションデザイナーのジョン・ロシャ（John Rocha）を父に持つシモーンは、ダブリンのアート＆デザイン国立大学（National College of Art and Design）とロンドンのセントラル・セント・マーチンズ（Central Saint Martins）という二つの名門校出身。2010年にブランドを立ち上げ、同年のロンドン・ファッション・ウィークでデビューを果たしました。デビュー以降は、ブリティッシュ・ファッション・アワードをはじめとするファッションアワードを受賞。ロンドンファッションウィークでコレクションを発表するなど、イギリスのファッションシーンを代表するウィメンズブランドの一つです。　コラボレーションにおいても、精力的に参加。2014年の「ジェイブランド（J Brand）」とのコラボから着実にステップアップを重ね、2018年には「モンクレール（MONCLER）」のコラボプロジェクト「モンクレール ジーニアス（MONCLER GENIUS）」のデザイナーの一人としても選抜されました。そして2021年の今年、毎年恒例の「H&M」のデザイナーコラボレーションに選ばれ、今後も活躍が期待される女性デザイナーです。Simone Rochaの特徴　「シモーン・ロシャ」の魅力は、ひと目でわかるフェミニン＆ロマンチックな世界観。シルエットの基本はボリューミー。リラックスフィットのボディにサテンやチュール、フリルなどをあしらい、フェミニンでドリーミーな美学を追求しています。　アクセサリーでは、パールやビーズ、クリスタルなどもよく登場するモチーフです。ひとつ取り入れるだけで「シモーン・ロシャ」の魅力を味わえるアイテムが揃います。Simone Rochaのアイテムをチェック！トップス　カジュアルアイテムのTシャツも、「シモーン・ロシャ」の解釈ならロマンチックな仕上がりに。ローズがプリントされたオーバーサイズのTシャツは、ふんわりとしたバルーンスリーブのフォルムを強調するチュールがあしらわれています。Farfetch で購入する　こちらもチュール使いが優美なTシャツですが、ウエスト部分できゅっとすぼまったシルエットに。袖や裾のボリューミーなディテールを引き立てていますね。SSENSE で購入するスカート　2020年秋冬コレクションより、コレクションのキーテーマとなった光沢感のあるサテン素材を使用したスカートです。優雅なドレープが、贅沢なシルクの輝きをより一層引き立てています。MATCHESFASHION で購入する　気分はまるでバレリーナ？な、ペールヌードトーンのチュールスカートです。ウエスト部分のリボンを結べば、後ろ姿も決まります。Farfetch で購入する　シアーなシルクが何層にも重ねられたラッフルスカートです。いつものコーディネートにONすれば、新鮮な発見がありそう。Farfetch で購入するパンツ　ウエスト部分のベルトがアクセントになった、ペーパーバッグスタイルのクロップドパンツです。ややボーイッシュなテイストを、上質な素材で大人の女性の装いに格上げしてくれています。Farfetch で購入するワンピース　ゆったりとしたシルエットのシャツワンピースは、ヘムラインがポイント。前から後ろにかけて長くなっているアシンメトリーなデザインになっています。Farfetch で購入する　コットン素材のホワイトのシャツドレスです。コルセット風の少しセンシュアルなディテールと、スモック風のガーリーなシルエットの組合わせが斬新。クリーンな素材感もピュアな印象をプラスしています。SSENSE で購入する　ポプリン素材とブルー×ホワイトのストライプの組み合わせのシャツドレスは数あれど、「シモーン・ロシャ」は立体的なシルエットで勝負。胸元を飾る超ビッグサイズのリボンとパフスリーブでひねりが加えられています。MATCHESFASHION で購入するシューズ　クロスストラップや厚底といったディテールで、少しハードなイメージで仕上げたバレエシューズ。キュートだけれどほんのりとしたエッジも感じる一足です。SSENSE で購入する　バックストラップのレースアップパンプスは、ポインテッドトゥがシャープな印象。芸術的なクリア素材のフローラルモチーフヒールが抜け感を演出してくれています。Farfetch で購入するバッグ　カンバセーションピースになること間違いなし！オンリーワンなデザインのクラッチです。パールホワイトに輝くアクリル素材のエッグ型の中身には、あなたなら何を入れる？手持ちとショルダーの2WAY仕様が楽しめる、取り外し可能なストラップ付きです。SSENSE で購入する　フラワーモチーフのビーズとラウンドカットクリスタルをつないだビーズバッグ。どこかレトロなムードも漂います。特別な日のお出かけを更に楽しく演出してくれるでしょう。SSENSE で購入するアクセサリーなど　パールビーズも、「シモーン・ロシャ」のブランドシグネチャーとも言うべき存在。イミテーションバロックパールによるフローラルモチーフがあしらわれたベルトは、上品かつ存在感のあるアクセントとして活躍してくれそう。MATCHESFASHION で購入する　両耳で違うデザインが楽しめるこちらのフープピアス。片耳のみ、有機的なフォルムのマザーオブパールをフィーチャーしています。ユニークな遊び心を感じさせつつ、フェミニンにまとめているところはさすがです。SSENSE で購入する　パールをあしらったドロップピアスです。およそ12.5cmと長めのロングラインシルエットはインパクト大。イミテーションパールとクリスタルでとびきりロマンチックな耳元に。SSENSE で購入する　まとめ髪にさっとひと差しするだけのヘアピンなら、毎日の生活にも取り入れやすいですね。クリスタルビーズによるフラワーモチーフをあしらったヘアピンは、鮮やかなレッドがレディライク。Farfetch で購入する

Simone Rocha

H＆M

MONCLER GENIUS

お買いモノ

ロマンチック＆ガーリーな注目ブランドをゲット！Vol.2＜シモーン・ロシャ＞

Stefan Cookeステファン・クックと、英セントラル・セント・マーチンズの同窓生でパートナーのジェイク・バートが2017年に創設した、ロンドンを拠点とするメンズウェアブランド。ステファンは、ウォルター・ヴァン・ベイレンドンク（Walter Van Beirendonck）やクレイグ・グリーン（Craig Green）、ジョン・ガリアーノ（John Galliano）の下でインターンを経験。「アディッション アデライデ」「ムクタ」「ザ・フォーアイド」「吾亦紅」など、日本でも複数の取り扱い店舗がある。2019年にはLVMHプライズのファイナリストに選出された。― 2人はどんな服を着て育ったのでしょうか？　2人とも、服選びに関しては折衷主義な子どもだったと思います。ステファンは大家族なので、嫌々ながらも兄姉のお古を着ることが多くて、色々なテイストの服をミックスして着ていましたね。ジェイクはライブ会場でバンドTシャツを買って、古着やデザイナーブランドの服とミックスして着ていました。― 2020-21年秋冬コレクションは、ニコラ・ジェスキエール時代の「バレンシアガ」にインスパイアされたとか。メンズウェアよりもウィメンズからインスピレーションを得ることが多いのでしょうか？　ウィメンズ・メンズ関係なくリサーチしています。ジェスキエールによるバレンシアガのデザインには、メンズでも活かせるような、素晴らしいラインやシルエットのものがあります。こういったインスピレーションは、アイデアのスタート地点としてのみ取り入れるようにしていて、そこからフィッティングなどで、ステファン クック独自のものへと仕上げていくプロセス。最近のメンズウェアに見られる、シームや”ファンクショナル”なディテールで複雑に見せるトレンドに逆らいたくて、2020-21年秋冬コレクションはテーラリングをシンプルにしました。シルエットに焦点を置いて、クラシックなディテールと”削ること”の組み合わせを意識したんです。だから、ジェスキエールは今回のコレクションにとって素晴らしいスタート地点だったんですよ。ステファン クック 2020-21年秋冬コレクション 全ルックはこちら― メンズウェアとウィメンズウェアの違いは何だと捉えていますか？　私達は2人とも、ウィメンズウェアを仕事としてデザインしたことはありませんが、たまにウィメンズにしか活かせないな、というようなアイデアが浮かぶことはありますね。生地に関する技術とかが多いです。メンズだともっと「さりげなく」しないといけないですから。― ウィメンズに比べて、メンズウェアはシルエットや型がある程度決まっているように感じます。メンズウェアの長い歴史のなかで、ステファン クックではどのように「新しさ」を生み出していますか？　全てからインスピレーションを得る姿勢は大切だと思います。一般的に「メンズウェア＝周期的」というイメージがありますが、それはリサーチをSNSに頼りすぎているからだと思います。私たちは、自分の足を使って服やアイデアのソースを調べるようにしているんです。メンズウェアの素晴らしさは、その厳格な歴史にこそあるもの。裏を返せば、目に入るもの全てが、リサーチに活かせるし、メンズウェアのルール内に居場所を見つけられるはずなので。― 取り扱い店舗の半数近くが日本のショップです。日本の印象は？　 日本は、服に対して他国とは異なるアティテュードがあるように感じます。アイデアやクラフトに対してのフリーダムや評価がある。それに、実験的なアイテムに対しても怖がらない人が多い印象です。― ガリアーノの下で働き、学んだことで最も大切にしていることは？　ヴィンテージ／アンティーク／リユースのショップや市場を通りがかったら、必ず入ってみること。（編注：ステファンは、ジョン・ガリアーノの下でインターンを経験。リサーチやデザイン等のアシスタント業を行い、後々それらがガリアーノの「メゾン マルジェラ」でのデビューコレクションに向けたものだったことを知ったという）― 普段の私服はどんなスタイルですか？　2人とも、ずっと持っている服を着てますね。あとはeBayを見ている時間が長くて、そこでよくわからないトレーナーや古いバンドTシャツを買ったりしています。あとステファンは、私たちがデザインしたニットをどれも1着ずつ所有しています。もしお金がたくさんあったら、2人ともセリーヌのバッグを持ち歩きたい。― ロンドンを訪れたら行くべきお店を教えて下さい。　ヴィクトリアの「Retromania」、クラパムジャンクションの「Traid」、ハックニー ダウンズの「The Market Cartel」。The Market Cartelは私たちの家から歩いて5分なんですよ。― インディペンデントブランドとして、今の課題は？そしてMATCHESFASHIONにどのようなサポートを期待しますか？　一番大きな課題は、全てを自分たちでやらなければいけないということ。そして解決方法が、毎日朝早く起きて、スタジオに8時には着いて始業する、ということしかない（笑）。MATCHESFASHIONは、2シーズン目からサポートしてくれています。私達が発表したボタンのストラップを、変なアイデアだと思うことなく、良いプロダクトとして受け入れてくれて。MATCHESFASHIONのサポートはステファン クックとして新しいことに挑戦する勇気に繋がりましたし、彼らは新しいデザインにも積極的にチャンスを与えてくれるんです。 MATCHESFASHIONにはアイコニックなカットアウトセーターをはじめ2020年秋冬コレクションの新作が揃う― MATCHESFASHIONの「The Innovators」プログラムは、ブランドの成長にどのように貢献してますか？　「The Innovators」プログラムに参加してまだ2ヶ月ほどですが、エディトリアル面で資金的なサポートをしてもらったり。友人からは、「インタビューを広告で見たよ」とか「YouTube動画の横に載ってたよ」とか連絡をもらうことも多くて。ステファン クックのプロダクトの露出に貢献してくれていると感じています。「The Innovators」プログラム英ECサイト「MATCHESFASHION」が、才能ある新進デザイナーのサポートを目的に、2017年に立ち上げたプログラム。現在は「ステファン クック」のほか、「アートスクール（Art School）」「チョポヴァ・ロウェナ（Chopova Lowena）」「ウェールズ・ボナー（Wales Bonner）」など12ブランドが参加している。支援の内容は、ソーシャルチャネル等を通した各デザイナーのオリジナルコンテンツの配信、優先的支払い条件の提示および180万ポンドに上るマーケティングサポート、メンターシップなど。1年間を通して継続的にブランドの支援を行っている。https://www.matchesfashion.com/jp/ ■ステファン クック：公式サイト

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