インサイド

　会場は、明治14年に日本初の迎賓館（当時の赤坂仮皇居の御会食所）として建てられた明治記念館。東京・原宿のパレ・フランスにオープンした第一号店の近隣エリアで、伝統とモダンの調和を感じる空間は東京都指定有形文化財にも指定されている。中村アン、杉野遥亮、中条あやみ、南沙良という4名のセレブリティがこの会場で、創造性あふれるカルティエのハイジュエリーイベントをナビゲートしてくれた。SPECIAL MOVIE 　4名のセレブリティがハイジュエリーイベントの煌びやかな会場内を巡りながら、「Essence」のキーワードにまつわるパーソナルなエピソードを明かしたスペシャルムービーを公開。MOVEMENT——躍動感あふれるデザイン　まず会場内の一つ目のエリア「MOVEMENT＜動き＞」では、メゾンの象徴である「パンテール（フランス語でヒョウの意味）」の優雅な動きや、しなやかな曲線からインスパイアされたハイジュエリーを展示。動植物のモチーフや、ダイナミックな動きを感じさせるデザインをフィーチャーした。アジアに生息する闘魚からインスパイアされたネックレス「SPLENDENS」は、計125.46カラットのスピネルとダイヤモンド、ホワイトゴールドを使用した華やかなデザイン。また、新作の「PANTHÈRE DE CARTIER」リングは、パヴェダイヤモンドのボディにホワイトゴールドの斑点を取り入れ、ヒョウの毛並みをリアルに表現している。 着用ジュエリー中村アンが着用したのは、イタリア語で摩天楼を意味する「GRATTACIELO」。幾何学的な形のダイヤモンドとエメラルドを組み合わせたグラフィカルなデザインは、神々しくそびえ建つ建築のよう。ネックレスは内側と外側で取り外しができ、それぞれ別々に身につけたり、センターモチーフのストーンを付け替えたりと、様々なアレンジが可能。変幻自在なジュエリーはカルティエが誇る伝統の一つだ。LIGHT——まばゆい光を放つダイヤモンド　「LIGHT＜光＞」のエリアではダイヤモンドを中心に、ストーンから解き放たれる光にフォーカス。ストーンのカッティングやハイジュエリーのラインを彷ふつとさせる什器に作品が展示され、幻想的な光のダンスが表現された。中でも注目は、ヒンズー教の雨の神様の名前に由来する「PARAJANYA」のネックレス。雨が滴るようなリズミカルなデザインで、ストーンが持つ輝きと魅力を最大限に引き出している。また、新作の「COUSSIN DE CARTIER」のブレスレットは、立体的なラウンドフォルムが特徴。ダイヤモンドのパヴェセッティングを施した編み込み式のメッシュ構造は、身につける人の肌の上で優しく弾む。 着用ジュエリー中条あやみが着用したのは、カルティエの卓越したサヴォアフェールを感じさせるホワイトゴールド×ダイヤモンドのネックレス、ブレスレット、リング、そしてイヤリング。ペアシェイプ、バゲットカット、ブリリアントカットなど様々な形のダイヤモンドを組み合わせ、それぞれの個性を引き立てている。花のようなモチーフと繊細なダイヤモンドラインが上品に輝く。COLORS——鮮やかなカラーハーモニー　「COLORS＜色＞」のエリアでは、花鳥模様が目を引く「金鶏の間」の色調を反映したウォールに、カラーが際立つクリエイションを展示。厳選されたストーンの色味や、カルティエならではの巧みな色使いが高揚感をもたらす。アクアマリンにオパールとダイヤモンドを組み合わせたネックレスは、雪の結晶からインスパイアされたデザイン。同系色ながら、質感の異なるストーンが神秘的なムードを生み出す。また、コーラルとダイヤモンド×ゴールドのチェーンを編み上げたような「TRESSAGE」リングは、かつてのクリエイティブディレクター ジャンヌ・トゥーサンの精神を反映するユニークな逸品。ゴールドの加工や立体感、コントラストの効果が引き立つ。 着用ジュエリー南沙良が着用したのは、コーヒー豆をモチーフにした「GRAIN DE CAFÉ」のネックレスとリング。1950〜60年代に人気を博し、グレース・ケリーも魅了したこのデザインは、思いがけないところに美を見いだすカルティエならでは。ゴールドビーズを重ねた上に、コーヒー豆のモチーフと甘い果実のようなルベライト、ダイヤモンドをあしらってチョーカーに仕上げた。SHAPES——独自性を生み出すフォルム　「SHAPES＜フォルム＞」のエリアではカルティエ ウォッチの形状にフォーカスし、その精巧なクラフトマンシップを間近で見られるようオープンディスプレイで展示した。常にデザインを起点にシルエットが形作られるため、いずれのピースも一目でカルティエ製と分かるフォルムを併せ持つ。特に「BALLON BLEU DE CARTIER」ウォッチは、バロン（風船）のように軽やかなフォルムに青いカボションを閉じ込めた大胆なデザイン。ホワイトゴールドのケースとブレスレットに1221個、ダイヤルに476個ものブリリアントカット ダイヤモンドをちりばめた。少しの振動でダイヤルのダイヤモンドが揺れ、きらめきを放つ「セルティ ビブラン」モデルだ。 着用ジュエリー杉野遥亮が着用したのは、飛行士 アルベルト・サントス＝デュモンのために作られた世界初の実用的腕時計「SANTOS DE CARTIER」のスケルトンウォッチ。角に丸みを持たせたダイヤルや曲線を描くラグなどが、カルティエ ウォッチならではのフォルムの概念、ミニマリズムの追求、完璧なプロポーション、そしてディテールへのこだわりを感じさせる。ケースにバゲットダイヤモンド126個をあしらった本品は世界で100個の限定生産。カルティエの象徴、パンテールのタイピンとカフリンクスを合わせて。CURIOSITY——好奇心を掻き立てる名品　「CURIOSITY＜好奇心＞」のエリアで紹介されたのは、メゾンの貴重な過去作品を修復して販売する「カルティエ トラディション」コレクション。長い歴史の中で制作されたクリエイションは、アーカイヴに収蔵された資料に基づいて鑑定され、専門職人によって丁寧に修復されている。時を経ても色あせることのないクリエイティビティは世界中のコレクターを魅了しており、なかなか国内で鑑賞できる機会はない。今回のラインナップの中で一番古いのは、1905年に発売されたペンダントウォッチ。ダイヤモンド×ベビーパール×プラチナを組み合わせたペンダントにライトブルーのトップが付いており、裏返すと時計の文字盤が現れるデザインだ。　メゾンの真髄とも言える美的要素と、日本文化や芸術からインスパイアされたクリエイションが披露された同イベント。カルティエの日本上陸50周年にふさわしい貴重なウォッチ＆ハイジュエリーが来場者たちを魅了した。

Cartier

Fashion

中村アン、杉野遥亮、中条あやみ、南沙良が来場

カルティエ ジャパン50周年を記念したハイジュエリーイベント　4名のセレブリティがナビゲート

「eBay」から届いたアンティーク小物の謎　招待状として届けられたのは、オンラインマーケットプレイス「イーベイ（eBay）」からの小包。中にはアーティスティックディレクターであるデムナ自身がセレクトした小物が入っており、弊社に届けられたのはホワイトレースのドイリー。ほかにはスノードームや磁器の置物など、それぞれ異なるアイテムが届けられたそう。果たしてこれはジャンクだろうか、価値ある高級品だろうか。添えられた伝票（に見せ掛けた招待状）には「（アンティーク収集品は）個人的な物語への想像をインスパイアし、オブジェに新たな命を与える」と記されていた。　また、招待状のQRコードからアクセスできるデムナのボイスメールには「ラグジュアリーとは定義上、一種の希少性で、無限に手に入るものではない。今、本当に貴重かつ有限に思われるものは、実際には、創造性そのもの。私は創造性が密かに新たなラグジュアリーの形となると信じている。私は、このショーが、創造性の価値に基づいたメゾンとしてのバレンシアガの過去と未来のつながりを表現するものにしたいと考えた」という一節が。コンテンツで飽和状態となった現代社会で、ファッションの意味やラグジュアリーの価値を問い直した。会場を埋め尽くすデジタルスクリーン　アンヴァリッドの敷地内に建てられた特設会場は、床から天井までデジタルスクリーンで覆い尽くされていた。自然の風景から都会のネオンまで、プログラムで自動生成されたヴィジュアルが次々と映し出される。その描写は徐々に、現実のものから人工的もしくはその二つの状態の狭間へと移行。TikTok動画の海などはディストピア的で、没入感ある演出が観客たちの知覚を圧倒した。迫力のサウンドトラックを担当したのは、2017年から公私共にデムナのパートナーであるBFRNDことロイク・ゴメス（Loik Gomez）だ。  有名な企業ロゴのパロディがいたるところに　招待状の仕掛けとリンクして、ランウェイにはeBayの刺しゅう入りのアイテムが登場。ヴィンテージ加工を施したオーバーサイズのクルーネックTシャツ（税込8万8000円）はショーの発表後、ブランドの公式サイトにおいて200点限定で発売された。ほかにも、第二次世界大戦前にイギリス政府が作成したことで知られるポスター「Keep Calm and Carry On（平静に、ふだんの生活を続けよ）」のスローガンをはじめ、ハリウッド映画をテーマとしたレストラン「Planet Hollywood（プラネット・ハリウッド）」のロゴなど、見慣れたデザインをサンプリング。「Coca-Cola（コカ・コーラ）」を「Ciao Bello（やぁ、美人さん）」に置き換えるなど、資本主義社会を次々とミーム化した。時間を止めたかのようなフローズンドレス 　ファーストルックは創業者クリストバル・バレンシアガ（Cristóbal Balenciaga）にオマージュをささげる、ヒップ・オーレット（腰に肩パッドを縫い付けた構造）のイヴニングドレス。いくつものドレスはクラシカルなシルエットを踏襲しつつも、ノーズピアスや破れたストッキングなどパンクなスタイリングが目立つ。服のシワを凍結させたような特殊加工のドレス（生地をぬらして動きを作ってから乾かし、手作業でコーティングしたもの）は、その固まったドレープがシュールなねじれを生み出していた。新しいものと古いものが交差し、奇妙なハーモニーを奏で始める。  逆さまにしたデニムパンツをトップスに　さらに首からトレンチコートをつり下げたようなドレスなど、アップサイクルのアイデアが遊び心たっぷりに取り入れられた。逆さにしたパンツで作られたトップスは、漁師の上着を引用したクリストバルの代表作「ラ・ヴァリューズ（LA VAREUSE）」からインスパイアされたアイテム。バックパックやジムバッグも解体してミニドレスとし提案されるなど、ポップかつ大胆な解釈が光る。  1分でガムテープを巻いて作ったドレス　特に観客を驚かせたのは、ガムテープで様々な服をつなぎ合わせたルック。これは60秒以内に手持ちの素材を使って新たなルックを作るという、デムナがスタジオでプレイするゲームから着想を得たものだという。例えば、3つのフーディを組み合わせて作ったドレスはメゾンの「バブルドレス」の再解釈となっており、逆さまになったフーディの袖がマーメードテールを作り出した。この即席ドレスは“レディメイド”の概念を揺るがしながら、服作りの根本に立ち返る実験でもある。さらにガムテープをそのまま腕に装着したような樹脂バングルも登場し、梱包というモチーフがEbayとのつながりを連想させた。  ブラジャーの山をアップサイクル　終盤にはアップサイクルのテーマがさらに加速し、ランジェリーとカットアップしたTシャツをつなぎ合わせたルックなどが登場。フィナーレガウンは無数のブラジャーを積み重ねたアヴァンギャルドなデザインになっており、ここでもクリストバルのシルエットをさりげなく引用した。「これはジャンクか、高級品か」という問いが観客の脳内でリフレインする。24/7 マスクなど話題の小物たち　コレクションの核を担ったのは、エッジの効いたアクセサリーだ。耳の部分に穴が開けられたフェイスシールドアイウェア「24/7」とLEDピアスがフューチャリスティックなムードを加速させ、黒いビーニー帽は周囲のノイズから自らを遮断するかのように目の下まで引き下げられた。商品タグ風のレザーアクセサリーやダストバッグ風のドレスなど、ユーモラスな演出も随所に見られた。　デムナが「ヴェトモン（VETEMENTS）」のファーストコレクションを発表し、業界に旋風を巻き起こしてから10年目。目まぐるしく変化を続ける世界で、ファッションとは、ラグジュアリーとは、スタイルとは何なのか。クリエイティビティこそが“希少性”を意味するものであり、バレンシアガの一貫したアンサーであると今回のコレクションは強く主張するかのようだった。そしていくつものルックがそうであったように、彼の創作はまだまだラディカルに“現在進行形”なのだろう。ジュヨンや三吉彩花など豪華ゲストも来場　フロントロウにラフ・シモンズ（Raf Simons）の姿が見られたほか、会場には多くのゲストが集った。ブランドアンバサダーである女優のイザベル・ユペール（Isabelle Huppert）と「PP」の愛称で知られるタイのクリット・アンムアイデーチャコーン（Krit Amnuaydechkorn）をはじめ、「ザボーイズ（THE BOYZ）」のジュヨン（JUYEON）、三吉彩花、kemioも来場。キム・カーダシアン（Kim Kardashian）、アメリア・グレイ（Amelia Gray）、サルマ・ハエック（Salma Hayek）、セリーナ・ウィリアムズ（Serena Williams）、アシュリー・グラハム（Ashley Graham）らも駆けつけ、ブランドの世界観に没入した。

BALENCIAGA

ガムテープで巻いた即席ドレスも　ラグジュアリーを再定義する「バレンシアガ」24年ウィンター

　「JW アンダーソン」の渋谷パルコ店は、ロンドンの旗艦店が位置するソーホー地区のスピリットやナイトライフカルチャーから着想を得たデザインで、ウィメンズからメンズ、バッグ、アクセサリーまでのフルラインナップを展開する日本初のフルカテゴリーストアとなっている。ジョナサンは「CFDA ファッション アワード 2023」授賞式のために滞在したニューヨークから日本へと移動。わずか3〜4日の滞在というハードスケジュールだが、にこやかにインタビューに応えてくれた。―11月6日にCFDAのインターナショナル・デザイナー・オブ・ザ・イヤーを受賞し、名実共にトップデザイナーとなられましたが、意識の変化は？ジョナサン：歳を重ねるにつれ、自分のやっていることに自信が持てるようになりましたし、フォーカスしたいところがより明確に見えてきました。ブランドがこれだけ大きくなるとリソースもかなり豊かになるので、自分がかなえたかった夢を実現できるようになってきたと思います。―具体的にはどんな夢がかなえられましたか？ジョナサン：今こうして東京のお店に立っていることでしょうか。東京は私の大好きな街の一つなんです。東京のファッションはベストだと思いますし、日本の方はファッションやクリエイティビティへの理解が深いと感じます。ブランドを理解してもらうには長い時間が掛かるものですが、日本では設立当時から人々がJW アンダーソンというブランドを理解し、支持してくれました。―近年のコレクションでシルエットやフォルムに注力している理由は？ジョナサン：今、私がこだわっているのがオフ・シルエット（体から離れたゆったりとしたシルエット）、新しいシルエットに対するアイデアなんです。ファッションはこれまでもシルエットによって変化してきました。なのでフォーカスしていきたいのです。―服の生産背景についてはどういった考えをお持ちですか？ジョナサン：JW アンダーソンでもロエベでも、クラフトというのは常に私がこだわる大きなポイントです。イングランドでもほかの国々でも、素晴らしい服を作る人材を確保するように努めています。特にJW アンダーソンはハンドニッティングを多く取り入れており、それがブランドの基礎、DNAになっていますね。例えばハリー・スタイルズ（Harry Styles）が着用したニットカーディガンもクラフトマンシップあってのもので、アイコニックなアイテムとなりました。―ブランドの店舗にはどのような機能や付加価値を求めていますか？ジョナサン：店舗はとても重要です。パンデミック以降、人々は実際に触って手に取れることの重要性に気付いたと思います。それにストア自体が、ブランドの哲学や私の頭の中にあるアイデアを示す物理的な空間となるんですね。私の最初の仕事はショーウィンドーを作ることでした。だからどんなオブジェやファッションを置いて世界観を作るかというのはとても大事なんです。―鳩やカエルなど、コレクションの中に動物が数多く登場する理由は？ジョナサン：分からないです（笑）。特に理由があるわけではないですが、動物はユーモアを感じさせるし、かわいいですからね（笑）。―日本滞在で楽しみにしていることは？ジョナサン：いつも決まって訪れているギャラリーやお店があります。最後にはバーにたどりつくと思いますが（笑）。日本に来ると面白くて、あまりにも多くのものを発見するので、1つのバッグが帰りには6つになってたりします。日本の方々のコーディネートを見るのも好きです。服へのアプローチが全然違うので、魅力を感じますね。そういった人たちからアイデアをもらうこともあります。京都にも行きたかったんですが、今年は時間がなかったんですよね。いつか仕事のないタイミングで長く滞在してみたいと思います。―最後に、日本の若手デザイナーに向けて一言お願いします。世界で活躍するために必要なことは？ジョナサン：いつも好奇心旺盛でいること。そして絶対に妥協しないこと。（聞き手：辻 富由子）

LOEWE

JW Anderson

ジョナサン・アンダーソンにインタビュー　かなえたかった夢や日本の好きなところは？

ースリー トレジャーズはいつ設立されたんですか？坂部三樹郎（以下、坂部）：会社は2020年3月3日に設立しました。業態は、端的に言えばファッションのコングロマリットです。ーコングロマリットというと、LVMHやケリング、OTBが有名ですが、そういったイメージでしょうか。坂部：イメージとしては近いです。ファッションブランド、学校、そして将来的には縫製工場やリテールといった、デザイナーの育成から実際のビジネスまでワンストップで運営するシステムを、日本を越えてアジアで作りたいと思い設立に至りました。中島真（以下、中島）：bigで運営しているファッションデザインコンペティション「big design award」も設立の背景としてヨーロッパ偏重ではなく、アジアにデザイナーの登竜門があってもいいんじゃないかと考えたことがスタートだったんですよね。それはブランド経営でも同じで、受け皿になるような母体がアジアにはないため「インディペンデント or NOT」という状況になっている。加えて昨今の環境変化の中、ブランドをスケールさせるためにはファイナンスや共通化するケイパビリティも当然必要になってきますから、それならコングロマリットを作ったほうがいいのではと考えたんです。ースリー トレジャーズが最初に取り組んだことは？中島：ファイナンス面の基盤づくりとグループになるブランドとの中期的な方向性の話し合いですね。今後、グループブランドの株式をスリー トレジャーズが保有し、スリー トレジャーズの株式を各デザイナーに何%か持ってもらう予定です。坂部：日本にもブランドを抱える持株会社はありますが、株式を持ち合う形態はほとんどない。傘下ブランドのことを尊重しながらも、スケールさせていくためには共同で踏み込まなきゃいけない部分があると感じたから株式持ち合いにしたんですよ。ー坂部さんと中島さんそれぞれの役割は？中島：それぞれのバックグラウンド、得意不得意があるので、坂部さんが経営はもちろんクリエイティブ面を見つつ、僕がファイナンスやデジタルなどをサポートします。ー具体的な事業内容は？坂部：若いデザイナーが世界に羽ばたいていくための戦略を練っています。傘下に入っているアキコアオキやケイスケヨシダ、パーミニット、ピリングスについてですが、彼らのように2010年代に立ち上げたブランドは、大変な時代を過ごしてきたと思っていて。ミキオサカベは2007年にブランドを立ち上げたんですが、2000年代デビューのブランドはギリギリ時代の恩恵を受けることができたんです。卸を軸にした欧州型のファッションシステムをなぞってもブランドを維持できましたが、D2Cブランドの台頭や小売店の業績低下など環境変化に伴い、僕らより下の世代はブランドが軌道に乗る前の段階でつまずいてしまう。コロナもあって変化していかなければいけない時代なので、僕はその一つの解がコングロマリットだと考えているんです。ー現状、グループに入っているのは4ブランドですか？坂部：ミキオサカベとジェニーファックスも入っています。あとブランドではないですが、ファッションスクールの「me」も。他にも話を進めているブランドはいくつかあります。ーグループブランドに対してスリー トレジャーズは今どのようなサポートをしているんですか？坂部：ファイナンス面はもちろんですが、例えばパーミニットに関しては「アウトランド（OUTLAND）」というバッグのブランドを一緒に立ち上げました。ーパーミニットのバッグは前回のショーで発表されたものですね。坂部：パーミニットのデザインを今以上に売るためにはどうすればいいかを考え、具体的に形になったものですね。展示会でオーダーを受け付けただけで実売はまだですがかなり好評みたいで、半澤（パーミニット デザイナー半澤慶樹）がデザインしたものの中でもトップクラスの売れ行きです。中島：ただ売り上げが上がれば良いのではなく、クリエイティビティをちゃんと担保しながらビジネスのベースを底上げするのがスリー トレジャーズのやるべきことだと思っていて。アウトランドも単純に売れるものを作ろうと始まったわけではなく、ブランディングを毀損させずむしろより発展させるために攻めた結果なんです。売るためだったら、クリエイティブは二の次でマーケティング偏重で良いというのは通用しません。でも才能溢れるデザイナーを世界に出していくという目標のもと、売ることを考えながらもブレずに「クリエイティブ・ファースト」でないと世界の市場は難しいと思っています。ーブランドビジネスを成長させるために、クリエイティブを重視するということですね。中島：将来的にはグループブランドのデザイナーが、経理など多岐にわたる経営のためのタスクをやらなくてすむような体制を整えていきたい。ただデザイナーがビジネスに関与しなくなってしまうのは良くないと思うので、経営には引き続き携わってもらう予定です。坂部：不得意な部分をサポートするのがスリー トレジャーズの主な役目なので、ビジネスが得意な人にビジネス面のサポートはしなくてもいいと思っています。ーグループブランドの中にビジネスが得意な人もいるんですか？中島：意識しているわけではないと思うのですが、吉田さん（ケイスケヨシダ デザイナー吉田圭佑）は得意なんじゃないかと思います。坂部：意外と何でもやっていけるタイプ。ケイスケヨシダにはいわゆるZ世代と呼ばれる若い層のファンが多く、熱量をとても感じます。ーケイスケヨシダに根強いファンが多いのには理由があるのでしょうか。坂部：従来のクールで多くを語らないデザイナー像とはまた違う、今の時代に即したカリスマ性を徐々に持ちはじめているのかなと。彼はファッションの学校「me」でも面倒見が良いため生徒からとても人気で。彼自身は野暮ったい感じでクールでは全然ないですが、デザイナーとして下の世代から支持を集められる、それはつまりファンを作れていることだと思うんです。今後もその強みを伸ばしていけばいいのではないかと考えています。ーデザイナー自身のアイデンティティを尊重して伸ばしていく、ということでしょうか。中島：そうですね。成功フォーマットに重ねるだけでは今の時代うまくいかないので、それぞれのブランドに応じた戦略、目標を設定していく必要があると考えています。ー現状、傘下にはここのがっこう卒業生など坂部さんと元々親交のあるデザイナーが多いですね。坂部：最初はそうなんですがただ内輪なノリではなく、海外含め新規のデザイナーとも話は進めています。ー今後は日本だけではなく海外のブランドも傘下に？中島：そうですね。特にアジアを拠点とするブランドについてはグループ親和性が高いと思っていて、いくつか調整している段階です。ーワンストップでということは、スリー トレジャーズでは縫製工場など共通のチャネルを持つということですか？坂部：そうですね。国内はもとより、既に発注先工場のリストは中国やインドネシアにまで広げていて、グループブランドにも共有しています。もちろん、スリー トレジャーズが契約した工場以外で生産しても全く問題はありません。ー差別化を考えると、同じ工場を嫌がるデザイナーも出てくるのでは？坂部：その通りで、縫製や生地といったディティールがブランドの根幹になるため嫌がるデザイナーは多いと思います。だからこそ、工場を取り合う必要がない状態が理想だなと思うんです。真似さえしなければ工場は共有してもいい、というのが僕の考えです。中島：生産背景を共有した方が費用はやはり抑えられることもありますし、一定の規模で対話することも工場との持続的な関係をつくる上で大切だと思っています。坂部：今、グループブランドに共通する課題として、小ロットで服を量産しているため利益率が低いということがあります。もう少し数を作れるようになるとグッと利益が増えるわけですが、若い世代のデザイナーたちにとっては中々越えられない壁なんですよ。在庫を積むには予算をどう捻出するか、検品も大変になるとか、色々な課題がありますが、スリー トレジャーズがそこを助けてあげる。そういう意味ではパーミニットの「アウトランド」のバッグは、ロット数の問題で彼らだけではできなかったけど、スリー トレジャーズが先行投資すればロット数を増やせ、適切な市場性のある価格で販売できるようになるわけです。要はクリエイティブの機会損失を無くしていきたいということです。ー若手デザイナーズブランドはデジタル施策が弱いという課題もありますね。中島：その通りで、デジタルを強化することで他ブランドとの差別化にも繋がると思っています。まず最初の取り組みとしてスリー トレジャーズのECページを開設しました。インフルエンサーマーケティングのようなものはしませんが、インスタグラムの運営や多言語対応したECシステムだったり、まずは基本的なところから構築していく予定です。ースリー トレジャーズの売り上げ目標は？中島：3年で年50億円規模にまで成長させたいです。ー将来的にはどういったコングロマリットを思い描いていますか？坂部：ファッションアワードで発掘、スクールで育成し、ブランドをデビューさせ、スリー トレジャーズでブランドを成長させていく。中島さんの助けもあって、僕が考えてきた構想というか、アイデアの最終段階という感じです。　僕はこれまでずっと、クリエイションとビジネスがイコールなゾーンを増やす方法を模索してきました。結局シンプルな服が売れるため、デザインが均質化してしまうというのがファッションクリエイションの問題点だと思っているんですが、「クリエイションの追求=ビジネスの追求」が成立するシステムを、ちょっとずつでもいいから広げていきたい。世界を見渡してもまだ誰も見つけられていないと思うので、先に見つけたいなと考えているんです。■THREE TREASURES

KEISUKEYOSHIDA

PERMINUTE

AKIKOAOKI

MIKIOSAKABE

Jenny Fax

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ジェニーファックスやケイスケヨシダを傘下に、新会社「スリー トレジャーズ」目指すはアジアのLVMH？

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