インサイド

アントワープの「ファッションショー」とは　アントワープのファッションショーは毎年6月に開催され、1〜4年の全学年の生徒が作品を発表することができる。デムナ（Demna）をはじめとするファッション業界で活躍するデザイナーや各種メディアの注目が集まる、作品を発表できる貴重な機会である。アントワープのショーの特色として、全学年の作品が発表されることがある。他の海外大学と比べて提携メディアが少なく、作品が世間の目に触れる機会が限られているアカデミーの学生たちにとって貴重な機会である。そのため、学生たちは1年生から大学院生まで、この2日間に向けて制作に取り組んでいると言っても過言ではない。　今回のファッションショーでは、クリス・ヴァン・アッシュ（Kris Van Assche）といったアントワープに縁のあるデザイナーはもちろん、キコ・コスタディノフ（Kiko Kostadinov）やディララ・フィンドゥコル（Dilara Fındıkoğlu）といった著名なデザイナーたちがヨーロッパ各地から招かれ、学生の作品を審査した。これまでのショーとは一線を画す、より広範な視点で評価が行われたことは、学生にとっても大きな挑戦であり、新たな刺激となった。　審査の結果、優秀と認められた3年生および大学院生の作品には、アワードが授与される。プライズの内容は多様で、ジャカード工場とのコラボレーション権や現金支給などがある（王立大学なのもありベルギー出身のデザイナーを優先的にプロモーションするという学校側の意図も見受けられるが…）　そんな中、今回新設された「シューティン チウ（Shuting Qiu）」アワードには、3年生の桑野さんが選ばれ、このような成果は、アカデミーにおいて数少ない日本人学生である私にとって大きな励みとなった。「Shuting Qie」アワードとは？Shuting Qiuのブランドの特徴である、「創造性と遊び心」を持つ生徒に授与される賞。「ファッションショー」ができるまで制作課題　ファッションショーに向けた1年間の流れとしては、1年生はスカート、ドレス、ジャケットの3アイテムを制作し、2年生から4年生（大学院生）はコレクションを制作するという課題が与えられる。そして、全体講評時に制作した作品の中から、ファッションショーに出す作品が選抜される。　1年生の場合、2学期の制作課題はドレスとジャケットだ。これらは1学期の制作課題であるスカートに比べ、生地と身体の関係性や動きをデザインすることが求められ、よりファッションらしい課題と言える。また、襟や袖のデザインに創造性を発揮することが求められ、さらにチェックやストライプ生地の柄をどのようにデザインに取り入れるかも大きな課題となる。ドリス・ヴァン・ノッテン（Dries Van Noten）やウォルター・ヴァン・ベイレンドンク（Walter van Beirendonck）といったデザイナーを輩出したアントワープならではの内容だ。　（ちなみに、ドレス制作においてはポプリンの生地が厳格に指定されており、指定されたサイトから購入する必要がある。誤って別のポプリンを購入した生徒が、完成間近でやり直しを余儀なくされることもあった）　ジャケットの課題では、一般的にファッションで使用されない素材をどのようにファッションデザインに落とし込むかが問われる。また、制作期間が2週間しか与えられないため、スピード感を持って制作することも主な課題だ。全体講評　ファッションショーの本番に向けて、今年は例年よりも2週間早いスケジュールで準備が進行した。そのため、学生たちはデッドラインが2週間早まるという異例の事態に対応せざるを得ず、全員が必死で制作に取り組んだ。中には学校に来なくなる人や、顔つきが険しくなる人も少なくなかった。多くの学生が睡眠時間を削りながら必死に制作をしていた。　私は、無事にスカート、ジャケット、ドレスの制作やその他のデザイン課題を終え、全体講評の日があっという間にやってきた。この講評では、ファッション学科の全ての先生の前で、制作した3着をモデルに着せた状態でプレゼンを行う。学長のブランドン・ウェン（Brandon Wen）はもちろん、アントワープシックスの一人であるダーク・ヴァン・セーヌ（Dirk van Saene）からも直接講評を受けた。先に述べたようにこの全体講評で、1年を通して制作した作品の中から、どれがランウェイを歩くかが選抜されるため、緊張感が漂う。私の作品は、先生方から高い評価を得られ、3着全てがショーに出ることが決定した。ポスターとマガジン　毎年、ファッションショーに併せてポスターやマガジンの発行が行われる。これらは学校主導で編集され、全学年の生徒の作品が掲載される。生徒たちは制作に追われる中でも、先生方の推薦を受けた作品はこのための新たな撮影が必要になる。ポスターに選ばれる作品は学長（ブランドン）の推薦によって決定され、ファッションショーの2週間前には街中に掲示される。このように、ポスターやマガジンを通じて、学生たちの作品がショー以外の形で広く世間の目に触れる機会が提供される。前日準備とリハーサル　前日は作品の搬入から始まり、ショーの流れが大まかに説明された後、それぞれの作品に番号とモデルが書かれた札が振り分けられる。その番号はランウェイを歩く順番を意味し、私は1番の札を先生から受け取り、スカートがショーのオープニングルックとなることが決定した。（ショーは学年ごとに1年生、2年生、3年生、大学院生の順に発表される）　ショーの会場作りは音響からモデルのメーキャップまで、アカデミー側が行うため、学生は作業に集中できる。バックステージに入ってからも手直しやモデルへの着せ付けに追われるだけでなく、ショーの後に控える進級試験の準備をしている生徒も少なくない。その後、振り分けられた番号に基づいて所定の場所に作品を配置し、モデルを共有する他学年の生徒から着せつけの説明を受ける。ショー前日にはモデルが不在のため、作品の構造が複雑な場合、説明するのもされるのも大変である。　リハーサルはショーの直前に行われ、生徒は当日にフィッティングを行い、必要に応じて修正やモデルの変更を行う。リハーサルでは、モデルがランウェイを歩く順番や速度、ポーズを最終確認し、全体の流れをシミュレーションする。ファッションショー本番　ショー1日目、会場はファッションショーが始まるのを待ちわびる観客で埋め尽くされていたが、バックステージでは生徒たちが慌ただしく動き回っていた。開始のカウントダウンが進むと会場が暗転。緊張感が高まる中、ファーストルックのスカートが静かにランウェイに登場し、ショーがスタートした。自分の作品をモデルに着せつけるだけでなく、他の学生のサポートもしなくてはならず、複雑な構造を持つ作品を扱うときは、素早く慎重に対応する必要があった。フィッティング調整を終え、モデルをステージへ送り出す。　ショーは全学年の作品が発表されるため、19時に始まったショーは23時近くまで続き、長時間にわたる作業と緊張で生徒たちは相当な疲労を感じた。しかし、その疲れの中にも、作品ステージへ送り出す達成感があった。　ショー2日目。この日は審査が行われ、学校が招待したゲスト審査員が参加する日であった。審査員には、先述した通り国際的に著名なデザイナーやファッション関係者が多数含まれており、その中には私が特に尊敬するデザイナーの1人であるキコ・コスタディノフもいた。彼らに作品が審査されることもあり、緊張感のある一日となったが、前日の経験もあり学生たちは要領を得て、1日目はよりスムーズに進行した。そしてショーが無事に終了し、会場が拍手に包まれた。　また、個人的にも印象深い出来事がその後に訪れた。ショー終了後、偶然にもキコと直接話す機会があり、作品へのポジティブな意見をもらえ、握手を交わすことができた。二日間のショーの中でも、この出来事は特に心に残る瞬間となった。【動画】ショーの様子＞次回は、学内で出会った学内でも希少な日本人留学生について紹介します。

Fashion

【連載：アントワープ留学記】学生たちの未来が決まる？ ファッションショー編

1年生のクラス編成と授業スケジュール　アントワープ王立芸術アカデミー（以下、アカデミー）では、1年生の学生数が多いため、クラスは2つに分かれている。授業は午前と午後の2講座で、それぞれ約4時間の長丁場。でも、スケジュールは柔軟なので、必要に応じて頻繁に変更される。課題は自宅で行うこともあれば授業中に取り組むこともあり、進捗は先生から個別にフィードバックを受けながら進める。 「ファッション」の授業内容　「ファッション」の授業はモード美術館の最上階で行われ、主なテーマは以下の4つ。 ファッションデザイン パターン ドローイング テキスタイル　これらに加え、水曜日には座学の授業があり、アート史、哲学、ファッション史を学ぶ。また、ヌードモデルを等身大で描くライフドローイング*の授業もある。以前は座学の授業はオランダ語で行われていたが、現在はすべての授業が英語で行われている。 （*人物のモデルを描写すること。日本での「クロッキー」に類する）印象に残っている授業　特に印象に残っているのは、金曜日に隔週で行われるテキスタイルの授業だ。「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」や「セリーヌ（CELINE）」で生地のヘッドデザイナーを務めた経験を持つ講師が指導にあたる。彼女は生地の基本構造からサステナビリティの課題まで、非常に広範囲にわたる知識を包括的に教えてくれる。指導方法は非常に実践的で、彼女自身がデザインに関わった生地を含む、世界中から集めた膨大なアーカイヴを活用している。これらの生地に実際に触れることで、学生はテキスタイルに関する深い知識と理解を得ることができる。 　中でも、実際にコレクションで使用された生地のリサーチや制作プロセスの詳細を学べる点は非常に貴重だ。なお、アーカイヴの半数ほどが日本製の生地であり、西洋的な視点で日本の職人技術の高さを熱弁する様子は非常に興味深い。 校外学習　先日、校外学習の一環としてオランダの生地博物館を訪れた。この博物館では、テキスタイルデザインを単なる工芸としてだけでなく、アートとして捉えていることが強く感じられた。伝統的な織り機から最新の編み機まで、幅広い技術を展示しているだけでなく、実際にテキスタイルアーティストがこれらの機械を使用して作品を制作・展示できる環境が整っている。　群馬県出身の私としては、学生時代に社会科見学で訪れた富岡製糸場のような歴史的価値に重きを置いた施設を想像していたが、この博物館には異なる印象を受けた。ここでは、現代的な視点から伝統技術を再評価し、創造性を刺激する内容となっており、見学者や利用者には若者が多い。実際に職人とテキスタイルアーティストが協力しながら作品を制作している現場を見られることも、この博物館の大きな魅力だと感じた。1年生の主な課題　ファッションデザインの課題は実際に制作するスカート、ドレス、ジャケットを中心に、大量のファッションデザインの課題が並行して進む。1学期には「period project」と呼ばれる課題があり、古代、中世、ルネッサンスなどの時代を参考に、現代的に再解釈したデザイン画を描く。これは約一ヶ月ごとに提出する。 　「color card」と呼ばれる課題では、zineのようなものを2冊制作し、ページレイアウトや色彩感覚、ムードを視覚的に伝える方法などを学ぶ。2学期には「collection book」と呼ばれる課題があり、実際に制作はしないが、6〜8体のデザイン画を描き、リサーチやコンセプト設定、色彩や素材選びまで行う。 　これらの課題と絡み合う形で、ドローイングの課題も出される。「presentation book」という課題では出来上がったデザイン画を審査会でプレゼンするために10ページほどの冊子を作る（この課題は今年すでに5回出された）。他にもA1サイズの紙にドレスやスカートを自由なスタイルで描いたりと、自分のデザインを言葉だけでなく様々な媒体を用いて視覚的に伝える方法を学ぶ。また、座学の課題が出されることもあるが、ファッションデザインの生徒は多忙がゆえに提出期限直前にやるケースが多い。 1週間のスケジュールと忙しさ　上記のように大量の課題が出される上に、アカデミーでは課題の出来が進級の可否に直接関わるため、生徒は皆全力で取り組んでいる。ただし、生徒のバックグラウンドは非常に多様で、年齢や経験もさまざまだ。ファッションを以前学んだことがない人もいれば、金銭的に余裕がある生徒はパターンや縫製を外注することができるため、忙しさには個人差がある。ちなみに、外注はアカデミーではグレーゾーンとされており、一定数の生徒が利用しているが、先生に知られると問題になるらしい。異なる文化や経験を持つ生徒が集まり、お互いに影響を受け合うことで、より豊かな視点やアイデアが生まれる。この多様性が学びを一層深めている。学生の多様性と文化的視点　日本にいると気づくことが少ないが、海外の人から見ると日本のファッションや文化は一種の羨望の対象だ。「カワイイカルチャー」や伝統文化など、西洋からかけ離れた孤島で独自に発達した文化として、西洋的な視点で捉えられている。他のクラスメイトの作品を見ると、デザインのリファレンスとして日本文化が用いられることも少なくない。西洋の人たちが日本やアジアの文化をどう捉えているか、その視点は日本文化にどっぷり浸かった私とは全く異なり、これが非常に興味深く感じられる。 休みの日の過ごし方　休日も基本的には出された大量の課題をこなす。課題の大変さは生徒の能力や経験によって異なるため、長期休暇中に他国を旅行する生徒もいれば、一日も休みを取らずに課題に取り組む生徒もいる。それぞれのリフレッシュ方法を見つけることが効率的に作業を進める上で重要だ。ある生徒はヨガやジムで心身を整えたり、他の生徒は大きい課題が終わるごとにホームパーティーを開いたり、美術館を訪れたりしてインスピレーションを得たりしている。私の場合は、毎週末に友達と川沿いでランニングやバスケットボールをしたり、休憩時間に軽い筋トレや瞑想、コールドシャワーを浴びるなどしてリフレッシュしている。 　アカデミーは生徒の数や施設の規模が比較的小さいため、生徒間の繋がりが強く、学校の厳しさを生徒同士で支え合って乗り越えようとする傾向がある。例えば、制作で行き詰まった時には同級生や上級生に連絡を取り、制作のヒントをもらうことができる。また、学校のプレッシャーに押しつぶされそうな時には、友達に話したりして悩みを共有したりして、精神的にも生徒同士が支えとなっている。このように、厳しい環境の中でも生徒同士が支え合いながら成長していく姿勢が、アカデミーの特徴だなと感じる。 ＞＞次回は、初めてのショーの準備から当日までの様子を紹介します。

【連載：アントワープ留学記】ファッションデザイン科1年生の生活とは？　膨大な課題、休みの日の過ごし方をレポート

なぜアントワープを選んだのか　ファッションの文脈に切り込む斬新なデザインを生み出すために西洋の環境で、自身の軸となる日本人としての個性や美的感覚を客観的に見つめ、それを磨き、ファッションの文脈に翻訳するスキルを身につけたいと思った。そして、流行に左右されすぎないクリエイティブなファションデザインを学び、アートとしてのファッションを学びたかった。加えて、現実的な理由としては、王立なのでセントラル・セント・マーチンズ （Central Saint Martins）やパーソンズ美術大学などに比べると学費が安いということも大きな決め手になった。（1年間の学費：アントワープ€960＝約150万円、セントマ £19,930＝約300万円、パーソンズ$50,800＝約760万円／2023年9月時点）入学準備に必要なこと出国前：申請・荷造り　　ベルギーの学生ビザはEU圏内では最難関クラスで取得に手間がかかる。具体的には、無犯罪証明書、ベルギー大使館認定医師による健康診断書、生活費の保証書、英文履歴書、卒業証明書、etc…など10種類以上の書類を用意しなくてはいけない。また、それぞれの書類にも有効期間があったりと細かい条件もあり、大変労力を要する作業である。　次に荷造りに関しては、円安の影響もありヨーロッパは物価が高く、画材に至っては日本と比べると値段が10倍なんてことも珍しくないため、大量の画材とミシンを段ボールとスーツケースに詰めて送った。入国後：家探し　入国後、大使館によると8日以内に住む場所を見つけ、それを記載した在留資格申請書を提出しなくてはいけない。そのため、到着後息つく暇もなく、時差ボケでぼーっとした頭で住むアパートを探した。アカデミーには学生寮はないため、制作をするのに十分なスペースのある家を自力で探さなくてはいけない。また、アントワープは地域の狭さに反して学校が多く、さらに新学期直前に世界各国から生徒が同時にアパートを探すため、競争がかなり激しい。ちなみに、多くの場合Web上で探すのだが、当たり前のように詐欺業者が潜んでいるので注意が必要である。　最終的には一時的に家に泊めてくれたトーマスの助けもあり、七畳キッチン付き、トイレ、シャワー別で680ユーロの学生向け半シェアハウスを借りることができた。（のちにクラスメイトから聞いた話だが、入国後は住んでいるホテルの住所を一時的に登録して書類提出し、その後1ヶ月ぐらいは部屋探しに充てることができるそうだ。）入学してから感じた、気づき・ギャップ・期待アカデミーで学ぶ利点倍率約15倍の競争を勝ち抜いた、才能やモチベーション、能力の高い60人の学友たちと切磋琢磨できる。 モードという文化が根付いた西洋の生活様式や伝統に囲まれながらファッションを学ぶことができる。10年前とは異なる保守的な学生たち　直近10年は日本人の卒業生はほぼ居ない。そして、現在日本で有名なアカデミー卒のデザイナーたちが当時学生として求められていたものと、現在の学生に求められているものはファッションの文脈の変化に伴って変わってきている。そのため、彼らが語っていた学校像、生徒像は現在のものとは少なからず異なるのが現状だ。　具体的には、学生の作品が保守的になっているという印象を受ける。私の個人的な推測だが、現在のファッションシーンでは、私がファッションに興味を抱くキッカケであるクレイグ・グリーン（Craig Green）のような​​​​​​、ファッションデザインの枠組みを他分野との融合によって拡大するようなアプローチよりも、ファッションの文脈の中でどう社会の需要に合わせていくか、といった見方によっては保守的な視点が強調されていると感じる。その流れを踏まえ、アカデミー側も「ボッター（BOTTER）」や「シューティン チウ（Shuting Qiu）」以後、個性的で自身のブランドを持つデザイナーを育てるよりも、パリのメゾンやハイブランドに就職して、時代に合わせて柔軟にデザインできるデザイナーを育てて卒業させたいのではないだろうか。 ネガティブ思考は矯正しないと耐えられない　アカデミーに関する情報は古いものが多いが、厳しさは変わっておらず、同級生や友達が先生からのフィードバック中に号泣したり、デザインの授業中に手が震えて早退するなどは日常茶飯事である。一番最初のスカートプロジェクトですら、先生に審査される前にも関わらず、約20人の生徒がここで留年や退学が決定し、アカデミーを去っている（留年も休学も1年間しか認められないため、2回留年した生徒は強制退学となる）。この厳しい環境下で自分に必要以上のプレッシャーを与えることは制作に支障をきたすと判断し、私も元々持っていた、柔軟性のない完璧主義とネガティブな感情をモチベーションにするマインドセットを是正するため、できる限り制作に幸福を見出せるような心持ちや生活ルーティーンをリサーチし、時には友達に相談しながら意識的にポジティブな思考に修正していった。　余談だが、思えば日本にいた時は幸福についてあまり考えたこともなく、相談しても答えを持っている人は少なかったように感じる。先進国の中で幸福度が最低クラスの日本で育ち、健康や幸福が人生を豊かにし、作業の生産性を向上させることの重要さを忘れていたのだと気づき、一種のカルチャーショックを受けた。過酷な生活の中で得るもの　1年生の1学期というカリキュラム的には最も楽な期間が過ぎたが、すでに例年通り約20人の生徒が留年または退学が確定しているという状況である。しかし、課題の多さや競争の激しさを実際に体験した自分からすると特別驚きもなく、妥当な数字であるとすら感じる。　そのような環境があと最低でも2年半続くと考えると、正直気が遠くなる思いだ。　しかし、この半年が今までの人生において最もファッションデザインに真剣に向き合った半年であることは疑いようも無く、ファッションデザインについての知識も課題の多さに比例して膨大な学びを得たと実感している。それと同時に、この状況において支えてくださっている方々や海外留学という環境に感謝の気持ちを抱き、制作そのものにも幸福を見いだせるようになったことを考えると、いつ退学になるか分からないという状況に不安を感じる一方で、残りの時間において自らの成長に対する期待の方が大きい。◾️1年生1学期の主要な課題9月〜2月：スカート（デザイン・作成）、ドレス（デザインのみ、作成は2学期）＞＞次回は学生生活や、忙しい日々の中での休日の過ごし方を紹介します。

vol.1 アントワープの学費は安いが...

【連載：アントワープ留学記】留学準備から入学後に感じたギャップまで、リアル教育現場を現役生が綴る

■Peter Philips (ピーター・フィリップス) ベルギー・アントワープ出身。ディオール メイクアップ クリエイティブ＆イメージ ディレクター。アントワープ王立芸術学院でファッションデザインを学んだ後、メイクアップアーティストの道へ。フェミニンさがありながらも、ユニークかつモダン、そしてアイコニックなクリエイションで世界中から注目を集める。1人で遊ぶことが好きだった幼少期ーこれまで数え切れないほどインタビューを受けてこられたかと思いますが、幼少期のお話まではほとんどされていなかったのではないでしょうか。ぜひ、どんなお子さんで、何をするのが好きで、どんな夢を見て過ごしていたのかお聞かせいただきたいです。　僕には2歳下の弟がいるんだけど、彼はとても背が高くスポーツ万能で僕とは正反対の存在でした。僕はというと、子どものころからドリーマーというか、1人で遊ぶことが好きなタイプだったね。ーそうなんですね。インスタグラムを拝見していて、勝手にアクティブな方、というイメージがあったので少し意外です。　人と関わることが嫌い、というわけでは決してなかったんだけど、自分でファンタジーワールドを作り上げることのほうが楽しかったというのかな。それは自宅だけでなく学校でもそうだったんだけど、とにかく1人で何かをするのが好きな子どもだったんです。だから母は、「あなたを叱るのが難しかった」とよく言っていました。何か悪さをして部屋に閉じ込めてもそこで楽しく遊んでしまうような子で（笑）。ー確かに。お仕置きになりませんね（笑）。ちなみに、お部屋の中ではどんなことをして遊んでいたのですか？　本を読んだり、絵を描いたり、それに飽きたら窓の外を見て空想にふけったり…。とにかく一人でいても飽きるということがありませんでしたね。ーメイクアップアーティストになられる前はファッションの学校に通われていましたよね。絵や本がお好きだったということは、ファッションへの目覚めもそのころからあったのでしょうか？　そうかもしれませんね。4～5歳のころ、両親が離婚したので週末に父に会いに行っていたのですが、父はアーティストだったので、彼が絵を描く姿を遠くから見ていたことを思い出します。それと、母方の祖母はお裁縫が得意でよく服を縫っていました。この2つがクリエイターへのトリガーになっているような気はしますね。ー高校を卒業してすぐアントワープ王立芸術学院に進まれたのですか？　10代のころにはすでにファッションに興味を持っていたのですが、「ファッションの道に進みたい、アントワープの王立学校に入りたい」と義理の母に相談したら、「いきなりファッションの道に行くのは難しいかもしれないから、まずはデザインの基礎を学んで足固めしてから考えてみたら」と言われてしまってね。それで、とりあえずブリュッセルにあるデザインの学校へ通うことにしたんです。ーなるほど。そこでは具体的にどんなことを勉強されたのですか？　そこは宣伝広告に関するアートやデザインを学ぶための学校でした。写真やペインティング、モデルに対してのヘアメイクなど、広告宣伝に関するアートディレクション全般を学ぶことができました。そこで学位をとって、両親を説得して、やっと念願だったアントワープ王立芸術学院に進むことができました。みんなでランウェイに潜入したアントワープ王立芸術学院時代ーそこで本格的にファッションの世界に足を踏み入れたわけですね。アントワープでいちばん印象に残っていることはありますか？　2年に1回、学生たちがパリのファッションショーのバックステージで働くという課外授業のようなものがあったんです。学生でお金がなかったから、そこでメイクアップのお手伝いをしてアルバイト代を稼ぎつつ、バックステージの空気感を肌で感じられるという素晴らしい機会でした。仲間のうちの一人が、メジャーなブランドのショーのアルバイトをしていることを知って、みんなでどうしても覗きにいきたくて、フェイクのインヴィテーションを作って潜入したりしたのもいい思い出です（笑）ーえっ!? よくバレませんでしたね（笑）　ちゃんと作戦があるんです。1人がバックステージパスを「いかにも」という感じで見せてセキュリティの視線を引きつけている隙に仲間たちがこっそり忍び込むという（笑）。この作戦で無事みんなでショーを楽しむことができました。ー青春ですね（笑）。それだけファッションがお好きだったのに、メイクの道を志されたのはなぜですか？　僕が学生だったはころは、なけなしのお金で「iDマガジン」とかファッション雑誌を買ってよく研究していたんだけど、そのうち自分はファッションよりもモデルの顔ばかり見ていることに気づいたんです。バックステージでアルバイトしていた時も、モデルがショーのコンセプトに合わせてトランスフォーメーションしていく様が面白くて見ていて飽きなかったし、ビューティクルーとモデルたちとのインタラクションも楽しそうでいいなと思っていて、自然と志すようになりました。学校に通い始めて3年目には、もうメイクの道に進もうと心に決めていたけれど、学位を取るために4年間通い、卒業後から活動をスタートさせました。学友にはラフ・シモンズもーメイクアップの専門学校には通わずにフリーランスで活動されていたのですね。　そうですね。ただ、長年アートを学んできていたから、色彩感覚やファッションとのコーディネイトなどは自然と身についていました。初めのうちは、ストリートキャスティングといって街ゆく人を捕まえて、彼らをモデルにポートフォリオを制作したりしていました。実は学友にラフ・シモンズ（RAF SIMONS）や、スタイリストのオリヴィエ・リッツォ（Olivier Rizzo）、フォトグラファーのウィリー・ヴァンダピエール（Willy Vanderperre）らがいて、一緒にいろんな作品を作りましたね。ーすごいメンバーですね！ メイクの道へ進む決め手となった出来事はあるのでしょうか？　ベルギーのエージェンシーに所属していた時、ある週刊誌の企画を担当したんだけど、それが、キャットウォークや撮影でのメイクではなく、一般の人にプロがその場でメイクをしてアドバイスをするという、いわゆるメイクオーバー企画。今では珍しくないけれど、SNSがない時代だったから、プロの技術を目の当たりにする貴重な機会だったみたいで好評を得ることができました。　その企画の中で、参加してくれた一人が、頬の大きなシミを気にして、髪で顔を隠すために猫背になっていたんだけど、メイクでキレイにしたら自信がついたのか、背筋がシャンと伸びて笑顔がぱっと輝いて。その時、メイクの力の偉大さを本当の意味で知ることができて、「自分がやりたかったことはこれだ！」と確信しました。ーそれが今のピーターさんの原体験となっているのですね。「メイクだけでやっていける」と確信したのはいつごろですか　アントワープを卒業して、仲間たちとポートフォリオを作るようになったのが1995年ごろだったかなあ。彼らとの創作活動を続ける中で経験を積んだり、ミスをしたりしながら腕を磨いていって、少しずつお金を稼げるようにもなって…。なんとか1年はサバイバルできるようになっていたので、そのころでしょうか？ ベルギー出身のメイクアップアーティストとして少しずつ名が知られるようになっていたので、学生時代から続けていたレストランでのアルバイトもすっぱり辞めて、ブリュッセルのエージェンシーと契約を結びました。ーメイクアップアーティストとしての転機となった仕事は？　若手だったころ、ベルギーでは予算の関係上、メイクアップアーティストはヘアもできなければ仕事がもらえなかったのですが、ヘアは未経験だったんです。そんなある日、撮影の仕事が舞い込んできたので母に相談したら、母が通っている美容院のヘアデザイナーを紹介してくれて、彼が「とにかく一晩でやり方を教えるから髪の長い子を連れてこい」と。ブローとかシニヨンとか、ベーシックなテクニックを一晩で叩き込んでもらって、あとは自宅で3日間猛特訓して本番に臨みました。現場に行ったら、ものすごい髪の長いモデルで絶句（笑）。苦戦しましたが、どうにか完成させたら、チーフから「なんて素晴らしい仕事をしてくれたんだ！ 特にヘアがファンタスティックだったよって（笑）」。ー4日間で！ ヘアの分野でも才能が開花されたとも言えますが、ヘア＆メイクにはならなかったのですね。　そうですね。それからしばらくはヘアもやっていたけれど、2～3年後にはメイクだけに絞って活動することにしました。インドで撮影した「ヴォーグ」の仕事が転機にーご自身の転機となった仕事はありますか？　アムステルダムのエージェンシーに所属していたころの「ヴォーグ（VOGUE）」の撮影でしょうか。ベルギーのトップモデルだったアニカから突然、「来週暇？」って電話があって。「どうしたの？」って聞いたら、「インドで『VOGUE』の撮影があるから来られる？」って。自分でも全く予期しない出来事だったから驚いたけど、「もちろん行くよ」と伝えてすぐにインドへ飛んだよ。ーどうしてアニカさんがキャスティングしてくださったんですか？　ベルギーでアニカと一緒にシューティングした時の作品を、フォトグラファードゥオのイネス・ヴァン・ラムスウィールド＆ヴィノード・マタディン（Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin）が見て興味を持ってくれたみたいなんだ。だけど、フリーランスだったから自分の名前しか書かれていなくて連絡のしようがなかったみたいで、アニカが取り次いでくれて。それ以来、イネスとは付き合いがあって、NYで撮影があるたび今でも呼んでもらっているよ。ーきっかけになった作品はどんな作品だったのでしょう？　1999年ぐらいの作品。カルティエ（CARTIER）とかブシュロン（BOUCHERON）のジュエリーをモデルの顔や肌にペインティングしたんだ。メイクアップアーティスト人生の転機となった作品のひとつだよ。ーその後、「フェンディ（FENDI）」メイクアップディレクター時代に、カール・ラガーフェルド（KARL LAGERFELD）氏の目に留まり、2008〜13年まで「シャネル（CHANEL）」のメイクアップ部門のクリエイティブディレクターとして活躍されました。2014年にディオールのクリエティブ＆イメージディレクターに就任されましたが、打診された時は、どんな思いだったのでしょうか。　シャネルを辞めてNYでフリーランスをしていたころ、ラフ・シモンズから間接的にこういう話があると聞いて。同時に、カールも働きかけてくれて、僕をブッキングしてくれたんだ。ベルギーのいちアーティストだった自分が、ディオールのような世界的ブランドのクリエイションに携われるなんてまたとないチャンスだと思ったから、もちろん喜んで引き受けたよ。もう9年にもなるなんて信じられないけど。「ディオール」最新コレクションについてーコロナ禍でビューティ業界が苦戦を強いられている中、革新的でありながらも時代の空気感を絶妙にキャッチしたディオール ビューティは多くの人たちに受け入れられましたよね。そんな絶対的なセンスとアイデアを持つピーターさんが生み出した最新コレクションについて、こだわりポイントを教えてください。　まずはネイルからお話しましょうか。「ディオール ヴェルニ」は、今多くの人たちが求める、ナチュラル、クリーン、自然由来成分にこだわって処方を一新しました。ネイルを機能性をキープしながらナチュラルな処方に作り変えることはとても難しいことだったのですが、ラボが非常にすばらしい仕事をしてくれて、今までよりもさらに良い処方に進化しています。シェードも、誰にでも好まれる好印象なものから、シーズンごとに少し入れ替わり、ディオールの女性たちが望むスリークでコンテンポラリーでモダンなシェードまでバラエティ豊かに揃えました。パッケージもよりスタイリッシュに変わっているので、そこもぜひ注目していただきたいですね。ー「ディオールショウ サンク クルール」はいかがでしょうか？　こちらもナチュラルでケアリングな自然由来処方にこだわり、さらに進化させました。使って良いもの、ダメなものとフォーミュラへの制限が厳しい中で、特に赤の鮮やかさを表現するのに苦労しましたが、こちらもラボのたゆまない努力の結果、色合い豊かに展開することができました。定番のパレットも引き続き楽しみつつ、最新コレクションのパレットで新しい自分を発見してもらえたら嬉しいです。ー「ディオールショウ アイコニック オーバーカール」はリフィル式になるのですね！　そうなんです。ディオールのDNAとして、リフィルという概念は50年代から始まっているのですが、「ルージュ ディオール」だけでなくマスカラにもそのフィロソフィーやイノベーションを吹き込みました。フォーミュラもより使いやすく改良しました。ー「ディオールショウ オンステージ クレヨン ウォータープルーフ」「ディオールスキン ルージュ ブラッシュ」のポイントは？　ディオールのクリエイションは、コロナの影響でこれまで以上に女性のニーズに寄り添うように少しずつ変化していきました。今回のカラーも、少しノーマルライフに戻っていくというメンタリティーの中で、ビューティカウンターに足を運んでくれる人がますます増えていくということも考えて、クレイジーすぎない、少しほっとするような色味もあえて作っています。もちろん、ファッショントレンドとリンクするストロングカラーも展開しつつ、自分でコントロールしてビルドアップして好きなようにも作っていけるような、自由性のある色展開にこだわりました。「ブラッシュ」は、ブラシもフォーミュラも一新。ひとはけでパッと顔が明るく華やぐのに、どんどん重ね付けしても重たくならず楽しめる絶妙な発色感にこだわっています。ーでは最後に、ピーターさんの夢を聞かせてください。　大きな夢というよりも、とにかく今の幸せを噛み締めたいという気持ちが強いですね。コロナが落ち着いて元の生活リズムに戻って、こうして東京にまた来ることができました。こんなに嬉しいことはありません。いろんなところにまた出張に行って、クリエイティビティのバランスをより良いところに持っていきたい。そのうえで、自分だけの時間ももっと大事にしてけたらいいですね。（文・ライターSAKAI NAOMI、聞き手・企画編集 福崎明子）■ディオール：公式オンラインブティック

RAF SIMONS

DIOR

Antwerp Royal Academy of Fine Arts

Beauty

【連載：美を伝える人】「ディオール」ピーター・フィリップス氏　ドリーマーな幼少期からファッション、メイクを志した理由

ティーエイチが目指すリアリティーメンズブランド立ち上げの経緯を教えてください。　「タロウ ホリウチ」は来年で10年を迎えるので、会社的な成長を考えると自然の流れだったんですが、「MUJI Labo」のデザインを務めさせて頂くことになったのは1つの契機になったかと思います。「MUJI Labo」では「ワンラックの生活」というできるだけミニマルな服のラインナップを作るというコンセプトのもとデザインしていたんですが、自分の中のテーマ性と共通する部分があって。それをメンズウェアでもアウトプットしていきたいと考えたんです。ーデザイン手法は、メンズとウィメンズでは違いますか？　全く別ですね。ウィメンズはインスピレーションを起点に、イメージを落とし込んでいます。一方でメンズはより自分に近いというか、最初に作りたいものがあってそれをゆっくりと形にしていく。メンズでの物作りはデザインがシンプルな分、仕様や内部構造、強度などの検証にかける時間が自然と長くなっています。メンズ独特の構造部分はやはり難しくて、そこにはしっかり時間をかけるようにしています。ーメンズウェアのデザインで重視していることは何でしょう。　ウィメンズは新鮮味が重要視され、時代の変化やムードに依拠する部分があると思うんですが、メンズは実用性やユーティリティが重視されるように感じます。それにデザインの要素もウィメンズと比べると制限されるので、アップデートという概念が大事なのではないかと。生地にはじまり、芯地の硬さや柔らかさ、ポケットの深さなどミリ単位の微調整で、表情やクオリティが変わってきます。一見地味に見えるアプローチも、ウィメンズと違うプロセスでやっていることにも深い楽しさを感じています。ー自身で着用できるというのも大きな違いなのでは。　自分でサンプルを着て微調整ができますからね。メンズはまず自分サイズのサンプルを製作し、着て細かい部分の確認をします。直に感じたことを反映させるようにしています。ーリサーチを重視するデザイナーも多いですが、ティーエイチではどうでしょうか。　今の所はしていません。自分が好きで集めていた90年代や00年代のデザイナーズのアーカイブや軍モノの古着などの蓄積がベースになっており、そこから着想を得て現代的なデザインに落とし込む作業が多いです。リサーチよりも、自分の中に蓄積されたものを吐き出すという感覚です。そして意識しているのは、自らの生活の中で欠けていると思う服を作ることで生活の補完を試みるということです。ートレンドの意識は？　あえて考える必要はないかなと。男性である自分が良いと思うものは、たとえ少なくても既に市場に存在していると思っています。僕が良いと思ったものが市場にない可能性があるウィメンズとは、そこが違いますよね。だからこそ振り切れたというか、はっきりとした意志をもって判断できるのが、メンズの良いところだなと思います。ーパターンは自社ですか？　ウィメンズは自社ですが、メンズはテーラードジャケットなど一部をアントワープ在住のパタンナーにも引いてもらっています。ヴィジュアルは80年代、90年代に「マルタン マルジェラ（Martin Margiela）」や「ラフ・シモンズ（Raf Simons）」のヴィジュアルワークを手掛けた写真家のロナルド・ストゥープス（Ronald Stoops）にアントワープで撮影してもらいました。今住んでいる日本と、自分のルーツとも言えるアントワープの人やクリエイションを交えて複合的なレイヤーで作っていきたいと思っています。ーアントワープに依頼したパターンの仕上がりはいかがでしたか？　テーラードは襟のサイズや角度など細かい部分で表情が変わってきますが、バランス感が独特ですね。どっしりとした重みが新鮮でした。ー堀内さんにとってアントワープはどういったイメージなのでしょうか。　陰鬱な美しさがある街だと思います。アントワープ出身のヴェトモン（VETEMENTS）のデムナ（デムナ・ヴァザリア）やラフ・シモンズ、ヴェロニク・ブランキーノ（Veronique Branquinho）など数えたらキリがないですが、比較的どこかシニカルな要素がある。ティーエイチもそういうムードを携えたブランドだと思っています。そういった自らのルーツとも言える感覚をしっかりと取り込んだブランドにティーエイチもできればと考えています。ーアントワープ王立芸術学院の卒業ショーでもテーラードを作っていましたね。　学生時代からテーラードをベースにしたデザインを多く作っていました。今、その時に少し戻っている感覚があります。ー原点回帰。そして自身のリアリティに近いということでしょうか。　そうですね。メンズは禅問答のようですが実用的かつ、いかにデザインせずにデザインするか、みたいなところがあるなと。ープロダクトデザインにも通じる考え方ですね。　それに近いかもしれないですね。ウィメンズはシルエットも素材も特殊になると細部にあまり目がいかないのですが、メンズは基本形が限られているのでディテールが目立ってくる気がします。その微調整は身を以て大変なことだと実感して。しつこいくらいに繰り返し修正を行なっていたいと常に思っています。ーアイデアをウィメンズから引用することもありますか？　デザイン的な部分ではないですね。逆に構造の部分など勉強することがたくさんあったので、メンズからウィメンズに活かされることの方があるかもしれません。ーベーシックなアイテムは定番展開もできそうですが、そのあたりの考えは？　定番化については考えています。ものづくりの根底、ベースを作り込んでいく必要は絶対にありますし、まずはそこに集中したいと思っています。ー昨今のストリートブームについてはどのように受け止めていますか？ラフ・シモンズなどは否定的な意見を発していましたが。　ストリート自体、もはやブームじゃなくて自然なものですよね。モードもストリートもない、ブレンドされたナチュラルなものの方が、今のファッションの主流な動きだろうなとは感じています。新富裕層が出てきたことで階級の境が西洋においても曖昧になってきている時代だからこそだと思いますし、それこそ富裕層も「シュプリーム（Supreme）」を着る時代ですよね。ーロゴアイテムはどうでしょう。　作ることに意味を見出せれば。アートにあってファッションにないものー堀内さんはアートに造詣が深いですが、ファッションにもアートのようなコンテクストが必要だと思いますか？　例えばジョン・ガリアーノ（John Galliano）のような天才肌のデザイナーは例外かもしれませんが、通常においてはコンテクストありきの方が理にかなっていてデザインのしやすさはあると思います。コンテクストは、読み取りで見え方が変わってくるゲームでもありエンターテインメントの様なものですが、個人的にはそういう見方をする人が増えればいいなと。ただヨーロッパの場合は美的感覚に長けていると同時に、コンテクストを読む能力を持っている様に思うのですが、日本は美的感覚を養わないままコンテクストを把握しようとするのか、ズレが生じてしまっている印象があります。加えてアート自体、日本においては敷居が高いイメージがまだあります。でも欧州はエンタメとして消費されていて、とても日常的。日常的である事がとても大事な気がします。センスのある人が上に立って全体の方向性を定め、みんなを引っ張っていくことが普通に出来ている様になってくれるといいなあと。ーそういった意味では、アントワープはコンテクスト重視のイメージがあります。　元々アントワープのファッション自体の始まりが、70年代末にパリという完成されたモードの世界にどの様にしてベルギーの田舎町デザイナーが切り込んでいくのかというのをしっかりと戦略立てて作り上げていったものだったと思うのです。それが、パリの煌びやかなファッションに対抗するために日本の「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」や「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」をアントワープ流に再解釈したコンセプチュアルファッションでした。そういった意味では、コンテクストそのものがアントワープファッションというものを形成しているとも言えるのではないでしょうか。直営店も？堀内太郎が考える服と店の理想の関係ーティーエイチの今後は？　年2回、新作を発表していきます。コレクションテーマは特に設けず、いま店頭に並んでいるのが「001」で、次の「002」を展示会で発表したところ。「001」は評判が良く、アディッション アデライデ（ADDITION ADELAIDE）では消化率も良いようです。ーウィメンズの売上を超えることも考えられますか？　今の数字から考えるとあり得えるのではないでしょうか。素材や縫製には当然こだわっているのですが、あくまで日常の中で着られるものとして捉えています。ー自社ECも立ち上げましたね。　常に商品を供給できてコレクションが全て揃う場所を作りたいと、ずっと考えていました。家具も扱っていて、服だと3日ほどでお届けできます。ーECの次は実店舗ですか？　検討しているところです。ータロウ ホリウチで10年、そしてティーエイチの展開はこれからだと思いますが、目標は？　売上目標は決めていません。好きなお店と深く繋がっていきたいので、ティーエイチは卸先もまずは9店舗と限定して拡大路線をとらないようにしています。今はプロダクトをより良くしていくことが一番の目標ですね。次回の「003」コレクションでは面白いプロダクトをいくつか発表する計画で、徐々にラインナップを増やせればと考えています。近くアントワープのブランドとのコラボレーションを発表する予定です。（聞き手：芳之内史也）

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