インサイド

No.9 江上千晴（CHIHARU EGAMIデザイナー）「江上千晴」のクリエイションを紐解くマインドマップ　デザインする上で軸となる"5つのキーワード"とそこから派生する"3つのワード"を、デザイナー本人がピックアップ。それぞれのキーワードが現在のクリエイションにどのように繋がっているのか、デザイナーの解説と共に紹介していく。1：10代一番身近で着慣れた存在だったジャージー　親の勧めで幼稚園から中学3年生までずっとスポーツクラブに通っていました。休みの日も練習があったので、平日も休日もずっとジャージーで、おしゃれをする時間があるなら練習という感じでした（笑）。私だけではなく周りもスポーツする子が多かったこと、また土地柄ヤンキーが多かったのでジャージーへの拘りが強く、中学生の頃はジャージーの色を変えたり丈を短くしたりと、改造して個性を出す人がたくさんいました。スポーツ仲間の中ではジッパーやフードが付いていると少しチャラい印象を持たれていたので、私はシンプルな半袖やトレーナーを好んで着ていました。あと、ジャージー姿をかっこよく見せる立ち姿も研究していましたね（笑）。高校時代に熱中したストリートスナップとブランド古着　スポーツをしていた時もずっとおしゃれへの憧れはあり、そういう気持ちをファッション雑誌を見ることで発散していました。その中でも特に影響を受けたのがストリートスナップです。自分の街では見たことのない格好の人たちにとにかく衝撃を受けてしまって。ストリートスナップに出会ったことで、将来ファッションの道に進みたいと思うようになりました。　高校生になった頃には、「ストリートスナップに載りたい」という思いが強くなり、スポーツを辞めて、バイトしたお金で服を買ったり原宿に行ったりと、ファッションの世界にのめり込んでいきました。雑誌「フルーツ（FRUiTS）」に載っている人たちの影響もあり、当時は「グッチ（GUCCI）」や「モスキーノ（MOSCHINO）」といったブランドが好きで、下北沢UTAという古着屋によく通っていました。そういったブランド古着にスポーティーなアイテムのミックスが自分の中で流行っていましたね。2：パッチワーク空間を埋め尽くしていた母のパッチワーク作品　子育て中に母がパッチワークにどハマりし、リビング空間がパッチワーク作品で埋まっていた時期がありました。絨毯や壁掛けだけに留まらず、学校に持っていくトートバックなどもすべてパッチワークで手作りしてくれて。キルト展に出せるんじゃないか？と思うほどの物量でした（笑）。私の作品に生地を繋ぎ合わせて作ったものが多いのは、この頃の記憶が反映されているのだと思います。また、母の作業を間近で見ていたこともあり、同じことを繰り返す作業がとても心地よく、自分の体質に馴染みが良いなと感じます。 プリーツをひたすら繋げて作り上げたドレスが、国際プロジェクトに選出　ローマのファッション学校Accademia Costume & Modaに通っていた時に、「TRANSMISSIONS」という国際プロジェクトに選出され、Cristobal Balenciaga Museoaで作品を展示する機会を頂きました。これは、ミュージアム側から選ばれた学校の生徒を対象としたプロジェクトで、バレンシアガのアトリエ視察に行きブランドの成り立ちを学びながら「バレンシアガが育った街」をテーマに各生徒が作品とポートフォリオを制作。500人を超える各校の代表の中から選出された41人にミュージアムで作品を展示する機会が与えられました。私が通っていた学校だけではなく、セントラル・セント・マーチンズやアントワープなどの名門校も参加していたので、クラスメイトみんながバチバチで（笑）。この機会を掴み取る為に、みんな全力で作品制作に挑んでいました。　私が制作した作品は、スペインの港町を視察した際に見つけた貝殻をモチーフにデザインしています。オーガンジーや廃材となった異なる素材をそれぞれをプリーツにし、ドッキングさせてドレスを制作しており、同じ作業を黙々と繰り返して完成した作品です。真夏だったこともあり汗だくになりながらの作業は大変でしたが、最終選考で選ばれたことはすごく自信に繋がりました。3：フォルム"平面"と"立体"を組み合わせて完成したコレクション「FILL THE GAPS OF CLOTHES」　ここのがっこうに通っていた時に、坂部三樹郎さんから「フォルムを作るのが下手すぎる」と喝を入れられたことがありました。当時はフォルムを作るということが理解できず、指摘をもらってもどう改善していけば良いのか分からなくて。色々と模索していく中で、パッチワークや自分が作ってきたものがすべて平面だということに気づき、平面的なものは作れるのだから「平面を立体に見せる努力をしよう」と気持ちを切り替えていきました。 　イッセイミヤケの「132 5.」をリサーチしたり、四角い形状のものを立体にする実験をしていく中で、ボーンを使って形状を作ることに可能性を感じ始めました。ただ、最初は一般的にパッチワークで使われているような素材で作品を作っていたので、手芸的な印象が強くなってしまって。山縣さんや講師の先生にも「ファッションとは違うよね」と指摘を受けていました。そこで自分のルーツを見つめ直して出てきたのがジャージー素材。昔から馴染みのあるジャージーと、母から受け継いだパッチワークが組み合わさり、自分にしか出来ないコレクション「FILL THE GAPS OF CLOTHES」が完成したと実感しています。 4：支え道標となった"ここのがっこう"と"東京ニューエイジ"　高校卒業後に文化服装学院に通っていたのですが、ストリートスナップの世界に憧れていたので、デザインではなく技術に重点を置く学校の方針に物足りなさを感じていました。そんな時に東京ニューエイジのショーや渋谷パルコで開催していた「絶命展」に出会い、「私がやりたいのはこれ！」という気持ちが湧き起こり、クリエイションを学ぶ為ここのがっこうに通うことにしました。ニューエイジの中でも、特に「アキコアオキ（AKIKOAOKI）」の都会的で日常と非日常が混在しているクリエイションにはすごく勇気を頂けて。今でも好きなブランドのひとつです。　文化で学んでいた時は、どういう身頃で、袖で、衿で…というパーツやディテールのデザインばかり意識していたのですが、ここのがっこうでは自分を掘り下げて向き合い装いや雰囲気を作っていくことに重点を置いていたので、クリエイションがガラリと変わったと思います。あと素直でピュアなものが"一番イケてる"と思うようになりました。同期の活躍で決断した海外への挑戦　ここのがっこうの同期にも沢山の刺激をもらいました。特に津野青嵐さんは、布を使ったアプローチをしていた私とは真逆で異素材を使った提案を毎回していて。最終プレゼンでも3Dペンを使い、見たことのないファッションを作ってきて圧倒されました。そして津野さんは国際ファッションコンペティション「ITS」のファイナリストに残りイタリアでショーを開催。毎週同じ空間にいた仲間が頭ひとつどころかすごく遠くの存在になってしまった感覚がありました。そしてその影響で私も絶対に海外で力を試してみたいと思い、留学権が得られる神戸ファッションコンテストに出すことを決めました。留学に向けて初めて挑戦した"クラウドファンディング"　神戸ファッションコンテストで特選を受賞し、その副賞としてローマへの留学が決まったのですが、生活費や語学学校の費用を捻出するのが厳しく、資金を集めるためにクラウドファンディングに挑戦しました。これがうまくいかなければ留学してもダメなのかもしれないという不安もあり、クラファンを決意するまですごく悩んだのですが、ここのがっこうの山縣さんやスタッフの大草さんが背中を押してくれて。結局目標金額は達成できなかったのですが、すごくたくさんの方が応援してくれ勇気づけてくれたので、留学先での厳しい生活も乗り越えることが出来ました。5：ロックダウン不安と体調不良が続く中辿り着いた"持続可能”なオートクチュール　Accademia Costume & Modaではオートクチュール科に通っていたのですが、ローマということもあり講師には「ヴァレンティノ（VALENTINO）」出身の方が入っていて。「オートクチュールをやるならばベースは"ロマンティック"」と指導頂きました。ただ、今まで「ロマンティック」という要素を考えたことがなかったので、課題を進めることにすごく戸惑っていました。そんな時期に、ローマでもロックダウンが始まってしまったんです。　ローマのロックダウンはすごく厳しく、営業しているのはスーパーや郵便局など生活に必要最低限のお店だけ。文房具も生地屋ももちろん休業していましたが、課題は進めなければいけない。何もない状況と不安な気持ちでかなり精神的に参ってしまい、度々原因不明の体調不良を起こすことも。そんな日々が続く中で、「希望が見出せるロマンティックな服を作りたい」と思うようになりました。素材を買いに行くことも出来ないので、家にあった紙を折ったり繋げたりと試行錯誤を繰り返すうちに少しずつ形になり、「これは上手くいくかも」と思えるようになりました。家にあったただの紙がどんどん華やかになっていく様は、オートクチュールとしてはチープかもしれないけれど、自分自身すごく助けられる感覚があったんです。そして、万が一今後同じような状況がやってきたとしても、「紙さえあれば作れる」という持続可能なデザインに辿り着けたことが自信になりました。 "お金の価値"がフラットになり、同じ条件下で試されたデザイン力　ロックダウンで、お金の価値もすごく考えさせられました。いくらお金があったとしてもロックダウンの最中では出来ないこと買えないものがたくさん。普段であれば製作費の差によって作品のクオリティも変わってきますが、それがロックダウンで一旦フラットになり、全員が同じ条件下で”何を生み出せるのか”を問われていたような気がします。ある生徒はコンピューターグラフィックスを始めたり、工場の稼働に向けて準備を進めたりと、それぞれが自分の制作手段を見つめ直す時間になっていたのかなと思います。　ロックダウンという期間がなければ紙を使った作品は生まれたなかったと思うので、当時はすごく辛かったけれど振り返るととても大切な期間でした。ロックダウン中に制作していたリボンドレスは、紙で作っていたものを生地で作り直し、今年11月にみなさんに見てもらえるようイベントを企画しています。そして今後も年に1回を目標に展示を行いながら、広告や舞台など様々な機会で衣装を作りたいです。良い機会に巡り合えるよう、これからも自分のペースで制作を続けていきたいと思います。

AKIKOAOKI

BALENCIAGA

Central Saint Martins

Fashion

次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.9 江上千晴（CHIHARU EGAMIデザイナー）

No.8 スズキアイカ（Five year oldデザイナー）「スズキアイカ」のクリエイションを紐解くマインドマップ　デザインする上で軸となる"5つのキーワード"とそこから派生する"3つのワード"を、デザイナー本人がピックアップ。それぞれのキーワードが現在のクリエイションにどのように繋がっているのか、デザイナーの解説と共に紹介していく。1：幼少期ファッション好きの母が着させてくれた"変化球"コーディネート　母がファッション好きだったので、子どもの頃から少し変わった服をよく着ていて。今でも記憶に残っているのは、上はジャージー、下はフレアデニムにプリント柄のスカートを重ねて、カラフルな靴を合わせていた小学生の時のコーディネートです。他の人と違う服装が恥ずかしいといった気持ちは全くなくて、いろんな服を着られることがすごく楽しくて嬉しかったんですよね。ファッションに興味を持つようになったのはその時の経験が大きく影響していて、服に対する当時の価値観や感覚は今にも繋がっていると感じます。着ることを楽しみ尽くした"ジャンルレス"な小学生時代　小学5年生くらいからは自分で服を選ぶようになりました。ロゴがプリントされたフーディにデニムのショートパンツや、ボーダーのニーハイにレッグウォーマーを重ねたりして楽しんでいた覚えがあります。中学生では、サーフギャル系の格好にハマり、トラックジャケットの上にオーバーオールを着たりしていましたね。高校生では古着に熱中したりと、小さな頃の影響もありかなり幅広くファッションを楽しんでいました。2：感覚リサイクルショップや写真検索で出会う"意図しないファッション"性　王道の可愛いや格好良いではなく、変化球ファッションに馴染みがあったので、今でも”意図してないファッション性”に惹かれます。ネットで、知らない少年やおじさん、家族の写真などを検索するのが好きなのですが、オシャレを意識している訳ではない、普段着そのままの姿がすごくカッコ良いんですよね。そういう人たちが日常的に着ているポロシャツや運動靴に、自分が作った服を着て欲しいなという想いで服を作っています。また、田舎にあるリサイクルショップやネットショップもとても好きなんですが、大量に並んだ服の中から気になるものを発掘する行為は、自分にとって「”グッとくる”ポイントは何か」を探す旅に出ているような感覚があります。着地点を定めない"手探り"な服作り　服を作っていく過程でも「グッとくるポイント」があるかどうかはとても大切にしています。基本的にはデザイン画は描かず、着地点を決めない状態から服を作り始めていき、その瞬間ごとの感覚に身を委ねながら、納得のいく形を探っていきます。これまで服作りを専門的に学んできたわけではないので、感覚で作り上げていく方法が今の自分には合っているんです。3：青年男性への憧れから興味を持った"メンズファッション"　 昔から男性が憧れの対象になることが多くて、その流れでメンズファッションにも興味を持ち始めました。当時特に影響を受けたのは、ローリング・ストーンズ（THE ROLLING STONES）のブライアン・ジョーンズ（Brian Jones）やその周辺のアーティストたち。彼らのパンツスタイルがとにかく好きで、独特のリラックス感と直線的なシルエットがすごく魅力的だなと感じていました。　自分自身でもメンズファッションを着たいと思っていたのですが、身長が150cmしかなく思うように着ることが出来なかったので、自分なりの着こなしを考えるようになりました。メンズのボトムのウエストをベルトで絞ったり、リメイクして履いたり、ジャケットを着たり。ガーリーなアイテムも好きなので、自分の好きなバランスを探しながら楽しんでいました。ブランドのアイテムでも男女の境界線を考えず、どちらの要素も取り入れた服を提案するよう心がけています。 4：オリジナル性オリジナルの面白さに触れた大学時代　東京造形大学〜大学院時代に、テキスタイルを学んでいました。課題では、ひとつのテーマを基にオリジナルテキスタイルを作ることの繰り返しで、毎回制作した生地で服を1着作っていきます。大学時代は紙に描いた絵柄をパソコンにスキャンし、編集したものを版におこし手捺染するという方法でテキスタイルを作っていました。服になることを想像しながらテキスタイルを作る感覚や、オリジナルプリントで作る服の面白さを知れたことが大きな経験となり、今でもテキスタイル表現がブランドの強みになっています。 コロナ禍に始めた"手描きスタイル"　新型コロナウイルス感染症で学校に通えなくなった時期に、手描きや手染めを始めました。工程の多いプリントとは違い即興性があり、感覚的に作れる所が自分と相性が良くて今すごくハマっています。手描きのイラストは、自分のパーソナルな気持ちや思い付きのアイデアを頼りに、「こんな絵や形が服に描いてあったらいいな」と思うものをイラストにしています。これまではスマホで撮った写真をプリントしたり直接生地に描いていましたが、次はスマホで描いた絵で作るプリント生地にチャレンジしてみたいなと思っていて。電車の中や公園で描いたものを使って、服が作れたら楽しそうだなと妄想してます（笑）。 5：現在の自分"無計画"から生まれる偶然のアイデア　元々無計画というわけではないんですが、計画を立ててもことごとく崩れるのがお決まりで（笑）。ただ、軌道修正をする時に出てくるアイデアが意外に面白いことが多く、元々思い描いていたものから形を変えて着地をしていく過程も大切にしています。長い時間かけて考えたものよりも、失敗した後にパッと思いついたアイデアの方が良かったりするんですよね（笑）。逆に、労力をかけて作り上げたものだったとしても納得できないポイントが少しでもあれば、その状況を面白がる気持ちを持ちながら、一から作り直すこともあります。リスクを恐れず追求するクリエイティブへの"こだわり"　私自身細かなことが気になるタイプではないんですが、”最低限の譲れない美意識”があり、ダメと思うポイントが1つでもあれば納得のいくまで調整していきます。特にヴィジュアルに対してはこだわりが強く、心地が良いと思うものが出来るまで失敗を恐れずに作り込んでいきます。服作りでもヴィジュアル作りでも同じように、やりたいことに正直に「納得のいく選択」を心がけています。

次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.8 スズキアイカ（Five year oldデザイナー）

No.7 KANON（KANONデザイナー）「KANON」のクリエイションを紐解くマインドマップ　デザインする上で軸となる"5つのキーワード"とそこから派生する"3つのワード"を、デザイナー本人がピックアップ。それぞれのキーワードが現在のクリエイションにどのように繋がっているのか、デザイナーの解説と共に紹介していく。1：アート絵を描いていたことで芽生えたアートへの興味　物心つく前から絵を描くのが好きだったので、アートにはずっと興味がありました。アートはその人の感情や考え方を心で感じられることが魅力だと思っています。基本的にはストレートで迫力のある作品を作るアーティストが好きですが、在学中にリサーチしていたシュルレアリスムの画家であるルネ・マグリット（René Magritte）は、静的な作風ながら最高に狂っていて、人柄含め特に好きなアーティストの1人です。エリック・マック作品から着想した布の"解放"　大阪文化服装学院の卒業制作ではエリック・マック（Eric N Mack）というアーティストの作品からインスピレーションを受け、「LIBERTY PUNK」というコレクションを発表しました。エリック・マックの作品を見た時、布がすごく不自由な感じで違和感があり、その状態から解放させたいという気持ちで制作しました。「LIBERTY PUNK」は、バンタンとパルコが主催しているコンテスト「アジアファッションコレクション」でグランプリを獲得することができ、自分の可能性を広げてくれた思い出深いコレクションです。2：イタリア自分自身への"挑戦"のため決意した海外留学　イタリアへの留学を考え始めたのは大阪文化3年の終わり頃です。就活も考えましたが、もっと大きな世界に挑戦したい気持ちが強くなり、ポリモーダへの交換留学制度に応募してみることにしました。海外に行くと決めてからは、自分の苦手だったことに意識的に取り組むようになったように思います。人前に出る機会を作ったり、コミュニケーションを積極的にとったり。そういう訓練を重ねたことで、挑戦することの大切さと自分の限界を知れたことはとても良かったですし、限界だと思っているラインを越えていく為の糧になっています。"大きな世界"に触れて感じた"パーソナリティ"の在り方　イタリアで出会う人たちを見ていると、きちんと個人の意見や生き方を持っている人がとても多いと感じました。日本では集団の中で生きてきましたが、海外では誰かの意見に同調するのではなくて、いかに自分の考え方やパーソナリティを語れるかが重要でした。あと、海外の人たちはポジティブな人が多くて、まず良いところを見つけて褒めてくれます。その環境がとても新鮮で居心地がよく、気持ちがすごく楽でした。3：料理"振る舞う"ことの喜びと"創造"する姿勢の変化　イタリアに行く前から料理をするのは好きだったのですが、ロックダウンが始まり外に出られない日々が続く中で、料理をルームメイトに振る舞うことがとても大切な時間になりました。作ること自体が楽しいのはもちろんですが、誰かに振る舞うことの喜びを実感できた瞬間でした。　そこから料理をより深く追求するようになり、作る工程でなるべく捨てるものが出ないよう工夫したりと、向き合う姿勢も変化していきました。例えばですが、野菜の切った皮や茎は肉料理の臭み消し使ったり、ハード系のチーズの硬いところを水に浸けてダシを取ったり、古くなったレモン汁でフライパンの掃除をしたりと、様々な使い方で無駄を少なくするスキルが高まったと思います。そして、どのように盛り付けたら綺麗に見えるのか、どういうお皿が合うのかなど料理全体の見せ方を考えるようになりました。料理に向き合うことが、創造することへの日々のトレーニングになっているように感じています。4：デジタル"面倒くさがり"な性格にフィットした椅子での作業と"⌘＋Z"　先述したように、イタリアに行って約半年後にロックダウンが始まってしまい、学校にも行けず生地屋も閉まっていて、思うように制作できない日々が続きました。そんな状況の中で、自分のできる最大限のクリエイションは何かと考え始めたのが、パソコンでのデジタル表現でした。　元々めんどくさがり屋なので、椅子に座ったままできる作業が自分にはすごく合っていて。座りながら目の前に新しい世界が広がっていく様子は、アナログとは違う創作の楽しさを感じさせてくれました。あと、「⌘＋Z（ひとつ前へ戻る）」があることで、進んだり戻ったりしながら納得のいく形を見つけられることもデジタルの良さだと思っています。 デジタル表現に期待する五感体験　まだ始めたばかりですが、グラフィックデザインの仕事も頂くようになり、違う分野の仕事に触れてさらにデザインの奥深さを感じました。また、今後はデジタルの世界でも感触や空気や匂いやなどの体験ができたり、温かみを感じる世界になれば面白いと思っていて。その為に、まずは今できることを丁寧にやっていきたいと思っています。これからも精力的にグラフィックデザインをやっていく予定なので、是非仕事のご依頼待っています！5：疑問漫画のセリフがきっかけでスタートした卒業制作　ポリモーダの卒業制作として発表したコレクション「Q」は、「自分はこの世界を作る歯車のネジでいたい」という漫画のセリフを目にしたときに感じた「なぜ？」という疑問から制作がスタートしました。歯車として生きるのではなく"自分を持って生きてほしい"というメッセージを込めて、コレクションを通して1人の旅の姿をデザインに落とし込みました。コレクションのラスト前に登場する巨大なリュックを持ったルックは、旅で持って帰ってきた経験値が詰まっているという設定の元デザインしています。そして、ラストルックは「経験値を纏う」という意味を込めてバックから出てきた巨大な布（=経験値）を纏ったルックを制作しました。　「Q」は、学生最後のコレクションだったのでとても思い入れの深い作品になりました。やりたいことを詰め込むことができたので、仕上がりはとて気に入っています。最近では考え方ややりたい事も変化してきているので、また新たなコレクションとして発表できる日が楽しみです。 状況や人への"疑問"から生まれる創作"エネルギー"　コレクションつくる際には、「Q」の時のように身の回りの状況や人に対して「なぜ？」という疑問から創作がスタートすることが多くて。その疑問に対して「自分ならどのような答えを出すのか」ということを考えながら創作し、作品として自分なりの答えを表現しています。コレクションを制作することで自分も成長し、メッセージを届けたい人たちと一緒に歩んで行けたら良いなと思っています。

次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.7 KANON（KANONデザイナー）

No.6 飯野麟太郎（rintaro iinoデザイナー）「飯野麟太郎」のクリエイションを紐解くマインドマップ　デザインする上で軸となる"5つのキーワード"とそこから派生する"3つのワード"を、デザイナー本人がピックアップ。それぞれのキーワードが現在のクリエイションにどのように繋がっているのか、デザイナーの解説と共に紹介していく。1：破壊"コミュニティ"への違和感から芽生えた"自立心"　地元の川崎は田舎でもなく都会でもない、郊外の村社会的な環境でした。周りの人たちがみんな自分のことを知っている環境で育ち、友達も小学校から中学校まで一緒だったり、親同士もみんな知り合いで。物心ついた頃から、自分が意図していないコミュニティに属していることがとても嫌で、そこから抜け出したいという思いが強くありました。昔からずっと"破壊願望"のような反発心があるのですが、それは幼少期の影響が大きいのではないかなと思います。　法政大学在学中にアメリカ留学の機会があり、初めて海外生活を経験しました。言語や文化の違う人たちが集まる環境は、それぞれが自立しながら存在していて、とても居心地が良かったですね。従来のニットの"イメージ"を覆す彫刻的なフォルム　オスロ国立芸術アカデミー（Oslo National Academy of the Arts）の卒業制作で発表したコレクションでは、分かりやすいニット表現ではなく、彫刻的なフォルムや技法を用いた作品を発表しました。ニットの良さは表現の幅にあると思っています。ニットを布帛と繋げたり、織りと編みを組み合わせたりしながら、今後も良い意味でニットだけに囚われずに自由にデザインをしていきたいと思っています。　日本では"ニット＝手芸"のイメージが今でも強いと思うのですが、自分が制作を続けていく中で、そういう観念的な障壁も変わっていけば良いのかなと思います。 2：手編み"祖母"の影響で興味を持ったニットの世界　祖母が昔から手編みをしていて、幼い頃にチョッキを編んでもらったりしていました。柔らかな感触が好きだったのでニット自体は昔から興味はあったのですが、本格的にニットを学び始めたのは大学4年生の頃。ニットの学校には通っていなかったので独学で勉強しました。叔母がテキスタイルデザインをやっていた繋がりでニッターの方と話す機会があり、今でもお世話になっています。真夜中に無心で編み続ける"ニッターズハイ"　制作で手編みをする時は、部屋を暗くして夜中に作業をするのが恒例です。ライトで手元だけ照らし作業を進めていくのですが、暗い中で手を動かすとトランス状態に入るようなタイミングがあって。昔のお母さんたちが夜中に古布をつぎはぎしながら淡々と襤褸を作っていた時も、きっとこんな感覚だったんじゃないかなと思います。まさに「ニッターズハイ」の状態ですね（笑）。暗くて静かな環境での作業は、無心になれる大切な時間です。3：五感"リアル"の魅力を実感できたドル札ドレス　法政大学では、小説家の島田正彦先生のゼミで学んでいました。卒論を書かなければいけない学部だったのですが、どうしても卒論を書きたくなくて（笑）。島田先生に相談したら「それなら何か作れ」と言われ、卒業制作を発表することになりました。　学生時代ずっとお酒に飲まれていて常にお金が無かったこともあって、お金のことが嫌いになりました（笑）。ただ少しして、価値の歴史に興味を持ち、塩や貝などが貨幣として流通していた時代があったこと、また現代よりも布の価値が高く貨幣としての役割を担っていた時代があったことを知りました。現代の紙幣も早くその役割を終えて、新たな価値あるものに生まれ変わった方が良いと思い、有り金を全てドル紙幣に替えて、ドル札のドレスを制作しました。稚拙ながらも、人体に乗せた初めての作品でした。　大学在学中、グラフィックデザインで仕事をもらったりもしていたのですが、表現が画面内で収まってしまうことに物足りなさを感じていたこともあり、ドレスを作ったことで「リアルなもの」の力と、実際に人間が纏うことで生まれる社会性に興味が沸き、ファッションの道へ挑戦することを決めました。大学に入るまでファッションの道に進むことは全く考えていなかったので、島田先生との出会いが人生の転機だったのかもしれません。人が纏う"雰囲気"への探究心　ファッションの道に進むことを決めてから、ここのがっこうやセントラル・セント・マーチンズなどに通い、"表現"としてのファッションを勉強してきました。これまでの経験からも、技術的な美しさの追求ではなく、人が纏った時の"雰囲気"を作っていくことが自分が提案できるファッションだと思っているので、その軸がブレないよう創作を続けていきたいです。4：孤独コロナ禍で感じた"個"で生きることと、"群"で生きることの"ジレンマ"　新型コロナウイルスが最初に蔓延した時はノルウェーにいたのですが、文化的にも言語的にもマイノリティな存在として生活している中で隔離の日々が続き、友達にも会うことが出来ずずっと1人で過ごしていました。自分と向き合う時間が増えたことで制作に集中できたので、特に苦ではなかったのですが、SNSに費やす時間も増え、真偽のわからない他人の意見が自分の中に滲みてきている感覚が非常に気持ち悪く疲弊していました。　物理的には孤独でも、オンラインでは何億ものポストやニュースに囲まれる状況はやっぱり異常で、とても現代を象徴していると感じました。インターネットやデジタルの本懐である"共有"や"ボーダレス"へのアンチテーゼとして、リアルに個を規定する力を持つ「服」で、もう一度個の持つ自由と孤独を賛美するような作品にしたいと思い、卒業制作に取り掛かりました。コレクションミューズは6年間行方不明だった羊"シュレック"　オスロ国立芸術アカデミーの卒業制作として発表したコレクション「Black Sheep」は、コロナの時に感じたジレンマが大きく影響しています。デザインのミューズは、飼育場から逃げ出し六年間洞窟で生活していた羊「シュレック」。発見時のとてつもない重量の毛で覆われたシュレックの姿から、彼の自由への渇望と孤独のジレンマを表現したいと思い、毛に覆われたシュレックのフォルムや、毛の重さで弛んでしまった皮膚などから着想を得てデザインを考えていきました。　教授が哲学科の先生だったので、かなり深くまでコンセプトを掘り下げることを求められました。その甲斐もあってか、その年のデザイン科の主席として卒業することができ、とても思い出深いコレクションとなりました。 5：世相"善悪"が揺らぐ現代とファッションの可能性　世相とファッションは切っても切り離せない関係性だと思っているので、デザインプロセスにおいても生活環境や社会情勢から影響を受けることが多いです。最近は世の中の善悪の軸がすごく揺らいでいる気がしていて、そこに興味があります。コロナ禍でマスクをする、しない、ワクチンを打つ、打たないなど、自分も善悪をジャッジされやすい立場にあるなと。　自分自身は善し悪しを分けることはせず、なるべくフラットな視点で物事を見るよう努めています。そして、そういった社会の柵から解放する為にファッションは存在していると思っているので、「ファッションだからできること」を模索していきたいと考えています。"トレンド"が生まれにくい"日常"へのアプローチ　SNSの発達で、トレンドが生まれにくい"日常"が今の時代なんだなと思っています。そういう時代に対し、自分がどういったアプローチをできるのかをずっと考えていて。デザイナーズ・ネスト（Designer’s Nest）でインターンシップ賞を獲得し、これからイタリアのトラサルディ（TRUSSARDI）で6ヶ月間デザインチームに参加することが決まっているのですが、今まで自分が経験してこなかった商業的なデザインについて勉強できるという意味でも、とても良い機会を与えてもらったなと思っています。デザインチームでの経験を踏まえながら、自分なりのバランス感覚を見つけていきたいですね。

次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.6 飯野麟太郎（rintaro iinoデザイナー）

No.5 ヤンガ幸一郎（YANGAデザイナー）「ヤンガ幸一郎」のクリエイションを紐解くマインドマップ　デザインする上で軸となる"5つのキーワード"とそこから派生する"3つのワード"を、デザイナー本人がピックアップ。それぞれのキーワードが現在のクリエイションにどのように繋がっているのか、デザイナーの解説と共に紹介していく。１：バックグラウンド"キリスト教"、"儒教"と様々な宗教に触れてきた10代　母の影響で、16歳の頃までクリスチャンとして生活していたので、教会で行われる礼拝に毎週末参加していました。一方で父は儒教を信仰していたので、20歳頃までは儒教について色々と教えてもらうなど、さまざまな宗教に触れる環境で育ってきました。　クリスチャンだった頃は、聖書に書かれている内容を基準に生活していたこともあり、週末の礼拝時に友達が遊びに出ていることを知り、羨ましい気持ちがずっとありました。また、自分がハーフということで周りの目が気になることが多々あり、10代の頃は「他の人と同じだったら...」と思うことが多かったですね。視野が広がったことによる"コンプレックス"からの"解放"　大人になり海外生活で様々な国籍の人たちと交流していく中で、自分のアイデンティティとは何かを見つめ直すことができ、クリスチャンとして生活してきたことや抱えていたコンプレックスもきちんと肯定できるようになりました。今の作品にこういった経験が直接的に反映されているわけではないのですが、自分のルーツを振り返るときに欠かせない要素です。２：海外生活日本とフィリピンの"ハーフ"という強み　高校時代まで日本で過ごし、その後マニラ、パリ、ウィーン、ニューヨークと様々な国で生活をしてきました。日本人の父とフィリピンの母の間に生まれたので、最初に海外生活を送ったマニラは僕のルーツに大きく関わっている街です。マニラの中でも僕の故郷はあまり治安の良いエリアではなく、日本とは環境が大きく違っていたのですが、生活することで文化や街への理解も深まり、全く異なる2つの国籍を持つということが、自分の強みなのだと感じるようになりました。"国民性"に触れることで肯定できた自分の"アイディンティティ"　コンプレックスが多かった自分にとって、海外で様々な"国民性"に触れることが出来たことは本当に大きかったです。例えば、パリには色んな国籍の人がいるので、アイディンティティも様々。そういった環境下でのコミュニケーションでは、人種よりも"言語"と"思想”が重要なのだと感じました。単一民族の日本で育った僕にとっては、そういう環境がとても新鮮でしたね。3：ストリートダンス"ジャネット・ジャクソン"の楽曲で巡り合った"ポッピンダンス"　ダンスの楽しさを最初に感じたのは高校時代に遡ります。学園祭でダンスを踊ることがあり、その時にお客さんの視線が一つに集まる感覚が忘れられず、その空間を作りたいという気持ちでダンスにハマっていきました。　ポッピンダンスに出会ったのは、昔から大好きなジャネット・ジャクソン（Janet Jackson）が兄のマイケル・ジャクソン（Michael Jackson）と共演した楽曲「Scream」のMVを見たことがきっかけです。自分が知っているダンスとは違う違和感のある体の動きが気になり、後になってそれが「ポッピンダンス」だと知りました。ポッピンダンスは、人の体を使いながら人間離れした動きや浮遊感を表現するところに面白さがあり、チュートリアルビデオをみながらひたすら練習して習得していましたね。国籍や言葉を超えて広がるダンスの輪　見た目やルーツなどは関係なく、スキルがあればきちんと評価してくれるのがダンスの世界です。とにかく上手くなりたいという一心で練習し、高校からニューヨーク時代までダンスバトルにもよく出場していました。ダンスを通して国籍や言葉を超えて輪が広がっていくように、これからはストリート文化を好きな人たちが繋がっていけるような空間を、ファッションというフィールドで作り上げていきたいです。4：コスチュームリメイクコスチュームルールへの違和感から生まれた"服への興味"　ダンスバトル出場を重ねる中で、出場者の服装に一定のルールがあることに気がつきました。多くの人がTシャツにパンツスタイル。ちょっと奇抜な格好をすると、ストリートダンスではなくコンテンポラリーダンスにカテゴライズされてしまう現実がとても嫌でした。　そういった状況に対し、アンダーグラウンドなダンスミュージックをポップシーンへ押し上げていったダフトパンク （Daft Punk）のように、ストリートダンスのルールを踏まえつつ、別の視点から新たなダンスコスチュームを提案することもできるのではないかと思うようになりました。職業訓練校やアシスタント経験を経て学んだ"服作りの基礎"　　服作りを始めるまでファッションについての知識はほとんどない状態だったんですが、服にも歴史が深くありそれを知っていくのがとても楽しくて。気がづいたらファッションの世界にどっぷりハマっていました（笑）。コスチュームを作りたいという目的があったので、まずは職業訓練校で服作りの基礎を学び、その後パリで1年半程ブランドのアシスタントなどをしながら経験を積んでいきました。５ : パーソンズパーソンズで学んだ"DIY精神"と"言葉"の重要性　パーソンズ美術大学へはユニクロの支援枠「TOMODACHI-UNIQLO FELLOWSHIP」を利用して入学しました。パーソンズでは、とにかく自分の手を動かすことを求められました。素材サンプルなどもすべて自分で作るので、本当に毎週追い込まれていましたね（笑）。　パーソンズで一番学んだことは「言葉で伝えること」の大切さです。毎週行われるプレゼンでは、仕上げていったサンプルのクオリティではなく、それが出来るまでの過程や自分自身の考えてについて問われます。例えば「無駄な服をなぜ作り続けるの？」などです（笑）。それに答えるために、"自分を伝える言葉"を発見できるようになったことは、パーソンズに入って良かったと思えることですね。動きの可能性を模索した卒業コレクション　ダンサーだった経験を踏まえ、"身体性"をテーマに卒業コレクションを制作しました。ダンスや人体の動きを追求していく過程をGIFや動画、コラージュで記録し、そのドキュメンテーションを元に、黒のボディスーツを着た自分の体に素材を当てながらデザインを決めていきました。ルックにはその制作過程のアイデアがそのまま活かされています。ロバート・ロンゴ（ROBERT LONGO）の「Men In the Cities」のように、静止画の中でも身体のエネルギーを感じられるような写真を撮りたかったので、ルック撮影中は音楽を流してみんなで踊りながら進めました。　ポッピンダンスに影響を与えたダフトパンクの「Around the World」のMVに登場する幾何学的な演出がとても好きで、動きの可能性を幾何学模様を用いて表現しました。柄をプリントしたメッシュ素材を二重にすることで、動いた時にモアレのような模様が浮かび上がるのが特徴です。ファッションとダンスの融合　実は新型コロナウイルスの影響で、毎年開催されている校内のファッションショーが開催できなくなり、卒業コレクションを見せる機会がなくなってしまったんです。自分の初となるコレクションになるので、何とか見てもらう機会を作れないかと思い、同じくユニクロの支援でパーソンズに通っていたMÖSHIと一緒に、4月22日から3日間のエキシビションを開催することにしました。最新コレクションのコンセプトと深く繋がったダンスパフォーマンスも行う予定で、自分がファッションを通して作りたかった"空間"を見せれたらよいなと思っています。ぜひ遊びに来てください！■MÖSHI & Kou Yanga EXHIBITION 2022期間: 2022年4月22日(金)〜24日(日)　13:00〜21:00会場: KATA入場無料■MÖSHI & Kou Yanga EXHIBITION 2022 OPENING PARTY日程: 2022年4月22日 金曜日時間: OPEN 18:00 / LIVE START 18:30 / CLOSE 21:00会場: Time Out Cafe & DinerLIVE: MÖSHI、Kou Yanga (DANCE PERFORMANCE)GUEST: ASOBOiSM and more…料金: 前売り：2500円(税込/1drink別)　＞＞イベント詳細＞＞チケット購入

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次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.5 ヤンガ幸一郎（YANGAデザイナー）

No.4 osumi（Water Blueデザイナー）「osumi」のクリエイションを紐解くマインドマップ1：アトピー性皮膚炎幼少期に感じていた周りからの"視線"と、抱いていた"女性像"　デザイナーとしての原点を振り返る時、小さな頃から抱えているアトピー性皮膚炎が大きく影響しています。ずっと人の視線を気にしながら生活をしていたので、なるべく自分をよく見せたいという思いもあり、そこからファッションに興味を持つようになったのだと思います。　作品から女性らしさを感じるとよく言われますが、自分自身に欠落していると思う"身体的女性らしさ"への憧れや思いから影響を受けているのだと思います。周りの女性との身体の違いから、"自分の身体はただの入れ物で中身だけが女性"という感覚を持っています。その感覚をネガティブに捉えている訳ではなく、自身のコンプレックスも交え新たな人物像を提案したいという思いで作品を制作しています。ストレスから逃げるように"空想世界"へ　皮膚炎による身体的ストレスが大きかったこともあり、少し前まで現実逃避のように空想にふけることがよくありました。見えている空間は現実世界ですが、脳だけ別の所にありふわっと靄がかかっている感覚です。この"ふわっとした状態"が私のデフォルトだったのですが、時折ハッっとリアルな空間を感じることがあり、その瞬間がいつも怖かったことを覚えています。　様々な人との出会いの中で現実と向き合う大切さを学び、現実逃避することも少なくなっていきました。今ではその時感じた空気や匂いを辿り、作品の要素として落とし込んでいます。2：自然"山・川"溢れる風景とデジタル機器のギャップに感じた"中途半端さ"　実家は近くに山と川があったりと、自然に溢れた場所でした。豊かな景色とは対照的に、私の父は新しいもの好きだったので、家の中はゲーム機やパソコンなどの最新のものが揃っていて。田舎なのに家の中がデジタルで、その環境をずっと中途半端に感じていました 。ただ、そういう環境があったからこそ、デジタルとアナログのどちらにも惹かれるんだろうなと思っています。 デジタルキッズが憧れた"都会"　父のお陰で小学生の頃からパソコンを触っていて、今振り返るとかなりデジタルキッズだったなと（笑）。YouTubeやブログで新しいことを知る度に、都会への憧れがとても強くなっていったことを覚えています。中学生の時に初めて東京に行ったんですが、田舎にはない雰囲気を体感できたことと、憧れの竹下通りに行けたことがとても嬉しくて、今でも記憶に残っていますね。3：The Sims3人間の生活を"神視点"で眺めていた中学3年生　中学3年生の時、「ザ シムズ3（The Sims3）」というパソコンゲームにかなりハマっていました。このゲームは、プレイヤーが人間の姿をした「シム」たちを作り、彼らの人生模様を"神視点"で眺めて楽しむシミュレーションゲームです。　フル3Dで描かれたグラフィックが特徴で、シムの顔のパーツや性格だけではなく、建物や家具といった細かな部分まで自分で設定できる面白さがありました。また、予想もしていない動きやオーバーリアクションが楽しくて、とにかくこのゲームに時間を費やしていましたね。周りの友達は誰もやっていなかったので、一人で黙々と楽しんでいました（笑）。今の作品に繋がる"人間生成"と"MOD"　ふと思い返すと、今の作品制作では「ザ シムズ」と同じようにキャラメイクしているので、制作の基盤をゲームで体験していたんだなと。また、「ザ シムズ」ではMOD※を使用ながら自分の世界を構築していたのですが、自分の作品でも制作が難しい背景やパーツは、素材を外部から取り込み作品に反映しています。※MOD:外部の人が制作した家具や服のデータ4：ファッション学校「me」"仲間"のお陰で実感できた"成長"　「ミキオサカベ（MIKIO SAKABE）」の坂部三樹郎さんが運営するファッション学校「me」では、授業毎に生徒間で作品をプレゼンする時間がありました。人前に出ることが苦手だったので最初は思う様に話ができなかったのですが、仲間たちの助けもあり次第に環境に慣れることができました。Thinkコースの修了生による作品展では副リーダーを務めていたのですが、展示会終了後にサプライズケーキをみんなが用意してくれて。大変な事も多々ありましたが、みんなから感謝の言葉をもらい、自分の成長を感じることが出来ました。　また、制作においてもmeのみんなからたくさんの刺激を受けています。特に、中林さん（中林花香）の作品は、毎回心動かされます。彼女にしか制作できない独特な空気感で、作る服もかっこいい。何気ない日常の中に見えるもうひとつの新しい世界を感じられます。知れば知るほど、彼女の世界に浸っていけるのが心地よいです。"先生"からの助言で始めた3DCG制作　ファッションを学んでいく中で、今まで通りブランドを立ち上げて服を作るという流れには違和感があり、自分らしい表現を模索していました。その頃に三樹郎さんから頂いた「バーチャルで作品を作ることが向いてそう」というアドバイスがきっかけとなり、CGやVRを1年ほど独学。また、吉田さん（KEISUKEYOSHIDAデザイナーの吉田圭佑）をはじめとする先生方も、作品の意図を汲み取りながら様々なアドバイスをくれます。それのアドバイスがあったからこそ、今のテイストに辿り着くことができたと思っています。　ただ、バーチャルだけでの表現では物足りなさも感じていて。現在はバーチャルな世界観を感じられるようなプロダクトを提案したいと思い、3Dプリンタを使用した靴作りを進めています。 5：80〜90's アニメーション"うる星やつら2 ビューティフル・ドリーマー"のメタ的視点　80年代〜90年代のアニメを大人になってから観るようになりました。作者の物事の考え方や視点などは、作品の参考にすることも多いのですが、中でも「うる星やつら2 ビューティフル・ドリーマー」は、主人公たちの日常から垣間見えるふとした不思議なシーン作りや、時間がループしていることに登場人物が気付く視点などが面白くて。日常とファンタジーの境界線で感じられる"ふわっとした感覚"が、見ていて心地良いんです。　自分で制作したものを見返すと、3DCGにも関わらず現実世界での撮影風景を想起する作品があり、アニメを見ている時の"ふわっとした感覚"に近いものを感じます。こういった作品の持つ不思議な感覚を、見ている人にも伝えられるような作品を作っていきたいと思っています。"セル画"の魅力に触れた、"イクニ監督"の「美少女戦士セーラームーン」　meのプレゼンで初期の「美少女戦士セーラームーン」の画像を見せた時、三樹郎さんから「なぜこれが良いと思ったのか、しっかりと考えた方が良い」というアドバイスを頂きました。自分なりに色々と考えた結果、当時のセル画アニメーションの雰囲気が好きだということに気がつき、そこから自分でもアニメーション制作に取り組むようになりました。　セル画アニメーションは透明フィルムに絵を描き、それを撮影してアニメーションを作っているので、数秒の作品でも時間がかかり大変なのですが、デジタルとはまた違う味わいが出せることがとても魅力だと感じます。まだ色々と試している段階ですが、デジタルとアナログを融合させながら自分の表現を追求していきたいです。　これまでグループ展などには参加してきましたが、今後は個展で作品を発表できるよう活動に励んで行きたいと思います。お仕事や展示などあれば是非誘って下さい！

次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.4 osumi（Water Blueデザイナー）

No.3 森上ひかり（HIKARI MORIGAMIデザイナー）「森上ひかり」のクリエイションを紐解くマインドマップ1：レトロ- 服作りを身近に感じていた祖母の存在　幼少期の記憶として強く残っているのが、祖母と過ごした時間です。私の祖母は、むかし洋裁学校に通っていたこともあり、趣味で自分の服を作っていました。編み物や和服のリメイクを日常的に楽しんでいて、その風景をずっと身近で見ていました。レトロな雰囲気のものに惹かれる根源は、祖母と過ごした幼少期の影響が大きいです。- 高校時代を彩った映画鑑賞と軽音部　高校生になるまで映画をあまり観ていなかったんですが、高校の通学路にTSUTAYAがあったので毎日通うようになり、色んな映画を観漁っていました。徐々に古い映画も観るようになり、レトロな世界観に沢山の刺激を受けました。今では映画の要素を作品に取り入れることもあり、大阪文化服装学院の卒業制作はジャン＝リュック・ゴダール監督のフランス映画「気狂いピエロ」をインスピレーション源に制作しました。　音楽への興味が湧いたのも高校時代です。入学時に「仲良くなりたい！」と思っていた子が軽音部に入り、その子を追いかけるように軽音部に入りました（笑）。入部してから音楽の楽しさに沢山触れて一気にハマり、レコードなども聴くようになって。ボブ・ディラン（Bob Dylan）の「風に吹かれて（Blowin' in the Wind）」が大好きで、今でも気持ちを切り替えたい時に聴いています。2：学校- 私服の高校で経験した初めてのファッションショー　近所のお姉さんが「ファッションデザイナーになりたい」と話していたことがきっかけで、小学5年生の時からずっとデザイナーになりたい気持ちがあり、高校はファッションについて学べる学校に行きたいと考えていました。ただ、「普通科の高校を卒業して、そこからファッションを勉強しても良いのでは」と周りから意見をもらったので、それならば普通科の高校でも個性を尊重してもらえる学校が良いと思い、私服の高校へ進学を決めました。　高校での経験として大きかったのが、文化祭で行ったファッションショーです。ファッションが好きな子を数人集めて、全校生徒の前でショーをすることを提案し、人生で初めてショーを開催しました。服の作り方やデザインの基礎などを全く知らなかったので、今見ると恥ずかしいんですが、ファッションショーの興奮を覚えた初めての体験でした。- 夢を叶えるべく飛び込んだ大阪文化服装学院とポリモーダ　　高校卒業後は東京の文化服装学院へ行きたかったんですが、1人暮らしや作品の制作費を考えると資金的に厳しく、地元の大阪文化服装学院へ通うことにしました。私が入学した「スーパーデザイナー学科」では1年と2年で基礎を学び、3年から自分のブランドを立ち上げます。デザイン、縫製、コレクション発表に向けた全工程をすべて1人で行うのでとても大変でしたが、先生やクラスメイトに支えられて、学びが多く充実した学生生活となりました。　大阪文化を卒業後、姉妹提携しているポリモーダ（POLIMODA）に交換留学できる制度があり、それを利用して今年の9月からフィレンツェに来ています。1年間という短い期間ですが、念願だった海外生活ができ、大好きなファッションを更に学べる環境があるためとても幸せです。3：心の支え- 大阪文化時代の支えとなった恩師と友人　スーパーデザイナー学科は本当に忙しくて、寝れない日々が当たり前でした。入学当時40人程いたクラスメイトも、卒業時には10人まで減ってしまって。そんな怒涛の4年間を最後まで駆け抜けることが出来たのは、一緒に乗り越えてきた友人の存在がとても大きかったです。ずっとひとつの教室で作業をしていたので、みんなでみんなを支え合っていましたね。　そして、大阪文化時代の恩師・杉山先生にも本当に感謝しています。実は、卒業コレクションとして発表した作品は、当初デザインが全然違うものでした。何度考えてもどうしても納得がいかず、半泣きになりながら先生に相談。親身になってアドバイスをくれる先生のお陰で、そこからデザインに向き合う姿勢が変わっていきました。そういった意味でも、卒業コレクションはとても思い出深い作品です。 - 至福の時間を与えてくれる大好きなクラフトビール　クラフトビール好きの人と出会ったことで、クラフトビールにどっぷりハマっていて（笑）。世界各国のいろんなクラフトビールを飲んではアプリで日記を付けているんですが、気づけば550種類以上になっていました（笑）。クラフトビールはパッケージもとても可愛くて、そこも好きなポイントです。ちなみに一番好きなクラフトビールは、華やかな香りとジューシーな味わいが楽しめる「ヘイジーIPA」です！4：国際- 訪れることが出来なかった国・イギリス　大阪文化服装学院の推薦で、イギリスで開催される「GRADUATE FASHION WEEK 2020」に出る予定だったんですが、コロナの影響でポートフォリオのみの参加に変更となってしまいました。結果、ポートフォリオ審査で1位を取ることができたのですが、やはり現地へ行けなかった悔しさもあり、いつか必ず訪れたい国のひとつです。- 海外への憧れが強くなったロシア訪問　初めての海外は、「Pygmalion contest」へ参加するために訪れたロシアでした。現地の学生がボランティアで手伝ってくれるのですが、海外でのコミュニケーションに不慣れだった私にとても優しく接してくれたことがとにかく嬉しくて。ショーに向けた制作にもとても協力的で、コンテストではグランプリをとることができました。今でもその時手伝ってくれた子とは連絡を取り合っていて、かけがえのない友人のひとりです。- スタートしたイタリア生活　フィレンツェでの生活が始まってまだ3ヶ月程度ですが、誰も何も教えてくれなくて（笑）。自分で調べないと生きていけないので、心身ともにかなり逞しくなったように思います。フィレンツェの街はストリートアートや無料で入れる教会がたくさんあり、歩いているだけでもとても刺激的。早く生活に慣れて、海外生活を思いっきり楽しみたいです！5：ファッション- ファッションに感じるロマンと現実　昔から想像を膨らませることがとても好きで、ロマンチックなシチュエーションをイメージし、そこから服のデザインを考えたりすることもあります。ただ、服は日常的に着るものなので、現実とのバランスを考えながら丁度よい落とし所を探ることが重要だなと感じています。- 無限に自己表現ができる唯一無二の存在　元々コミュニケーションが苦手だった私にとって、ファッションは自己表現ができる唯一の場所だと思っています。まだまだコレクションとして発表している作品は少ないですが、海外での経験を活かしながら、日本と海外で得た視点を融合させた自分らしいもの作りをしていきたいです。常に更新され続ける"ファッション"という存在は、私にとって永遠の憧れです。

次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.3 森上ひかり（HIKARI MORIGAMIデザイナー）

No.2：児玉耀（fulss デザイナー）「児玉耀」のクリエイションを紐解くマインドマップ　デザインする上で軸となる"5つのキーワード"とそこから派生する"3つのワード"を、デザイナー本人がピックアップ。それぞれのキーワードが現在のクリエイションにどのように繋がっているのか、デザイナーの解説と共に紹介していく。1：ものづくり- 祖父がきっかけでハマっていった、ビーズ遊びや工作　電車の電動ジオラマ模型が好きだった祖父と小さな頃によく遊んでいて、「シルバニアファミリー」のようなミニチュアの家をオリジナルで作ったりしていました。木を切ってテーブルにしたり紙粘土で食べ物を作ったりと、とても細かな作業だったんですが、それがすごく楽しかったので、もの作りに興味を持つようになりました。そこから細かな作業にハマっていき、紐にビーズを通して遊んだり、手を動かしながら色々なものを作っていましたね。- 幼少期の"好き"が講じてクリエイションの軸になったニット　服作りにおいても、細かな組織や構造を色々なデザインに落とし込める「ニット」に魅力を感じ、今では自分の服作りの軸になっています。昔の遊びが今に繋がっているので、自分の好きなことは一貫しているなと感じますね。「フルス（fluss）」でもシーズン問わず面白いニットの提案をしていきたいと思っているので、楽しみにしていてください！ 2：ファッション- 婦人雑誌がきっかけとなったファッションへの興味　母親が見ていた婦人雑誌がきっかけでファッションに興味を持ったということもあり、2000年代初頭の大規模な演出のファッションショーを見るのが好きでした。そこからモード誌を読むようになり、いろんなブランドやファッションの情報に触れるようになっていきました。　高校生の頃には、服作りの本を参考にしながら「作ってみたい」と思うものを実際に作るようになりました。婦人雑誌の気になる服を作ってみたり、クリスチャン・ラクロア（Christian Lacroix）の服を真似たり。周りの友達には服作りをしていることを恥ずかしくて言えなかったので、美術室でこっそりと先生に作った服を見てもらっていましたね（笑）。今となっては良い思い出です。- モードの世界へ導いた3つのブランド　「ジョン・ガリアーノ（John Galliano）」と「アレキサンダー・マックイーン（Alexander McQueen）」はファッションに興味を持ち始めて一番最初に感化されたデザイナーです。この2人の表現をみたことでファッションデザイナーになりたいと思ったくらい影響を受けました。そして、今でも一番好きなブランド「プラダ（PRADA）」。プラダは賢そうなのにどこかユーモアがあって、そのバランスがとても好きですね。プラダのコレクションは、初見だと「かっこいいのか可愛いのか分からない...」という気持ちになるけど、半年後には毎回「めっちゃ好き」となっているので、その度にプラダの先見性のすごさを実感します。- ファッションの魅力＝コミュニケーション　ファッションの魅力は、言葉で上手く伝えられないものを服を通して伝えることができることだと思います。僕自身ずっと社交的ではなかったんですが、ファッションを通じていろんな人と繋がることができました。3：デザイン- ファッションと真剣に向き合った、ここのがっこうとセントマでの時間　大学時代、「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」のデザイナー・吉田くん（吉田圭佑）と同じサークルに通っていたことがきっかけで、ファッションスクール「ここのがっこう」を知りました。そこで初めてクリエイションの組み立て方や、真剣にファッションと向き合っている人に出会えたことで、自分の将来について真面目に考えるようになりました。課題に付いていくのも必死だったので、大学生活の中で一番大変だった時期でしたね（笑）。　ここのがっこうで「リトゥンアフターワーズ（writtenafterwards）」の山縣さん（山縣良和）や「ミキオサカベ（MIKIOSAKABE）」の坂部さん（坂部三樹郎）など、海外の学校で勉強した人たちの考え方に影響を受けたこと、そしてジョン・ガリアーノやアレキサンダー・マックイーンといったデザイナーを輩出しているという憧れもあり、大学卒業後はセントラル・セント・マーチンズ （Central Saint Martins）への進学を決めました。- 経験を蓄積、「トム・ブラウン」と「ポーツ1961」でインターン　セントラル・セント・マーチンズ在学中に「トム ブラウン」と「ポーツ 1961」でインターンシップをしました。「トム ブラウン」では、オリジナル生地の開発に3ヶ月程携わることができ、生地が出来るまでの流れを一通り経験させてもらいました。　「ポーツ 1961」は小さな会社だったこともあり、デザイン作業にも参加させてもらいました。思い出深いエピソードといえば、会社のゴミ箱の中にあった端切れがとても可愛くて、承諾をもらって持ち帰り、その端切れを自分が持っていたポロシャツに付けてみたんですよ。それを後日会社に着ていったらとても好評で、実際のコレクションでこのポロシャツに似たアイテムが登場したんです。そういう柔軟なところも小さな会社ならではで、とても居心地が良かったです。4：ロンドン- 友達と交流を深めた公園とビール　セントラル・セント・マーチンズに通うまでロンドンには行ったことがなかったので、好きかどうか分からないままロンドンに住むことになりました。最初の1年は思うようにいかない事の連続で、ずっと日本に帰りたいと思っていました（笑）。ただ、少しずつコミュニケーションが取れるようになり、2年目以降はロンドンの街を楽しめるようになりました。友達も少しずつ出来るようになり、休日になると公園に集まってビールを片手に何気ない会話をしたりしてましたね。そのお陰でビールがめちゃくちゃ好きになりました（笑）。- ロンドンで感じた自由な精神性　ロンドンでは年齢や出身を聞かれることがあまりなく対等に接してくれるので、人の目を気にすることが以前より少なくなったなと思います。道端に変な物が落ちていたり、マーケットでも雑多にいろんなものが並べられていたり。いろんなモノやコトを受け入れてくれる土壌があるお陰で、とても気持ちが楽になりましたね。 - 芸術が溢れる街で洗練された感性　ロンドンは美術館がとにかく沢山あり、無料で開放しているところも多くあります。そこで見たものが良い蓄積となって、自分の美意識が洗練された気がしています。今はパソコンで何でも調べることが出来ますが、実際に見た時の迫力や質感はやはり生で見ないと分からないですからね。見たいと思う作品が近くにあるという環境はとても贅沢でした。5：人- 大学の先輩でもある吉田圭佑・中里周子という存在　ケイスケヨシダの吉田くんは先でも話したように大学の先輩で、当時唯一ファッションについて深く話しが出来た人です。吉田くんのお陰で真剣に将来のことを考えるようになりました。もう1人の大学の先輩・のりぴー（中里周子／BORING AFTERNOON）はここのがっこうがきっかけで仲良くなりました。彼女の作品がとても好きだったので制作を手伝うようになったんですが、エピソードが沢山ありすぎて選べないくらい濃い時間を過ごしましたね。いろんな人と協力しながら1つの作品を創り上げていくグルーブ感は、近くで見ていてとても刺激的でした。- ロンドン時代をともに過ごした盟友・小林裕翔　裕翔くん（小林裕翔／yushokobayashiデザイナー）とは同い年で、セントラル・セント・マーチンズに入学した年も一緒。そして最終学年の1年間ルームシェアをしたロンドン生活に欠かせない存在です。最終学年は卒業制作があるので、学生生活の中でも一番大変なんですが、自分と同じように制作に向かう裕翔くんがいてくれたことが刺激になり、なんとか乗り切ることができました。朝起きるとお弁当を作ってくれていたこともあって、そういう日常が嬉しかったですね。　今は裕翔くんも東京をベースに活動していて、たまに飲みに行ったりする仲です。これからもお互い切磋琢磨出来る仲間でいられるように、フルスとしての活動も頑張って行きたいなと思います。児玉 耀 >> instagramfluss >> instagram

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次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.2 児玉耀（flussデザイナー）

No.1：向祐平（Munited Kingdomai YUHEI デザイナー）「向祐平」のクリエイションを紐解くマインドマップ　デザインする上で軸となる"5つのキーワード"とそこから派生する"3つのワード"を、デザイナー本人がピックアップ。それぞれのキーワードが現在のクリエイションにどのように繋がっているのか、デザイナーの解説と共に紹介していく。1：高山祭- デザイナーの原点、地元・岐阜県高山市の歴史的な美祭　小さい頃から高山祭が大好きで、一番最初にハマったものが高山祭だと思います。自分の好きな物や好みを思い返してみると、最終的にはすべて高山祭に繋がっています。地元にいた頃は、お昼は獅子舞の行列を写真に撮り、夜は友達と屯するというのが高山祭の恒例でした。今はコロナの影響もあり地元に帰ることができませんが、元気を出したい時には獅子舞のYouTubeを観たりしています。そのくらい自分にとって大きな存在です。- 高山祭の屋台装飾から繋がるデコレーション精神　高山祭は制作にも活かされていて、特に屋台装飾からすごく影響を受けています。屋台といっても皆さんが連想するようなものではなく、「山車」のことを地元では「屋台」と呼んでいます。とても細かな装飾が施されていて、その繊細な手仕事を見るのが小さい頃からとても好きでした。そういった影響が、ビーズ刺繍やデコレーションを施した作品として自然に反映されているんだと思います。 2：パフォーマンス- 「自信たっぷりな女の人」を観るのにハマっていた中高生時代　中高生の頃は安室奈美恵さんやビヨンセが大好きで、家で踊りながら聴いていました。MVで自信たっぷりな表情でパフォーマンスをする姿に「ぎゃああーーー！好きいいーーー！」と感情が高ぶっていました（笑）。　高山祭とも繋がるんですが、人間が動かしているとは思えない獅子舞の踊りを見て感動していた時と、安室奈美恵さんたちのパフォーマンスを観た時の感情ってすごく似ていて。自分とは別世界の圧倒的な存在を目の当たりにした時の興奮は、何年経っても色褪せることはないです。- デザイナーの服装にも影響を与えたパフォーマンス　安室奈美恵さんが「Put ’Em Up」のMVでベルベットのジャージーのセットアップを着ているんですが、それを真似して自分も買ったりしていたので、当時の自分の服装もMVの影響を大きく受けていました。今も中高生の頃に見たものを繰り返しアウトプットしながら制作しているので、作品の素材感やディティールなどにも当時の影響が色濃く反映されていると思います。3：学校  - 憧れだった文化服装学院と衝撃を受けたここのがっこう　僕はこれまで「文化服装学院」「ここのがっこう」「ウィーン応用美術大学」と3つの学校に通っていたので、人生の大半を過ごした「学校」は僕の中で欠かせないキーワードのひとつです。　文化服装学院は高校生の頃に雑誌で知っていたので、通いたいという思いがすごく強くて。ただ、上京してお洒落な環境に身を置くのが怖かったので、文化服装学院に通う前に一度アメリカへ留学しました。文化服装学院への憧れがとにかく強かったので、そこに飛び込むことに比べると、アメリカ留学の方が気持ちが楽で（笑）。ただ、ファッションについて学ぼうと思っていたにも関わらず結局遊んでしまい、やはり厳しい環境に身を置かなければと思って、文化服装学院への入学を決心しました。　文化服装学院の基礎科で服作りのテクニックを2年学んだのですが、デザインについて分かっていない自分に気づき、もっと知りたい思いが強くなって。その頃見に行った「ここのがっこう」の展示に衝撃を受けて、プライマリーコースに半年通いました。授業の軸となる「自分のアイデンティティを発掘していく作業」をそれまでしたことがなかったので、本当に楽しかったですね。ここのがっこうで学んだことが今のデザインのベースになっています。- ベルンハルト・ウィルヘルムが先生を勤めるウィーン応用美術大学へ　丁度ここのがっこうに通っていた時に、ウィーン応用美術大学の卒業生が授業に来たことがあり、それがきっかけで学校のことを知りました。大好きだったベルンハルト・ウィルヘルム（Bernhard Willhelm）が先生をしているということに興奮し、受験まで1ヶ月くらいしかなかったんですが、勢いでウィーンへ飛び入学することになりました。　ウィーン応用美術大学はとにかく実践を繰り返す学校で、毎月1回のプレゼンを重ねながら、年1回開催するショーに向けてひたすら作業をしていました。ファッションショーを創り上げていく作業は膨大なエネルギーを使いますが、そこで得た経験は長い学生生活の中でも特に思い出深いものになっています。 4：ウィーン- 4年間過ごしたデザイナーにとっての第二の街　ウィーン応用美術大学時代に過ごした街ということもあり、クリエイションと向き合ったとても思い出深い都市です。カフェで何も考えずのんびりしたり、蚤の市で買ったものを部屋にデコレーションしたり、そんな何気ない生活もとても豊かでした。　また、ウィーンは音楽の街なので、クラシックのコンサートやオペラに行く機会がよくあり、立ち見席だと400円程度で観ることができたので、よく足を運んでいました。ドレスアップしたハイソサエティの人や観光客など、様々な服装の人たちが集まる光景を見るのが好きでしたね。 - ウィーンの生活で変化するデザインと美意識　最初はウィーンで生活していることが全然デザインに直結せず、2年生くらいまで「せっかく日本人の少年がウィーンにいるのに、全然作品に反映されてない」と先生にも言われていました。最初はそれがどういうことなのか理解できなかったのですが、徐々に制作するイメージの中に、ウィーンで見たものや空気感が自然と反映されるようになっていました。　そして、3年生の時に制作した「3-A MUKAI」というコレクションで、「第31回イエール国際モード&写真フェスティバル（The 31th edition of the Hyères International Festival of Fashion and Photography）」のファイナリストに選出されました。この作品は、アール・デコ期のファッションスタイルと、ダボジャージーにスカートを合わせる地元の高校生のスタイルに、シルエットや"解放"という共通点を感じ、発案しました。ウィーン独特のボリューム感のあるアール・デコデザインからも影響を受け、シルエットや素材感にも反映されています。イエール国際モード&写真フェスティバルは、イベント自体のエネルギーは大きいけれど、街も運営の人も牧歌的なところがあり、とても居心地が良かったです。５：デザイナー- ファッションの道標となった「ベルンハルト・ウィルヘルム」と「ジョン・ガリアーノ」　昔観ていた番組で「ジョン・ガリアーノ（John Galliano）」が手掛けていた「ディオール（DIOR）」のオートクチュールが流れてきたんですよね。自分の想像を超えた圧倒的なファッションの表現力に驚き、そこから一気に好きになりました。　「ベルンハルト・ウィルヘルム」は、スナップ雑誌の「チューン（TUNE）」や「フルーツ（FRUiTS）」に載っている人たちが当時よく着ていて。服のシルエットや柄が見たことないものばかりで可愛くて、その頃から憧れのデザイナーでした。その後、ウィーン応用美術大学では僕の先生だったので、ファッションに関わる上でとても大きな存在です。- インターンとして過ごした「ブレス」　デザイナーのデジレー・ヘイズ（Desiree Heiss）がウィーン応用美術大学の出身だったこともあり、ブレス（BLESS）のインターンに応募しました。ブレスはインターンもきちんとチームに迎え入れてくれる温かさがあり、デザイナーのイネス・カーグ（Ines Kaag）とコミュニケーションをとりながらデザインを一緒に考えることもありました。　アトリエもとても居心地が良くて、朝コーヒーを入れてのんびり作業を始め、お昼はデザイナーと従業員とインターンが順番でご飯を作り、皆でランチをするんです。3ヶ月ほどの期間でしたが、とても充実した時間を過ごすことが出来ました。向祐平の直筆マインドマップ　向祐平が自分自身に向き合い書き上げた直筆のマインドマップ。パーソナルなキーワードが散りばめられているマップからは、向がこれまで触れてきた文化や様々な趣味嗜好が浮かび上がってくる。向 祐平>> instagramMunited Kingdomai YUHEI>> instagram