インサイド

　アートも衣服や食品などと同様に、商品として仕上がるまでの制作費や人件費などを計算し、その経費に自分の利益を上乗せした値段を定めている。絵画であればキャンバスや絵の具などの材料費と描き手の人件費、作品を描くアトリエの家賃など…。衣服が布や糸などの材料費、作り手の人件費、工場の家賃などによって価格が決められるように、アートもひとつの商品として扱う際には基本的には他のものとは変わらない価格の決め方なのだ。
　しかしながら、アート作品が時折ニュースになるほど非常に高額に映る一方で、手軽に買える作品も多く流通している。アートの価格はピンからキリまで広がり、私たちにとって不可解に見えるが、その要因は主に2つある。値付けのカラクリを紐解いていこう。1 - 販売場所へのマージンの上乗せ　作品はギャラリーや百貨店のほか、近年はセレクトショップやカフェなどでも販売されることが増えた。このように作品の展示会会場となる場所が収益を得る方法は、会場レンタル料を請求する場合と、作品の販売価格の何割かをマージンとして会場に支払う場合の2通りがある。　前者は、レンタルスペースや貸しギャラリーに代表されるもので、作家が展示したい日程分の会場レンタル料を支払う。後者は作品が売れたらその値段の何割かを渡すものだ。そのため、販売額には仲介料が上乗せされている。特にギャラリーはアーティストと専属契約を交わし、アーティストにマネージメントサポートを行ったり販売の機会を積極的に与える代わりに、販売価格の半分の値段を折半することが慣例。そのため、アーティストは制作費にギャラリーに渡す金額を上乗せしており、販売価格が必然的に高額になっていくのだ。　このふたつの方法には一長一短それぞれあるものの、作家にとってみれば、作品は制作費や人件費の上にさらにそのような出店料として渡す費用を上乗せすることには変わりない。2 - 作品、アーティストとしての付加価値　アート作品というのは高級ブランドと同じように資産価値としての役割も持つために、一度売れた値段から値下げすることは基本的に行わず、値段を上げていくことが多い。なぜなら、価格を下げるということは資産価値が落ちるだけではなく、作品への信頼が落ちることにつながるからだ。ブランド品が材料費や人件費を含めた価格だけではなく、ブランド価値を保つために高額になることがあるが、アート作品も同様のことが言える。そのため、作家やギャラリーはなるべく作品の資産価値を落とさないための価格のコントロールを慎重に行っている。　例えば、ギャラリーで販売されている50万円の作品があったとする。この場合は、マージンとして半額の25万円をギャラリーへ渡し、残りの25万円で作家自身の生活費や制作費を賄えることになるが、50万円という価格は一般的な感覚ではなかなか手に取りにくいだろう。では「売れる」ために30万円に引き下げればいいではないか、という見方もあるかもしれない。もちろんその選択肢も存在するが、しかし、一度価格を下げてしまうと、作品の資産や価値を引き上げることは難しい。また、作り手であるアーティストの生活もある。よって、値付けはそれらの総合的なバランスの上で決めていかなくてはならない。　なお、1点数千万円ほどの売り上げをつくる作品の作家には集中的にバブルが起きていることが多い。この規模になるとマネジメントが必要となるためマネージャーを雇ったり、作家と作品の価値を持続させるために多く作品を制作したり、大作を作り上げていくなどの戦略を立てていく。個人としてのアーティストというよりも、会社経営のようなやりくりを迫られていくのだ。　近年、アート作品の共同購入やNFTなどによって幅広いマーケットが勃興し、作品の販売価格にも大きな変動が生まれつつある。購入する側の値段が大きく変動することはあれど、作品がモノであったり、ブランド的な価値がすでに持っている限り、作品自体の値段は大きく変わることはないだろう。■檜山真有（Twitter）同志社大学文学部美学芸術学科卒、東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科修了。1960年代のコンセプチュアルアートを研究対象とする。現在は美術館に勤務する傍ら、キュレーターやライターとして活動中。「現代アートへの旅」バックナンバー・マストアーティスト編―村上隆・マストアーティスト編―ダミアン・ハースト・マストアーティスト編―ゲルハルト・リヒター・お金のはなし編―アンディ・ウォーホル作品から学ぶ価格の上がり方・まず知っておくこと編―作品鑑賞を楽しむための4つのポイント

【連載：現代アートへの旅】値付けのカラクリ編―意外と知らない販売価格の決め方

　若かりし頃の村上は日本画を学びながらもアニメマニアであり、伝統的な日本画よりも現代アートに関心を寄せていた。それがよく表れているのが、《ヒロポン》（1997）と《Ko²ちゃん》（1996）である。どちらも女性の体をデフォルメしたアニメフィギュア作品で、一般的な人間の身長以上の大きさで再現している。不気味であるはずなのに、すでにアニメや漫画に親しみのある私たちは既視感を感じてしまう。 展示風景：「STARS展：現代美術のスターたち-日本から世界へ」, 森美術館, 東京, 2020年　もともと漫画やアニメなどに関心を寄せ、アニメーターの金田伊功への憧れを公言していた村上に大きな衝撃を与えたのは、彼がニューヨークへ留学していた時に目にしたアニメ雑誌に掲載されていた『新世紀エヴァンゲリオン』の企画スケッチだった。そこから彼のフィギュアやアニメを下敷きにした作品は次々に誕生し、日本が生んだアニメや漫画などのサブカルチャーが持つ独特の表現様式と現代アートの融合は村上の創作の核となった。　作品制作だけではなく展覧会のキュレーションや若手アーティストの育成の場を設けるなど、アートというフィールドを遺憾なく使いこなし、2000年代に村上が日本の美術に残した功績は大きい。海外での活躍もめざましく、2001年には展覧会『スーパーフラット』でアメリカ各地を巡回。また、ベルサイユ宮殿での個展開催も実現させ、世界的な現代アートのスターへの道を駆け上がっていった。　彼は作家として活動を始めた頃から、日本人がどのようにして世界のアートワールドで生き抜いていくかということに意識を向け、欧米のアーティストとは異なるアプローチを行ってきた。これまで日本の現代美術に対してイメージをはっきり持たなかった欧米に対して、日本の社会や文化で何が起こっているのかを作品や活動を通して表現する際に、様々な独自の用語を編み出したことも特徴的である。例えば、先の「スーパーフラット」は日本美術の平面性をアニメに接続させ、日本流のポップアートを提唱する造語であり、同様に「PO+KU（ポック）」という造語は、ポップ（POP）にオタク（OTAKU）という要素を混ぜ、作品を端的に言い表そうとした。　日本を世界のどこに位置付けるか。自らのスターダムとともに村上の関心はそのような部分にもあったはずだ。2021年1月に閉幕した森美術館の『STARS：現代美術のスターたち』で発表した最新作、俳優の須藤蓮を起用した《原発をみにいくよ》はその一面が垣間見えた映像作品だった。　同作は、2011年の東日本大震災による福島第一原子力発電所のメルトダウンで指定された帰宅困難区域も2020年では徐々に解除され、民間人の立ち入りも可能だが、実際は…？というストーリー。それまでのアニメやオタク的要素は控えめに、村上が歌唱を担当している曲に乗せながら、帰宅困難区域が解除された場所へ旅行に行くカップルの姿を通じて描いている。旅行のプロモーションビデオかと間違うほどに自然の美しさなどをのほほんと和やかな雰囲気で映し出すが、若者の貧困や復興の最中にある福島県と東京都の温度差などを表現し、社会的な問題を国内外に発信したのだ。　村上隆とは、一貫して日本という小さい国でアートの歴史に名を刻めるかということにマーケットから挑戦していった人物だと言えるだろう。資本主義という大きな流れに乗り成功を収めたが、彼の作品自体は資本主義を肯定するというよりは、それを戸惑いながら受容してしまうような弱さがあると思う。ゆえに、チャーミングで人々を惹きつけるのではなかろうか。画像：©︎ Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved.■檜山真有（Twitter）同志社大学文学部美学芸術学科卒、東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科修了。1960年代のコンセプチュアルアートを研究対象とする。現在は美術館に勤務する傍ら、キュレーターやライターとして活動中。「現代アートへの旅」バックナンバー・マストアーティスト編―ダミアン・ハースト・マストアーティスト編―ゲルハルト・リヒター・お金のはなし編―アンディ・ウォーホル作品から学ぶ価格の上がり方・まず知っておくこと編―作品鑑賞を楽しむための4つのポイント

【連載：現代アートへの旅】マストアーティスト編―村上隆

　ハーストは、イギリスの現代アートで最も有名なムーブメントのひとつであるYBA（ヤング・ブリティッシュ・アーティスト）の中心人物と言われている。YBAとは1990年代に20代後半から30代だったイギリス在住のアーティストたちを広く指す。ハーストの他にもサラ・ルーカスやトレイシー・エミンらが該当し、いずれもテレビやマンガ、ポップミュージックなどのサブカルチャーと強く結びついた視覚的な強烈さと悪趣味さを持つ作風で有名だ。また、独自企画として展覧会や作品の販売まで行い、評論家などに売り込んでいくというDIY的な側面を持ち、「作品の形態」と「アーティストの戦略」という2つの点においてイギリスの現代アートに新たな流れを持ち込んだ。　そのDIY的な部分はハーストを時代の寵児にした戦略の一つでもあり、例えば無名の頃に展覧会を自ら企画することで、作品を他の人に観てもらう機会を得てきた。ハーストの中でも伝説的な展覧会だと言われているのが『フリーズ』展（1988年）だ。彼がまだロンドンのゴールド・スミス・カレッジ在籍中にロンドン郊外の倉庫で企画したもので、同窓生15人の出展アーティスト選定、資金調達、コレクターの招待、カタログ制作など、本来であればキュレーターや学芸員が行うことをやってのけた。当時、無名のアーティストが売り込みもかねてキュレーションをして展覧会を行うことはきわめて稀なことだった。　そののち、ハーストは1995年に30歳でターナー賞を受賞した。ターナー賞はイギリス人、あるいはイギリス在住の50歳以下のアーティストに送られる賞で、現代アートの最も有名な賞レースのひとつ。1991年以降は授賞式がテレビで放映され新聞や雑誌を賑わせることもあり、イギリスではアートに馴染みのない人まで広く知られている賞だ。また、授賞式に合わせてイギリスの最も大きな美術館の一つであるテート・ブリテンではその年のターナー賞の候補者たちの展覧会が開かれる。　ハーストが《母と子、分断されて》（1993年）をターナー賞展に出展した際は、大論争を呼び、入場者数が例年の倍以上になったそうだ。この作品は、牛と子牛がそれぞれ真っ二つに切断され、透明なケースにホルマリン漬けされているもので、ホルマリンに充満したケースの中の牛はある面から見たら生きているかのようだが、異なる面からは牛の断面図として内臓や筋肉などまで鮮明に見ることができる。静謐さを保ちつつ、鑑賞者をギョッとさせつつ、生と死の倫理問題にまでリーチした作品だ。▲《母と子、分断されて》シリーズより　彼の作品に度々現れる「死」を彷彿とさせるイメージは、自身が監督を務めたブリットポップの代表的なバンドBlurの「Country house」（1995年）のPVにも登場する。ルネ・マグリットの絵画に出てきそうな帽子の男とミニスカートを履いた女たちがBlurのメンバーをゲームの世界へと誘うが、しばしば死神やドクロや人が死ぬイメージが繰り返し挟み込まれる。1980年代末のイギリスの不況や、不況に伴い増加する薬物中毒者、エイズの世界的流行に加え、テレビやラジオなどのマスメディアでの戦争報道など、社会的かつ経済的にこれまでよりも「死」がより一層身近になった時代を、彼はアイロニカルに捉える。不穏なはずなのにポップにまとめるのがハースト作品の特徴だ。　彼は作品制作のみならず、店舗型のプロジェクトや展覧会の企画などにも取り組むことによって、時として周りをスキャンダラスに巻き込み、自らの価値を高めていく。それを最も派手な形で行ったのが、《Pharmacy》（1998）である。1992年に発表したインスタレーション作品《Pharmacy》を基に、外観が薬局にそっくりなレストラン＆バーをつくってしまったのだ。作品の発展形として、実際の店舗をつくり、運営までしたのはハーストが史上初だろう。建物には「Pharmacy」という看板しかなく、中に入れば壁にはたくさんの薬品や薬の箱が並べられており、まさに薬局そのもの。あまりにも見た目がそっくりなため、本当の薬を買いに人が訪れたり、イギリスの王立薬剤師会から注意を受けたこともあったそうだ。▲1992年に発表したインスタレーション作品《Pharmacy》　ハーストは薬にも高い関心を持ち、学生時代には《Sinner》（1988）という作品を制作した。この作品は彼の祖母が生前まで服薬していた薬などを棚に並べた作品で、彼女が生きるために薬物中毒のように大量に服薬していることの矛盾を示すと同時に、祖母を形づくる形見としての側面を持つ。
　ハーストは「なぜ、アートを信じないのに薬は信じるんだ」と述べたこともあり、科学という確かであるとされているものの極にある芸術の不確かさは何なのか、という問いを《Pharmacy》で突きつけたのだ。▲1988年に発表したインスタレーション作品《Sinner》　冒頭で述べた異例の売り上げを果たしたハーストは、このようにDIYカルチャーとマスメディアを上手に使って派手にアーティストのキャリアを築いてきた。しかし、彼のキャリアとは裏腹に、ハーストのどの作品にも見られる「死」をめぐる問いかけは、不景気や社会不信など「これからどのように生きればいいのか」という若者たちのリアルな悩みに響き、大きな影響力をイギリスのみならず世界中に与える。このような言葉にしようのない悩みへの一片の光ともなりるのが現代アートの真価だと思う。■檜山真有（Twitter）同志社大学文学部美学芸術学科卒、東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科修了。1960年代のコンセプチュアルアートを研究対象とする。現在は美術館に勤務する傍ら、キュレーターやライターとして活動中。「現代アートへの旅」バックナンバー・マストアーティスト編―ゲルハルト・リヒター・お金のはなし編―アンディ・ウォーホル作品から学ぶ価格の上がり方・まず知っておくこと編―作品鑑賞を楽しむための4つのポイント

【連載：現代アートへの旅】マストアーティスト編―ダミアン・ハースト

　リヒターは1932年、東ドイツ・ドレスデンに生まれ、1961年に難民として西ドイツ・デュッセルドルフへと移った。ベルリンの壁が建設され始めたのは彼が西ドイツに移住したすぐ後だった。1989年にベルリンの壁が崩壊するまでドイツは東西に分断され、東ドイツは社会主義経済を目指し、西ドイツは資本主義経済を再建した。この分断は文化にも影響を及ぼし、伝統的なものを重視する傾向が東ドイツにはあった一方で、西ドイツは国際化が進み「アメリカ化」とも表現された。　リヒターは劇場の舞台背景を描く仕事に携わった後、ドレスデンのアートアカデミーで壁画を学んだ。卒業後も壁画の仕事を請け負ったが、当時は今のようなスタイルのアーティストではなかった。しかし、1959年に西ドイツ・カッセルで5年に一度行われる展覧会「ドクメンタII」で抽象画の感銘を受けたことでリヒターは西ドイツに移ることを決意する。西ドイツに移った後はデュッセルドルフのアートアカデミーで再び絵画を学び、現地に流入していたポップアートやフルクサスなどのアメリカの美術にも影響を受けたという。　そして、まもなく彼の初期の代表作であるフォト・ペインティングが生まれる。この手法は精密に写真をそのまま描き写すのではなく、輪郭をややぼかしていくことで滲みやスピード感を与え、写真では写すことのできない質感が生まれる。写真とも絵画とも表現できないフォト・ペインティングは、リヒター独自の表現方法として注目を浴びることとなる。　そのスタイルを表している作品の例として、ルネサンス期のティツィアーノ・ヴェチェッリオにより描かれた《受胎告知》の絵はがきを模写した5枚組の絵画がある。1枚目は模写したものだと見て取れるが、枚数を重ねるごとに徐々に輪郭がぼやけていき、露光時間を長くした写真のようにブレていく。そして5枚目には何が描かれているか全く分からないような抽象画へと変化していく。5枚の作品を並べて展示すると、徐々に絵画の中のモチーフが崩れ、色彩のみが残るプロセスを見ることができる。　この後、リヒターはカラーパネルを敷き詰めたカラー・チャートや、何重にも絵の具を上塗りした抽象絵画、あらゆる色を混ぜた時に現れるグレーという色味に着目したグレー・ペインティング、写真の上に絵の具を重ねるオーバー・ペインテッド・フォトなどの作品を制作し、さらに抽象と色彩への関心を直接的に表現するようになる。　最高額を叩き出した抽象画シリーズは、大きな刷毛のようなもので絵の具を伸ばしていき、それを何度も繰り返すことによって作られた。刷毛に乗った絵の具がかすれる瞬間や色と色が重なる瞬間をそのまま観ることができるこのシリーズは、フォト・ペインティングと大きく異なるようにも見えるが、光や写真による関心を絵画にどのように落とし込めるかの実験を繰り返している点では共通しており、リヒターの関心はそこに一貫している。　絵画という表現方法のみにとどまらず、ガラスを用いた作品なども発表している。例えば、日本では香川県・豊島で見ることができる《14枚のガラス》のように巨大なガラス板を何枚も角度を微妙に変えながら立ててゆくシリーズが有名だ。　また、ドイツ・ケルン大聖堂南塔のステンドグラスの改修は、リヒターがアーティストとして成し遂げた偉業の一つに挙げられる。数年にわたる準備期間を経て、カラー・チャートの要領で色のついたガラスをモザイク状に10000枚以上敷き詰めた作品で、遠くから見たらモザイク状に見えるが、近くで見ると色数の多さが際立つ。絵画でのカラー・チャートシリーズとは異なりガラスで作られているため、床や壁にステンドグラスの色がそのまま反射し、淡い光のカラーチャートが転写される美しい仕上がりである。キリストや聖母マリアなどの物語を言葉がなくとも分かるように具象的な図像を用いるのが従来のカトリック聖堂のステンドグラスであるため、抽象的でありすぎることへの反発も招いたが、彼はその後もドイツで最も古い教会のステンドグラスの改修などを手掛け、いずれも概ね好意的な評価が集まった。　様々な手法を行うリヒターのアイデア集とも言えるのが《アトラス》シリーズである。1960年中頃から続けられているスクラップで、最新の2015年のものまで計802枚作られている。彼自身が興味を持った写真、新聞などの切り抜きが並べられているのだが、それは関心が赴くままというより、並べ方やそのもの自体にも意味を持つもので、アートのオリンピックとも称されるヴェネツィアビエンナーレドイツ館の個展（1972年）でのプランニングなどもシリーズの中に含まれる。　多作でありながらも、全ての作品が目に見えることやそれを芸術によって表現するという共通点を見せるリヒターは絵画をどのように考えているのだろうか。以下の彼自身の言葉が最も表しているように思う。「絵画になにができるかを試すこと。今日自分はどのように、なにを描けるのか。いいかえれば、今なにがおこっているのかについて、自分自身のために一つの映像をつくろうとしつづけることです」―『ゲルハルト・リヒター　写真論／絵画論』（訳・清水穰　ワコウ・ワークス・オブ・アート、1995）より■檜山真有（Twitter）同志社大学文学部美学芸術学科卒、東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科修了。1960年代のコンセプチュアルアートを研究対象とする。現在は美術館に勤務する傍ら、キュレーターやライターとして活動中。「現代アートへの旅」バックナンバー・お金のはなし編―アンディ・ウォーホル作品から学ぶ価格の上がり方・まず知っておくこと編―作品鑑賞を楽しむための4つのポイント

【連載：現代アートへの旅】マストアーティスト編―ゲルハルト・リヒター

　ウォーホルはシルクスクリーンによる作品が有名であり、市場に出回る作品のほとんどがシルクスクリーンを用いたものだ。ウォーホルは、資本主義経済下で氾濫する商品の価値よりも、広告や紙幣などの実体のない部分に価値を置くものに関心を寄せ、その経済システムで自らの作品を流通させることを考え、一つの版を使えばいくらでも刷り出せることができるシルクスクリーン作品を多く制作した。それまでのアメリカでは絵画や彫刻など一点物の作品がメジャーであったため、彼のこのような作品の売り方は異例だった。キャンベルスープ缶や花の作品などは、アート販売のプラットフォーム「Artsy」で十数万円から数十万円程度の値段で取引されることが多く、比較的手に入れやすい。しかし、最大手オークション会社サザビーズで取引されるウォーホルの作品の最高額は日本円で100億円を超え、そのほかの作品も日本円で1点あたり数億円にものぼる。ウォーホルの作品にこれだけの価格の開きが生まれた理由については後で説明するとして、ここまでがウォーホル本人が制作した"本物"のウォーホルの作品だとして値段がつけられている。　ウォーホル作品の中には、ウォーホル本人およびウォーホル作品を管理する財団も黙認する「サンデー・B・モーニング」と呼ばれる海賊版が存在する。ウォーホルが存命だった時から彼が作成した版を使い、ウォーホル本人が刷り出しに関与していないところで別の人が制作した作品である。これらの作品は10万円を超えるか超えないかくらいでさらに安価になる。　しかしながら、新聞での凄惨な事故写真を刷った作品やジャクリーン・ケネディの肖像など、作品サイズが大きいものやエディションが少ない作品には海賊版は存在しない。作品サイズの大きくしたり部数を絞ることは、ウォーホルはこれらの作品を他のシルクスクリーン作品と別の位相で扱っていたとも言える。だからこそ、希少価値があるとして価格が高騰しやすい。ちなみに複製可能な版画や写真よりも絵画、彫刻などの方が高額になる傾向にある。　現代アートはいつのまにか値段がつり上がっていることが多いが、プライマリーと呼ばれるまだ誰の手にも渡っていない、いわば新品時の価格はそこまで高くないものがほとんどだ。例えば、ウォーホルが1964年に制作した洗剤のパッケージをそのまま木箱に描いた《Brillo Box（ブリロボックス）》はもともと日本円で10万円ほどの作品だったが、2010年にはおよそ3億3000万円まで価格が上がり、落札された。およそ50年で約330倍の値上がりである。　初めにこの作品を購入したのはギャラリストでも投資家でもなく、ましてや富豪でもなく、中流階級のアートコレクターだった。ウォーホルから作品を買ったアートコレクターの娘リザンヌ・スカイラーが監督を務めた映画「Brillo Box (3 ¢ OFF)」によると、彼女の父は1964年にウォーホルから直接作品を購入し、サインをもらった。家に飾っていた時も丁重に取り扱っていたこと、また、他の作品を買うために早い段階で手放した経緯があり、状態も良かった。この状態の良さとウォーホルのサイン付きという希少性と真正性が価格をつり上げたと言われている。今や数億円で取引されることの多いウォーホルの作品の中では高額だとして驚嘆すべき価格ではないものの、プライマリーとセカンダリーの値段の開きが激しいこともこの映画の主題の一つとなっている。映画「Brillo Box (3 ¢ OFF)」予告編より　バンクシーのように価格が高騰していく様子にも物語を創り上げ、それを操作したり、揶揄したりするようなアーティストもいる。ただ、現代アートが非常に高額であることはほんの一側面であり、実は一生かかっても買えないような作品の方が少ないのである。その楽しみ方は、ファッションをどのように楽しむかに極めて近い。ブランド物が好きか、着こなしが好きか、おしゃれな自分が好きか。アートを買うことも同様に一生好きだと思えるものを持ち続けたり、気分によって買い換えたり......そういった楽しみ方で手に入れた現代アートの中から、超高額な作品が生まれてくるかもしれない。■檜山真有（Twitter）同志社大学文学部美学芸術学科卒、東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科修了。1960年代のコンセプチュアルアートを研究対象とする。現在は美術館に勤務する傍ら、キュレーターやライターとして活動中。「現代アートへの旅」バックナンバー・まず知っておくこと編―作品鑑賞を楽しむための4つのポイント