インサイド

自分史を手放して、冷静の奥で出会った「ファッション」　「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」のクリエイションは、2023年秋冬コレクションを契機に明確に勢い付いた。そして、初めてパリでルックを撮影した2024年春夏から母校を舞台に発表した2024年秋冬へと進化を遂げる。この3シーズンに共通した姿勢は「自分から始まったものを、早い段階で手放し、遠くに投げる」こと。それまで9年間「自分史」を掘り下げ続けてきたことで獲得した純粋なものを足がかりに、自己と社会との関係性を俯瞰する視野を得たという。そうした姿勢の集大成でもあった前シーズンを終えて、「もはやブランドが表現する人間像やムードは容易く変化しない。揺るぎないものになったという自信を覚えた」と吉田は振り返る。　これまでは、日々の中で発見した新しいものに着想し、コレクション毎の新しいムードを作り上げてきた。しかし、新しいムードを探すまでもなくブランドの根幹に普遍的なムードや人間像が確立されたことを受け、同コレクションでは、これまでのような刺激的なものではなく、吉田自身にとっての普遍的で「冷静」な部分の本質を辿った。　コレクションは、吉田がファッションと出会ってから今までの記憶や、服飾史、テーラリングの基礎に根ざした、これまでで最もオーセンティックでベーシックなコレクションで構成されていた。「自分が着たいと思って作った服の形に何も手を加えず、その奥行きに自身が信じているファッションを作っていく工程」が必要だったと吉田は話す。それは吉田の、作った服を「着たくても着られない」ジレンマに由来する「男性のメンズウェアデザイナーとしてウィメンズウェアを作っている」と言う感覚や、メンズウェアとウィメンズウェアの間にある溝を吉田自身が飛び越えるために不可欠な装置だった。　「自分が着たいと思って作るメンズウェアの奥には、自分の美意識が捉えるウィメンズウェアがあり、そこに自分の追求するエレガンス、さらには信じている『ファッション』そのものが存在していた」　笑顔でそう話す吉田の言葉が今回のコレクションの全てだろう。不安と隣り合わせの新しい発見や挑戦が滲んだ感情的なコレクションには、そういった冷静の中に燃えるようなデザイナーの感動が滲んでいたように思う。　冷静の立場に立ち、これまで着想源としてきた「刺激的なもの」から距離を取るために、吉田は元々の「日々の中の発見→ムード→人間像→シェイプ→アイテム」と言う製作フローを逆転させた。まずはブランドのキーアイテムであり、吉田自身も身に付けたいと感じるベーシックなメンズウェアを丁寧に仕立てる。刺激に惹かれないのと同様に「小手先のデザインで大胆なものを作りたくない」と思う感情に、新しいものを生み出したいと願う作家としての自我が対抗する葛藤の中、ボディにジャケットをただ掛け、ただ冷静に眺めたという。　「ジャケットの裏地と表地の間に体を通したらどうなるんだろう」という発想で2枚の布の間に入れられた鋏は、ベースの衣服の型を崩さず、そこに新たな空間を作る。表でも裏でもないその空間に実際に身体を通すと、背面にジャケットの表地が垂れ下がり、その重みによって裏地がボディラインに張り付く。こだわって仕立てたモノの裏から現れたチープファブリックがただ肌に張り付く様はドレス、あるいはボンテージで拘束された苦しげな姿のようにも見える。そこに、2023年秋冬以降提案してきたウィメンズの狂気じみたエレガンスを見出し、その心許ない美しさや、本来見えないものが露わになる様、脆いものに見える美しさに惹かれた吉田は、美しいジャケット自体ではなく、だんだんとその裏地の表情に魅了されていった。表地と裏地の間を着るモデルの姿はまるで「脱皮」のようで、それでこそ出来過ぎなほど示唆的な変身だ。 　吉田の心を捉えたチープファブリックは、キュプラとビスコースの混紡素材やシルクサテン、ナイロンなどの素材に置き換えられ、ジャケットを取り除いてボトムスにも派生。だんだんと元々起点となったはずのジャケットが分離し、裏地の造形が拡張されていくようにコレクションは構成されていった。細胞分裂のように固定と流動を繰り返しアイデアは拡張していく。本来隠され、肌に触れるはずの素材が外側に流れ出ていくことで新たな普遍的なシャツやトラウザーズ、ワンピースやジャンプスーツを展開した。裏地の間に身体を通して着用したジャケットは、一般的な着方をすれば原型通りのジャケットとしても着用することができるというから不思議だ。　ショーは定番のシャツとタイトスカートに始まり、背中にジャケットを垂らしたアイコニックなスタイリングが続く。シンプルながら美しいシャツやドレスは、布の重力が静かに人体の立体感に重なり、その“裏地”の光沢感が艶やかな陰影を伴ってミステリアスな人物像を描く。モデルが歩き去った背後を見ると、脱ぎかけのようなジャケットが垂れ下がり、そこには急に人間味を含む新たな生々しさが見出される。かっちりと人間を飾るジャケットも、その内側は人の動きに合わせて裏地はシワになる。そういった生活の中のリアリティが表出するような表現は、美しく人間らしさをまとい、観衆と社会と接続する。  　根幹を突き詰めるほどに、デザインは2023年秋冬以降に見られる、淑女的な佇まいのウィメンズと少年的なメンズのムードに自然と近づいた。そしてこのコントラストは、両者が同居する妖しげなウィメンズのムードに昇華される。これは、自身を「ウィメンズウェアのデザイナーでもある」と吉田自身が自覚できたことも影響している。スーツファブリックとレザーで仕立てられた帽子は、身近なものの一環としてリサーチを重ねたヴィンテージのハットに着想。ウィメンズアイテムとしては、淑女のイブニング帽子のように、メンズとしては制帽のようにも見える。ケイスケヨシダのウィメンズ・メンズそれぞれのスタイルにマッチすると同時に、吉田自身にとっても身近なファッションのディテールも象徴する。そうした吉田にとってのファッションの全てに通じる要素を持つこの帽子は、今回のコレクションテーマである「冷静の奥にあるもの」を象徴する要素とも言えるだろう。　自身から遠く離れたものから始まったコレクションがどこに辿り着くのか、予測できなかったという今回の挑戦は、パーソナリティやクリエイションの本質を改めて突きつけられる結果となった。冷静の奥行きには「狂気」や「不安」があり、その先で「また自分に出会えた」と吉田。何度も丁寧に確かめてきた足場が今、自信となって結実している。　高い評価を受けるほど、その次への期待も高まる。新たなフェーズを目指す挑戦には毎度恐怖も不安もあるだろう。しかし、鋏を入れるという一つの行為で、どのような状態からファッションに向き合っても約10年間培ったブランドの「バイブス」は、確かな揺るぎないものになったのだと華麗に証明してみせた。　茶目っ気と軽やかさに一抹の心細さを携えて、作り上げたものに（文字通り）思い切り鋏を入れる。その瞬間に、全ての動きが本質に向かって走り出す。これまでも吉田はブランドが作りあげてきたものに冷静に新たな鋏を入れ、新しい姿を見せてきた。内向的でありながら、ファッションに対しては必ず誠実で勇敢な吉田の姿勢は、周りの理解を得られずとも、自身の信じる「ファッション」を突き詰めることを通じて自己愛を育んだ少年時代から変わらない。ファッションへの狂気的なほどの愛と好奇心が常に彼を動かし続けている。　「ファッションで語りたい」と話す吉田の視線はいま海外に向いている。自分史を外れたところから始めたコレクションは、ファッションや自身の美意識を通じて社会とコミュニケーションを取りたいという吉田の考えの表れでもあった。自分のパーソナルな部分から始まるナラティブなクリエイションは、造形自体が美しかったとしても実社会のムードとのズレや違和感が発生することもある。　ケイスケヨシダは、10周年を迎える来季から本格的にパリのショールームでのコレクション発表を開始する。その視察のために、今年6月にも一部のサンプルを携えてショールームに参加していた。ショーを終えた吉田は「自分（史）の話をしなくても、作った服そのもので海外の方とコミュニケーションをとれた実感があった。その発見や感覚は、今回のコレクションにも通じている」と、海外でも「ファッションで語る」ことができたという手応えを見せた。　ケイスケヨシダの“モード”は世界でどのような存在感を発揮するのか、穏やかなその面持ちを頼もしく思うと共に、強い期待を寄せる。

KEISUKEYOSHIDA

Fashion

“完成品”に鋏を入れる勇気が導く先　「ケイスケヨシダ」の冷静で狂気的な変身

　「ケイスケヨシダ」が立教大学の正門をショー会場に選んだと聞いた時、吉田が小学校から大学までの16年間をそのキャンパスで過ごしていたことを思い出し、正直「またそこに戻るのか」と思ってしまった。吉田にとってのグランドゼロを会場に指定し、自分の内面を抉り出したような“エモい”ショーが繰り広げられるのだろうと予想したのだ。何も悪いことではない。ただ、過去2シーズン、自分の個人史から始まったクリエイションを早めに手放すことで、新たな境地を迎えたように見えた吉田のクリエイションを、まだもう少しだけ見てみたいと思ってしまっただけだ。　ただ、その予想はあっけないほど簡単に裏切られた。吉田は、2019年秋冬コレクションでも立教小学校の制服をモチーフにしているし、2021年秋冬コレクションでも「思春期」をテーマに自分の冴えない中学時代の佇まいをルックに投影している。今回のショーでもファーストルックはランドセルを片手に、大きな制服を着崩したモデルが歩いてきた。今までと違うのは、モデルがトボトボ歩いたりすることもなく、続くルックや演出においてもコンプレックスを煮出したような暗い様相を感じられなかったことだ。吉田が、これまでに、学生時代からのコンプレックスを作風にしてきたことを考えると、このカラッとした溌剌さはブランドが新たな境地に着実に向かっていることを感じさせる。　立教大学を会場に選んだこのショーを、吉田はいくでらもエモくすることができたはずだ。それをしなかった吉田に好感を持った。もし、33歳の吉田圭佑が自分史だけを切り出し、全てを出し切って母校でショーをやったのなら、それはもうほとんど回顧展のような様相になってしまったと思う。30歳いくばくで分かったように語るのはみっともないし、いま語り切ってしまうのは勿体無い。もう少し年齢を重ね、クサいくらいの総括や物語が堂に入るまではもう少しだけ取っておいておきたい。そういった吉田の意思を勝手に感じ取ったし、その考えに強く同意した。　話題をさらった前回のフィジカルショー、そして初めてパリでのルック撮影に挑んだ前シーズンのコレクションを見て、勝手ながら吉田を日本の生物学者に今西錦司に重ね合わせることが多くなった。彼は登山家・探検家としての肩書も持ち、生涯をかけて多くの山を完登した。今西は、なぜ山に登るのかという問いに「山に登るとその頂上からしか見えない景色があって、そこに次の山が見える。山に登らなければ、次の山は見えない」という金言を残した。効率的に一本道を歩む方法もあるが、寄り道をしながら曲線的に歩みを進めることでしか得られない風景もある、と今西は言う。　吉田はここ2シーズンを「大きな変化があった」とし、その状態を「輪ゴムを引っ張り続けているような緊張感を保ち続け、2024年春夏コレクションの撮影で、引っ張り続けていた輪ゴムの手を離すようだった」と例えた。「ある意味、自分から遠ざかれたことが大きな収穫だった」と吉田は続ける。　自分から始まったものを早い段階で手放した吉田は、端的に言えば「力みすぎない」術を会得し始めている。半年間懸命に取り組んだアイテムを早い段階で他者に委ねること。「力みすぎない」という芸当はなかなかに高度な技術で、不安も伴うものだと予測する。「力を抜く」と「力を入れない」では同じようで全く意味合いは変わる。一度、山頂に到達した人にとっては「力を抜く」ことになり得ることも、山頂を知らぬ人が行えばそれは、ただ力を入れていない「不足」を意味しかねない。吉田が早い段階で、自分史から手放すことができるのは、吉田がこの9年間で何度も何度も、自分史を掘り下げることで“山頂”を知っているからこそ許される芸当だ。　輪ゴムが張り詰めれば張り詰めるほど弛緩の勢いは強くなるように、自分史から始まったものから意図的に遠ざかったクリエイションには圧倒的な強度がある。それほどまでに大袈裟ではなく、エモいわけでもなく、急に社会的な風景を感じさせるわけでもなく、ただの自分史で終わらせるほど野暮じゃないクリエイション。自己と普遍の間で、自己から離れようとしていくからこそ、そのクリエイションは胸を打つ。吉田の所作をみながら、自分史を通さずに、社会の一員として社会的事象をなぞるだけでは、それこそただ表層をなぞるばかりでしらけてしまうと確信した。30代という年齢ならなおのことだ。人生を振り返るほど成熟しているわけでも、がむしゃらに自分に向き合うほど青臭くもいられない。ある種、最も社会と強固に繋がれる、何者にでもなり得る年齢。そんな30代だからこそ、自分を立脚点にすることで、社会との強烈な接続を可能にするのではないだろうか。　立教大学の敷地内には、小学校から大学までの校舎が一つの大きな箱庭に集約されている。人間の人生の中でも最も濃い時間の、始まりから終わりまでが1ヶ所に集中しているというのはなかなかに強烈なことだ。そんな特殊な磁場を持つ一貫校における卒業式ほど、別れと程遠いものもない。学年が変わろうとも通う学舎が変わるわけではなく、しかもクラスに集まる面々も卒業したとてそう大きく変わらないのだから。経験則も踏まえると、一貫校における卒業式は、どちらかといえば親や教員など、大人のための祝祭といったほうがしっくりくる。それを思えば、ショーに出てきた一輪のバラを持った女の子（卒業式では大抵一輪の花が渡される）は、不思議と大人の女性に見えてくる。改めてルックを見ると、卒業式を迎えた女の子というよりは淑女の雰囲気を醸し出しており、それは先生や母親が持つ、頼り甲斐のあるキリッとした顔つきと上品な佇まいだけが印象に残る。なので、彼女に声をかけるとするならば「卒業おめでとう」ではなく「3年間、お疲れ様でした」なのかもしれない。 　そんな風に今回のショーで登場したモデルは、吉田が明確に打ち出した人間像ではなく、自分の記憶の中にある装いを追随するような印象を覚えた。ミッション系大学では見覚えのある牧師、ボーイスカウトの少年少女、授業参観に着てくれた母親、黒板の前に立つ先生など、学舎に通っていればいくらか見覚えのある人々がランウェイを歩く。話を聞けば、今回のモデルはルックに合わせてキャスティングされたそうで「今までで一番人間像がなかった」と吉田も認めた。　服そのものに目を向けてみる。学生時代からのコンプレックスを作風にしていた吉田が、コンプレックスではなく「学生時代に育まれたもの」に目線を向けていることがじんわりと伝わってくる。この学校で当たり前に過ごしてきた日々が、実は吉田の美意識を育んでくれていたことに気がついたのかもしれない。以前、吉田に「学校の指定カバンだった茶色いランドセルはとても味の出る革で、高学年になればなるほど、色味も落ち渋くなる。僕の周りではボロボロであればあるほど『カッコいい』とされていて、親に買い換えられないギリギリを攻めながら革のランドセルを育ていたんですよ」と、彼のファッションの原風景を教えてもらったことがある。ハンドルが取り付けられ、ショルダーベルトが取り払われたランドセルや、襟に収まっていないネクタイ、スカートの丈を短くするために折られたスカート、引きずるほどに長いベルトなどは、校則の中でなんとか自分のファッションを見出そうとし背伸びをしていたあの頃を思い返す。　中盤に登場した、手を後ろに拘束するように巻かれたマフラーは、校則の厳しい私立学校の生活か、はたまた「ファッションを真剣に学びたかったのに、親の反対を押しきれず大学に進学した」吉田の投影か。過去のコレクションの中でも多用されてきた紫色も、立教大学の正門を前にすると、立教のスクールカラーであることを思い出させ、吉田が無意識ながらも立教が掲げるエレガンスの象徴＝紫の影響を受けていることを浮き彫りにする。細い身頃と太い袖によって形成される前傾姿勢のシルエットはオーバーサイズながらどこか脆弱で、校舎を歩く猫背の青年を描き出す。こう書き出してみると、このコレクションはショーの演出に頼らずとも、十分に場所とルックだけで説明にたりうる強度を持っている。 　今回のランウェイは、長い一本道で吉田はそれを「人生のようだ」と思ったそうだ。人生ならば、何度も往復する必要がない、とフィジカルショーの定番であるフィナーレは行われなかった。代わりに、吉田が長い一本道を爆走した。今回のショーが立教大学で行われるとわかり、吉田が文学界に寄稿したコラムを読み直した。今から3年前に綴られたコラムは、最後、こう締めくくられている。「ショーの最後、ランウェイに駆け出すと、いつも思わずお辞儀をしてしまう。ひょいっと手を挙げて挨拶ができるようになる日が僕にもいつか来るのだろうか」（「文學界」2021年8月号）。　この日行われたショーで、吉田はいつものように高速でお辞儀をし、手を合わせた後、右手をひょいっと挙げたのだった。記憶にある限り、吉田がひょいっと手を挙げたのはおそらく今回が始めてだ。そんなところにも、ケイスケヨシダが新たなフェーズに入りつつあることを感じさせるのだ。　ファッションの強みは、自分が思ったことや、やりたいことを既存のルールやゲーム、しがらみなど関係なしに表現できる軽やかさにあるところだと思っている。周りに目配せをして、態度を変える必要もない。そこが、ほかの芸術文化（特に昨今の現代アートシーン）には無い強みだ。父親の死の影からクリエイションを始めた「ソウシ オオツキ」、コントの中で日常を切り取った「コウタグシケン」、自分自身の違う側面を女性性で提示した「カナコサカイ」、ラグジュアリーの憧れとギャップを吐露した「ヨウヘイ オオノ」、歳を重ね忘れてしまいそうなことを忘れないようにもがく「ピリングス」。今シーズン、東京でショーを披露した多くのブランドが冒頭の指摘の通り“自分史から何かを見出そう”としている。その中で、自分史の半径1mで作るクリエイションか、吉田のようにできるだけ遠くを目指すようなクリエイションかは千差万別。ただ、デザイナーには、自分の中で納得する必然性がそこにありさえすれば、それだけで完結しうるほどの熱量とパワーを持つことが許されている。なぜなら、ファッションには「最終的に、着たくなるようなイケてるものであればいい」という視覚芸術と市場が近いから。最後の物差しが「かっこよくて、ダサくなくて、イけていればいい」というわかりやすさは、途中のプロセスをどこまでも大胆に、アクロバティックにさせてくれる。私はそのやりすぎなくらい飛躍した表現を見ることが、毎シーズン楽しみで仕方ないのだ。

“山頂”を知っているからこそ許される芸当　母校凱旋の「ケイスケヨシダ」24年秋冬コレクション

　話は横道に逸れるが、日本の生物学者に今西錦司という人物がいる。彼は登山家・探検家としての肩書も持ち、生涯をかけて多くの山を完登した。今西は、なぜ山に登るのかという問いに「山に登るとその頂上からしか見えない景色があって、そこに次の山が見える。山に登らなければ、次の山は見えない」という金言を残した。効率的に一本道を歩む方法もあるが、寄り道をしながら曲線的に歩みを進めることでしか得られない風景もある、と今西は我々に語りかける。　吉田圭佑は、2024年春夏コレクションを「自分から始まったものを、早い段階で手放し、遠くに投げることを大事に作った」と振り返る。端的に言えば「力みすぎない」という言葉に終始するが、「力を抜く」と「力を入れない」では同じようで全く意味合いは変わる。一度、山頂に到達した人にとっては「力を抜く」ことになり得ることも、山頂を知らぬ人が行えばそれは、ただ力を入れていない「不足」を意味しかねない。もちろんそこには、作り手のニュアンスの違いもあるし、見る側の意識も介入するだろう。今回のケイスケヨシダで言えば、あの昨シーズン（山頂）があるからこそ、早い段階で手放すことが成り立つと感じた。　実際に発表されたルックは、ブランドとして初めてパリで撮影されたものだった。昨シーズンから引き続き、スタイリストには「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のキャンペーンを手掛けたことで知られるレオポルド・ドゥシェマン（Leopold Duchemin）を迎え、彼の周りにいるメンバーによって撮影が行われたという。つまり吉田は、ルック撮影の多くの要素をレオポルトらに委ねた。吉田は「今までは一から十まで自分が作ることに本質があると思っていたが、全てを自分で（それも海外で）ディレクションをすると『やってやった感』が出てしまうし、出したくなっちゃうから」と茶目っけたっぷりにその理由を話したが、半年間懸命に取り組んだアイテムが早い段階で解釈され、写真という新たな形で残っていくファッションデザイナーの心情は大きな不安が伴うものと推測する。しかし、その憂慮も取るに足らないもので、写真家 Christina Stolheの眼差しによって切り取られたルックは、せっかくの海外撮影だったのにもかかわらず、パリらしさは海外特有の硬質な自然光のみに留められており、無駄なものが完全に削ぎ落とされたことでブランドの普遍性だけ判然と残る。さながらグローバルブランドのような雰囲気さえ纏っているように感じた。ケイスケヨシダは、苦しみに眼差しを向け、そこにある毒のようなものに自分自身を見出したクリエイションを続けていたが、それらの毒をクリエイションをきっかけとした他者との関わりの中で減らそうと試みる。ケイスケヨシダというブランドの普遍性は「毒」ではなく、「吉田圭佑が作っている以上は『ケイスケヨシダ』である」と言わんばかりだ。　自分から始まったものを早い段階で手放すという感覚は、表現のアウトプットだけではなく、デザイン面でも見ることができる。　今シーズンのクリエイションは「幸せとはなんだろう」という漠然とした問いがきっかけだったそうだ。吉田はステイトメントの中で幸せを「何かを失う可能性を孕む『不安』と行き来することで初めて実感することができるもの」と結論づけている。単純に明るい側面だけを追わない、何とも吉田らしい解釈のように思う。「幸せ」と前述の「手放す」はいずれもアンコートロールで心許ない性質があり、その柔らかな生暖かさを、昨シーズンのミューズである少年Taikiが着ていたジャケットのブローチが外れ、胸元がはだけることで裏地が心細く露出したジャケットに見出すことから今シーズンの製作は始まったという。　今シーズン数多く登場する、ボディに着せつけたジャケットやコートの後ろ襟を立て、折り紙のように畳んだディテールや、内側に畳み込まれた前身頃は、首元やウエスト、肩周りの引き皺を生み出す。折り込まれたことで巾を失ったフロントを無理やり止めることで発現する皺は通常であれば美しくないとされているが、幸せと不安、厳格さとだらしなさ、冷たさと暖かさのように、装いの中で相反しながらも朧げでまろやかに混ざり合う要素として重要な役割を果たしている。一際目を引くベビーピンクも、単純な可愛らしさではなく、グレーがかったくすみを感じさせるのも意図的だろう。　吉田は「ウィメンズの服を作っているのに、ウィメンズへの苦手意識がとんでもなくあった」と明かし「自分と向き合ってものを作る中で、自分と切り離す瞬間が遅いと理想とする女性に近づけなかった」とその理由について語った。理解をしようと試みた結果、理解した時には既に自分自身や愛着に極めて近い存在になり、手放しがたくなることは日常的にも覚えのある感覚だ。今シーズン、「頭の中でぼんやりと思い浮かべた女性像と自分の距離感を少し遠ざける」ことができたのは、デザイナー自身が「吉田圭佑が作っている以上は『ケイスケヨシダ』である」という図太さを少しだけ手に入れたこと、そして、一度は山頂である「ぼんやりと思い浮かべていた女性」になったことがある吉田だから許される芸当だろう。ブランドとして初めてウェディングドレスのようなイブニングドレスを発表し、女性である筆者が純粋に「それを着てみたい」と思えたのは、作り手である吉田の成分が極めて少なく、着る人への余白が残されていたからに他ならない。　多くの作り手にとって、代表作となるようなパワーピースやコレクションの締めくくりになるようなアイテムは、「これさえあれば」と、納期が差し迫る中で安心材料として機能する。しかし現在の吉田の眼差しはもっと遠くにあるものと思わざるを得ない。他ならない自分で作り上げるコレクション全体を俯瞰しながら、時に不安に押しつぶされそうになりながら「大丈夫だ」と思いながら製作を続けているのだろう。　かつて、ケイスケヨシダのショーのステイトメントに「コレクションとはデザイナーによる半年間による日記」と書いてあったのをよく覚えている。ファッションショーは、半年間で経た様々な感情を最後に爆発させるもので、それはそれで素晴らしい瞬間が観客を包む。一方で、ルックのみでの発表はおそらく半年間で起こったことを細やかに表現できる方法なのだ。華やかさはなく、レスポンスに遅延が起こることで生まれる不安を孕みながらも、だからこそ得られる幸福がそこにあると信じて。

ファッションとの関わりの中でぼんやりした不安を減らそうと試みる「ケイスケヨシダ」の2024年春夏コレクション

ランドセルは子ども心に感性をもたらすもの——国内の一大バッグ生産地を巡ってわかった「リアルレザーと鞄と教育」の関係性

　吉田の書く文章が好きだ。ファッションと文学をテーマにした2021年8月号の文學界に寄稿した吉田の文章は、時たまくすりと笑えるのに、自分の内面をこれでもかというほどに吐露した名文だ。そんな吉田は、東京クリエイティブサロン※の支援と、「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のキャンペーンを手掛けたことで知られるレオポルド・ドゥシェマン（Leopold Duchemin）をスタイリストに迎えて開催した2023年秋冬コレクションのフィジカルショー終了後に、自らの文責によるコレクションノートを配布した。そこには「自分に向き合って、身を削り、装いに眼差しを向ける行為が僕にとってのファッションデザインだ」と綴られており、インタビューにおいても「自分の内面から発露したものがリサーチによって肥大化していって、それと社会との接点を見つけたときにやっと"ファッション"になるという考えがベースにある」と話している。コンセプトの段階で明確に言語化し「これを表現したい」という物作りの良さもあるが、ことファッションデザインにおいてはいささか疑問を感じざるを得ない。なぜなら、それであれば服を作りファッションショーをやらずとも、話したり書いたりする表現方法の方がはっきりと意思や態度伝えることができるはずだからだ。吉田の考えと同じように、言語化できないことを自分の中でなんとか捉えようとする行為が、筆者の思うファッションデザインで、ファッションショーのレポートとはその対極にある行為だと痛感している。レポートは、ある一定の例を基に既存の枠で推し計り「別の似た何か」と比較し、追い求める作業に他ならない。加減を間違えれば、作品を矮小化することにも繋がり、周囲の人間が描写をしてしまうことで、全てが等しく「別の似た何か」へと収斂されてしまうことは避けられない。吉田が2023年秋冬コレクションを「今回のコレクションは嘘でないことが大切である」と断言したことに敬意を表して、あらかじめ正直に、矛盾をはらみながら本稿の筆を取ることを断っておきたい。　ショーは、悲鳴ともとれるような音が流れた直後、早く鼓動する心臓音に似た音が会場に鳴り響きスタートした。その音を聞いて、直感的に「怖い」と思ったのは筆者だけではないだろう。束の間の静寂の後、ファーストルックを飾ったのは明らかにモデルではない1人の男の子だった。以降、すべてのモデルが女性であったことを考えても彼は特異な存在であり、その佇まいから強烈な意味合いを感じた。2ルック目からはビートニックな音楽が流れたこともあり、より一層、悲鳴のような音と心臓音は明らかにモデルではない彼が大舞台に立つ心の中の、あるいは「発表の1ヶ月くらい前になると、がくんと心が落ちてしまう」と話す吉田の心の叫びのようにも聞こえた。ショー終演後、ファーストルックを飾った男の子こそが、今シーズンのミューズだと吉田は明かした。　Taikiと名乗る彼は、精神を患って不登校になり、苦しかった時に同ブランドと出会い、救われたそうだ。この話を聞いた時、「イケけている奴」になりたくて、もがき苦しんだ学生時代を振り返った文學界での吉田の手記を思い出していた。「イケてるとか、イケてないとかではなく、あいつは変な奴…みたいになっていて、誰からも相手にされず、ただただ放っておかれた。それでも新しい髪型にしたり、新しい服を着ることは、いつも僕を新しい自分に生まれ変わったような気持ちにさせた。周りからは理解されなかったが、少しずつ自分に自信を持つことができるようになった。そうやってファッションに触れていくうちに、憧れのファッションデザイナーになりたいと思うようになっていた」（「文學界」2021年8月号）　この日、吉田への囲み取材を実施しようと疲れによる苛立った顔つきで粘り続ける記者を尻目に、キラキラとした目つきで吉田を一目見ようと待ち続ける若いファンたちに、ひっそりと胸を打たれていた。吉田はTaikiだけではなく、きっとショー会場にわざわざ足を運んだ彼らの心を既にファッションで救っている。自分の姿を変えようと「かっこよくなりたい」という態度を取る姿はそれだけでかっこいいのだ、と吉田は8年間伝え続け、それはしっかりと社会に浸透し、彼らを励ましている。　Taiki以外のモデルに目を向けると、多くのモデルは眼鏡を着用していた。眼鏡は大抵、見えないものを見ようとする時にかけられる。Taikiから始まった今回のコレクションの製作背景を加味すると、ここでの眼鏡の意味合いは、直視しなくてもいいことを、あえて直視し向き合う様、吉田の言葉を借りれば“見えるはずのない内側”を露わにすることにも繋がるだろう。見えるはずのない内側は、あるはずのない裏地が露出した首元をハサミで切り裂かれたニットカーディガンや、裏地が首元から噴き出し、スカーフやボウタイのように首に巻き付いたステンカラーコートのデザインからも見てとれる。吉田はステンカラーコートについて「いつもならこの裏地はパープルにするだろうが、今回は黒、ネイビー、グレーにした」と綴り「それらの服にとって当たり前の色と素材感をずらさないことが次第に大切に思えてきた」としている。「それらの服にとって当たり前の色と素材感」は、自分の弱さやコンプレックスにあえて目を向け、ありのままの自分を受け入れようともがく吉田やTaikiなりの「答え」のようにも思う。ひしゃげたカラトリーのアクセサリーも、用途にはそぐわないがそのままで美しいとでも言わんばかりだ。 　2020年秋冬コレクションに登場した首を覆うほどに襟が高くなったモーニングコートは若者向けのアイテムから一転、大人びた印象を帯び、吉田がもはやクリエイションの中に、剥き出しの若さを追い求めていないことを感じさせる。フィナーレにミュージカル「プレーン＆ファンシー（Plain and Fancy）」のヒット曲「Young And Foolish」が流れ「若くて愚かでいてはどうしていけないんだろう、僕たちはそのままではいられない」というフレーズは、吉田の心のつぶやきのようにも聞こえた。事実「THE LAST」というコレクションテーマ（その後、言葉にすると言霊になってしまいそうという理由で黒いサテンタグのみを今回のヴィジュアルとした）を掲げ、「抑制」と「厳格さ（strict）」をキーワードに挙げた。 　吉田が「刺激的なものを作るより、抑制されたものを生み出す方が苦しいということは大きな学びだった」と振り返るように、意識的な努力によって衝動やそれに伴う感情をコントロールする「抑制」は、クリエイションをする上では苦しさを伴うものであろう。その上で、眼鏡をかけ、あえて自分自身と真っ向から対峙し、はっきりと見えるが故に自己嫌悪に陥るほどの自己意識を抑制し、それがたとえ、襟が首元まで詰まって苦しくなろうとも、スプーンがひしゃげてしまうほどだとしても、その態度を取ることは成長における通過儀礼で、傷つきながらもその道を選ぶ姿はそれだけでかっこよく、美しいと私たちに訴えかける。ある種の狂気を感じるほどに「LOVE」「LONELY」と描き殴られた皮膜のような ラテックスのボディスーツが、抑制しても仕切れない生々しさが自己愛となって顕在化しているようにも見えた。 　孤独と愛は一見相反するものに思うかもしれないが、自らが愛されていると知りながらも、孤独を感じる瞬間は誰しもが一度は経験したことがあるはずだ。今シーズンのコレクションミューズになった少年が孤独を感じながらも、吉田が汲み取れてしまうほど、隣で見守る母親に愛情を注がれているように。未熟な少年性と同居しているのは、凛とした淑女のようなエレガンスさと、ひと匙の狂気、漠然とした不安と孤独、そして無数の愛だ。これまで、フィジカルショー形式でのコレクション発表が多かった吉田にとって、過剰さを削ぎ落とした今回のショーは覚悟と自信が必要不可欠だったと推測する。不安や恐怖、孤独で押しつぶされそうだった吉田を掬い上げたのも、愛なのだろう。吉田はコレクションノートの終盤「僕自身、
クリエイションを介して育まれてきた。愛によって、 生かされている」と断言した。このコレクションは吉田にとって、自らの少年性と訣別する最後の通過儀礼だったのだろうか。ブランドデビューから8年経った今、ブランドの根幹にある「等身大の装い」という言葉が心に響く。　抑制すること、そこから露わになる厳格な態度は、ただの苦しみの吐露ではなく、デザイナー自身がそれを乗り越えようと努めるからこそ成り立つ。スワイプでルックを見られる時代だからこそ「社会に届いているか」ではなく、社会にいる自分の意識さえあれば伝わるとケイスケヨシダはフィジカルショーを通して体現した。　それまでの春の陽気とは打って変わって、極寒の中行われた東京のファッションウィーク最終日。ケイスケヨシダのショーが始まる頃にはそれまでの大雨が嘘だったかのように、雨足はぴたりと止んだ。前回の2022年秋冬コレクションでも、同じような状況だった。雨降って地固まる、なんともケイスケヨシダらしいフィジカルショーで今期の東京ファッションウィークは幕を閉じた。

ファッションで人の心を本気で救おうとする「ケイスケヨシダ」　臆病者たちに向けた自己愛のバラード

吉田圭佑1991年東京都生まれ。立教大学文学部卒業。ここのがっこうとESMOD JAPONの「AMI」でファッションデザインを学び、2015年秋冬シーズンに「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」を立ち上げ。同シーズンで「東京ニューエイジ」の合同ショーに参加し、ランウェイ形式でコレクションを発表した。日向坂46や櫻坂46といったアイドルの衣装デザインなども担当している。KEISUKEYOSHIDA2015年秋冬シーズンに「東京ニューエイジ」でデビューコレクションを披露したユニセックスブランド。「明るいのか暗いのかわからない空気と、そこにいる彼らの感情と装い」をコンセプトに服作りを行う。ケイスケヨシダが作る言語化できない"なにか"ー デビューから7年が経ちました。振り返ってみてターニングポイントだと思うシーズンは？　ヒカリエのホールBで赤いライトの中ショーを行った2019-20年秋冬コレクションです。やりたいことが結びついてきたというか。その辺りからブランドの規模も少しずつ大きくなってきて、縫製チームやパタンナーチームとより深く密に仕事をできるようになりましたね。学生時代の卒業コレクションでそのままブランドデビューして、荒削りのままきた感覚がそれまでありましたが、色々な人が関わってくれることで精神的な自覚も芽生え、ブランドとともに自分自身も成長しているという実感があります。ー一方で、変化しながらも一貫した軸のようなものを感じます。　軸としてあるのはコレクションへの向き合い方ですかね。コレクションを作り始めるときはすごく楽観的なんですよ。ただ発表の1ヶ月くらい前になると、がくんと心が落ちてしまう瞬間があって（笑）。ーなぜショー前に落ちこむんですか？　基本自分に自信がないんですよ（笑）。時代を眺めたり、やりたいことに注力すると、宮下公園で開催したショー（このタイミングでメンズからウィメンズにシフト）のときと一緒で、自分は今良いと思って作っているけど、新しいことに挑戦しているからこそ不安が出てきてしまう。見た人がどういう風に感じるかなんてわからないし、色々不安になって追い込まれてしまうんですよね...。例えば今作っている2023年春夏コレクションは、今まで以上にミニマルにしたいなと思っているんです。今の時代は、ニュートラルに人を捉えたいというか普遍性の延長にあるものに惹かれるなと感じていて、それを自分なりの目線でやろうと思ったときに、デザインしすぎてしまわないように考えたりすると、やっぱりストレスだし、ビジネスとしての悩みも少し出てきます。まあでも悩んだ挙句、結局最初に思っていたことをやるので、何グジグジしてんだよって毎回思うんですけどね（笑）。ー今何人でコレクションを作っているんですか？　縫製師、パタンナーなど計6人で作っていますね。コンセプトから共有して、イメージを膨らませていく最初の段階から6人でやっていて。そのあとスタイリストの正明（井田正明）と信之（井田信之）に入ってもらい広げていく流れです。ーイメージを伝えてパタンナーが服を作り上げていく「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」のような作り方を採用している？　シーズンによるんですけど、最近は少しずつトライしています。特にその手法に挑戦したのが、暗い部屋のシーズン。あのシーズンはものづくりへの意識が変わって、もっと可能性を広げられるんじゃないかと考えたコレクションでした。それは学校のシーズンを作りながら感じたことでもあって。僕は基本ぼんやりしたところから製作を進めていくんですが、自分が何を作りたいかぼんやりしている段階からチームに入ってもらったのはその時期からでした。抽象的な絵を書いたり、デザイン画ではなく言葉やムードボードで質感を伝えて実験してもらったり。僕は製作する上でリサーチを必ず行うんですが、その中で自分の頭の中にない違う角度から放たれた意見やアイデアからムードを拡張し、取り入れていくみたいな、そういう作業はたしかに最近結構していますね。ーリサーチとは具体的にどんな作業なんですか？　単純に言えば、脳みそを作る作業です。ただ調べ物をするのがリサーチではなくて、自分が気になっていることについて、そのイメージにつながる服や風景、写真、ムードみたいなものを集めたり、映画を見たり、絵を書いたり、生地に触れたり、生地の柄を作ってみたり、粘土をこねたり、コレクションを作るための準備の全てがリサーチだと思っています。そのリサーチで作った脳みその状態で日常を生きると、「この感じは今考えていることに近いな」とか、テレビのニュースを見たときに「いま社会がこういう状態になっていて、意外と自分が考えている個人的なこともここにつながってくるな」といったような瞬間があって。そこからコレクションのイメージが浮かび上がってくるんです。これは、自分の内面から発露したものがリサーチによって肥大化していって、それと社会との接点を見つけたときにやっと"ファッション"になるという考えがベースにあるからなんですよね。　個人的にコンセプトの段階で明確な言葉にして、これを表現したい、という作り方はあんまり好きじゃない。それでいいなら服を作らず喋ればいいと思うので。言語化できないことを自分の中でなんとか捉えようとする行為が、僕が思うファッションデザイン。その成果としてコレクションができたときには、自分でも新鮮な気持ちになることができますし。ー内面から生み出される言語化できない"なにか"は時代感と結びつくものですか？　絶対に結びつくと思います。「いまの時代って〇〇だよね」って言っちゃうとすごい簡単なんですけど、世の中そんな単純なものではないですよね？ 例えば、「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のデムナ（Demna）が作った流れを「オーバーサイズが流行っていた時期」とまとめてしまうのは短略的すぎるじゃないですか。なんで人々の心にその表現がフィットしたのか、それこそが本当に大事なことで、一言でまとめず丁寧に分析する必要があると思うんです。あのコレクションも彼が少年期に移住を経験した背景があったり、マルジェラの文脈だったり、スピーディーな時代の流れの中でスローファッションの提案としてのアティチュードもありましたよね。　そして、学生時代に作る作品は、それ以降の自分の作風のための受け皿になるものだと思うんですが、ブランドデビューした後のデザインは半年間での気付きをその器を通して世界を眺めるような作業だと考えていて。だからプロになってからの言語化できない"なにか"は、常に時代と密接な関係でいられると思うんです。ハルタとの協業で生まれた新たな視点ー吉田さんは学生時代ファッションに救われたそうですね。　中学生の時、男子校で運動もできないし、学校では窓際にいて、ずっとイケてるやつになりたかったんですよね（笑）。でも高校に入ってファッションを好きになって、ファッションにのめり込んでいくうちに、学校の中のイケてるイケてないがどうでもよくなって。ファッションを通して自分に自信を持つことができたっていうのは、ファッションに救われた部分ですね。ーその経験があってか、今回製作したハルタとのコラボローファーは税込3万3000円と比較的学生も手に取りやすい価格に設定されています。　そこは意識した部分ですね。前回のコラボでは、メンズのみの展開だったのですが、女性のお客さんからも欲しいという声を多く頂いたので、今回女性の木型で作り、ウィメンズも販売しています。ー前回と異なる点は？　BLACKは微妙な修正を加えただけですが、DEADBLACKは大幅にアップデートしました。前回はダメージレザーを使ったものでしたが、今回はハルタのガラスレザーの質感を残したままダメージを入れていて。個人的に一番やりたかったことができて、とても満足しています。このほか、ハルタのオリジナルカラーのROTERを新色として追加し、計3色を展開しています。ーベースはハルタのビジネスシューズだと聞きました。　ローファーを作るからには、学生の頃の記憶を大切にしながら大人も履きたいと思えるようなものにしたいと思って。そんな時にハルタのショールームでこのビジネスシューズが目につきました。シルエットが少し歪んでいて印象的だったので、このビジネスシューズの木型をベースに、ちょっと先を尖らせ、底を厚くすることでモダンに仕上がるのではないかと考えたんです。　あとローファーや制服の着こなしって、美徳や時代感が現れるというか。僕が中高のときは、かかとを踏んでボロボロに履くのがイケていたんです。ただ最初の打ち合わせでボロボロのハルタの靴の写真を参考資料に持って行ったら、一番推奨してない履き方だと言われてしまって（笑）。でもそこから、この質感のかっこよさをダメージ加工で表現しましょうという構想につながったんです。ー前回の売れ行きはいかがでしたか？　24時間限定の販売でしたが、とても好評でした。ケイスケヨシダとしてこれまであまり出してこなかったベーシックなアイテムでしたが、お客さんに支持されたということで自信につながりましたね。　それもあって次の2023年春夏シーズンは、先ほどお伝えしたようにこれまでよりミニマルに挑戦したいなと考えるようになったんです。自分なりの現代の眼差しの中でニュートラルに人を捉えたいというか、普遍性の延長にあるものに惹かれるこの感覚を表現していきたい。装飾や服のデザインだけで人を表現するのではなくて、もっと環境をデザインするというか、人そのものに近いアウトプットをしたいと考えています。情報量が少ない中で、それでも匂ってきてしまう癖のような部分をどこまで表現できるかというのが、次のシーズンとその次のシーズンに通ずる自分の課題です。ー次回のコレクションが楽しみです。今後は海外も視野に展開していく？　自分の作品が海外でどういう風に見てもらえるのかは正直とても気になります。先ほどニュートラルという言葉を使いましたが、ケイスケヨシダの表現の中で、眺めている社会は日本だけじゃなくてもっとグローバルにならないといけないという想いは最近ちょっとずつ強くなってきていて。学生時代から、ファッションを通して世界の人の在り方やムードを感じとってきたので、今度は自分がファッションに何を返していけるのか、そういうことに向き合うフェーズに今後はしていきたいですね。

「基本自分に自信がないんですよ」ケイスケヨシダが作る言語化できないなにか

No.4 osumi（Water Blueデザイナー）「osumi」のクリエイションを紐解くマインドマップ1：アトピー性皮膚炎幼少期に感じていた周りからの"視線"と、抱いていた"女性像"　デザイナーとしての原点を振り返る時、小さな頃から抱えているアトピー性皮膚炎が大きく影響しています。ずっと人の視線を気にしながら生活をしていたので、なるべく自分をよく見せたいという思いもあり、そこからファッションに興味を持つようになったのだと思います。　作品から女性らしさを感じるとよく言われますが、自分自身に欠落していると思う"身体的女性らしさ"への憧れや思いから影響を受けているのだと思います。周りの女性との身体の違いから、"自分の身体はただの入れ物で中身だけが女性"という感覚を持っています。その感覚をネガティブに捉えている訳ではなく、自身のコンプレックスも交え新たな人物像を提案したいという思いで作品を制作しています。ストレスから逃げるように"空想世界"へ　皮膚炎による身体的ストレスが大きかったこともあり、少し前まで現実逃避のように空想にふけることがよくありました。見えている空間は現実世界ですが、脳だけ別の所にありふわっと靄がかかっている感覚です。この"ふわっとした状態"が私のデフォルトだったのですが、時折ハッっとリアルな空間を感じることがあり、その瞬間がいつも怖かったことを覚えています。　様々な人との出会いの中で現実と向き合う大切さを学び、現実逃避することも少なくなっていきました。今ではその時感じた空気や匂いを辿り、作品の要素として落とし込んでいます。2：自然"山・川"溢れる風景とデジタル機器のギャップに感じた"中途半端さ"　実家は近くに山と川があったりと、自然に溢れた場所でした。豊かな景色とは対照的に、私の父は新しいもの好きだったので、家の中はゲーム機やパソコンなどの最新のものが揃っていて。田舎なのに家の中がデジタルで、その環境をずっと中途半端に感じていました 。ただ、そういう環境があったからこそ、デジタルとアナログのどちらにも惹かれるんだろうなと思っています。 デジタルキッズが憧れた"都会"　父のお陰で小学生の頃からパソコンを触っていて、今振り返るとかなりデジタルキッズだったなと（笑）。YouTubeやブログで新しいことを知る度に、都会への憧れがとても強くなっていったことを覚えています。中学生の時に初めて東京に行ったんですが、田舎にはない雰囲気を体感できたことと、憧れの竹下通りに行けたことがとても嬉しくて、今でも記憶に残っていますね。3：The Sims3人間の生活を"神視点"で眺めていた中学3年生　中学3年生の時、「ザ シムズ3（The Sims3）」というパソコンゲームにかなりハマっていました。このゲームは、プレイヤーが人間の姿をした「シム」たちを作り、彼らの人生模様を"神視点"で眺めて楽しむシミュレーションゲームです。　フル3Dで描かれたグラフィックが特徴で、シムの顔のパーツや性格だけではなく、建物や家具といった細かな部分まで自分で設定できる面白さがありました。また、予想もしていない動きやオーバーリアクションが楽しくて、とにかくこのゲームに時間を費やしていましたね。周りの友達は誰もやっていなかったので、一人で黙々と楽しんでいました（笑）。今の作品に繋がる"人間生成"と"MOD"　ふと思い返すと、今の作品制作では「ザ シムズ」と同じようにキャラメイクしているので、制作の基盤をゲームで体験していたんだなと。また、「ザ シムズ」ではMOD※を使用ながら自分の世界を構築していたのですが、自分の作品でも制作が難しい背景やパーツは、素材を外部から取り込み作品に反映しています。※MOD:外部の人が制作した家具や服のデータ4：ファッション学校「me」"仲間"のお陰で実感できた"成長"　「ミキオサカベ（MIKIO SAKABE）」の坂部三樹郎さんが運営するファッション学校「me」では、授業毎に生徒間で作品をプレゼンする時間がありました。人前に出ることが苦手だったので最初は思う様に話ができなかったのですが、仲間たちの助けもあり次第に環境に慣れることができました。Thinkコースの修了生による作品展では副リーダーを務めていたのですが、展示会終了後にサプライズケーキをみんなが用意してくれて。大変な事も多々ありましたが、みんなから感謝の言葉をもらい、自分の成長を感じることが出来ました。　また、制作においてもmeのみんなからたくさんの刺激を受けています。特に、中林さん（中林花香）の作品は、毎回心動かされます。彼女にしか制作できない独特な空気感で、作る服もかっこいい。何気ない日常の中に見えるもうひとつの新しい世界を感じられます。知れば知るほど、彼女の世界に浸っていけるのが心地よいです。"先生"からの助言で始めた3DCG制作　ファッションを学んでいく中で、今まで通りブランドを立ち上げて服を作るという流れには違和感があり、自分らしい表現を模索していました。その頃に三樹郎さんから頂いた「バーチャルで作品を作ることが向いてそう」というアドバイスがきっかけとなり、CGやVRを1年ほど独学。また、吉田さん（KEISUKEYOSHIDAデザイナーの吉田圭佑）をはじめとする先生方も、作品の意図を汲み取りながら様々なアドバイスをくれます。それのアドバイスがあったからこそ、今のテイストに辿り着くことができたと思っています。　ただ、バーチャルだけでの表現では物足りなさも感じていて。現在はバーチャルな世界観を感じられるようなプロダクトを提案したいと思い、3Dプリンタを使用した靴作りを進めています。 5：80〜90's アニメーション"うる星やつら2 ビューティフル・ドリーマー"のメタ的視点　80年代〜90年代のアニメを大人になってから観るようになりました。作者の物事の考え方や視点などは、作品の参考にすることも多いのですが、中でも「うる星やつら2 ビューティフル・ドリーマー」は、主人公たちの日常から垣間見えるふとした不思議なシーン作りや、時間がループしていることに登場人物が気付く視点などが面白くて。日常とファンタジーの境界線で感じられる"ふわっとした感覚"が、見ていて心地良いんです。　自分で制作したものを見返すと、3DCGにも関わらず現実世界での撮影風景を想起する作品があり、アニメを見ている時の"ふわっとした感覚"に近いものを感じます。こういった作品の持つ不思議な感覚を、見ている人にも伝えられるような作品を作っていきたいと思っています。"セル画"の魅力に触れた、"イクニ監督"の「美少女戦士セーラームーン」　meのプレゼンで初期の「美少女戦士セーラームーン」の画像を見せた時、三樹郎さんから「なぜこれが良いと思ったのか、しっかりと考えた方が良い」というアドバイスを頂きました。自分なりに色々と考えた結果、当時のセル画アニメーションの雰囲気が好きだということに気がつき、そこから自分でもアニメーション制作に取り組むようになりました。　セル画アニメーションは透明フィルムに絵を描き、それを撮影してアニメーションを作っているので、数秒の作品でも時間がかかり大変なのですが、デジタルとはまた違う味わいが出せることがとても魅力だと感じます。まだ色々と試している段階ですが、デジタルとアナログを融合させながら自分の表現を追求していきたいです。　これまでグループ展などには参加してきましたが、今後は個展で作品を発表できるよう活動に励んで行きたいと思います。お仕事や展示などあれば是非誘って下さい！

次世代デザイナー連載「私のマインドマップ」: No.4 osumi（Water Blueデザイナー）

      フォトグラファー 磯部昭子のベストバイ SHISEIDOのマニキュア ― なぜこれがメルカリベストバイ？　初めて母に買ってもらったマニキュアで大切にしていたんですが、父に捨てられてしまって。素敵なフォルムで、ずーっと探していたんです。35年以上前の物なので半ば諦めていたのですが、執念の検索の末メルカリで発見！ 当時持っていたものと中身の色は違いましたが、購入後中身を入れ替えました。また出会えて大満足です。しかも300円！― メルカリで良いアイテムを見つけるコツは？　自分にとって良いアイテムが何かをまず把握することがなによりです。― 保存している「検索ワード」は？ ・昭和　レトロ　置物・UFO　アダムスキー　模型・東京タワー　置物・歯　模型・卓上ライター・靴べら　レトロ・ベークライト・アメリカンフラワー・製薬会社　ノベルティ・ひらがな　レトロ・人体模型・宝貝・標本― メルカリの面白さは？　欲しいものが格安で手に入る可能性があること。 磯部昭子東京を拠点に活動するフォトグラファー。2001年 武蔵野美術大学造形学部映像学科卒業。インスタグラム：@akikoisobe次のページ＞＞デザイナー 横澤琴葉のメルカリベストバイ：ANN-SOFIE BACKの変形ラメキャミソールメルカリベストバイ一覧      デザイナー 横澤琴葉のベストバイ ANN-SOFIE BACKの変形ラメキャミソール ― なぜこれがメルカリベストバイ？　一番尊敬しているスウェーデン出身のデザイナー、アン ソフィー バック（ANN-SOFIE BACK）の初期のもので、キャミソールや下着を着崩したようなカットソーのデザインが当時のブランドの象徴でもあり、今ではもう手に入らない貴重なアイテムです！リアルタイムの世代ではないからこそ、今こうして出会えるのが嬉しい。― メルカリで良いアイテムを見つけるコツは？　こまめに見て、気になるものはとりあえず「いいね！」する。あと、英語、スペース有り無し、カタカナ、など表記を変えて何度も調べます。例えばラグマットが欲しい時は、ラグ、ジャカード、ジャガード、ブランケット、タペストリー、など言い方を変えて何通りも調べたり。― メルカリで保存している「検索ワード」は？・ANN SOFIE BACK（アンソフィーバックも）・BLESS n°（BLESSは n°を付けないと探しにくい）・エドハーディー（悪そうな服が大好き！）・viviantam（カットソー系が特に可愛い）・海外　お土産　タペストリー（家のインテリアは全部これで買った）・kotohayokozawa／todo kotohayokozawa（自社製品の相場チェックも欠かせない）―メルカリならではの面白さは？　新しいものにも古いものにも出会えること。欲しいモノのワードさえ知っていれば、全国のリサイクルショップを一気に巡っているような感覚になれます。二次流通の相場という新しい価値が生まれることによって、作り手としても刺激を受けています。 横澤琴葉ファッションブランド「コトハヨコザワ（kotohayokozawa）」デザイナー。エスモード東京校、ここのがっこう等でファッションを学んだ後、2015年に自身のブランドを立ち上げた。インスタグラム：@kotohayokozawa次のページ＞＞デザイナー 吉田圭佑のメルカリベストバイ：A.F.VANDEVORSTのバッグメルカリベストバイ一覧      デザイナー 吉田圭佑のベストバイ A.F.VANDEVORSTのバッグ ― なぜこれがメルカリベストバイ？　「A.F.ヴァンデヴォースト（A.F.VANDEVORST）」はアントワープを代表するデザイナーの一人で、僕もとっても好きなのですが、日本で買えるお店がなかなかなかったんです。コレクションルックは毎シーズン見ていても、アイテム自体を直接見る機会はあまりなかったので、メルカリでアイテム写真を見ると新鮮な気持ちになれます。これも写真を見た瞬間に、購入画面に進みました。しかもかなりお手頃だった記憶......。ボクシンググローブみたいな細長い形やレザー紐のデザインなど、アイテムとしてもちろん好きですし、コーディネート的にも僕の気分にぴったりでした。― メルカリで良いアイテムを見つけるコツは？　自分ならではの検索ワードを発見していくこと。リサーチの流れに身を任せていく感じが良いんじゃないかなと思います。メルカリは検索してもノイズが拾われてしまうことが多いですが、逆にそれを利用するのが面白さだと思います。探し物をピンポイントで見つけるよりも、検索するワードすらもノイズからの出会いの中で見つけていくような。― メルカリで保存している「検索ワード」は？　基本的に検索ワードは保存していなくて、毎回その時の気分でリサーチを始めます。気になるアイテムはめっちゃ「いいね！」してリスト化して溜めていますよ。今狙っているのは「ヴェロニクブランキーノ（Veronique Branquinho）」のショールカラーのジャケットです。― メルカリならではの面白さは？　ノイズからの出会いや再発見が多いこと。現代はピンポイントで探しているものに出会いやすいですが、自分が新鮮に感じるものって、それを探すワードすらわからないからきっと新鮮なんですよね。だから、そういう新鮮なものに出会ったり、記憶の片隅に忘れていたようなものに出会ってエモーショナルになったり......そういう出会いと発見があるところが面白いです。 吉田圭佑ファッションブランド「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」デザイナー。インスタグラム：@keisuke_dayoshi次のページ＞＞編集者 長畑宏明のメルカリベストバイ：TOMMY HILFIGERのジップアップフーディメルカリベストバイ一覧      編集者 長畑宏明のベストバイ TOMMY HILFIGERのジップアップフーディ ― なぜこれがメルカリベストバイ？　最近ずっとジップアップのパーカを探していたので。真っ赤なボディと白いパイピング、そして背中に施された「クール」とは程遠い刺繍の組み合わせが個人的にドンズバでした。弱いヤンキーが着ていそうというか。つい最近、伊東の古い旅館で泊まりのロケを行った際、寝巻きとして初めて袖を通したのですが、そこで「あ、これはあと数年使うな」と確信しました。― メルカリで良いアイテムを見つけるコツは?　一度自分にとって良い塩梅のアイテムを見つけたら、そこからはメルカリのAIを頼りに関連商品をディグり続けること。また、ファッションは20年ごとに一周すると言われているので、今だったら2000年〜2003年あたりのアイテムに絞って探すと、不思議と「いまの気分」にフィットしやすい。― メルカリで保存している「検索ワード」は？　保存しているものはありませんが、「Marc Jacobs 初期」「SILAS 90年代」「SWAGGER 初期」は定期的にチェックしています。― メルカリならではの面白さは？　一般的な評価軸のど真ん中ではなく、少しばかり右なのか左なのかに逸れたあたりにある隠れた逸品（マーケティング的にはうまくいかなかったが実力ある系）を手に入れられるところ。 長畑宏明1987年、大阪府生まれ。インディペンデントマガジン「STUDY」編集長。インスタグラム：@magazinestudy次のページ＞＞フォトグラファー TACOSのメルカリベストバイ：遊戯王カード「カオス・ソルジャー レリーフ」メルカリベストバイ一覧      フォトグラファー TACOSのベストバイ 遊戯王カード「カオス・ソルジャー レリーフ」 ― なぜこれがメルカリベストバイ？　 2002年発売の「ガーディアンの力」に収録されたレリーフレアのカオスソルジャーの遊戯王カード。原作で主人公が使用したカードの中で一番好きなモンスターなんです。イラスト部分とカードの枠部分の青・金・赤の配色が秀逸で、浮き彫りの加工も相まってコレクター人気も高い一枚。カードコレクションを始めて最初に購入した思い入れのあるもので、今までいろんなカードを買いましたが、いまだにこのカードが一番のお気に入りです。このカードに限らず古いカードは状態が良いものがなかなか出てこないので、納得のいく個体に出会えた時の感動は凄まじいです。― メルカリで良いアイテムを見つけるコツは? 　トレーディングカードは、服と比べると写真詐欺や偽物が多いカテゴリーなのに加えて、小さな線キズ一つで数万円値下がりすることも多いため、商品選びにはかなり気を使っています。メルカリで探す時は、カードの両面+4つ角の画像を掲載していることや、商品説明をしっかりしていることは必須条件。購入前にコメントをして、コミュニケーションがちゃんと取れる方であるかを確認し、トラブルになりそうなことを事前に回避してから買うようにしています。また、商品のすり替え対策として、商品が届いてから開封するまでを動画で撮影するようにしています。― メルカリで保存している「検索ワード」は？・sacai ジャケット・アクアマドール ウルシク・ルイン レリーフ・レッドアイズダークネスドラゴン レリーフ・ブラックマジシャンガール ステンレス・リッチーレリーフ TACOS「FASHIONSNAP.COM」フォトグラファー。服と遊戯王が好き。インスタグラム：@sasai_tacos次のページ＞＞デザイナー 山下琴菜のメルカリベストバイ：Keith Jarrettのアナログレコードメルカリベストバイ一覧      デザイナー 山下琴菜のベストバイ Keith Jarrettのアナログレコード ― なぜこれがメルカリベストバイ？　キース・ジャレットの来日公演を収録したもので、初版で10枚セットのアナログレコード。金沢のミュージックバーを訪れた際、マスターがJBLのスピーカーでかけてくれたレコードで、圧倒的な音の良さ、キース・ジャレット（Keith Jarrett）の狂気、マスターの愛に号泣し、ホテルに戻ってベッドの中で即ポチりました。世界で2000ボックス限定というのもあって中々見つからないものですが、メルカリで4000円でゲットしました。― メルカリで良いアイテムを見つけるコツは？　キーワード検索を保存し、寝る前や暇がある時にチェックするのみ。あとはキーワード検索を工夫すること。例えば「モヘアのニット」で検索するより「カートコバーン」や「ニルヴァーナ　好き」とかで検索する方が面白いものが出てきます。あとは出品コメントが面白い人をフォローして、ひたすら追っています。― メルカリで保存している「検索ワード」は？　欲しいレコード名のほかには、「carl aubock」「石」、あとはセリーヌのフィービー期の関連ワードなど。 ― メルカリならではの面白さは？　出品者の熱のある解説やコメントが、メルカリの最大のポイントだと思っています。身の上話をする人もいれば、使っていた人の思い出を語る人、モノに携わる様々な思いを吐き出している人も。　どうでもいいようなものを熱く語っている出品者を見るとニヤニヤが止まりません。欲しくないけど「いいね！」を押し、時には買ってしまうこともあります。リサイクルショップで自分にしか分からないものを探すみたいな感覚が、メルカリの面白さだと思います。 山下琴菜ファッションブランド「コトナ（KOTONA）」デザイナー。学習院大学経済学部卒業後、ここのがっこう等でファッションを学び、2016年にブランドをスタート。インスタグラム：@kotonakotonakotona次のページ＞＞服好き学生 志摩のメルカリベストバイ：メンズMIU MIUのアーカイヴメルカリベストバイ一覧      服好き学生 志摩のベストバイ メンズMIU MIUのアーカイヴ ― なぜこれがメルカリベストバイ？　2008年に休止した「ミュウミュウ（MIU MIU）」のメンズラインのアーカイヴに少し前から注目しています。この五部袖のシャツは2003年春夏コレクションのもので、ルックを目にした時から欲しくて探していた一着。アーカイヴショップや古着屋をまわってもなかなか見つからず、メルカリでやっと見つけた時は嬉しかったです。― メルカリで良いアイテムを見つけるコツは？　「いいな」と思った商品を販売している出品者は好みが似ていることが多いので、積極的にフォローしています。― メルカリで保存している「検索ワード」は？　「メンズ miumiu」「メンズ プラダスポーツ」「メンズ ジャンポールゴルチエ」など。今はゴルチエのパワーネットカットソーを狙っているのですが、ウィメンズサイズのものが多いので、良いものを見つけたら購入したいです。― メルカリならではの面白さは？　主に欲しかったアーカイヴなどを買うツールとして使っていますが、手軽にたくさんの商品が見られる古着屋さん巡りのような感覚でも使えるのが面白いです。ざっくりとゆるく着られるスウェットが欲しいなと思ったら、カテゴリーをスウェット、サイズをXL以上とだけ指定して検索すると、膨大な数の商品が出てくるので、そこから気に入ったものを探す作業がすごく楽しくて。気がついたら2時間くらい経っていた、みたいなことがよくあります（笑）。 志摩「FASHIONSNAP.COM」学生インターン。好きなブランドは「キコ・コスタディノフ」と「NEU_IN」。インスタグラム：@masatoshima次のページ＞＞PR/DJ Hitomi Tomitaのメルカリベストバイ：カウンターチェアメルカリベストバイ一覧      PR/DJ Hitomi Tomitaのベストバイ カウンターチェア ― なぜこれがメルカリベストバイ？　新居のキッチンに合うカウンターチェアを探していたところ発見しました。ベストバイの理由は「めちゃくちゃ気に入っているから」、それだけです！― メルカリで保存している「検索ワード」は？　アイテム名だけだと検索結果が膨大になってしまいますが、好きなメーカー／ブランドやデザイン様式の呼称を保存することで、好きな世界観の商品だったり、好きなものが共通している出品者さんに出会えています。例えば「ミッドセンチュリー」や「バウハウス」など。 Hitomi TomitaPR、DJ The Antoinettesインスタグラム：@hi_this_is_hitomiメルカリベストバイ一覧

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Culture

デザイナーズから遊戯王カードまで、服好きのメルカリベストバイ

　パンデミックにより、国外での発表中止を余儀なくされる一方、前回シーズンに比べて徐々にショーを開催するブランド数が増え、ブランドを支援するプロジェクト「by R」によって国内への熱気を取り戻そうとする流れも漂っていた。　そして、その国内で熱気を熟成していく姿勢は他国でも起きている。　例えば、中国であれば昨年10月に若手ブランド支援のコンテスト「YU PRIZE」*を設立。スポンサーには、FarfetchやDidiなど業界外の企業も参加し、パートナーシップにはTHE METやBRITISH FASHION COUNCILなどが並ぶ。受賞者には、15万ドルの賞金とともにハロッズでの販売が約束されるそうだ。　一方、韓国はそのようなインスティチュートを中心とせず、やはりK-POPをはじめとするカルチャーが母国のファッションシーンを国外へ紹介する力を近年ますます発揮しているように感じる。VOGUE CHINAの編集長に27歳のマーガレット・チャン（Margaret Zhang）が就任したことをはじめ、20〜30代の感覚や価値観が未来への舵取りを担いはじめているのは確かだ。 KEISUKEYOSHIDA 2021年秋冬コレクション Image by: FASHIONSNAP.COM　珍しく爽やかな自然光に照らされながらショーを開催した「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」は、間違いなくそういった次の世代へファッションの希望を示していた。　パンデミック後、21S/Sコレクションよりグッとパーソナルな記憶に焦点を当て、未来へのまなざしを提示するブランドを散見するようになったが、デザイナー・吉田もまた21S/Sコレクションでは、生まれ故郷に由来した荒川河川敷での野外ショーで彼の心情をオーディエンスの心に投影させた。そのショーから、どことなくデザイナー自身がデビュー当時の雰囲気に再び向き合いはじめているようだった。　そうして今回のコレクションでは、より具体的なモチーフとして学生服、日本独特のじめじめとした儚さ、教室に差し込む光がショー会場に混在する。光があれば必ず影もある、影があるから光も感じることができる、そしていずれ光で導くこともできる、そういったブランドの原点に回帰しつつも、更新する姿がそこには映っていた。　俯きながら歩くモデルたち、彼らの首を重心として前に垂れ下がるカットソーやロングコート、外の明るさとは対照的に滴る雨の音。デザイナー自身の学生時代を反映したそれらの光景には、「冴えない姿こそ希望のメタファーになりうる」という逆説的な言葉が込められている。それは、葛藤を抱く学生のみ共感するものではなく、いま在る複雑な心情も受け止めながらも前向きに進む現代社会にも重なるようだった。　デザインプロセスの出発点にもなったという「俯く」人の姿は、単純に鬱々とした学生の姿にとどまらず、わたしたちの日常の光景に置き換えれば、携帯に没入する現代の人々のシルエットにも見える。この「俯き」の佇まいは、これまで90年代であれば「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」　、近年であれば「バレンシアガ（BALENCIAGA）」が時代に沿って更新してきた新しい身体のかたちに延長する近未来の人間像さえも予兆したように感じた。　都心から少し外れた馬喰町でショーを開催した「バルムング（BALMUNG）」も、また然り原点を更新するようなインスタレーションを発表した。　会場に無造作に置かれるダンボールたち。静かに出てきたモデルたちの手により、たちまち本来のかたちや機能、力から逸脱し、歪なものとして浮かび上がる。　彫刻家・鈴木操によるソフト・スカルプチャが立ち上がるまでのその一連の行為は、ここ近年ヨーロッパのデザイナーたちが描いてきたクリーチャーやメタモルフォーゼとは異なり、「物事に垣根はなく、グラデーションが存在するのみ」というデザイナーの言葉のとおり、可逆性もありうる曖昧さを含んでいた。 BALMUNG 2021年秋冬コレクション Image by: FASHIONSNAP.COM（Ippei Saito）　いまでは当たり前となった、ファッションにおけるデザイナー専制的な時代からストリートが主体となった時代への変化は、デザイナーのハチが青春時代を過ごした原宿のストリート文化に根強く関係している。原宿のストリート文化で巻き起こった現象は　―ブランドの服が持つ記号を自らの手で取り外し、カスタマイズしていく― "そうであったもの"を"そうではないもの"へ変化させ続けることで違和感が強調・肯定されるようなものだった。　そういったデザイナー自身が身体的に体感してきた服の作用が、今までグラフィックデザインと服のフォルムで表現されていたが、今回はテキスト、音楽、インスタレーションによってより一層立体的に立ち上がる。　特にショーの後半に登場してきた、変形的でアルミやキルティングなどの様々なマテリアルを組み合わせた立体的なビッグウォーマーやトップスは、モデルの身体から動的に飛び出てきた一瞬を捉えたようなフォルムにも見える。それは、流動的に動き続けるものの一瞬を捉えていく"ファッション"そのものもあらわしているようだった。　そして東京ファッションウィークのトリを飾った「リコール（Re:quaL≡）」もまた、過去の蓄積から未来へのエネルギッシュなまなざしを提示する若手ブランドのひとつ。　前回のデビューショーでは、すでに存在するものを再びなぞり、その痕跡に想いを馳せるという意味で「retrace」をテーマに掲げた。「時間の単位に常に等しく」というブランドのコンセプトのとおり、そこにはあらゆる時代の背景を持っている人、シルエットやユニフォームのような記号がデザイナーの手によって、同じ時間の中に盛りだくさんに詰め込まれていた。　ロンドンのファッションショーを彷彿とさせるような演劇チックなショーは、今回も健在。"refrppie"というテーマのもと、幼少期に訪れたアメリカでの景色をきっかけに、モード史の都でもあるパリの伝統―フレンチスタイルーとヒッピーを掛け合わせ、未来の人間像を描くとコレクションノートに記してある。　資本主義が加速したいま、人々はつかの間の休息を求め、「消費」だけでは満たされない幸福感を「時間」「無駄なもの」を通して探し求めているように思う。パンデミック以前から始まっていたそのような人間が欲する価値観の変化は、往々にしてヒッピー文化と重ねあわされ、具体的にわたしたちの生活スタイルにも影響を与えつつある。　そうした現代の時代背景に直球で挑む姿は、果敢かつ清々しい。そして大きなストロークで壮大な装いの歴史をランウェイの一瞬にぎゅっと刻み込む技は、相当のファッションオタクではないとなし得ないことであると理解しつつも、同時に具体的な記号に対しての足し引きがあることも今後期待してしまう。　現代社会の人々の佇まいやよく使う身体の箇所の変化に伴って、2015年以降、身体と衣服の重心点、隠す/顕す部分もさまざまな解釈が更新されはじめた。それは90年代後半〜2000年代初頭に起きた衣服による身体の伸縮への問いかけに似ているようで異なり、デジタルネイティブな世代を中心に起こる加工文化や画面上に広大に映る世界などの複雑さも多重に交差している。　そう一辺倒にはいかない絡み合った新たな感覚や価値観。その中にあるいくつもの歴史、社会、人々、心情、現実とファンタジーをひとつずつ紐解き、再構築していくブランドが未来を担っていくのではないだろうか。（文責：Yoshiko Kurata）*YU PRIZE

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